viernes, 30 de noviembre de 2018

Blade Runner tendrá serie de animación

Adult Swim y Crunchyroll se han asociado con Alcon Television Group de Alcon Entertainment para producir y distribuir una nueva serie de anime inspirada en la aclamada película ganadora del Oscar "Blade Runner 2049". Con el título "Blade Runner - Black Lotus", la serie consistirá en principio en 13 episodios de 30 minutos, y de momento se desconoce la trama, aunque sí se sabe que la historia tendrá lugar en 2032 e incluirá algunos personajes conocidos del universo Blade Runner.
La serie va a contar con importantes nombres del anime, pues Shinji Aramaki (Appleseed) y Kenji Kamiyama (Ghost in the Shell: Stand Alone Complex) dirigirán todos los episodios, mientras que Shinichiro Watanabe (Cowboy Bebop, Samurai Champloo) será productor creativo y Mitsuhisa Ishikawa de IG participa como asesor de producción del nuevo título, cuyos episodios serán producidos por el estudio de animación Sola Digital Arts (Ultraman). Watanabe escribió y dirigió el cortometraje de anime "Blade Runner Black Out 2022", que sirvió como una de las tres precuelas cortas de anime para "Blade Runner 2049", y Aramaki también trabajó en el departamento de arte para "Black Out 2022". Andrew Kosove de Alcon, Broderick Johnson, Laura Lancaster, Al-Francis Cuenca y Joseph Chou de Sola Digital Art serán los productores ejecutivos del proyecto, y el ejecutivo de Alcon, Ben Roberts, será el co-productor ejecutivo.
"La primera vez que vi Blade Runner fue en 1982, a los 11 años. Ha sido una de las películas definitorias de mi vida. (...) Poder explorar más de este universo, con el increíble talento que tenemos a bordo, es un sueño hecho realidad", ha declarado Jason DeMarco, vicepresidente y director creativo de Adult Swim.
"Blade Runner es un trabajo seminal, y su influencia impregna el género", ha dicho por su parte Sae Whan Song, jefe de desarrollo de negocios de Crunchyroll. "Adult Swim comparte nuestra emoción de llevar esta nueva serie a los fanáticos, y estamos ansiosos por construir esta franquicia juntos".
Según Kosove y Johnson: “El universo de Blade Runner es un pozo increíblemente profundo para la historia y el personaje, con un mundo y mitología sobre los que el público ha estado debatiendo y hablando desde su inicio. Estamos muy contentos de continuar explorando ese mundo a través de esta serie de anime". Por su parte, Lancaster se ha mostrado encantada de tener a Shinji Aramaki, Kenji Kamiyama y Shinichiro Watanabe como socios creativos.
Adult Swim tendrá los derechos mundiales (excepto Asia) para distribuir la serie y transmitirá los episodios en el popular bloque de programación de anime Toonami. Mientras que Crunchyroll tiene los derechos de transmisión para la comunidad asiática.

Precuela animada de Blade Runner 2049

miércoles, 28 de noviembre de 2018

"Spiderman: Un Nuevo Universo" tendrá secuela y spin-offs

Según ha revelado Hollywood Reporter, Sony Pictures ya está desarrollando una secuela y derivados de su próxima película animada, "Spider-Man: Un Nuevo Universo". El anuncio se produce más de dos semanas antes de que el largometraje llegue a los cines el 14 de diciembre, precedido de "un alboroto increíble" del que ha dado cuenta el estudio.


Sony ha anunciado que está planeando una secuela que continuará la historia de Miles Morales. La secuela estará dirigida por Joaquim Dos Santos (Avatar: The Last Airbender, Voltron) y producida por Amy Pascal, y es probable que el fundador de Marvel Studios, Avi Arad, y los productores de la primera, Phil Lord y Christopher Miller, también participen.
El estudio también está buscando otras derivaciones, y una que está ganando terreno es una película de Mujeres-Araña que contemplará tres generaciones de mujeres con poderes arácnidos y que tendría guión de Bek Smith y podría estar dirigida por Lauren Montgomery (Batman: Year One, Superman/Batman: Apocalypse). Aunque no se han avanzado decisiones, uno de estos personajes podría ser Spider-Gwen, y quizás entre ellas podrían estar también Spider-Woman, Madame Web, Spider-Girl o Silk.


Las previsiones apuntan a que "Spider-Man: Un Nuevo Universo" gane entre 25 y 30 millones de dólares cuando se estrene en EEUU. Está dirigida por Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman a partir de un guión de Lord y Rothman, y producida por Lord y Miller, junto con Arad, Pascal y Christina Steinberg. Los productores ejecutivos son el fallecido Stan Lee, Brian Michael Bendis y Will Allegra.

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Netflix anuncia más anime para 2019

Netflix, ha anunciado más títulos de animación durante el evento Anime Lineup Presentation en el Akiba Theatre en Tokio, presentando algunas novedades para el próximo año que se añaden a la lista cada vez mayor de anime de Netflix, que este mismo mes anunciaba cinco títulos nuevos (Pacific Rim, Altered Carbon, Cagaster of an Insect Cage, Yasuke y Trese).
El anuncio de estrenos para el transcurso de 2019 incluirá aún más contenido de anime de algunos de los mejores creadores del mundo y revisitar algunos de los clásicos más queridos.
  • Ultraman
    Para el 1 de abril se espera esta serie de Production I.G. y SOLA DIGITAL ARTS dirigida por Kenji Kamiyama y Shinji Aramaki, cuyos hechos transcurren varios años después de los eventos de Ultraman, con el legendario "Gigante de la Luz" (Hikari no Kyojin) convertido ahora en un recuerdo, ya que se cree que regresó a casa después de luchar contra los muchos alienígenas gigantes que invadieron la Tierra. El hijo de Shin Hayata, Shinjiro, parece poseer una habilidad extraña, y es esta habilidad, junto con la revelación de su padre de que fue Ultraman, lo que le lleva a luchar contra los nuevos alienígenas que invaden la Tierra como el nuevo Ultraman.

  • Rilakkuma y Kaoru
    Uno de los personajes más populares de Japón cobra vida en esta serie de animación stop-motion. Cuando una mujer de unos treinta años comienza a compartir su apartamento con un osito de peluche que ha decidido residir allí, descubre que el secreto de la vida a veces es tan simple como relajarse. Es una producción de dwarf studios dirigida por Masahito Kobayashi con guión de Naoko Ogigami, cuyo estreno está previsto para el 19 de abril de 2019.

  • 7Seeds
    También en abril del año que viene Netflix estrenará esta serie original protagonizada por Natsu. En el futuro inmediato, un meteorito gigante ha colisionado con la tierra, y todos los organismos vivos, incluida la humanidad, han sido borrados de la faz del planeta. El gobierno, que había previsto este resultado, tomó medidas para contrarrestar el peor escenario mediante el denominado Proyecto 7SEEDS, en el que cinco grupos de siete hombres y mujeres jóvenes fueron cuidadosamente seleccionados y colocados en equipos. Un día Natsu se despierta de repente en medio del océano junto a seis extraños, y ninguno de ellos recuerda cómo ha llegado hasta allí. Después acaban en una isla, donde una "guía" les explica que son parte de un proyecto gubernamental que busca conservar mediante criogenización grupos de gente para asegurar la supervivencia de la humanidad. El grupo de Natsu advierte finalmente que se encuentran en Japón, asolado por una catástrofe, y debe aprender a sobrevivir en esta nueva realidad post-apocalíptica.
    Se trata de una adaptación del manga homónimo de Yumi Tamura, producida por Studio GONZO y dirigida por Yukio Takahashi, con diseños de personajes de Yoko Satoh.

  • Neon Genesis Evangelion
    Netflix estrenará mundialmente en primavera los 26 episodios de la serie original creada por Hideaki Anno y desarrollada en Studio Khara, así como dos largometrajes: "Neon Genesis Evangelion: El final de Evangelion" y "Neon Genesis Evangelion: Muerte (Verdad)". Tokio 3 está siendo atacada por poderosas criaturas conocidas como los Ángeles. El protagonista, Shinji Ikari, es elegido para pilotar el Humanoid Decisive Weapon Evangelion, la única forma en que la humanidad lucha contra los Ángeles. La batalla por el destino de la humanidad comienza ahora. ¿Qué son exactamente los ángeles? ¿Qué destino les espera a los jóvenes pilotos y a la propia humanidad?

  • Saint Seiya: Caballeros del Zodíaco
    Finalmente, en verano se estrenará esta producción de Toei Animation dirigida por Yoshiharu Ashino que trae de vuelta a los Caballeros del Zodíaco, unos jóvenes guerreros que son protectores jurados de la reencarnada diosa griega Atenea. Cada Caballero usa una poderosa armadura basada en su constelación del zodíaco elegido, y se les llama "Caballeros del Zodíaco". Ayudan a Atenea en su batalla contra los poderosos dioses olímpicos que están empeñados en destruir a la humanidad. La serie, inicialmente de 12 episodios, estará basada en los guiones supervisados por Eugene Son (Avengers: Secret Wars) y contará con personajes diseñados por Terumi Nishii (JoJo's Bizarre Adventure: Diamond Is Unbreakable, Penguindrum), narrando hechos que se sitúan en los arcos entre las Guerras Galaxianas y los Saints de Plata.


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"Pacific Rim" y "Altered Carbon" entre otras series anime en Netflix (8 de noviembre 2018)

martes, 27 de noviembre de 2018

Netflix se sumerge en el universo de Roald Dahl

Netflix va a crear una colección exclusiva de series animadas originales inspiradas en el singular universo de Roald Dahl, recreando y ampliando algunas de las historias más queridas del mundo: Charlie y la fábrica de chocolate, Matilda, El gran gigante bonachón, Los Cretinos, y otras...

Roald Dahl
Willy Wonka y los umpa lumpas acompañan al gigante bonachón, a Matilda, a los cretinos y a otros personajes emblemáticos que han encontrado un nuevo hogar en Netflix. Netflix y The Roald Dahl Story Company anunciaban hoy que Netflix va a ampliar el universo de historias de Roald Dahl para las familias de todo el mundo con su nueva colección de series originales animadas, basadas en los libros superventas del famosísimo y galardonado autor.
Las historias de Roald Dahl llevan mucho tiempo inspirando películas y obras teatrales. Y ahora, por primera vez, Netflix reunirá a equipos de creativos, guionistas y realizadores de primera línea para ampliar las historias en una colección pionera. Serán series y especiales animados de alta calidad para todas las edades y familias. Netflix quiere ser fiel al espíritu y el tono tan singulares de Roald Dahl, y además construir un universo imaginativo que trascienda las páginas de sus libros.
The Roald Dahl Story Company protege y aumenta el valor cultural de la marca The Roald Dahl, con su abanico único de personajes, historias y mundos. Su misión es divulgar el mensaje positivo que transmiten todas las historias del célebre escritor: el mundo puede ser duro, pero, con una mezcla de imaginación, determinación y corazón, cualquier persona, da igual lo pequeña e impotente que se sienta, posee la fuerza para cambiar sus propias circunstancias y mejorar. La convicción de que este mensaje cada vez resulta más pertinente, y de la influencia positiva que tiene, es lo que impulsa todas las actividades de la RDSC. La compañía se ha forjado un gran prestigio global como marca y empresa de entretenimiento en el campo editorial, en el cine y en el mundo de los productos de consumo y eventos. Durante su trayectoria, ha cosechado los elogios del sector, así como un total de 52 nominaciones a los premios Óscar, Globos de Oro, BAFTA, Olivier y Tony. Con 300 millones de libros vendidos, la marca The Roald Dahl sigue aumentando su popularidad en todo el mundo, atrayendo a nuevos públicos con sus innovaciones en el mundo de los libros, del entretenimiento y otros.


"Nuestra misión es deliberadamente ambiciosa: queremos que el máximo número de niños de todo el mundo vivan la magia y el mensaje positivo tan característicos de las historias de Roald Dahl”, explicaba Felicity Dahl, la viuda del escritor. “Esta colaboración con Netflix es un paso muy importante para hacerlo posible, y el inicio de un capítulo nuevo y emocionante para The Roald Dahl Story Company. Sé que a Roald le entusiasmaría la idea”.
"Poder sumergirnos en los mundos extraordinarios de Roald Dahl ha sido un gran honor y una experiencia divertidísima, y le estamos muy agradecidos a The Roald Dahl Story Company y a la familia Dahl por haber elegido a nuestro equipo para compartir más momentos de alegría con las familias de todo el mundo”, confesaba Melissa Cobb, vicepresidenta de Contenidos infantiles y familiares de Netflix. “Nos hemos marcado una meta creativa muy ambiciosa: volver a imaginar las trayectorias de tantos personajes maravillosos de Roald Dahl con visiones frescas y actuales y la animación de la mejor calidad, pero sin traicionar el increíble legado del escritor”.
“Netflix es conocida por su forma de contar historias innovadora y de alta calidad”, añadía Gideon Simeloff, director de Estrategia de The Roald Dahl Story Company. “No hay ningún otro sitio en el mundo que pueda ofrecer entretenimiento animado para toda la familia de esa calidad y a esa escala”.
En la lista de títulos del acuerdo entre Netflix y The Roald Dahl Story Company figuran Charlie y la fábrica de chocolate, Matilda, El gigante bonachón, Los cretinos, Charlie y el gran ascensor de cristal, La maravillosa medicina de Jorge, Boy: relatos de infancia, Volando solo, El cocodrilo enorme, La jirafa, el pelícano y el mono, La maravillosa historia de Henry Sugar, Billy and the Minpins ,El dedo mágico, Agu Trot, ¡Qué asco de bichos! y Puchero de rimas.
La producción de la primera de las series animadas de Dahl de Netflix empezará en el año 2019.

lunes, 26 de noviembre de 2018

b'Ars vuelve a traer lo mejor de la animación y los VFX a Barcelona

Entre el 30 de noviembre y el 1 de diciembre se celebrará en el Disseny Hub Barcelona una nueva edición - la quinta - de la Feria Internacional de Artes y Efectos Visuales para el cine, la animación y los videojuegos, un punto de encuentro internacional de la industria de los VFX y la animación y un puente entre el talento local y los grandes estudios coorganizado por Barcelona Centre de Disseny y el estudio MinimoVfx.
El arte y la ciencia se pondrán de manifiesto en este evento dirigido a profesionales y a estudiantes de la industria de la producción de contenido digital (VFX, animación, videjuegos, CGI, VR, AR...) así como para el público en general con curiosidad por descubrir "la magia" que se esconde tras la gran pantalla. Conferencias, talleres, exhibiciones, un área para favorecer la generación de empleo y la zona VR se dan cita simultáneamente, ofreciendo una forma divertida y dinámica de conocer a mitos y expertos de la industria, estar al día de nuevos proyectos y tecnologías, encontrar talento y potenciales colaboradores, compartir ideas y pasarlo bien.


Una de las secciones importantes de la feria es el apartado de conferencias. En esta edición destacan como estrellas invitadas Phil Tippet, maestro internacional de los efectos especiales, galardonado con dos premios Oscar, dos Emmy y un Bafta, y padre de los monstruos que aparecen en películas como "La Guerra de las Galaxias", "Robocop", "Jurassic Park" o "Starship Troopers"; Jeff Gipson, de Walt Disney Animation Studios, que presentará en primicia en Europa el primer corto en realidad virtual del estudio, "Cycles"; Tom Box, co-fundador de Blue Zoo Animation Studio, que hablará de la revolución que representa el rendering en tiempo real; Miguel Ángel Fuertes, director y supervisor de animación, que hablará de la comunicación no verbal y de la importancia de los espacios vacíos y del espacio negativo en las poses de animación; y Jordi Sánchez-Navarro, colaborador del Sitges Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que conversará sobre los hitos más destacados en las últimas tres décadas de animación a partir de tres películas estrenadas en 1988: "¿Quién Engañó a Roger Rabbit?", "Akira" y "Tin Boy". Junto a ellos también estarán Jordi Cardús, supervisor CGI de ILM Singapur, que presentará el cómo se hizo de "Ready Player One"; Adam Davis, jefe del equipo de Producción Virtual de MPC Film, que presentará los avances en realidad virtual desarrollados en la compañía; Jesús Rodríguez Nieto, líder del equipo de I+D de DNEG, que platicará sobre el estado de la animación y de las herramientas de rigging para los VFX y los largometrajes de animación; Elena Vitanza, artista 3D de AxisVFX, que iluminará sobre los efectos desarrollados para la película "Cavernícola" de Aardman; Robert Allman, supervisor de CG de Framestore, que presentará el trabajo producido para "Los Vengadores: Infinity War"; Óscar Perea, Óscar Márquez y Javier Mansilla, de El Ranchito, que hablarán por supuesto de "Juego de Tronos"; Mahmoud Ranama, supervisor de VFX en Pixomondo, para hablar de los efectos en Star Trek; el veterano de los efectos visuales Craig Lyn, que analizará su trayectoria por la industria, que le ha llevado a trabajar para ILM y Framestore; Agustín Serna, editor de VFX de Twin Pines, que hablará de la herramienta de gestión ftrack; y Max Rocchetti, de Edi, que mostrará el trabajo tras la experiencia de realidad virtual "The Gateway".


También como siempre, se contará con fantásticas masterclasses:
La directora de arte francesa Virginie Bourdin, una auténtica maestra que ha participado en la conceptualización de Godzilla, Harry Potter y los X-men, que ha firmado el diseño de grandes personajes, como las sirenas de "Piratas del Caribe" o la Centinela de "X-Men: días del futuro pasado" y ha trabajado con J. A. Bayona en "Jurassic World II", desarrollará el taller "Developing a creative brief and your creative thinking" para ilustrar sobre la creación de personajes.
Además, también se desarrollarán los talleres "Producing for Vfx", con Andrew Brassington de Escape Studios Londres; "Acting for animators" con Antonio Morcillo; "Constructive Portrait Drawing" con Martin Barbero y Dorian Iten de Barcelona Academy of Art; "Creación y Modelado de Personajes" con Albert Carruesco de la escuela de VFX Seeway; y "Aprende a construir tu propia máquina arcade" con Ferran Fabregas de Bits&Books Barcelona, en el que se construirá desde cero una máquina recreativa totalmente funcional usando una Raspberry Pi y el software de retroPie.
La Job Fair será nuevamente el punto de encuentro entre estudiantes y profesionales del sector, en el que empresas nacionales e internacionales también tomarán el pulso al talento creativo en Barcelona. Las empresas de la quinta edición serán Framestore, Ilion Animation Studios, Minimo Vfx, Passion Animation Studios, Pixomondo y Trixter.
Podéis encontrar toda la información sobre la feria y adquirir tiquets en la web del evento: http://barsvfx.com/

viernes, 23 de noviembre de 2018

The Tower: Entrevista a Pierre-Luc Granjon

Una de las películas de referencia proyectadas en la reciente edición de Mi Primer Festival ha sido "The Tower", que supone el debut como director de largometraje del realizador sueco Mats Grorud, quien vivió durante un año en un campo de refugiados palestinos y quiso explicar su experiencia utilizando el cine de animación como instrumento.


La protagonista de la película es Wardi, una niña palestina de once años que vive en el campo de refugiados de Bourj El Barajneh, en el Líbano, desde que nació. Un día su bisabuelo Sidi, afectado de una enfermedad del corazón, le da una llave muy especial que abre su antigua casa en Galilea y que guardaba con la esperanza de volver algún día allí. El obsequio se convierte en una gran motivación para Wardi, que tratando de devolver la esperanza a su bisabuelo irá descubriendo poco a poco sus orígenes y la historia de su pueblo a través de las tres generaciones de familiares que comparten su hogar desde el día del "Ak-Knab": cuando el 15 de mayo de 1948 se fundó el estado de Israel, dos tercios de la población palestina se vieron obligados a dejar sus hogares y exiliarse hacia campos de refugiados que nacieron por aquel entonces en países vecinos, y en los que hoy todavía se ven obligados a amontonarse 70 años después de aquella fecha.
La inocente búsqueda emprendida por Wardi se convierte en un relato de historia que otorga identidad a los refugiados y a su drama, a veces tan olvidado o silenciado. Es así  como las nuevas generaciones encarnadas en Wardi se convierten en la esperanza de las viejas, que sólo a través de la pervivencia y transmisión de su relato - "no somos nada sin pasado" - pueden aspirar a mantener vivas sus reivindicaciones y sus sueños, enterrados bajo cada una de las plantas sobre las que se levanta la torre del título en la que viven hacinados los familiares de la joven. Una torre convertida en símbolo del tiempo pasado desde el día de la ocupación, que aleja a sus habitantes cada vez más de la tierra que desean pisar.
La animación, sobria y desnuda de florituras, pero efectivamente expresiva, se alza necesariamente como un recurso poderoso para suavizar y envolver en un halo poético el incuestionable drama de los refugiados, tras el que se esconden imágenes de violencia y terror, y poder hacer llegar así el relato también a los espectadores más jóvenes, convertidos así junto a Wardi en testimonios de una tragedia de la que aún no se vislumbra el final. Mientras que la animación en stop motion narra la relación de Wardi con sus familiares y su búsqueda de esperanza, los dibujos en 2D nos trasladan los flashbacks sobre los que se construye la historia colectiva de los palestinos.
Una imprescindible visión del drama palestino que se aleja del formato documental y a través de la animación y de la emotiva historia familiar de Wardi puede ser compartida con toda la familia.



El director de animación del largometraje es el francés Pierre-Luc Granjon, que fue co-realizador del conjunto de cortometrajes Les Quatre Saisons de Léon. Aprovechamos su paso por Mi Primer Festival para entrevistarle sobre su participación en "The Tower".

El director, Mats Grorud, te ha definido como una navaja suiza a la hora de valorar tu trabajo como director de animación. ¿Qué representó para ti tu contribución en la película?
Ja, ja.. no sabía que había dicho eso. Para mí fue mi primera experiencia como director de animación de un largometraje. Pero fue realmente bien, porque me entendí muy bien con Mats; tenemos formas muy similares de pensar en torno a la animación.
Además conocía a la mayor parte del equipo de animadores, al haber colaborado con ellos en otras producciones, por lo que pude trabajar con mucha confianza.

¿Por qué Mats Grorud quiso contar esta historia también al público infantil?
Grorud viene de compartir experiencias con los niños refugiados de cuando estuvo un año entero en el campo de  Bourj El Barajneh. Allí hay cerca de 21000 niños, más del 40% de la población refugiada. Mats fue testigo de una emotiva escena en que los ancianos del campo explicaban a los jóvenes lo que ocurrió en 1948, por lo que quería contar su historia desde su punto de vista.


Pero hay secuencias realmente fuertes, que incluyen derramamiento de sangre o imágenes de pesadilla. ¿Os impusísteis alguna limitación a la hora de desarrollar la película?
Bueno, ciertamente no está entre nuestros objetivos asustar al público infantil, pero la realidad de los refugiados muestra esa crudeza y Mats no es partidario de edulcorar la realidad. Realmente creemos que a los niños se les pueden contar las cosas como son, porque pueden comprenderlas y tienen un cierto punto de madurez. No hay necesidad de engañarlos presentándoselo todo de color de rosa.
Además, las imágenes más fuertes que mencionas están realizadas en animación 2D, porque Mats entendía que este tipo de animación permite matizar el impacto de las imágenes y presentar la violencia de forma menos agresiva y más simbólica.

La película se desarrolla efectivamente con dos tipos de animación - stop motion y animación 2D. ¿Se concibió así desde el principio o fue una decisión a posteriori?
Sí, Mats ya estaba convencido de hacerlo así desde el principio. Él concebía que la animación stop motion, al estar dotada de un carácter más corpóreo y realista, convenía para explicar el presente de los protagonistas, su vida real. Mientras que la animación 2D, que permite más simbología y tiene un aire más evocador, serviría para explicar el pasado de los personajes.

Tengo entendido que el presupuesto de la película fue bastante ajustado (200000 euros). ¿Qué repercusiones tuvo la contención en gastos?
Sí, es verdad. La película se realizó en los estudios Foliascope de Valence en Francia, y no fue posible realizar viajes a Líbano a causa de lo limitado del presupuesto. Nos tuvimos que orientar por las fotos de Mats: a partir de ellas se crearon los fondos y decorados de la película, con madera, cartón.. y materiales que se pudieran cortar y manipular fácilmente. La torre se construyó en varias partes, porque entera hubiera medido cinco metros, y no habríamos llegado.
Principalmente el presupuesto también condicionó nuestra decisión de cómo abordar la construcción de los esqueletos de los puppets. Las grandes compañías americanas utilizan armaduras de ball & socket e incluso impresión 3D para generar las bocas y las expresiones faciales, y nosotros no pudimos hacer nada de eso. En cambio, optamos por esqueletos de alambre y bocas y cejas modeladas con plastilina mezclada con polvo de hierro y aplicadas con imanes. El resto de la cara iba a ser estático.
Aparte, también influyó en el tiempo de rodaje, que era muy limitado a cinco meses. Y se tuvo que solicitar a los animadores que fueran más productivos de lo habitual, pidiéndoseles unos 6 ó 7 segundos de animación al día, que es bastante.

¿Qué supone animar con esqueletos de alambre en lugar de con armaduras de ball & socket?
Bueno, es algo que se nota por ejemplo en las extremidades, que no se pueden doblar de forma tan realista como lo hace un codo o una rodilla, formando un ángulo, sino que se doblan más propiamente en forma de arco.
Y el alambre también tiene el inconveniente de que es más propenso a romperse más fácilmente.

¿De qué forma se acabaron influenciando los dos estilos de animación? ¿Se buscó que hubiera una correspondencia entre ambos?
Sí absolutamente. De hecho, el estilo de los personajes en stop motion se basó totalmente en los diseños en 2D del director de arte Rui Tenreiro, que a mí personalmente me gustan mucho. Y así se ve en multitud de detalles, como los ojos de los personajes, que tienen un peculiar diseño en forma de sombrero. Pero también en los diseños de los props.. incluso en el jardín de Sidi hay plantas que se recortaron directamente del diseño en 2D y se pusieron recortadas en el decorado.

De hecho ¿el estilo sobrio que se observa en la animación stop motion, se buscó también en la animacion en 2D?
Sí, definitivamente. A Mats le gusta la simplicidad en la animación, y de hecho también a mí; si os fijáis en mis cortometrajes previos veréis que soy partidario de prescindir de movimientos que realmente no aportan nada y de centrarse en unos pocos detalles que son suficientes para definir la expresión. Para "The Tower" nos dimos cuenta de que bastaba con animar las bocas y los movimientos de las cejas. De hecho, aparte de ello, las caras son bastante estáticas. Todo se expresa mediante la boca, las cejas y el lenguaje corporal. Y también en la animación 2D se siguió este planteamiento.

¿Las secuencias en 2D se animaron también en el estudio en Francia?
Sí, esas secuencias se animaron también enteramente en el estudio, en el mismo edificio. Los del stop motion estábamos en una planta y los de la animación 2D en otra, lo que permitía una fantástica coordinación. Aunque también había ocasión para bromear con cosas como si los personajes en 2D no se veían con el mismo tamaño o las mismas proporciones que los puppets del stop motion. Pero al fin y al cabo pensábamos que finalmente no era un aspecto del que los espectadores se iban a dar cuenta o al que iban a dar importancia.

¿Qué escenas recuerdas como las más difíciles de animar o que plantearon mayores retos?
Bueno, realmente todo fue bastante sobre ruedas y no recuerdo grandes dificultades.
Puedo mencionar por ejemplo el especial reto que planteaba el vestido de la tía de Wardi, que siendo tan largo siempre había que vigilar que no acabara moviéndose inapropiadamente.
De hecho la ropa siempre suele plantear retos. También las camisetas de manga corta o sin mangas, porque acaban enganchándose en las juntas de las articulaciones de los brazos, en el lugar donde se juntan con el cuerpo, y queda mal. Por eso al final hubo menos camisetas de manga corta de las que Mats hubiera deseado.

Primer tráiler del nuevo Rey León

Ya están disponibles las primeras imágenes de "El Rey León", la película dirigida por Jon Favreau que da nueva vida mediante animación generada por ordenador al clásico de animación en 2D de 1994.


La nueva película "El Rey León" de Disney Live Action, dirigida por Jon Favreau, viaja a la sabana africana donde ha nacido el futuro rey. Simba idolatra a su padre, el rey Mufasa, y se toma muy en serio su propio destino real. Pero en el reino no todos celebran la llegada del nuevo cachorro. Scar, el hermano de Mufasa y antiguo heredero al trono, tiene sus propios planes. La batalla por Pride Rock está asolada por la traición, la tragedia y el drama, y termina con el exilio de Simba. Con la ayuda de un curioso par de nuevos amigos, Simba tendrá que aprender a madurar y a recuperar lo que le pertenece por derecho.
"El Rey León" utiliza técnicas cinematográficas pioneras para dar vida de forma totalmente nueva a los personajes del cásico de 1994, y llegará los cines en julio de 2019.


La nueva versión está dirigida por Favreau y producida por Favreau, Jeffrey Silver (La Bella y la Bestia, Al filo del mañana) y Karen Gilchrist (El Libro de la Selva, Chef). Jeff Nathanson (Atrápame si puedes, Piratas del Caribe: La venganza de Salazar) escribió el guion basándose en el guión de 1994 de Irene Mecchi, Jonathan Roberts y Linda Woolverton.
Hans Zimmer, que ganó un Oscar por la banda sonora del clásico animado en 2D, pondrá música a la nueva aventura.
Las voces principales de "El Rey León" incluyen en la versión original a Donald Glover como el futuro rey Simba, Beyoncé Knowles-Carter como Nala, y James Earl Jones como Mufasa, el severo pero cariñoso padre de Simba, que retoma su inolvidable interpretación en el clásico animado. Los realizadores recurrieron a Chiwetel Ejiofor para dar voz a Scar, el malvado tío de Simba, y a Alfre Woodard que es la voz de Sarabi, la madre de Simba. JD McCrary será Simba de joven, un cachorro confiado que está deseando ser rey, y Shahadi Wright Joseph prestará su voz a la versión joven de la avispada Nala.
John Kani fue elegido para el papel del sabio chamán Rafiki, y John Oliver para dar vida a Zazu, el leal confidente de Mufasa. Cuando Simba se va al exilio, confía en dos nuevos amigos: Seth Rogen presta su talento cómico al ingenuo jabalí Pumbaa, y Billy Eichner se une al reparto como el suricato sabelotodo Timón.

jueves, 22 de noviembre de 2018

La Increíble Historia de la Pera Gigante

Cuando los grandes blockbusters navideños de la animación hecha en Hollywood están a la vuelta de la esquina pero aún no se han adueñado de las pantallas es la ocasión para que el público infantil deguste otras muestras de excelente animación y entretenidas historias que surgen de otras partes del mundo, dispuestas a reivindicar un lenguaje propio y diversidad de estilos. Como muestra, esta aventura que nos llega desde la fría Dinamarca con toda la alegría que su riqueza de colores y espíritu fresco despliegan desde el minuto uno.


Basada en un libro infantil de gran éxito, la película cuenta las aventuras de dos amigos, el elefante Sebastián y la gata Micho. Junto a los habitantes de Villasol están muy tristes porque su querido alcalde, Jerónimo Braulio Severin Olsen, a quien llaman afectuosamente JB, ha desaparecido. En su ausencia, el teniente de alcalde Chist ha tomado el poder, y sus planes urbanísticos han borrado la luz del sol del que fuera un idílico pueblo. Pero un buen día, Sebastián y Micho descubren una botella con un mensaje de JB y una extraña semilla. JB está vivo y les pide a Sebastián y a Micho que vayan a salvarlo a la Isla Misteriosa, pero les advierte que deberán enfrentarse a tres obstáculos: los Piratas Feroces, el Horrible Dragón Marino y el Mar Negro Cual la Noche. Cuando la semilla se convierte en una gigantesca pera que el singular profesor Glucosa convierte en una embarcación, los héroes no dudan en zarpar en busca de su amado alcalde.
La historia - claramente dirigida a los espectadores más jóvenes - es fácil de seguir, sencilla y sin complicaciones, pero presenta un buen número de situaciones y aventuras en que el mar brindará encuentros con unos piratas cantores, una peculiar y glotona versión del capitán Nemo y simpáticos fantasmas. Se trata en fin de una amable y fresca aventura para el público familiar, desprovista de malicia, donde hasta los "villanos" tienen su corazoncito, y donde se muestra a los jóvenes espectadores que no hay miedo capaz de detener a nadie ante una emocionante aventura si uno cuenta con la ayuda de buenos amigos.
Aún sin ser capaz obviamente de emular todos los avances gráficos de las películas en 3D de las grandes compañías americanas, "La Increíble Historia de la Pera Gigante" sorprende visualmente por el amplio abanico de recursos que es capaz de desplegar, no siempre tan presentes en una película para niños. Entre ellos, la creación de un nutrido universo de personajes que pueblan Villasol e intervienen activamente dando vida a la colorida y bulliciosa ciudad. Aunque los protagonistas sean Sebastián y Micho, un gran número de personajes - generalmente bajitos y narigudos - contribuye a dar cuerpo y personalidad al mundo en el que se desarrolla la historia y, por poco que pueda ser el tiempo durante el que aparezcan en pantalla reciben la atención suficiente como para ejercer algún papel y estar debidamente animados, sin que haya personajes de relleno.
Asimismo sorprende gratamente el detalle de los entornos en que se desarrolla la película, tanto en el referido pueblo de Villasol como también en el interior de la pera gigante, atestada de elementos y artilugios, o del Dragón Marino, y por supuesto en el ancho y a veces embravecido mar por el que navegan los protagonistas.
En fin, no deja indiferente tampoco el nivel de la animación, suficientemente compleja como para no limitarse a acciones básicas, como correr, saltar, reír.. sino también de desplegar situaciones algo más atípicas que añaden riqueza a la escena, como el modo en que Micho juega distraídamente con una linterna, encendiéndola y apagándola bajo la litera de Sebastián. Son momentos como este los que revelan que no estamos ante una animación para salir del paso, sino ante un ejercicio deliberado y pensado de buena interpretación.




Lo mejor: la alegría y frescura que se transmite desde el inicio de la película y se mantiene durante todo el metraje.
En contra: un poco más de conflicto hubiera añadido algo de sal a una historia en conjunto algo blanda.

ArtFutura echa una mirada a la humanización de la tecnología

ArtFutura, el festival de Cultura y Creatividad Digital que explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del New Media, la Realidad Virtual, el Diseño de Interacción y la Animación Digital, arranca oficialmente el 24 de noviembre en Londres, Madrid y Alicante con una nueva edición que incluye proyecciones, mesas redondas, talleres y master-class y que a lo largo del resto de este año y del año que viene extenderá sus actividades especiales a más de veinte ciudades incluyendo Barcelona, Langreo, Buenos Aires, Ibiza, México, Montevideo, Miami, Murcia, París, Palma de Mallorca, Punta del Este, Saint Brieuc o Zaragoza.


En la presente edición, titulada "Tecnología Humanizada", el evento se preguntará qué significa ser humano en la era de la tecnología. ¿Acaso se adapta la tecnología a nuestras aspiraciones y necesidades reales… o es al revés? ¿Nos dirigimos hacia un mundo más amable, mas empático y más humano? ¿O vamos en dirección contraria?
Tecnología humanizada es revertir la crisis de atención digital y realinear la tecnología con los mejores intereses de la humanidad. El Center for Humane Technology, una red de artistas, académicos e investigadores, ha subrayado la amenaza digital de nuestro tiempo: “Nuestra sociedad está siendo secuestrada por la tecnología. Lo que comenzó como una carrera para monetizar nuestra atención ahora está erosionando los pilares de nuestra sociedad: la salud mental, la democracia, las relaciones sociales y nuestros propios hijos”. Quizás la potencia de nuestro futuro esté precisamente en nuestra humanidad y no tanto en la codificación o el dataísmo. Tendrá que ver más con la inteligencia relacional, las habilidades sociales y con una mentalidad futurista, solidaria e imaginativa.


El programa audiovisual de ArtFutura 2018 se presenta en todas las ciudades donde tiene lugar el festival e incluye lo último en creatividad digital: Animación 3D, videoclips, motiongraphics y todo lo relacionado con las nuevas estéticas.
  • 3D Futura Show
    Cada año, el 3D Futura Show incluye las obras internacionales más destacadas en animación digital y refleja la evolución de este campo creativo. Grandes estudios, escuelas especializadas y artistas freelance. Todo tiene un lugar en este programa que nos sorprende cada año por su originalidad y capacidad técnica. Incluyendo nuevas obras de Goodbye Kansas, Julius Horsthuis, Maxim Zhestkov, Hans-Christoph Schultheiss, Mads Broni, Simon Christoph Krenn. Nicolas Deveaux, Besjan Sertolli, Peter Tomaszewicz, Laurent Witz y Dusan Kastelic.
  • Futura Graphics
    Futura Graphics es el programa dedicado a la experimentación, destacando anualmente los trabajos más brillantes en el campo de las nuevas estéticas: Animaciones digitales, cortos, videoclips y obras mixtas en la búsqueda de nuevos lenguajes. Con obras de Alex Popescu, Lubomir Arsov, Nexus Studios, WOW Inc., Substance, Klub Simon, Michael Enzbrunner, Serjan Burlak, Mike Mort...
  • Artworks
    Arte Digital, New Media, Realidad Virtual, Danza, Performance… El programa Artworks presenta las nuevas formas de documentar las obras digitales de nuestro tiempo. Documentos que, muchas veces, van más allá de la propia obra, ofreciendo nuevas formas de sentir la experiencia artística. Con trabajos de Teamlab, WOW Inc., h0nh1m, Ouchhh…. y otros.
  • Schools Futura
    Una sección dedicada a los mejores trabajos recientes de escuelas de todo el mundo. Desde el 3D a los efectos especiales y los motiongraphics. Escuelas seleccionadas de Francia, Dinamarca, Canadá y Estados Unidos. Con nombres como ESMA, ISART, Gobelins, Ringling College of Art and Design, The Animation Workshop, New3DGE, MOPA, Rubika...
  • Behind the Scenes
    Una nueva sección sobre los “Making ofs”. Esos mini documentales que explican los secretos detrás de la magia de los efectos especiales y la animación 3D. Incluyendo piezas sobre Mikros Image, Goodbye Kansas, ManvsMachine, Wow Inc. y otros.
Podéis encontrar toda la información sobre el evento y los programas en su website: www.artfutura.org/v3/

martes, 20 de noviembre de 2018

Ploey alza el vuelo en diciembre

El próximo día 14 de diciembre, Paycom Cinema estrena "Ploey", una película animada islandesa-belga del 2018, dirigida por Árni Ásgeirsson (quien debutara en 2006 con "Thicker than Water", drama familiar de imagen real) que ha sido un éxito de cartelera en sus países de origen. Se trata de una tierna aventura de animación para todos los públicos sobre un pequeño chorlito que no ha aprendido a volar cuando su familia debe migrar en otoño, por lo que deberá sobrevivir al frío invierno para poder reunirse de nuevo con sus seres queridos en primavera.


Sinopsis: Esta conmovedora animación de aventuras para toda la familia cuenta la historia de un joven chorlito dorado que tiene problemas para aprender a volar, con lo cual, con la llegada del invierno no puede migrar con su familia a un lugar con un clima más cálido. Con la ayuda de amigos, será capaz de sobrevivir en un mundo lleno de enemigos y convertirse en un auténtico héroe.



lunes, 19 de noviembre de 2018

Netflix producirá la próxima película de Mark Osborne

Al final será Netflix, tras un nuevo gran anuncio en su apuesta por la animación, la compañía que produzca la siguiente película del realizador Mark Osborne (Kung Fu Panda, El Principito), que bajo el título "Escape From Hat" iba a ser producida inicialmente por 20th Century Fox Animation.
La película está basada en una novela homónima de Adam Kline, que desarrollará el guión junto a Mark Osborne, el cual además producirá junto a Jinko Gotoh (El Principito). Es una fantástica y divertida historia en torno a la amistad y la suerte protagonizada por Leek, un conejo particularmente afortunado en una situación particularmente desafortunada: Cuando un truco de magia envía a Leek al mundo de Sombrero, el conejo deberá sortear numerosos peligros para volver con el chico al que juró proteger. Pero el mundo de Sombrero pertenece a los gatos negros, encargados de extender la mala suerte entre los humanos. Cuando el gato Millikin descubre que su némesis, Leek, se está paseando por su mundo, manda a todos los gatos de Sombrero en su busca. Mientras tanto, el chico Cecil - sin la suerte, buena o mala, de Leek y Millikin - emprende su propio viaje para recuperar a su conejo, debiendo descubrir la verdad tras el desafortunado truco de magia si no quiere quedarse sin suerte para siempre.


Netflix describe así la película: "Escape From Hat" ilumina los antiguos misterios de la magia. En un cuento de hadas donde los gatos negros son malos y los conejos mágicos son buenos, el equilibrio se ve amenazado cuando uno de esos conejos se lanza a un misterioso reino de peligro y sombra. Allí, nuestro héroe desesperado reúne a una inesperada banda de aliados y emprende una aventura imposible para escapar del interior del sombrero de un mago, y regresar junto al chico humano al que quiere.
Osborne se ha referido al modo en que Netflix está fortaleciendo los cimientos de la animación de este modo: "Netflix está sacudiendo el mundo de los largometrajes animados de un modo extremadamente inventivo, ofreciendo a los cineastas la rara oportunidad de convertir sus proyectos soñados en una realidad. Estoy encantado de que "Escape From Hat" sea ahora uno de ellos.
La película entrará en producción el mes que viene y se espera para 2022.
No se ha anunciado ninguna novedad respecto de la otra película para la que Fox fichó también a Osborne y Kline, basada en la novela "With Kind Regards from Kindergarten".

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Adi Shankar adaptará "Devil May Cry"

Finalmente no será The Legend of Zelda. Contrariamente a lo que se especulaba desde The Wrap, Adi Shankar anunció el pasado viernes que está desarrollando una serie de animación basada en la franquicia del juego Devil May Cry de CAPCOM.


La serie de videojuegos Devil May Cry fue creada por Hideki Kamiya y lanzada en 2001, inicialmente para PlayStation 2, y más tarde fue lanzado como parte de una colección multiplataforma. La historia transcurre en la isla ficticia de Mallet y está protagonizada por los personajes de Dante y Trish, enfrentados al demonio Mundus, a quien el padre de Dante selló en el Inframundo 2000 años antes y responsable de la muerte de su familia. Hasta el momento ha generado tres secuelas y lanzará una cuarta, Devil May Cry 5 , el 8 de marzo de 2019, disponible en PlayStation 4, Xbox One y Microsoft Windows.
Ante los temores que pudiera levantar una adaptación de un videojuego, algo que normalmente ha dado lugar a numerosas decepciones, Shankar declaró: "He adquirido los derechos [de Devil May Cry], para que los jabronis (perdedores) de Hollywood no puedan arruinar esto también".
Además, Shankar declaró que la serie "se unirá a Castlevania en lo que ahora llamamos el multiverso de contrabando", sugiriendo que quizás puedan existir cruces entre ambas series.

Adi Shankar

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viernes, 16 de noviembre de 2018

Japón alberga otra de las cintas perdidas del conejo Oswald

Hoy se ha conocido que una aventura animada de Oswald the Rabbit (el precursor del ratón Mickey) realizada en 1928 y que se creía perdida se conserva todavía en una copia de 16mm que se ha encontrado en Japón. El corto "Neck n' Neck" estaba en manos del historiador de animación Yasushi Watanabe, que había comprado la copia - titulada como "Mickey Manga Spide" -  hace 70 años por 500 yenes cuando era un estudiante de instituto, y prácticamente se había olvidado de ella hasta que recientemente leyó el libro "Oswald the Lucky Rabbit: The Search for the Lost Disney Cartoons" del animador de Disney David Bossert. Watanabe contó la historia al periódico Asahi Shimbun, que contactó con Bossert y los Archivos de Walt Disney y certificó que se trataba de uno de los 26 episodios de Oswald the Rabbit que se creían perdidos.
El episodio original, que narraba cómo Oswald saca de paseo a Ortensia en su tartana y acaba compititendo en una carrera contra un coche de policía que le persigue, tenía una duración de 5 minutos, pero lamentablemente la copia que adquirió Watanabe fue cortada a 2 minutos. Ahora se guarda en el Kobe Planet Film Archive, que es una de las colecciones privadas más grandes de Japón, con más de 16000 títulos.

Layout de "Neck n' Neck"

El hallazgo se añade a los que se produjeron en Noruega en diciembre de 2014 y en Reino Unido en noviembre de 2015.
Oswald The Lucky Rabbit fue creado por Walt Disney y Ub Iwerks cuando perseguían nuevas posibilidades creativas tras finalizar su trabajo en "Alice Comedies" y crearon un conejo porque ya había muchos gatos (Felix el Gato, Krazy Kat..); en aquel tiempo Universal estaba interesada en entrar en el campo de los dibujos animados y el distribuidor de Disney Charles Mintz les convenció de vender el personaje a Universal, que fue la compañía que puso nombre al personaje.
El primer cortometraje, "Poor Papa", fue rechazado por Universal (aunque se lanzaría un año después, modificado y rebautizado como "Mickey's Nightmare"), y Disney e Iwerks crearon otro, con un Oswald más joven que se dio a llamar "Trolley Troubles" y se estrenó en septiembre de 1927, iniciando una serie que daría lugar a nueve producciones ese año y diecisiete el siguiente, hasta que tras discrepancias económicas Disney e Iwerks acabaron apartados del personaje e iniciaron su camino con personajes propios.
Oswald se quedaría en manos de Mintz, que abrió su propio estudio con animadores de Disney, y posteriormente pasó directamente a los estudios de Universal, bajo la supervisión de Walter Lantz, que produciría 142 de las 194 cintas protagonizadas por Oswald.



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miércoles, 14 de noviembre de 2018

Animac presenta su cartel inspirado en la animación stop motion

Animac 2019, la Muestra Internacional de Cine de Animación de Catalunya, organizada por el Ayuntamiento de Lleida y con el apoyo del ICEC – Institut Català de les Empreses Culturals -, el ICAA – Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales – y CaixaForum Lleida, entre otros colaboradores, tendrá como tema principal el mundo de la animación stop motion, una técnica que da vida fotograma a fotograma a personajes de plastelina, títeres, cerámica, fotografías, pintura sobre cristal y tantos otros materiales como la imaginación del artista pueda soñar. Inspirándose en la stop motion y jugando con el volumen, los materiales y las texturas tan características de esta técnica, un año más, el ilustrador y animador leridano Carles Porta sorprende con la imagen para la 23ª edición de Animac.
Del 21 al 24 de febrero de 2019, Animac explorará esta técnica animada, a través de proyecciones, conferencias y otras actividades especiales. Se trata de una técnica tan antigua que forma parte de los mismos inicios del cine y que ahora vive una verdadera edad de oro. En palabras de la directora de Animac, Carolina López, "De Starewitch a Wes Anderson, son muchos los realizadores que ven en la stop motion un insuperable medio de expresión donde todo tipo de mundos caben en una mesa. Los filmes realizados en esta técnica cuentan con la fisicidad de los objetos y de los títeres, que otorgan una carga emocional y plástica sin parangón. Hace un par de décadas parecía que la stop motion quedaría desbancada por el 3D, pero realmente está viviendo internacionalmente uno de sus mejores momentos”.
Por su parte, la teniente de alcalde y regidora de Cultura del Ayuntamiento de Lleida, Montse Parra ha remarcado: "esperamos con muchas ganas esta 23ª edición que, una vez más, desde el Ayuntamiento de Lleida, deseamos que sea un éxito de participación y de implicación de la ciudad y el territorio; así como que Lleida se convierta en referente internacional de la animación durante la semana del 21 al 24 de febrero".
La stop motion es una técnica que permite un extenso y variado abanico de subtécnicas como la pixilación o movimiento de personas foto a foto, la animación de arena, de títeres, de plastelina, de cerámica, de pintura sobre cristal, entre muchas otras. Esta libertad y versatilidad otorgan a esta técnica un lugar central en todo lo relacionado con la experimentación formal y plástica y la búsqueda de lenguajes propios.


UN CARTEL CON EL SELLO DEL ANIMADOR Y ILUSTRADOR CARLES PORTA
El cartel de esta edición de Animac rinde homenaje a la técnica de la stop motion, como explica su creador, Carles Porta:
"Este año el tema de Animac será la stop motion, así que se imponía hacer un cartel en volumen. Primero pensé en Gulliver, rodeado de personas diminutas, inconsciente en la playa. También pensé en el Golem. Después, en un retrato de grupo de extraños personajes de plastelina. También imaginé una ciudad futurista hecha con material reciclado. Un superhéroe contemplaba el crepúsculo sentado al borde de un tejado. En un momento dado, una duna de arena cubrió la ciudad. Era un ser amorfo con ojos de concha. Pero nada de ello terminaba por funcionar. Sobre una tela negra de terciopelo, empecé a combinar los restos de todos estos proyectos fracasados. Primero aparecieron algunos personajes que no tenían ninguna historia por explicar. Un fantasma, un papageno, un vampiro dragqueen y una bailarina. Finalmente y definitivamente, sobre la mesa del estudio aparecieron el cuerpo y las extremidades de un ser hecho de muchos materiales diferentes, y estaba tan sobreexcitado por todas las posibilidades de ser, que le explotó la cabeza".

ANIMAC 2019 BATE RÉCORDS Y RECIBE MÁS DE 1.000 PROYECTOS EN LA CONVOCATORIA ABIERTA, UN 30% MÁS QUE EL AÑO ANTERIOR
La nueva edición de Animac está batiendo récords antes de empezar con más de 1.000 proyectos recibidos en la convocatoria abierta, casi 300 filmes más que el año anterior, procedentes de 66 países como Francia, Inglaterra, Irán, EE.UU., Corea del Sur, China, Finlandia, Japón, Chile, Taiwan, Alemania, Bulgaria, Brasil, México, Israel, entre otros. La participación catalana y española también ha aumentado proporcionalmente.
Además de su completo programa de proyecciones – con las secciones habituales de largometrajes, cortometrajes, cortos de estudiantes de todo el mundo, monográficos y series – Animac 2019 ofrecerá un año más conferencias y actividades de la mano de los más grandes de la animación para autores, profesionales y estudiantes, espectáculos en directo, talleres, y la sección Petit Animac para el público familiar.

PETER LORD, DIRECTOR Y COFUNDADOR DE AARDMAN ANIMATIONS, INVITADO ESPECIAL DE ANIMAC 2019, ENTRE OTROS GRANDES NOMBRES DE LA ANIMACIÓN STOP MOTION
Animac 2019 recibirá con todos los honores al britànico Peter Lord, director y cofundador del emblemático estudie de animación stop motion Aardman Animations, fundado en 1972. Aardman es el estudio mundialmente conocido por alumbrar a personajes como Wallace & Gromit o La Oveja Shaun y por largometrajes familiares de culto como “Chicken Run” (2000) o “Pirates!” (2012), ambos dirigidos por Lord. Unos años antes de este boom internacional, Peter Lord se alzó como uno de los autores de cortometrajes stop motion más transgresores de los 80 y lso 90 y hoy es uno de los grandes referentes mundiales de la animación. Animac rendirá homenaje a Peter Lord con un premio especial para celebrar la brillante trayectoria de su productora que con 10 nominaciones a los premios Oscar, ha obtenido 4 estatuíllas.
Animac 2019 contará también con la presencia de Chris Lavis y Maciek Szczerbowski, dúo canadiense d eanimadores stop motion reconocido internacionalmente por su premiado cortometraje “Madame Tutli-Putli” (2007), nominado a los premios Oscar de la Academia de Hollywood. Desde 1997, Chris y Maciek trabajan en tándem bajo el sello Clyde Henry Productions creando películas, anuncios, y otras piezas más experimentales.
Con motivo de su presencia en Animac 2019, Chris y Maciek presentarán la primera pieza de realidad virtual animada en stop motion, que lleva por título “Gymnasia”. Un experimenot totalmente inmersivo, atmosférico, y algo escalofriante.
El talento local estará representado por los realizadores catalanes Anna Solanas y Marc Riba, fundadores del estudio barcelonés I+G Stop Motion, cuya obra se ha visto en festivales de todo el mundo y que con su último trabajo ‘Cavalls Morts’ han sido los primeros catalanes en entrar en la lista de cortos animados elegibles a los premios Oscar de este año.

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martes, 13 de noviembre de 2018

Primeros tráilers de "Toy Story 4" con nuevos personajes

Ya están disponibles las primeras imágenes de la película "Toy Story 4", de Disney·Pixar, dirigida por Josh Cooley (Del revés, Up) y producida por Jonas Rivera (Del Revés, Up) y Mark Nielsen (productor asociado “Del Revés”). Toy Story 4 estará disponible en los cines de España el próximo verano.
La icónica saga empezó el 22 de noviembre de 1995, cuando se estrenó el primer largometraje animado por ordenador en su totalidad y "Toy Story" se convirtió en la película más taquillera del año, además de resultar nominada a tres Oscar® y a dos Globos de Oro®.
La sinopsis de la cuarta entrega es la siguiente: Woody siempre ha sabido cuál es lugar en el mundo y su prioridad es cuidar de Andy y ahora Bonnie. Pero cuando Bonnie trae a su habitación un juguete nuevo y bastante antipático llamado “Forky” que es un tenedor-cuchara, comienza una aventura con viejos y nuevos amigos que enseñará a Woody lo enorme que puede ser el mundo si eres un juguete.


En el segundo trailer se ve a los muñecos Ducky y Bunny, que son premios de feria ansiosos por ser ganados. Pero sus planes se interrumpen bruscamente al encontrar a un nuevo grupo de juguetes que no tienen ni idea de lo que se siente al estar atado a un muro de premios.



El detective Pikachu es ya "real"

Warner Bros. ha lanzado ya el primer tráiler del largometraje híbrido de imagen real y 3D que va a llevar a Pikachu y a los Pokémon a la gran pantalla bajo el título "Pokémon Detective Pikachu", bajo la dirección de Rob Letterman (El Espantatiburones, Monstruos contra Alienígenas) a partir de un guión desarrollado por él mismo junto a Nicole Perlman, basado en una historia original de Tomokazu Ohara y Haruka Utsui.


Basado en el juego homónimo en 3D de Nintendo, el largometraje presenta la siguiente sinopsis:
La historia empieza cuando el detective privado Harry Goodman desaparece misteriosamente, llevando a su hijo de 21 años Tim a tratar de averiguar qué ha pasado. Ayudando en la investigación se encuentra el antiguo compañero Pokémon de Harry, el Detective Pikachu: un hilarantemente gracioso, adorable super-sabueso que resulta asombroso incluso para sí mismo. Encontrándose singularmente equipados para comunicarse el uno con el otro, Tim y Pikachu aúnan sus fuerzas en una emocionante aventura para desentrañar el enredado misterio. Mientras buscan pistas juntos a través de las calles iluminadas de neón de Ryme City — una moderna metropolis en expansión donde humanos y Pokémon viven jutnos en un mundo hiperrealista plagado de acción — se encuentran con un buen número de distintos Pokémon y descubren una trama sobrecogedora que podría destruir esta pacífica co-existencia y amenazar todo el universo Pokémon.
Finalmente será Warner Bros. la compañía que distribuya la película fuera de Japón y China tras tomar a principios de año de manos de Universal la producción de Legendary Entertainment (en Japón será Toho Company, y Legendary East lo hará en China). La animación y los efectos visuales están producidos por varias compañías, con MPC y Framestore a la cabeza, bajo la supervisión del supervisor de efectos Erik Nordby.
Se estrenará en EEUU el 10 de mayo de 2019.




La película de Garfield ya tiene director

Desde que se anunció en mayo de 2016 estábamos sin noticias de la película en 3D de Garfield hasta hoy, cuando se ha conocido que será Mark Dindal (Los Gatos No Bailan, El Emperador y sus Locuras, Chicken Little) quien va a dirigir el largometraje protagonizado por el rechoncho y mordaz gato.


El realizador ha reconocido su predilección por los personajes de las tiras cómicas, por lo que ha manifestado que es para él un privilegio y un reto dirigir una película sobre un personaje tan clásico como Garfield.
Asimismo se ha dado a conocer que el guión de la película irá firmado por el equipo de Paul A. Kaplan (George Lopez) y Mark Torgove (Hope) y que la preproducción empezará ya mismo, el mes que viene, en Los Angeles.
Como ya se avanzó, el creador del personaje, Jim Davis, participará como productor ejecutivo. Fue el productor de "Gru, Mi Villano Favorito" y de "Angry Birds: La Película", John Cohen, quien junto a Steven P. Wegner hizo llegar el proyecto a Alcon Entertainment, y de hecho participarán como productores junto a Broderick Johnson y Andrew Kosove, de Alcon; mientras que Bridget McMeel, de Amuse, será también productora ejecutiva.
En principio, la película sería la primera de una franquicia de varias en torno al cínico y rechoncho felino protagonista, cuyas aventuras - publicadas a partir de 1978 originalmente en 41 periódicos y posteriormente hasta en 2.580 - han sido leídas en varios idiomas por más de 260 millones de personas de todas las edades durante décadas.


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lunes, 12 de noviembre de 2018

Festival Animayo hace parada en Madrid

La 13ª edición de Animayo, que se celebra por cuarto año consecutivo en Madrid, se presentará en CaixaForum Madrid los días 23 y 24 de noviembre, en una nueva cita anual del talento audiovisual y el arte digital.
En primicia en Madrid, se presentarán los cortos ganadores de la última edición de Animayo, festival calificador de los Premios Oscars®, cuyo premio del Jurado pasará a ser considerado por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood.
Animayo Madrid 2018 mostrará algunas de las últimas producciones de animación y efectos digitales de la temporada, que se combinarán con recientes innovaciones, trabajos creativos y procesos artísticos, en un evento que seguirá manteniendo el espíritu motivacional que tanto lo caracteriza. Asimismo contará con la asistencia de siete ponentes internacionales procedentes de España, República Checa, Reino Unido, Japón y Francia; artistas y grandes creadores de sueños, cuyo ingenio ha estado al servicio de las grandes productoras más punteras del sector como son: Studio Gibli, The Walt Disney Animation Studios, Illumination Mac Guff, Trixter, Ilion Animation Studios, Marvel Comics Entertainment, SPA Studios o Zinkia, entre otros.
El programa de Animayo Madrid lo conforman un total de 7 master classes, 3 talleres formativos, 2 ciclos de proyección del palmarés Animayo 2018 (I y II parte), 7 firmas de autógrafos y revisiones de portfolios. El programa se completa con una proyección para público familiar y un taller para padres e hijos.


Aya Suzuki, animadora con una experiencia de más de quince años en los que ha trabajado en multitud de proyectos destacados como "Los niños lobo", "El viento se levanta", "Ethel & Ernest", "El Ilusionista" o "Isla de perros", entre otros, impartirá la master class “Cómo sobrevivir y conseguir que te llamen para trabajar en la industria. Del estudio Ghibli a Walt Disney Animation Studios”.
Natacha Ravlic, co-directora de producción de uno de los estudios de animación más importantes del mundo, Illumination Mac Guff, hará un repaso a toda su carrera profesional desde sus inicios, aprovechando también para hacer una presentación de su estudio, mostrando los procesos de producción de una película de animación, en la master class “Mi trayectoria antes de llegar a Illumination Mac Guff. Presentación del estudio con un making off”.
El artista de storyboard Carlos Zapater, que ha trabajado durante más de 20 años en la industria de la animación con los mejores profesionales, como Sergio Pablos, Borja Montoro, Fernando Moro o Pedro Daniel, por nombrar solo algunos, hablará en la master class “Storyboard: El arte de contar historias con dibujos” de la importancia del storyboard en cualquier trabajo cinematográfico, ya sea de animación, acción real o mixta, como herramienta para visualizar de manera práctica el guion y analizar posibles problemáticas narrativas, estéticas, técnicas y presupuestarias, y se irá adentrando en las claves para ser un buen storyboard artist. También dará un “Taller práctico de storyboard” donde enseñará a hacer un planteamiento de viñetas por secuencias y a hacer un estudio de ópticas en función del plano dibujado hasta finalizar con el arte final del storyboard.
Alex Dowis, fundador del estudio artístico DOWIS y creador de sorprendentes obras tanto en arena, como speed painting, light painting o animación tradicional en 2D, mostrará al público la técnica de pintura con luz, jugando con las luces y las sombras para crear auténticas y efímeras obras de arte.
Adrián Corsei, supervisor de efectos visuales en Trixter y actual Head of Pipeline, estará en la master class “El extraño caso de una producción sobre ruedas o... ¡Cómo dejar de preocuparte y disfrutar del camino!” para explicar a los asistentes todos los pasos a seguir para que una producción de efectos visuales vaya como la seda y la manera de gestionar todos los problemas que puedan surgir por el camino sin que cunda el pánico del supervisor. También impartirá el taller “Pipeline. Fundamentos de visualización en tiempo real” para explicar las herramientas de gestión, las fases de lighting y render y las labores de supervisión de todo el proceso, y cómo tener individualizados todos los riesgos tecnológicos a asumir durante la producción, los denominados bleeding edges, que pueden ser un verdadero problema o pueden convertir nuestro proyecto en una auténtica obra maestra.
Finalmente, Jorge Santamaría, supervisor de layout en Ilion Animation Studios, partirá de la master class “Desvelando la profesión del artista layout en animación” para descubrir su trabajo como encargado de la interpretación del storyboard para plantear a los animadores de una película las imágenes principales de una escena. Asimismo se aprovechará su experiencia como artista de cómics en Marvel en el “Taller de cómic. Crea viñetas con uno de los dibujantes de Marvel”, un taller orientado a niños a partir de 7 años donde enseñará cómo enfrentarse a un guión y como plasmarlo en una página de cómics.

Podéis consultar el programa completo en la web.

viernes, 9 de noviembre de 2018

Detective Conan: El Caso Zero

Una de las películas de animación con una audiencia más entregada en el festival de Sitges fue el vigésimo-segundo largometraje de uno de los detectives más famosos del anime; no sin motivo, ya que es la primera vez que un largometraje de Detective Conan se estrena en España. Así que había mucho fan con ganas de ver en pantalla grande las aventuras de Shinichi Kudo, y no quedaron nada descontentos puesto que la película presenta a muchos de los personajes conocidos de la saga televisiva y desarrolla grandes escenas de acción visualmente espectaculares. No en vano se ha convertido en un éxito de taquilla también en Japón.


En la bahía de Tokio, el recientemente inaugurado complejo turístico y centro de convenciones “Edge of Ocean” prepara la próxima feria. Antes de la ceremonia de apertura, más de 22.000 agentes de policía están vigilando el edificio cuando por sorpresa se produce una explosión a gran escala. En las imágenes de la explosión se encuentra Tooru Amuro, jefe de la policía nacional de Seguridad Pública. Pero las evidencias de la escena del crimen muestran dactilares que coinciden con las de Kogoro Mouri, que perteneció a la policía en el pasado! El detective más famoso de Japón, el detective Conan, que está molesto con Amuro por el arresto de Kogoro, llega a conocer de un extraño caso en que Amuro obligó al sospechoso a suicidarse. De nuevo Conan deberá resolver otro nuevo caso y encontrar al culpable.


La película incluye una introducción a los personajes, a fin de que puedan verla personas que no conocen la serie televisiva. Recordemos que la serie narra la historia de Shinichi Kudo, un estudiante de 16 años con un talento detectivesco fuera de lo común que un día es envenenado por una organización criminal - los Hombres de Negro -, con la consecuencia de que su cuerpo se rejuvenece hasta adoptar el cuerpo de un niño de seis años. Entonces se refugia en la casa de Ran, compañera de instituto, secretamente enamorada de él, y Shinichi, para no desvelar su identidad y ponerla en peligro, toma prestado el nombre de dos referentes literarios: el de Arthur Conan Doyle, creador de Sherlock Holmes, y Edogawa, por Rampo Edogawa, autor de relatos misteriosos japonés.
Con un tono algo más gris y adulto que el de la serie y los largometrajes anteriores, la película muestra un guión más complejo y mejor en cuanto a la construcción de las situaciones de misterio, dejando ir de forma sutil las píldoras necesarias para mantener la intriga y la curiosidad del público en torno a una trama - en la que vuelven a estar implicados los Hombres de Negro - que se sabe mostrar impredecible y que se resuelve de forma bastante satisfactoria en medio de escenas de acción que van in crescendo hasta el punto de emular secuencias más propias de las películas de James Bond.
El diseño de personajes y la animación aparecen marcadamente condicionados por la estética de la serie, lo que en pantalla grande da un resultado más empobrecedor. En cualquier caso sí es más evidente un mayor lucimiento en los fondos, y la energía - hasta rozar el exceso - de las escenas de acción lleva la película a niveles muy satisfactorios para los fans.

Se presenta el trailer de "Missing Link"

El estudio de animación en stop motion LAIKA ha presentado el trailer de su próximo largometraje, "Missing Link", que se estrenará en abril del 2019.


Estará protagonizada por un carismático Sir Lionel Frost (Hugh Jackman), que a pesar de considerarse el mejor investigador de mitos y monstruos del mundo no consigue ese reconocimiento por parte de sus colegas de la alta sociedad, por lo que se embarca en una expedición al noroeste de América con el fin de probar la existencia de una legendaria criatura conocida como el Vínculo Perdido (Zach Galifianakis), que sería una prueba viviente del ancestro primitivo del hombre. Mr. Link es una enternecedora bestia de una altura de ocho pies, 630 libras de peso, y un cuerpo cubierto de pelo, que es divertida, dulce y adorable, ligeramente estúpida y sorprendentemente inteligente; como último especimen de su especie, se encuentra muy solo. Aceptando la propuesta de Sir Lionel para buscar a sus parientes lejanos, se une a éste en una odisea alrededor del mundo para encontrar el mítico valle de Shangri-La.
Junto a Adelina Fortnight (Zoe Saldana) una aventurera independiente y llena de recursos que posee el único mapa conocido hacia el destino secreto del grupo, el peculiar trio se embarca en una vertiginosa aventura en la que aprenderán que a veces puedes encontrar una familia en los lugares que menos esperas.


Escrita y dirigida por Chris Butler (Paranorman), el largometraje tendrá como productores a la nominada al Oscar® Arianne Sutner (ParaNorman, Kubo y las Dos Cuerdas Mágicas) y a Travis Knight, nominado también al Oscar® y ganador del BAFTA por su dirección de "Kubo y las Dos Cuerdas Mágicas". Hugh Jackman, Zach Galifianakis y Zoe Saldana estarán acompañados en la versión original por Stephen Fry y Emma Thompson, así como Timothy Olyphant, Matt Lucas, David Walliams, Ching Valdez-Aran y Amrita Acharia.
Butler describe la película como un largometraje de Indiana Jones en stop motion, y posiblemente la más comercial que se haya hecho en Laika, a pesar de que considera que en el estudio hacen las películas que otros estudios no pueden hacer. Seguramente sea porque Butler quería alejar el stop-motion de los temas más oscuros que el público en general asocia con la técnica: "La gente piensa que es un poco espeluznante, y yo quería salir de las sombras con esta película", admite. “No quería que fuera una película de Halloween o una historia de fantasmas. Hay mucho más en el stop motion que Ladislas Darevich, Jan Svankmajer y Tim Burton, a pesar de lo mucho que me gustan".
Butler también quería un que la película estuviera ambientada en la época victoriana, que es una época que le obsesiona, en especial por Sherlock Holmes y la novela "La Vuelta al Mundo en 80 Días".
El largometraje contemplará 110 sets y 65 localizaciones distintas, muchas de ellas inspiradas en las coloridas fotos y excepcionales paisajes de las revistas de National Geographic, convirtiéndola en una película única del estudio en cuanto a envergadura, y con muchos más personajes digitales. Hasta tal punto que Butler admite que en teoría esta película no debería haberse hecho en stop-motion, aunque finalmente se las arreglaran para contar la historia con esta técnica.
Del tráiler llama la atención el diseño de los personajes, con rasgos mucho más angulosos, más próximos a los dibujos animados o las clásicas marionetas que al realismo y las formas suavizadas que estaban más presentes en "Kubo" o en "Los Boxtrolls", y de alguna forma más próximo a "Paranorman" pero incluso más a "Coraline". En cualquier caso señalan también un rico detallismo, que va parejo a la extrema definición y variedad de los paisajes.