martes, 28 de febrero de 2017

Festival Nonstop vuelve con novedades

El festival NonStop Barcelona Animació, dirigido por Juan Carlos Concha, tiene a punto su edición de 2017 - la cuarta como festival, tras otras cuatro ediciones como muestra - con la novedad de unirse por primera vez con Mecal (Festival Internacional de Cortometrajes y Animación de Barcelona), en una colaboración entre dos festivales relacionados con el mundo de la animación cuyos resultados inmediatos se concretarán en que el festival Nonstop se celebrará del 14 al 19 de marzo en el Arts Santa Mònica de Barcelona, durante la primera semana del festival Mecal.


Durante esta semana los estrenos y proyecciones verán reducido su protagonismo en Nonstop a favor de un incremento en el número de conferencias, talleres y master class alrededor del mundo de la animación. En este sentido, con motivo del 40ª aniversario del estudio Aardman Animations (creador de míticos títulos como Chicken Run o Wallace y Gromit), Adrián Encinas presentará el libro "¡Bien hecho, Gromit! Cuarenta años de Aardman Animations", dando detalle de cada uno de los trabajos y personajes míticos de los estudios de Bristol, y también tendrá lugar una conferencia a cargo de Eric Reginaud, en torno a la residencia de cine de animación de Ciclic (agencia regional del Centro-Valle del Loira), que se creó en septiembre de 2000 con el objetivo de acompañar las películas de los realizadores franceses e internacionales en todas las etapas de su fabricación, ofreciéndoles los equipos necesarios para la fabricación de películas desde el volumen al dibujo por ordenador pasando por las todas las demás técnicas. También, habrá una Masterclass desarrollada por Aya Suzuki, actualmente artista de Paramount Pictures, que ha trabajado también en la película “El viento se levanta” de Hayao Miyazaki en el mismo Estudio Ghibli, “El Ilusionista” de Sylvain Chomet, “The Wolf Children” de Mamoru Hosoda, “The Dreaming Machine” de Satoshi Kon, “Ping Pong” de Masaaki Yuasa, entre otros; la artista presentará con ejemplos visuales muchos detalles que suceden entre bastidores en la fabricación de películas animadas y destacará las diferencias entre los sistemas de producción de Japón, Europa y Hollywood. Habrá asimisimo una master class sobre acting en animación impartida por Pablo Navarro, animador en películas como "The Congress" de Ari Folman, y "The Prophet" producida por Salma Hayeck, entre otras muchas producciones internacionales.
En el apartado de talleres, se prevé que vía la escuela Seeway asista Óscar Sarramia, creador de proyectos para TV3 y director de animación, y oriente sobre los conceptos básicos del desarrollo, creación y funcionamiento de un proyecto de animación 2D para TV; y que Adam Ullastres, composer y artista 2D/3D, haga una iniciación al modelado orgánico en 3D; mientras que Santi Casas introducirá en la creación de concept art para cine y videojuegos, con la colaboración de la Escuela Joso; y Juan González y David Corominas, por parte de FXAnimation, iniciarán en el diseño y la creación de videojuegos.
También habrá lugar para las mesas redondas, una en que se arrojará una mirada al trabajo de la mujer en la animación, bajo la conducción de Chelo Loureiro, Lourdes Villagomez y Lula Gómez; y otra en que Nacho Doctor, Pablo Navarro y Lourdes Villagomez compartirán sus experiencias y sus reflexiones sobre migrar para trabajar en animación.
Igualmente, en el marco del esfuerzo del festival para apoyar a los nuevos talentos, se desarrollará una nueva edición del Elevator Pitch, un encuentro único en el que nuevos creadores de cine de animación, series y videojuegos tendrán la oportunidad de presentar sus proyectos ante un grupo de reconocidos productores y expertos internacionales. Serán seleccionados seis proyectos de los cuales sólo 2 serán los ganadores, quienes tendrán como premio la oportunidad de asistir al MIFA, el Mercado del Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, en Francia.
En el apartado de proyecciones no se espera lamentablemente este año ningún estreno de largometrajes, contrariamente a lo que venía sucediendo en las ediciones recientes,  y el único trabajo que se proyectará será "El Cuento de la Princesa Kaguya" de Isao Takahata, ya estrenado en nuestro país, aunque siempre recomenbable. Más original se prevé la sección de cortometrajes, donde tendrá lugar Aardman Unseen en que se destacarán piezas raras de Aardman Animations, así como una retrospectiva sobre el trabajo del artista húngaro Ferenc Rofusz y un programa de proyección de coproducciones de Ciclic Animation.


NonStop continuará por otra parte sus actividades en mayo, donde tendremos la segunda edición del Seminario de Concept Art, que se desarrollará esta vez en Barcelona y Madrid y reunirá a un mayor número de creativos invitados: Jama Juravaeb, Even Amundsen, Kalen Chock, Alex Konstad, Stéphane Richard, Dan Luvisi, Jomaro Kindred, Ayran Oberto y Ayi Sanchez.

Podéis ampliar información en la web del festival: http://nonstopbarcelona.com/

De Bombay a Lanzarote, Animayo itinerante

Tras llegar de Barcelona, y antes de su próxima cita itinerante que tendrá lugar en Lanzarote entre los días 23 y 25 de marzo de 2017, Animayo extendió la presencia internacional de la XII edición 2017 a India y pronto recalará en Portugal.
Animayo volvió a sumergirse en Bollywood por segundo año consecutivo, demostrando que no existen fronteras para sus objetivos de llevar el conocimiento y descubrir los nuevos talentos en el mundo de la animación, los efectos visuales y los videojuegos en cualquier lugar del globo. Fue del 2 al 5 de febrero en Madh Island, Mumbai, como Festival Partner de Orbit Live.
Damián Perea fue el encargado de llevar hasta India el Palmarés de lo Mejor de Animayo 2016, con dos especiales de cortometrajes ganadores de las diferentes categorías, envueltos en técnicas tan dispares como el stop motion, el CGI, el dibujo tradicional y el 3D.
Impartió dos talleres de animación stop motion para 300 alumnos de Arena Animation, una de las escuelas más potentes de animación y multimedia de Aptech Ltd, que cuenta con centros educativos en más de 20 países y ha capacitado a más de 400.000 estudiantes en los últimos 20 años. Las master class inspiracionales de Animayo volvieron a reunir a más de 500 asistentes que quedaron a la espera de Animayo el año que viene.


Los próximos días 17 y 18 de marzo, Animayo viajará a Lisboa como festival invitado de Monstra, Festival de Animação, donde su director participará en varios encuentros dirigidos a profesionales e impartirá dos talleres de stop motion, uno para adultos y otro para los más pequeños.
Así, Animayo vuelve a unir sus esfuerzos con dos festivales fuera de nuestras fronteras, interviniendo en foros y encuentros profesionales que son productivos para el sector, promoviendo la conexión de nuevos públicos y territorios, estableciendo sinergias y revalorizando una vez más el concepto de Festival, alejado de competencias y cada vez más cerca de su afán por colaborar y acercar horizontes.
Con este tipo de acciones se refuerza la marca Animayo como modelo de adhesión de nuevas complicidades con otros festivales y territorios, a fin de fortalecer la propia industria audiovisual, para que en cualquier punto del planeta, los amantes de la animación, y los profesionales y estudiantes tengan una cita en la que se reúnan y trabajen en estrecha colaboración con los gurús de la animación de todo el mundo.


Más adelante, del 23 al 25 de marzo, Animayo regresará a Lanzarote por sexto año consecutivo. Las salas del Centro Cívico de San Francisco Javier de Arrecife, serán enclave de la animación, los videojuegos y los efectos visuales para el desarrollo del sexto Itinerante de Animayo en la isla de los volcanes.
Master Class, ponencias, talleres y presentaciones de algunos de los más destacados y reconocidos especialistas en animación, efectos visuales y videojuegos, en activo para grandes compañías internacionales:
  • Master Class: "El diseño de personajes en los largometrajes de animación. ¡Demostración en directo!" y taller "Cómo hacer de un buen diseñador un diseñador excelente" de la mano de Borja Montoro - Diseñador de personajes y animador en empresas como Walt Disney Animation, DreamWorks Animation, Paramount Studios, Warner Bros, Blue Sky Studios, Duncan Studio, Illumination Mac Guff, encabezando proyectos como “Moana”, “Zootopia”, “Rio”, “Nocturna”, “El emperador y sus locuras”, “Tarzán”, “Hércules”, “Asterix and the Vikings”, “The Aristocats III”.
  • Master Class: "Viviendo la animación por diseño de ordenador, desde “Final Fantasy”, “Rapunzel” hasta “El Principito”, por Hidetaka Yosumi - CG Supervisor en compañías como Walt Disney Animation, Dream Pictures Studio, Square-Enix, Ilion Animation Studios, que ha trabajado en películas como: “Final Fantasy X”, “Final Fantasy XI”, “Kingdom Hearts”, “Valiant”, “Bolt”, “Tangled”, “Rompe Ralph”, “El Principito”, “Mune”.
  • Master Class: "Escultura digital para cine. De la piedra al pixel" y taller "Zbrush. Aprende a modelar criaturas fantásticas", por Rafael Zabala - Escultor 3D en empresas como The Mill, Weta Digital, Psyop, Stone and Pixel, que ha colaborado en proyectos tan destacados y reconocidos internacionalmente como “League of Legends”, “El Hobbit: Un Viaje Inesperado”, “El Hobbit: la Desolación de Smaug”, “El Amanecer del Planeta de los Simios”, “Ironman 3”, “Man of Steel”, “Clash of Clans”.
  • Master Class: "¿Qué hago con mi vida? Claves para elegir la carrera correcta o estudios correctos para dedicarte a la industria del cine de animación y efectos visuales", por Jose Antonio Rodríguez - Director Académico del Área de Arte, Diseño Visual y Animación y Director del Centro de Alto Rendimiento de Animación de U-tad. Ha sido director de producción de películas como “Defensor 5, la última patrulla” ” y “Planet 51”. También ha sido Production Manager del largometraje“Happily Never After” y Head of Production y Studio Manager, “The legend of Smurfy Hollow”, “Futbolín” y “Smallfoot”.
  • Tereza Brdečková - Periodista, crítica de cine, novelista, guionista, traductora, presentadora y editora cultural, presentará un especial de cine checo de su padre Jiří Brdečka, con títulos destacados como: “Love and the Zeppelin”, “Gallina vogelnirdae”, “Foster’s song”, “Why do you smile Mona Lisa”, “Revenge”, “Metamorpheus”, “The Face”, desvelando los secretos y la magia de la animación tras la Segunda Guerra Mundial.
Las proyecciones pondrán el broche de oro al programa Animayo Lanzarote 2017 en el Centro Cívico con el Palmarés Oficial de Animayo 2016, que recoge a los premiados en las categorías de animación, efectos visuales y videojuegos de la pasada edición; y se sumarán estrenos y proyecciones de trabajos hechos por niños para niños.
Podéis encontrar información más extensa en la web: http://www.animayo.com/?accion=lanzarote_2017

Por otro lado la edición XII de Animayo en Gran Canaria ya comienza a perfilarse en el horizonte con una temática muy especial, actividades e invitados que pronto serán desvelados.

Entradas relacionadas:
Animayo: destino Barcelona (31 de diciembre 2016)
La visita a Madrid de Animayo itinerante (23 de diciembre 2016)
Animayo llega a Madrid (7 de diciembre 2016)
Animayo cerró su 11ª edición con éxito de público (13 de mayo 2016)
Animayo cumple 10 años (3 de mayo 2016)

lunes, 27 de febrero de 2017

Zootrópolis y Piper ganan los Oscar

Disney y Pixar han confirmado un año más su dominio sobre los Oscar al haberse llevado todas las estatuillas en las categorías de animación en la edición número 89 de gala, que se ha celebrado esta madrugada en el Teatro Dolby de Los Angeles. En efecto, la compañía de Mickey Mouse obtuvo el Oscar a Mejor Cortometraje de Animación por "Piper", de Pixar, y el Oscar a Mejor Largometraje Animado por "Zootrópolis", así como también el galardón a los mejores VFX por "El Libro de la Selva".


Gael García Bernal y Hailee Steinfeld presentaron el premio al Mejor Corto de Animación, que recogió el director de "Piper", Alan Barillaro. El trabajo de Pixar protagonizado por un pequeño correlimos, que sorprendió tanto por su realismo como por su acertada recreación de la historia de crecimiento y superación de una pequeña cría de ave, se hacía así con el galardón de este año al mejor cortometraje, imponiéndose a brillantes opciones de cine más independiente como "Blind Vaysha", de Theodore Ushev, o "Pear Cider and Cigarettes", de Rob Valley.


Los siguientes en recoger el premio fueron Byron Howard y Rich Moore por "Zootrópolis", de Walt Disney Animation, una cinta que se estrenó muy tempranamente a principios del año pasado pero que ya apuntaba maneras por su original forma de plantear una historia en favor de la tolerancia protagonizada por animales antropomórficos que habitaban una ciudad hecha a su medida donde no se distinguía entre cazadores y presas. La película sumaba así la estatuilla a otros de los reconocimientos que ha obtenido, entre los cuales el Globo de Oro, seis premios Annie o el Critic's Choice Award. Sin embargo, la competencia en la categoría de mejor largometraje de animación este año se presentaba muy fuerte, dado que se había producido una coincidencia de trabajos excelentes, y mucho se esperaba que se pudiera ver finalmente reconocido el trabajo artístico de piezas más independientes o apuestas como "Kubo y las Dos Cuerdas Mágicas" de Laika, que finalmente se quedó un año más sin premio.


Más tarde Disney se llevaba también el premio a los Mejores VFX, presentado por Felicity Jones y Riz Ahmed, por "El Libro de la Selva" de Jon Favreau, una cinta que se ha presentado como una película de imagen real pero que debería considerarse en realidad de animación si se atiende a lo que la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas define como película de animación: "una película con una duración superior a 40 minutos, en la que el movimiento y las actuaciones de los personajes son creadas mediante una técnica fotograma-a-fotograma", lo que excluye el motion capture; y añadiéndose que "un número significativo de los personajes principales deben estar animados y la animación debe estar presente en al menos un 75% de la duración total de la película". Resulta que estas son precisamente las circunstancias concurrentes en "El Libro de la Selva", donde lo único real fue el actor que interpretaba a Mowgli, mientras que absolutamente todo lo demás fue recreado y animado por ordenador.


Podéis consultar el listado completo de ganadores aquí.

Entradas relacionadas:
Nominaciones a los Oscar 2017 (24 de enero 2017)
Buscando a Dory (21 de junio 2016)
El Libro de la Selva (16 de abril 2016)
Zootrópolis (13 de febrero 2016)

viernes, 24 de febrero de 2017

Ben 10 vuelve

El próximo 4 de marzo a las 10:35h vuelven a la pequeña pantalla Ben Tennyson y sus alienígenas en el nuevo reboot de la serie "Ben 10" producido por Cartoon Network, decidido a presentar a Ben a una nueva generación de niños y niñas. Será el canal Boing el que aloje a una versión reimaginada de Ben Tennyson, su prima Gwen y su abuelo Max, que se encontrarán de viaje a lo largo del país durante unas vacaciones de verano cuando Ben encuentra el Omnitrix, un reloj misterioso capaz de transformarle en hasta diez especies diferentes de alienígenas con asombrosos superpoderes, como correr a la velocidad del rayo o lanzar bolas de fuego. Será entonces cuando Ben decida utilizar estos poderes para hacer el bien.


Entre los extraterrestres en los que se podrá transformar Ben se encuentran:
  • Actualizador: un alien futurista que emplea nanotecnología para mejorar los dispositivos que toca y también puede convertirse en líquido para huir de cualquier situación peliaguda.
  • Cuatrobrazos: es superfuerte, resiste el fuego y el láser, y puede saltar altísimo. También crea ondas de choque dando una palmada con las cuatro manos a la vez, y soluciona cualquier problema dando puñetazos.
  • Diamantino: puede transformar su cuerpo en armas de diamante como cuchillas y mazas y también puede lanzar esquirlas mortíferas de cristal por las manos y resisitir ataques con su fortísimo pecho de cristal.
  • Inferno: puede generar un calor intenso y producir fuego, y usa puñetazos llameantes o bolas de fuego para vencer a sus enemigos.
  • Libélulo es un apestoso insecto volador rápido y ágil, que tiene un aguijón afilado en la cola que le permite disparar chorros de un fluido asqueroso que asfixia y ciega a sus enemigos.
  • Malayerba puede transformarse en vegetación para camuflarse y también genera poderosas ramas desde sus largos brazos, que usa para desplazarse o como arma. 
  • Pequeño de estatura pero con un gran intelecto, Materia Gris tiene dientes afilados para atacar a sus enemigos y aprovecha su tamaño reducido para colarse por cualquier sitio, demostrando que a veces más vale maña que fuerza.
  • Overflow puede respirar bajo el agua, disparar chorros de agua de gran potencia y derrotar a sus enemigos gracias a su fortísimo blindaje. También puede propulsarse por el aire e incluso transformar sus chorros de agua en cuchillas con las que cortar a sus enemigos.
  • Rayo de Cañón resiste el ácido y la lava, e incluso puede protegerse reflejando el láser con su blindaje. También puede transformarse en una gigante rueda motorizada y arrasar a sus enemigos golpeándolos a una velocidad increíble.
  • XLR8 puede reaccionar a una velocidad sobrehumana y pensar un millón de combinaciones en un segundo para desactivar cualquier dispositivo. También puede correr sobre el agua y moverse a 800 km/h. Ningún enemigo puede huir de él.
Con sus nuevos poderes, Ben deberá enfrentarse a enemigos como Zombozo, un genio criminal con aspecto de payaso que emplea gran cantidad de trucos de circo y tretas para llevar a cabo sus planes; o Hex, un hechicero tremendamente poderoso que continuamente busca artilugios mágicos de los que servirse con malvados fines; entre otros...
La nueva serie ha sido creada para Cartoon Network por Man of Action Entertainment (Big Hero 6, Generator Rex), con John Fang (Mixels, Generator Rex) como supervisor de producción.

Arranca el Movistar Barcelona 360 Virtual Reality Fest

El primer festival de cine de Realidad Virtual en Barcelona se celebra estos días, 24 y 25 de Febrero, en el Arts Santa Mònica.



El festival acerca las últimas tendencias de la realidad virtual, el video 360 y la realidad aumentada a través de las varias áreas de las que se compone: selección oficial del VR Cinema, Espacio VR compuesto por Showroom VR y Test Zone, conferencias, un taller y una networking party.
Habrá 6 conferencias repartidas a lo largo de las tardes del viernes y el sábado. En “Ceremony” el actor, guionista y director de cine español Nacho Vigalondo hablará sobre el cortometraje Ceremony, y las posibilidades que ofrece rodar en 360º; en “Case study Etihad Airways VR Brand Campaign” Robert-Jan Blonk de MediaMonks junto al equipo de The Foundry comentarán cómo afrontaron el reto técnico de grabar en un avión para crear el anuncio en VR “Reimagine” de Etihad Airlines con Nicole Kidman; en “Rodando en VR”, Alejandro Asenjo de Visyon hablará sobre la agencialidad de la cámara 360, gramática en narrativa VR, la estética del error y el espectador emancipado; Sergio Ochoa en “VR state of the art: presente y futuro” analizará las soluciones más avanzadas en cuanto a la grabación con drones en VR y cómo llegar a la excelencia en la postproducción gracias al software Mistika de SGO; en “Las nuevas formas de narrar que ofrece la VR aplicadas en el videojuego Annie Amber” Carlos Coronado de Pantumaca explicará cómo la VR cambia el paradigma de la narración en un producto interactivo y las soluciones aplicadas al videojuego Annie Amber; por último Peter Lozano de Imascono en la conferencia “Diseño y tecnología para crear los nuevos canales de comunicación” tratará la importancia de la irrupción de nuevas tecnologías interactivas como la Realidad Aumentada y Virtual.
Respecto al Espacio VR, éste consta de dos partes: Showroom y el Test Zone, en el que participan 18 empresas y donde podremos sumergirnos en el mundo de la realidad virtual y probar distintos dispositivos como las HTC VIVE, VR Drones, Oculus, HoloLens, Samsung Gear VR, y experiencias como una Esfera Inmersiva 360, entre otras.
Por otra parte, en las sesiones del VR Cinema podremos experimentar con las gafas Samsung Gear VR 25 de las mejores piezas en VR a nivel internacional, provenientes de 8 países diferentes.
Además, el sábado 25 por la mañana se desarrollará un taller gratuito de videojuegos VR por Isostopy en que los participantes podrán construir su propio videojuego tipo First Person Shooter (FPS) para dispositivos VR.
Y la Networking party será una punto de encuentro entre profesionales de la industria VR, AR y el 360 en la que participarán todas las empresas presentes en el showroom, los ponentes y los profesionales asistentes y el público tendrá la oportunidad de conocer a los profesionales del sector.
Movistar Barcelona 360 Virtual Reality Fest es una de las iniciativas premiadas por Artsy, la plataforma de mecenazgo de Movistar que lleva desde 2013 dando apoyo a proyectos culturales, cuenta con el apoyo del Arts Santa Mònica y está creado y organizado por Paramotion Films y Festival Mecal.


Entradas relacionadas:
1ª edición del MOVISTAR BARCELONA 360 VR FEST (13 de enero 2017)

jueves, 23 de febrero de 2017

"Black Holes" quiere convertirse en serie

Uno de los cortos de animación que más expectativas y revuelo levantó en Sundance fue "Black Holes", dirigido por los hermanos David y Laurent Nicolas (Lascars, Life According to François-Remy Jeansac, F is For Family) y producido por Kevos Van Der Meiren. El corto en 3D se basaba a su vez en un antiguo trabajo en 2D de los realizadores franceses, titulado "Pierre the Astronaut", donde uno de los mejores astronautas del mundo perdía los nervios cada vez que tenía que asistir a la consulta del proctólogo de la NASA para un chequeo; este proyecto se convirtió en un pequeño filme de culto en Francia y animó a sus creadores a plantearse convertirlo en una película en 3D, para lo que empezaron a trabajar en el concepto, buscando una estética entre el 3D y el stop motion checoslovaco. Y lo que ocurrió fue que cuando la gente de Sundance vio algunos desarrollos les propusieron si podrían realizar un corto en cuatro meses, y con un equipo de sólo tres personas se pusieron a ello ... dando como resultado la pieza que podéis ver a continuación:


Ahora, los hermanos Nicolas y el estudio Noodles California han lanzado una campaña en Kickstarter para dar mayor desarrollo al proyecto, a través de lo que definen como una serie para adultos de corte satírico sobre la conquista del espacio, el sentido de la vida y la proctología en torno al inseguro astronauta Dave Nicholson y un inteligente melón en su primer viaje tripulado a Marte.
La serie se iniciaría en el momento en que la NASA se está preparando para enviar la primera misión tripulada al planeta rojo, pero una organización ecologista llamada Green Orbit quiere persuadir a la agencia de que incorpore materiales cuidadosos con el medio ambiente en la construcción de la nave, para lo cual envía como portavoz a una chica cañón llamada Clara de la cual el astronauta Dave se enamora rápidamente, lo que le lleva a intentar convencer a su jefe de que les hagan caso. Aunque la agencia cede, los materiales demuestran no ser válidos durante una prueba que acaba provocando un desastre ecológico en un país subdesarrollado, y la NASA debe destinar la mayor parte del presupuesto a pagar los daños. Pero la agencia ha hecho también un importante descubrimiento: el Melón, una fruta inteligente que pretende ser la reencarnación de un diseñador de moda y que acaba convirtiéndose en un alto estratega de la NASA, liderando un acuerdo de esponsorización con una gigantesca compañía de muebles que procurará los fondos de la misión a Marte siempre que Wilton Chester, imagen de la marca y divo narcisista, pueda unirse a la misión para retransmitirla en directo. A lo largo de la temporada, los personajes deberán enfrentarse a desafíos financieros y técnicos, inimaginables situaciones geopolíticas y estúpidas decisiones empresariales junto a inspecciones proctológicas, copulaciones interestelares, salsa y hasta un ventrílocuo esquizofrénico, a lo que se enfrentarán con su propia mezquindad y vanidad.




Se trata de reunir financiación suficiente (100000$) para producir el episodio inicial de la primera temporada de la serie, que consistiría en 10 episodios de 22 minutos de duración, y todo lo que se recaudara de más ha de servir para financiar los capítulos siguientes. Con ello quieren mantener el mismo espíritu independiente que ha hecho posible la realización del piloto de la serie tal como se ha mostrado en Sundance.
Además, si llegaran a los 250000$ proyectan realizar un video en realidad virtual que permitiría experimentar el despegue de la nave espacial como copiloto de Dave.


Podéis ayudar y consultar toda la información de la campaña en su página de Kickstarter: http://kck.st/2m4k3AK

Llegan las Olimpiadas más divertidas

Paycom Cinema estrena el 7 de abril "El Reino de las Ranas" (2013), una producción china dirigida por Nelson Shin y Melanie Simka  - con una versión de 2015 doblada al inglés para ser lanzada en VoD y DVD en EEUU - que cuenta la historia de una princesa revolucionaria que competirá en las Ranolimpiadas para conseguir su libertad.


Cuando el Rey de las ranas anuncia que el ganador de las Ranolimpiadas ganará la mano de su hija en matrimonio, la Princesa decide huir. Vestida como un plebeyo, se hace amiga de un vendedor ambulante, Mecha, y empieza a entrenar con él para los juegos dispuesta a ganar y a acabar con los planes de matrimonio que tiene su padre. Mientras tanto, una serpiente malvada tiene planes para arruinar las Ranolimpiadas y apoderarse del reino con la ayuda de su fiel acompañante, el Capitán Uniojo. Mecha y la Princesa planean salvar el reino de la malvada serpiente.
"El Reino de las Ranas" ofrece un perfecto balance entre humor, aventuras y emoción para toda la familia.



El director de la película, Nelson Shin, es conocido por haber trabajado de animador y productor en la exitosa serie Los Simpson. En la década de los 70 trabajó en Los Angeles como ayudante de animador en dibujos animados tan clásicos como "La pantera rosa", 'El Sr. Magoo" y 'El pato Lucas". En 1988 fundó el Akom Studio en Seúl, el cual se convirtió en el núcleo de contrataciones internacionales en Corea del Sur garantizando así la primera saga de "Los Simpson". Entre sus trabajos más reconocidos durante este período destacan la serie de televisión "The Transformers" así como también algunas películas de cine. A mediados de los 90 Corea del Sur producía un 50% de la animación mundial, con Akom como estudio más destacado.
En 2010 fue elegido presidente de la Asociación Internacional de Cine de Animación, cargo que ocupó hasta 2012. A partir de ese momento ha sido presidente de honor del Instituto de Animación chino Jilin, con el que ha producido "El Reino de las Ranas" en 3D.



miércoles, 22 de febrero de 2017

Psiconautas - Los Niños Olvidados

Respecto a "Psiconautas. Los Niños Olvidados" es obligado empezar con esta frase: no hay que perdérsela. Demasiado a menudo ocurre que cuando una película  se presenta como animación para adultos el espectador se topa con un argumento hueco donde la mencionada etiqueta se debe básicamente a la ingente cantidad de chistes políticamente incorrectos, fuera de tono o de contenido sexual que pueblan la cinta, por muy divertidos que puedan resultar. Afortunadamente no es el caso del largometraje dirigido por Alberto Vázquez y Pedro Rivero, una bellísima y original pieza, llena de poesía y sentido artístico, atravesada por una narración verdaderamente adulta - basada en la novela gráfica del primero - que sacude el alma en base a la tragedia particular y colectiva de un grupo de personajes cuyas vidas y cuya isla han sido arrasados por un accidente industrial, y cuyo simbolismo trasciende la historia para apelarnos sobre muchos de los males y problemáticas de nuestra sociedad, tales como el abuso de poder, el uso de armas, la desindustrialización, las drogodependencias, la eutanasia...


Producida por la gallega Zircozine y la bilbaína Basque Films, en co-producción con Abrakam Estudio y La Competencia, "Psiconautas" da cabida a toda una galería de personajes antropomórficos que, tras una terrible catástrofe ecológica en la isla en que habitan, sobreviven como pueden. Entre ellos se encuentran Birdboy y la ratita Dinki , que perdieron a sus padres y hubo un tiempo en que afrontaron juntos su dolor, pero Birdboy vive ahora aislado en el bosque, consumiéndose, y ajeno a que Dinki ha decidido emprender un arriesgado viaje en busca de un lugar mejor. Birdboy tendrá que luchar contra sus demonios interiores si quiere unirse a Dinki a tiempo de ayudarla en su aventura y salvarse a sí mismo.
La película dispone de la iconografía propia de los dibujos animados infantiles para desarrollar una trama plenamente adulta donde los personajes se convierten en víctimas en un asfixiante ambiente post-apocalíptico donde la falta de expectativas, el control familiar, el autoritarismo y el sectarismo, sobre todo hacia quienes son percibidos como diferentes, cercenan toda esperanza y abren la puerta a múltiples demonios que limitan su libertad. Junto a las líneas narrativas que se desarrollan con Birdboy y Dinki, pareja de una historia de amor imposible que aporta momentos de ternura a la vez que de tragedia, los realizadores construyen a modo de ingenioso rompecabezas un conjunto de microhistorias protagonizadas por diferentes pobladores de la isla - verdadero personaje último de la película - que confluyen para definir la desasosegante realidad de una sociedad que enferma, a la vez que introducen elementos de humor negro. Frente a la pasividad y el conformismo limitador del mundo de los adultos, los adolescentes protagonistas alzan su rebeldía y el ansia de encontrar algo mejor, tratando de escapar - sea física o mentalmente - y sucumbiendo a una suerte de trágico daimon griego que demuestra que la realidad es pertinaz, aunque siempre hay un lugar para la esperanza.
Dentro de la particular personalidad de la película, no son ajenos a ella elementos que remiten directamente al anime japonés - especialmente al cine de Hayao Miyazaki - como el árbol sanador que se esconde en el interior de la isla o el espíritu ecológico que denuncia los males de la industrialización, así como reminiscencias del mundo del cómic, desde Art Spiegelman hasta las historias de superhéroes: ¿quién no verá en Birdboy una tragedia similar a la del Batman más oscuro llevada al extremo, torturado por la muerte de sus padres e incapaz de cuidar de sí mismo mientras vela por un bien superior, aunque sea ganándose la incomprensión de los defensores de la ley?


El diseño artístico se alza por sí mismo como un magnífico entretenimiento para la vista, demostrando que no se ha concebido como un simple elemento accesorio de la narración a pesar de la limitación de medios con que ha contado la producción. La elección de colores contribuye de forma categórica a crear esa sensación de desolación y ambiente insano, tanto a nivel físico como espiritual, que se quiere transmitir a lo largo del metraje; mientras que el diseño de personajes y de escenarios se demuestran profundamente pensados en aras de un evidente simbolismo.
Tampoco la animación, dirigida por Khris Cembe, muestra las señales que podría dejar el tipo de presupuesto manejado; contrariamente, aporta una ejecución muy solvente y se muestra fluida y rica, demostrando que vale la pena seguir apostando por la animación 2D.
En la categoría de largometrajes de animación que premian los Goya puede ocurrir algunas veces que, dada la poca concurrencia de títulos que compiten a causa de las serias dificultades que existen para llevar adelante una producción de animación en España, el largometraje que resulte ganador se lleve el galardón no tanto exclusivamente por sus méritos sino por una mejor promoción, o por caprichosas preferencias de los académicos o porque alguno se lo debía acabar llevando; sin embargo, en el caso de "Psiconautas. Los Niños Olvidados" se trata de una película que se merece absolutamente el premio y todos los demás que ha recibido.

Lo mejor: la valentía y el esfuerzo en originalidad y desarrollo artístico de "Psiconautas. Los Niños Olvidados" la convierten en la mejor película de animación española de este siglo.
En contra: como un arma de doble filo, esa misma valentía la hacen poco atractiva para un público familiar que difícilmente optará por llenar las salas de cine.

Entradas relacionadas:
Entrevista a los directores de "Psiconautas" (20 de febrero 2017) 
Psiconautas hace su debut (24  de septiembre 2015)

lunes, 20 de febrero de 2017

Entrevista a los directores de "Psiconautas"

El próximo día 24 se estrena en las salas de cine españolas el largometraje de animación ganador del Goya 2017, "Psiconautas. Los Niños Olvidados". Con ocasión de su preestreno no desaprovechamos la ocasión de hablar con sus directores, Alberto Vázquez - doble ganador del Goya, al obtener también el galardón al Mejor Cortometraje de Animación por "Decorado" - y Pedro Rivero, tanto en rueda de prensa como en una entrevista posterior.
Pedro Rivero viene tiene tras de sí un estrecho vínculo con el cine de animación, al haber trabajado como guionista en varias series de animación desde "Los intocables de Elliott Mouse" (1996) y también para la industria del cine, destacando su trabajo en "Goomer" (1998), de Carlos Varela y José Luis Feito, hasta que en 2001 crea su propia empresa de producción, Abrakam Estudio. Desde allí produjo "La Crisis Carnívora", estrenada en 2008, y entraría posteriormente en contacto con Alberto Vázquez para coproducir la película basada en su cómic "Psiconautas".
Alberto Vázquez, por  su parte, es ilustrador y dibujante de cómics y también director de animación desde su trabajo conjunto con Pedro Rivero en el cortometraje "Birdboy" (ganador del Goya en 2012), que se creó como primer paso para ver si serían capaces de llevar adelante un largometraje basado en la novela gráfica "Psiconautas". A partir de entonces ha dirigido igualmente otros cortometrajes, entre los que destacan "Sangre de Unicornio", nominado a los Goya en 2014, y "Decorado", ganador del Goya este año.


EL ORIGEN
Fue Pedro Rivero el responsable de la idea de llevar "Psiconautas" al cine. El realizador vasco nos lo cuenta así:  "Es casi una historia de Navidad porque yo fui a comprar un cómic como regalo para un familiar y el editor de Astiberri, que es al mismo tiempo el dueño de la tienda Joker en Bilbao, me recomendó 'Psiconautas'. Entonces yo la cogí y como estaba en un estado un poco de depresión porque en aquel momento había algunas dudas sobre si íbamos a poder distribuir o no comercialmente mi primer largometraje, 'La Crisis Carnívora', caló perfectamente en mí ese estado de ánimo que se respira en el cómic y lo que ví en él me deslumbró porque lo que yo había intentado hacer con mi anterior película era también jugar con la iconografía de los animales antropomórficos y un poco con lo que conocemos de Disney y de los dibujos animados para contar una historia que no terminé de rematar, desde luego no del modo en que lo hizo Alberto. Alberto plantea una narración sin ninguna concesión en la cual te puedes sentir identificado en todo momento con los personajes, puedes compartir todas sus vivencias, y eso me llevó a decir 'este hombre con este cómic ha hecho todo lo que yo quería decir con una película y no he conseguido'; hay que aprender de tus errores y saber reconocer cuando hay quien hace un trabajo sobresaliente, y ante el vértigo de qué iba a ser lo siguiente que iba a hacer pensé que sería un estímulo partir de una obra que ya para mí tiene una narración muy sólida y llamé a Alberto, sin conocernos previamente, y le propuse la idea de hacer una película de animación a partir de sus cómics. Él estaba en un momento en que tampoco el cómic en España daba para muchas alegrías y fue una buena combinación, o un accidente o una ocurrencia afortunada el ponernos en contacto porque a mí me ha permitido salir de esa depresión después de mi primera película y a Alberto le ha permitido también entrar dentro del mundo de la animación y espero que sea para quedarse.
En todo caso, Pedro y Alberto no se pusieron inmediatamente a desarrollar el largometraje, sino que quisieron probar primero con un cortometraje, que fue - como se ha comentado - "Birdboy". Según Pedro Rivero, "Birdboy" les sirvió como una primera prueba para ver cómo desarrollar el trabajo y también les dió la necesaria credibilidad hacia los productores, que confiaron en que iban a ser capaces de terminar la película. De este modo, se inició hace unos siete años la producción del largometraje, una producción gallego-vasca que se llevó a cabo en La Coruña, con la participación de artistas gallegos, catalanes, vascos e italianos. La postroducción, el doblaje, el montaje y los sonidos se realizaron en el País Vasco.

LA PELÍCULA
"Psiconautas. Los Niños Olvidados" da cabida a una galería de seres antropomórficos que habitan una isla arrasada por un accidente industrial; Birdboy y Dinki perdieron a sus padres y hubo un tiempo en que afrontaron juntos su dolor, pero Birdboy vive ahora aislado en el bosque, consumiéndose frente a sus demonios interiores, y ajeno a que Dinki ha decidido emprender un arriesgado viaje en busca de un lugar mejor.
La película despliega un universo desolador, representando muchas de las enfermedades y problemas que afectan al mundo actual. Según el ilustrador y autor gallego ese aire se desprende ya de su novela gráfica, donde "lo que hice fue un poco mirar hacia el interior e intentar representar un poco las cosas de la adolescencia pero en un mundo fantástico, y crear un mundo en el que todo pudiese ocurrir. (...) El cómic yo lo creé con 22 años y sólo podía hablar de la adolescencia en esa época. Al mismo tiempo me gustaba la libertad que te daba todo esto de crear un universo propio y de las fábulas, los cuentos... en los que tú puedes inventarte tu propio imaginario: por eso están los animales, están los demonios, pero también están las enfermedades representadas por metáforas.. y toda esa libertad transcurre en la película. Y al mismo tiempo, al ser una historia libre el final tiene que ser como tiene que ser y nos hemos dejado llevar, tanto en el cómic como en la película, por el tipo de final que pedía la historia: no podíamos acabar con un final abiertamente negativo ni abiertamente positivo. Tiene un punto de desolación pero al final siempre hay un punto de luz."
Alberto Vázquez utiliza los animales en buena parte de su obra gráfica y su película recuerda en ciertos aspectos a la obra 'Maus' de Art Spiegelman; no es extraño, puesto que, según el ilustrador y director, "'Maus' fue el primer cómic que me leí en mi vida, salvando los Astérix y similares, y cuando cayó ese cómic en mis manos con dieiciocho años me dije 'con el cómic se puede contar todo', y es un medio artísticamente superpotente, superpoderoso, económico de realizar porque estás trabajando tú solo con tu plumilla y tu tinta (...) 'Maus' cuando lo leí me encantó, y a raíz de él empecé a hacer cómic".
"Psiconautas" desarrolla una historia para un público adulto pero juega con el imaginario infantil de las fábulas y los animales antropomórficos, manifestando un evidente contraste entre forma y fondo; para Alberto Vázquez "es pervertir lo que es la idea de Disney o de las series de anime de televisión para hablar de problemas mucho más realistas". Por otro lado está la utilización de los animales como iconos universales sin tiempo ni lugar, con lo cual la historia se convierte en una fábula anacrónica; según el realizador gallego "los animales remiten al mundo del cuento, de las fábulas, y nos gustan porque son atemporales, no tienen tiempo ni tienen lugar: nuestra historia uno no sabe si es española, si es japonesa o si es europea, no se sabe bien dónde ubicarla. Además empatizan con el espectador, porque al ser iconos remiten a cosas que ya conocemos, sea de las fábulas o de series infantiles de televisión, los cuentos..".
De este modo, el sentido metafórico es importante en el imaginario propio de Alberto Vázquez y Pedro Rivero; como dice el primero: "Son imágenes poderosas que quedan ahí y que dejan una puerta abierta al simbolismo y a la propia interpretación. Pequeños cabos para que la gente se deje llevar". Pedro Rivero alude desde este punto de vista a los psicopájaros, que son todos los demonios interiores que tiene Birdboy: "en nuestro imaginario son todas las pesadillas que le habitan y que tienen su origen en el dolor por la muerte de su padre y de todo lo que ha ocurrido en la isla. Es toda esa rabia contenida y ese dolor que aparece en los momentos en los cuales él se deja ir, en sus alucinaciones. (...) Dinki, de algún modo tiene que enfrentarse con ellos; es una metáfora sobre enfrentarse a los propios demonios".O en el caso de la araña que parasita a la madre de chico cerdo, aquélla representa la enfermedad y la dependencia de los calmantes que le trae su hijo.. y "apela al desdoblamiento que sufrimos muchos en situaciones de enfermedad".
También los lugares que aparecen en la película tienen un sentido expresamente buscado en ese simbolismo global. Como recuerda Alberto Vázquez: "Yo soy de La Coruña, que es una península rodeada de agua por todos los lados, con lo cual es casi una isla. Y la isla es una metáfora muy evidente del aislamiento: vivir en una isla es como vivir aislado del mundo". Añade el realizador que "en todas las culturas está el bosque, la isla, el faro... como elementos metafóricos universales, lugares comunes a todos los cuentos y a todas las culturas".


LAS DIFICULTADES DE LA ADAPTACIÓN
Preguntado sobre la fidelidad de la película respecto de su obra, Alberto Vázquez reconoce que tras haber pasado por un proceso muy largo, la película es completamente fiel: "lo que pasa es que ha habido que adaptar el lenguaje del cómic puesto que trasladado como tal al lenguaje audiovisual daba para 40 minutos escasos; entonces hubo que hacer más tramas y trabajar la historia, puesto que al final el lenguaje del cómic y el lenguaje de animación si bien son parecidos tienen también muchos aspectos que no tienen nada que ver, y funcionan cada uno con sus propias reglas. Hubo que hacer más tramas, hubo que pensar en todas las transiciones, hubo que hacer nuevos personajes... Si lees el cómic es lo mismo, pero como una síntesis de la historia que se ve en la película".
Según cuentan sus realizadores la adaptación permitió extenderse más en cosas que estaban ya apuntadas en la novela gráfica, pero que el formato más extenso del largometraje les permitió profundizar más, y darle más solidez a cada uno de los personajes. Precisamente cada uno de los personajes tiene una historia que bien podría ser un corto dentro de la película; como explica el director gallego: "Está planteado como microcortos para cada uno de los personajes, cada uno de los cuales tiene un final cerrado. Son historias cruzadas todo el rato". Y añade, "tuvimos problemas porque no queríamos perder la narración fragmentada que tenía el cómic, puesto que nos parecía una apuesta narrativa interesante y única, pero al mismo tiempo queríamos que la película no fuese aburrida, y al mismo tiempo que fuera artística y que fuera simbolista. Al final dijimos 'vamos a hacer de este problema un estilo propio, y en vez de intentar ocultarlo vamos a potenciarlo'. El problema de todo ello es que tienes que velar porque esté todo siempre equilibrado, así que una de las cosas que siempre estábamos haciendo era como un puzzle: si movíamos una escena aquí, ¿qué pasaba entonces con todas las demás? Había que andar con cuidado de no desarmar el castillo de naipes; (...) una escena va a ser un poco violenta, la siguiente con un poco de humor, la siguiente con un poco de intimismo, .. y estás siempre buscando un equilibrio y jugando en la cuerda floja. Y a veces salimos bien parados y otras veces igual no tanto, pero fue una apuesta narrativa y éramos conscientes de ello y decidimos ir por ahí". Aunque como advierte Pedro Rivero: "Lo importante era mantener el pulso en el camino que emprenden Dinki y Birdboy y nuestra obsesión era que eso progresase junto con las demás historias, cruzándose, pero que en ningún momento perdiéramos de vista esa progresión".
Alberto también explica que la determinación por ser bastante fieles al cómic planteaba problemas con los flashbacks: "Los flashbacks y las narraciones digresivas en el cómic, al igual que en la literatura, funcionan bastante bien porque el lector elige el ritmo al que quiere leer la historia y si se pierde vuelve hacia atrás y ya está. La animación y el cómic son primos pero no son hermanos: el cómic es mucho más libre y más cercano a la literatura en el sentido de que puedes irte por las ramas, puedes hacer flashbacks, puedes hacer microhistorias dentro de historias, puedes mezlar pensamientos propios del personaje con cosas que ve e irte a lo más abstracto, porque el lector puede parar cuando quiera y puede entender que entre viñeta y viñeta haya unas elipsis temporales brutales. Mientras que en la animación debes darlo todo comido y bebido, debiendo tener mucho cuidado con las elipsis o con los flashbacks, por ejemplo, puesto que en el cine detienen mucho el tiempo y porque se puede perder al espectador; hay que dárselo todo ya mascado y tener cuidado de no despistarle. Y en ese sentido, el salto del cómic a la animación fue una de las cosas que más me costó".
El sentido artístico de la novela gráfica y del oficio de Alberto Vázquez como ilustrador es otro de los rasgos más característicos de la película. Dice aquél que "me gusta que los dibujos sean bonitos, aunque sean decadentes o deprimentes. Yo he trabajado y sigo trabajando en ilustración (tengo doce libros publicados en varios países) y aplico mucho la ilustración a la animación porque la ilustración es añadir conceptos al dibujo, o metáforas, y eso es una cosa que me gusta cuidar y que la tengo metida dentro como ilustrador, y la animación ha sido como abrir otro campo".

LOS RETOS DE LA PRODUCCIÓN
Para Pedro Rivero "Psiconautas. Los Niños Olvidados" representa su segunda experiencia como director de un largometraje de animación, y en esta ocasión parece que la experiencia ha sido más gratificante que con su primera película: "En mi caso en mi primera película era el productor principal, era el director, el guionista.. cumplía muchos roles y creo que ello supeditó mucho mi capacidad de entendimiento de la producción e incluso poder valorar el trabajo que estaba haciendo en una producción que fue muy complicada para mí, mientras que en el caso de 'Psiconautas' el hecho de poder trabarla en equipo ha sido fundamental. Alberto además se ocupaba de la dirección de arte, un aspecto que es esencial en una producción de animación, y desde luego yo sentí una presión menor de la que yo tenía en mi primer largometraje, sobre todo porque estaba trabajando con un equipo muy comprometido con sacar adelante la película. Así que el verdadero reto fue que la narración mantuviese el tipo en todo momento: mi preocupación principal a lo largo de toda la película, al mismo tiempo que llegar a todos los plazos y poder gestionar la complejidad de una película tan pequeña - de hecho te podía atacar un poco los nervios ver que pendía una espada de Damocles y que tenías que llegar sin el tiempo ni los recursos suficientes - era no perder en ningún momento de vista que la narración pudiera fallar por descuido o por falta de recursos o por lo que fuera, y que mantuviese el tipo en cada uno de los planos para que no hubiera nada que estuviera fuera de sitio. El reto fue, pues, poder asegurar que la película fuera coherente de principio a fin, evitando que tuviera una o cuatro escenas maravillosas y luego otra sobre la que se hubiera pasado de puntillas. Y esto a veces en animación, al tener que fragmentar el trabajo entre distintas personas, te obliga a seguir teniendo una visión muy constante de cual es la línea a seguir, para que no se te escape"."Para mí lo fue ser consciente de los recursos que teníamos y exprimirlos al máximo siendo inteligentes para que no se notara que teníamos pocos medios" dice Alberto Vázquez, que ha trabajado en su primer largometraje de animación. Y añade: "Tú ves la película y la película se sostiene, del principio al final. Se sostiene porque éramos conscientes de las limitaciones que teníamos económicamente y contando con un equipo de arte compuesto solamente por tres personas - dos ilustradores y yo - encargándonos de todo el diseño de personajes, de los fondos, etc. Ello nos obligaba a saber diseñar los backgrounds utilizando quizás pinceladas toscas, fondos no siempre acabados sino más bien abocetados, haciendo del error parte de la virtud o del estilo. Y saber qué equipo teníamos también, sabiendo quién podía hacer unas cosas mejor que otras, porque al final éramos un equipo muy comprometido pero sin experiencia prácticamente... a priori; lo que pasa es que bien dirigidos y gente muy comprometida, y todos aprendimos un montón y fuimos listos, porque al fin y al cabo la película está acabada y es animación tradicional. Todo es animación frame a frame, hecha dibujo a dibujo, cada uno de ellos exportado luego a Photoshop para dar textura a los personajes.. dando lugar a un proceso muy laborioso y muy artesanal. Precisamente por ello creo que es una película sencilla que envejecerá bien; por contra si ves una película en 3D de hace diez años o de quince ¡prepárate!, porque vas a ver todos los píxeles, los polígonos... la tecnología cambia mucho y eso influye mucho en el resultado. En cambio la animación tradicional, si trabajas manualmente, al cabo de 20 años seguirá vigente: Tú ves "Bambi", que tiene 90 años, y sigue vigente; en cambio ves "Shrek", que tiene 12 o 14, y dices ¡Dios mío!"
Ambos realizadores nos hablaron también del planteamiento que se dio a las voces de la película, otro de los aspectos en los que estaban determinados a huir de las fórmulas al uso, aunque ello pudiera disgustar de entrada a los productores. Como cuenta Pedro Rivero: "Desde el principio teníamos claro que no queríamos convertir la película en un carnaval de actores famosos poniendo voces,  ya que al final a la película le iba bien un tono más neutro, más naturalista, porque los personajes en el fondo son la ratoncita Dinki y el niño pájaro Birdboy, y tienen todos un carácter casi anónimo; haberles dado una personalidad demasiado fuerte con según qué voz hubiera traicionado el espíritu de la fábula en sí. Eso no quita que para algunos papeles muy focalizados, tragicómicos y de personajes adultos, como es el caso del ratón mendigo que interpreta Enrique San Francisco, o el líder rata que interpreta Ramón Barea, y Paco Sagarzazu que interpreta a Tito Klaus, se acudiera a actores conocidos, más por una cuestión de amistad que de apuesta. Hubo que pelear para convencer a los productores sobre la idea respecto a las voces de los protagonistas".
Y añade Alberto: "Nuestra película tuvo muy pocos medios y muchas de las cosas se hicieron como se hacen en el cine: como se puede y no como se quiere. La voz de Dinki es de una chica de 18 años amateur (Andrea Alzuri), para quien era su primer trabajo, y las voces de los niños corresponden a niños de verdad, de 13 ó 14 años, y ello te da cosas pero también te quita otras. Hay que trabajarlo muy bien porque son gente sin experiencia y queríamos que las voces fuesen lo más reales posible. Fue una apuesta complicada y un poco a ciegas, porque al final todas estas cosas de las voces las haces rápido y quizás el espectador no lo perciba pero son cosas complejas de gestionar. Pero hemos apostado por un tipo de doblaje que yo creo que beneficia a la película; no íbamos a poner la voz de Iniesta o voces de actores muy conocidos. No era necesario porque es una película global, es un cuento, y decidimos tirar por un cierto realismo de voces dentro de lo posible".


LOS RECONOCIMIENTOS
La película de Alberto Vázquez y Pedro Rivero ha obtenido un notable número de reconocimientos a nivel nacional e internacional dentro del sector profesional de la animación y en el más general del cine, llegando incluso a estar nominada como Mejor Largometraje de Animación en los premios de la Academia Europea de Cine. Pero sin duda el mejor reconocimiento hasta el momento ha llegado en fechas muy recientes, cuando la película obtuvo el Goya a mejor película de su categoría. Preguntados los directores sobre si se esperaban tal cadena de reconocimientos, Pedro Rivero se muestra cauto: "Esperar, esperar, no tienes unas expectativas muy alejadas de terminar la película lo mejor posible. Luego, a medida que vas viendo los resultados, sí que dices: '¡vaya! sí que parece que va conjuntando todo'. Pero sí que es cierto que estamos muy satisfechos porque siendo conscientes de cómo se ha podido hacer la película, en un tiempo tan corto y con un equipo tan limitado, se lo cuentas a cualquiera fuera de España y te toma por loco. Entonces, claro, ahora la respuesta por parte del sector profesional de la animación , que ha acogido muy bien la coherencia que tiene la apuesta narrativa con la apuesta gráfica, y que no ha habido un intento de hacer algo y no llegar, ha sido importante. La película es coherente en cuanto a que ofrece lo que podía ofrecer y con el mayor desarrollo posible. No sientes que falte nada, o al menos esa es mi impresión. Claro, una vez hecha siempre piensas que podíamos haber hecho esto o aquello, o salvar esta escena o hacer otra de diferente manera..."
Pero Alberto Vázquez se manifiesta cansado de ir con la cabeza algo agachada: "La relación entre medios y resultado es excelente. Habrá gente a quien le guste la película y gente que no, pero la relación medios-resultado es muy satisfactoria. Y en cuanto a la repercusión, yo incluso pensaba que iba a tener más: nosotros estuvimos nominados como mejor película europea de animación, categoría que finalmente ganó "Mi Vida de Calabacín", pero yo he visto esta película o "La Tortuga Roja" o "La Jeune Fille sans Mains" y no me parece que la nuestra sea inferior; me parece otra apuesta, y esas películas me gustan, pero también me gusta la nuestra. No porque la hayamos hecho nosotros, sino  porque creo que está al mismo nivel; incluso artísticamente yo la veo más comprometida y más punk y más radical. Estoy ya cansado de ir con el perfil bajo habiendo hecho una peli de la ostia con unos medios de nada. Estamos viajando por todo el mundo con una película hecha con dos duros, y a partir de ahora se acabó: yo creo que es una buena película, que no tiene nada que envidiar a las grandes producciones, y es una película que yo pienso que perdurará en el tiempo dentro de un sector especializado de animación y de ciencia ficción, de gente interesada en la ilustración. Estoy convencido de que dentro de cinco años seguiremos viajando con esta peli".
Lo que está claro es que la película ha obtenido muchos reconocimientos y generado interés. Además, al haber obtenido distribución en EEUU, ¿podría llegar a la lucha por los Oscar? Alberto Vázquez reconoce que será difícil, pero no descarta nada; mientras que Pedro Rivero se muestra de nuevo más cauto: "Habrá que ver. También depende de las otras películas que haya durante el año, pero ya que se distribuye en EEUU es importante que la película tenga esa oportunidad. Distribuirse en EEUU y en Francia es muy importante; son dos de los mercados más importantes de la animación mundial y la película ha podido entrar en ellos, con lo cual estamos bastante satisfechos siendo una película que no es para el público infantil ni para el público familiar."

LA DISTRIBUCIÓN
En efecto, la película se va a estrenar en Francia en mayo y en EEUU en el mes de septiembre. Pero de momento la cinta tiene que hacer su debut en los cines de su país de origen, y lo hace teniendo que enfrentar el reto de seducir a un público que no es el familiar y que no será, en principio, masivo. Como lo expresa Pedro Rivero, "lo que pueda pasar en taquilla de aquí en adelante con la película depende de muchos factores que no tienen en realidad nada que ver con la película en sí. 'Anomalisa', una película estupenda de Charlie Kaufman, duró lo que duró en las salas de cine; quien se ha acercado a ella y la ha visto ha quedado maravillado, pero el soporte que ha tenido detrás, el apoyo que tiene un cine que es artístico, no es mucho".
Según el director vasco, "es evidente que si no va a haber unas expectativas de taquilla masivas o va a ser un producto que va a ser apoyado por los medios de comunicación con una estrategia promocional muy fuerte, no sólo el cine de animación para adultos sino el cine que no va dirigido a un público masivo sufre para financiarse, salvo que tenga unos nombres de prestigio detrás. Alberto tiene un nombre de prestigio como ilustrador, sin duda alguna, pero a la hora de adentrarnos en animación alguno ha podido pensar 'quienes son estos que vienen ahora a proponernos esta cosa que no se sabe a quién le va a gustar!'. En otros países europeos hay una cultura más avanzada de ser espectadores de animación de todo tipo, como Francia, sin embargo aquí en España todavía es difícil".
Sin embargo, Alberto Vázquez quiere expresar manifiestamente su convencimiento de que es necesario que exista cine de animación para adultos, y en particular el tipo de cine al que representa "Psiconautas": "Porque tiene su arte y es una forma de contar historias. Si sólo vas a hacer blockbusters apaga y vámonos, porque en el cine debe haber blockbusters pero también cine familiar, cine infantil y cine para adultos. Yo no estoy de acuerdo en que sea una película que no interese, porque es un tipo de película que hay que trabajarla y sin duda tiene un nicho de mercado muy claro en el que puede entrar la gente a la que le gusta el anime, porque tiene un punto de anime y ese es un mercado muy potente en España y fuera de España, y también es una película muy artística que entronca con el cómic, con la ilustración y con el cine de animación, y con el videojuego incluso. Yo creo que es una película que si se trabaja bien y se publicita bien tiene su nicho de mercado. Y este tipo de películas hay que hacerlas porque si no, no existiría el cine; veríamos todos el mismo tipo de películas, y nosotros preferimos hacer un tipo de cine un poco más libre". Alberto remata diciendo: "Nosotros creemos que el cine de animación puede ser también cine de autor e intentamos hacer una película que no sea condescendiente con nosotros mismos, sino dura cuando tiene que ser dura o simbolista cuando tiene que serlo. El dibujo y el cine de animación son lenguajes completamente adultos y tenemos que apostar por ello, porque si no, no existirían los artistas ni existiría el cine de autor. Nos corresponde ser consecuentes con lo que hacemos y en este caso creo que lo hemos sido bastante".


EL FUTURO
En la nueva edición del foro Cartoon Movie que se va a celebrar en el próximo mes de marzo Alberto Vázquez va a presentar un nuevo proyecto de largometraje titulado "Unicorn Wars", ligeramente basado en el corto "Sangre de Unicornio". Según el ilustrador y director, consideraron que el corto contenía una historia interesante y que se podía desarrollar un poco más, pero en esta ocasión no era una cosa buscada hacer el corto para luego hacer un largometraje, como sí ocurrió con "Psiconautas". Como aclara Alberto: "En realidad "Sangre de Unicornio" es un punto de partida, pero luego la historia va a ir por otro lado.(...) Es género bélico, rollo Vietnam tipo "Apocalipsis Now", con personajes perdidos en la selva que entran en locura... Es una mezcla de "Apocalipsis Now", "Bambi" y "Sangre de Unicornio" con un tratamiento de color diferente, y un proyecto que veremos si se hace y cuándo se hace, porque igual no se hace hasta dentro de ocho años". Y añade: "Veremos si los Goya ayudan; todo está aún muy reciente, y creo que los beneficios los vamos a empezar a ver a partir de ahora... si hay".
Por otra parte, afirma el director que ahora anda también muy metido en el mundo de los videojuegos, "que me parece también un campo muy interesante a nivel narrativo y expresivo, en el que puedes hacer cosas muy diferentes. Al final el dibujo es un lenguaje, y te sirve para contar cosas, y da igual el  medio: si no es animación, será en libros o si no será en cómics o en videojuegos".
Que así sea pues, y ojalá podamos seguir viendo trabajos tan buenos como "Psiconautas. Los Niños Olvidados" en el formato que sea.

Muchas gracias a ambos directores por atendernos y mucha suerte en sus respectivas aventuras.

Entradas relacionadas:
Psiconautas hace su debut (24 de septiembre 2015)

jueves, 16 de febrero de 2017

Lleida, epicentro internacional del cine de animación

Lleida se convertirá del 2 al 5 de marzo en la capital mundial de la animación, con la celebración de la 21ª edición de Animac, la Muestra Internacional de Cine de Animación de Cataluña, que organiza el Ayuntamiento de Lleida. La programación de la muestra, que cuenta con 7 largometrajes y 200 cortometrajes y otras piezas animadas, tendrá también alta presencia de profesionales que son referente en el mundo de la animación y que expondrán sus experiencias y obras. Cuatro jornadas intensas de proyecciones, conferencias, talleres y otras actividades especiales que tendrán lugar en las sedes habituales del festival, La Llotja y CaixaForum Lleida, y en el espacio Magical Media, Centro de Producción Audiovisual, donde se realizan talleres educativos.
El alcalde de Lleida, Àngel Ros, acompañado de la teniente de alcalde y concejala de las Políticas a favor de la Creatividad, la Cultura, la Educación y los Deportes, Montse Parra, y la directora de Animac, Carolina López, presidió ayer la presentación de la muestra. El alcalde destacó la vertiente educativa de Animac: "9.500 alumnos, mil más que la última edición, pasarán por la Muestra Internacional de Cine de Animación de Cataluña con lo cual reforzamos componente pedagógica y formativa, generamos futuros espectadores y profesionales de la animación y, al mismo tiempo, potenciamos la creación de la industria audiovisual".
Animac ha centrado la programación de este año en el lema "Contra el viento - Against the wind". Según Carolina López, directora del certamen "convertir las dificultades en arte se convierte en una idea poderosa para muchos creadores, algo que también está presente en muchas de las películas animadas que conforman la edición de este año". "El arte como alquimia - aseguró López -, capaz de transformar la desdicha en poesía y ayudar a entender el mundo y entendernos entre nosotros, me hace pensar en una de sus funciones más importantes".



Igor Kovalyov, Invitado Especial
Por este motivo, el Invitado Especial de este año es Igor Kovalyov. Es una de las figuras más destacadas de la animación post-soviética. Precisamente su obra llegó al gran público a través de series producidas por Klasky Csupo como "Rugrats: aventuras en pañales", "Ahh!!! Monstruos" y "Duckman" así como su primer largometraje "Aventuras en pañales. La película" (1998), basado en la popular serie. Pero, sobre todo, Animac celebra con una masterclass y una completa retrospectiva sus cortometrajes para adultos, verdaderas joyas animadas que lo han convertido también en un referente internacional en circuitos culturales.

Michael Dudok de Wit, Animation Master
También se contará con la presencia del oscarizado Michael Dudok de Wit, como Animation Master. Es un animador, director e ilustrador holandés que vive en Londres, Actualmente está nominado a los premios Oscar de Hollywood por su primer largo que se podrá ver en Animac, "La tortuga roja", coproducido por los míticos estudios Ghibli. Todas sus películas se caracterizan por la sencillez de sus dibujos y una magistral narrativa sin diálogos. Animac también mostrará sus cortometrajes, entre ellos "Father and daughter" (2000) que ganó un Bafta y el Gran Premio de Annecy, entre otros.

Cerca de cincuenta realizadores presentes en Animac
Otros realizadores están invitados a Animac 2017 - alrededor de cincuenta – entre los que figura el filipino Avid Liongoren, autor del filme "Saving Sally". Es un largometraje híbrido que combina animación e imagen real, y se centra en un joven dibujante de cómics que ve el mundo a su alrededor como un libro de ilustraciones con vida. Es una obra enfocada en especial al público adolescente y con influencias de todo tipo procedentes de la cultura pop. Nos visitará también el productor de la francesa "La Jeune fille sains mains", una película basada en uno de los relatos más oscuros de los hermanos Grimm, dibujado magistralmente sólo por una persona: su director Sébastien Laudenbach.
Además de los 7 largometrajes programados, los cortometrajes, siguen siendo los protagonistas de la Muestra con más de 200 títulos. Destacados como "Blind Vaysha" de Theodore Ushev, "Decorado" de Alberto Vázquez, "Nonca ptico" de Spela Cadez, "Un Tête dispararait" de Frank Dion y "Before Love" de Igor Kovalyov, dentro de las habituales sesiones de Cortos con los mejores filmes de autor del momento, Futuro Talento, con cortos de escuelas de todo el mundo, y el Monográfico dedicado a producciones recientes bajo el tema "Contra el viento".
Entre los profesionales presentes en la 21ª edición destacan los creadores de las animaciones de la última película de J. Bayona. La conferencia "Así hicimos las animaciones en Un Monstruo viene a verme" contará con el diseñador de personajes y director de arte Adrià García (Headless) y el animador Javier Verdugo (Glassworks Barcelona). Ambos, y los estudios que representan, han sido los responsables de los preciosos cuentos animados que incluye la muy galardonada película. El estudio Headless ha sido recientemente premiado en los prestigiosos premios Annie por su trabajo en el diseño de personajes en la serie animada de Guillermo del Toro 'Trollhunters', producida por Netflix y dirigida por Rodrigo Blaas.
Otro nombre destacado de esta edición es el cantante y guitarrista Benjamin Scheuer que ha confirmado su presencia y que junto con el animador británico Peter Baynton, nos explicarán el papel de la animación en sus videoclips. Además, Benjamin Scheuer actuará por primera vez en España presentando las canciones de su disco "The Lyon". Scheuer en estos momentos de gira por Estados Unidos y ha recibido muy buenas críticas por su trabajo.

Petit Animac y Sesiones Escolares
Animac también se acuerda de los más pequeños de la casa, con la popular sección Petit Animac y las Sesiones Escolares que este año baten record de visitas con más de 9.500 niños y niñas de toda la provincia. Petit Animac es un escaparate para la animación no comercial y busca el desarrollo de la imaginación y de los valores con piezas como el largometraje "Ma vie de Courgette", ganadora entre otros muchos premios del Gran Cristal del Jurado y del Premio del Público en el prestigioso festival de Annecy. Se trata de un largometraje en stop motion dirigido por Claude Barras y centrado en "Calabacín", un niño de nueve años que, tras la muerte de su madre, es trasladado a un orfanato.
Para los más pequeños se continúa ofreciendo la sección Short & Sweet, dedicada a una franja de edad de niños entre 0 y 3 años, con cuidadas imágenes y sonidos, de duración reducida para que los más pequeños también puedan disfrutar de Animac.
Entre las novedades de este año está la sesión White Cube, una selección de las obras más arriesgadas que ocupan un espacio entre el cine y la galería de arte; y el programa # Animac4teens, una programación pensada para el público teenager.

Animacrea
Animacrea vuelve a ser el gran motor creativo de la Muestra con talleres abiertos y gratuitos organizados por las mejores escuelas y cursos de animación de Cataluña como Ilerna, EAM, Ermengol, Ondara, Escuela de Arte y Diseño de Sant Cugat, Escuela Joso , Pau Gargallo, IDEM Bcn, ESNE - Escuela Univeristaria diseño, innovación y tecnología de Madrid, BAU Escuela - Centro Universitario de diseño de Bcn, Loopy Teller, Nus Creacions, Bibiloteca Pública de Lleida, La Trama Cómics, Editiorial París, Kumon, Ipop radio, La Guerrilla del Gilda y Anima Biriki. Animacrea también acoge la pantalla gratuita Open Screen donde se podrá ver la parte comercial de la retrospectiva de Kovalyov; producciones televisivas como las breves animaciones para entender el pensador, científico y escritor Ramon Llull producidas por Brutal Media para TV3; cortos para público adolescente y más. El Espacio Kids y una serie de stands relacionados con la animación completan una de las zonas más concurridas de la Muestra.

Networking & Pitch
El Networking & Pitch vuelve a ser un año más un referente para los profesionales emergentes gracias a las actividades programadas que establecen un puente entre el talento joven y los profesionales establecidos. Así, este 2017 se han elegido 12 proyectos para el pitch Incubator, que serán evaluados por un panel de expertos dentro del cual se encuentran productores de referencia como Paco Rodríguez, Belli Ramírez o Iván Miñambres. Además, las sesiones Portfolio, dan la posibilidad de un encuentro vis-à-vis entre el profesional de la animación, que quiere hacerse un lugar en la industria y los productores y realizadores en busca de talento. El Market Pitch también acogerá 12 escuelas y empresas que vendrán a presentar sus servicios especializados. Entre todas las convocatorias, se han recibido unas sesenta solicitudes para participar en este apartado para profesionales.
En colaboración con Creative Europe Media Cataluña Desk, está prevista una jornada de formación en materia de guion de la mano de uno de nuestros guionistas más internacionales en animación: Jordi Gasull, responsable de "Atrapa la Bandera" o "Tadeo Jones".

Animac pedagógico y educativo
La teniente de alcalde Montse Parra ha puesto de relieve que "Animac refuerza una vez más su vocación pedagógica con talleres en colaboración con centros y entidades de la ciudad impartidos por los mejores profesionales del medio". Una de las incorporaciones importantes en este campo es el taller que se hará por primera vez en la Biblioteca Pública de Lleida a cargo de The Color Lab, la mañana del sábado 25 de febrero. Siguiendo iniciativas de éxito de las últimas ediciones, durante la celebración de la Muestra se desarrollará de nuevo el 2º seminario para docentes de primaria y secundaria, en colaboración con el Centro de Recursos Pedagógicos del Segrià, dirigido por Laura Ginés. Bajo el título "Ejercicios coanimados" la creadora ofrecerá una compilación de experiencias, reflexiones y ejemplos de su trayectoria también como profesora de talleres de animación. Este seminario nace de la necesidad de adquirir las herramientas para acercar el cine de animación como un arte a los alumnos. Otro taller a destacar es el impartido por la artista de Nueva York, Caty Plate, bajo el título "El agua es vida: Imagínate un mundo donde el agua es el recurso más escaso y valioso" con la Escuela de Arte Municipal Leandre Cristòfol (EAM); el taller conjunto con la Concejalía de las Políticas para los Derechos de las Personas y el Centro de Arte La Panera, bajo el título "Encaje", también a cargo de The Color Lab; el taller impartido en el Magical sobre historias y personajes creados por los alumnos del ciclo formativo de grado superior de Animaciones 3D, Juegos y Entornos interactivos del Centro Integral de Formación Profesional ILERNA; la aproximación lúdica al dibujo animado gracias a Laura Ginès y sus "Films de juguete" para los niños y niñas de la planta de pediatría del Hospital Universitario Arnau de Vilanova; y el seminario "Personajes con personalidad" dirigido por el creador Guillermo García Carsí que tendrá lugar el miércoles 5 de abril en el marco de la Semana de la Comunicación organizada por la Facultad de Comunicación Audiovisual de la UdL.

2 de marzo: inauguración Animac
En cuanto la Inauguración oficial que tendrá lugar el jueves día 2 de marzo, a las 20.30 h en la Llotja de Lleida, una vez más será un plato especial ya que contará con la proyección de una selección de cortos representativos de la edición, más una actuación sorpresa. Por primera vez el mismo jueves noche, tras el acto de apertura, se proyectará el largometraje "Historias de amor y masacre" de Jordi Amorós que recibirá el Premio Trayectoria el último día del festival. Así, el humorista gráfico Jordi Amorós (JA) que, de palabras de la directora del certamen, Carolina López "representa este espíritu contra el viento por su humor subversivo y sus 50 años de profesión", recibirá el galardón especial que hace dos años que entrega Animac. Amorós realizó el primer largometraje animado catalán "Despertaferro", el primer largometraje de animación de adultos en el Estado “Historias de amor y masacre” y colaboró como dibujante con El Papus, el Jueves y en la actualidad aún lo hace en Mongolia, entre otros.

Podéis encontrar toda la información del festival en su web: http://www.animac.cat/
Del 1 al 28 de febrero se podrán comprar abonos y entradas online en: http://www.teatredelallotja.cat/animac17/

Entradas relacionadas:
Animac está lista para su 21ª edición (9 de febrero 2017)

Cartoon Movie 2017

Entre el 8 y el 10 de marzo próximos se celebrará en Burdeos (Francia) una nueva edición - la decimonovena - del foro Cartoon Movie, al que están llamados hasta 55 proyectos de largometraje de animación europeos en busca de coproductores, y que reunirá a más de 750 participantes procedentes de 40 países. Para esta edición han sido seleccionados un total de 52 proyectos para ser presentados bajo alguna de las categorías en que se organizan los largometrajes: en concepto, en desarrollo, en producción y películas finalizadas.


Este año se presentarán tres proyectos españoles que se dirigen principalmente a un público adolescente, formando parte de un tercio de los títulos presentados que tienen un target más adulto, mientras las comedias familiares y las películas infantiles continúan formando la mayor parte de la selección. Francia lidera el número de proyectos seleccionados, con 27 proyectos que tienen procedencia o participación de aquel país, seguida de Bélgica, con 14; Alemania, con 10; Reino Unido, con 6; Dinamarca, con 5; Irlanda y Holanda con 3 junto a España, o Noruega con 2, entre otros como Ucrania, Georgia e Israel, que se presentan por primera vez.
Entre los trabajos españoles dos de ellos se encuentran en fase de concepto: de una parte, el proyecto en 2D "Awakening Beauty", de Manuel H. Martin, producido por la compañía andaluza La Claqueta. Se presenta como una típica historia de 'chica conoce a chico' donde el chico le pide a la chica que abandone sus estudios y la fuerza a estar siempre a su lado, la maltrata y finalmente le obliga a firmar un documento por el que deberá permanecer siempre a su lado pese a los maltratos, hasta que tras 11 años de abusos físicos y psicológicos Bella reúne las fuerzas necesarias para huir de noche con sus cuatro hijos, para empezar de nuevo sin casa y sin empleo. Finalmente Bella creará una fundación para ayudar a otras mujeres que hayan vivido una situación parecida. Se trata pues de una película de denuncia que buscará concienciar sobre la violencia machista y sobre el hecho de que a las mujeres maltratadas se les trata siempre sólo como víctimas.


En segundo lugar también representará a España el próximo trabajo del doble ganador del Goya de este año, Alberto Vázquez, que se titula "Unicorn Wars" y se basa parcialmente en el corto "Sangre de Unicornio" del mismo director, que fue nominado a los Goya de 2015. Se trata de una coproducción en la que trabajan Uniko y Abaco Productions por parte española y Autour de Minuit y Schmuby Productions por parte francesa. Parte de que los ositos de peluche y los unicornios mantienen una guerra desde tiempos inmemoriales, por lo que un regimiento de ositos de peluche va a dejar el campo de entrenamiento para una misión que terminará en una brutal y desastrosa batalla final. Entre ellos se hallan el soldado Bluet, que anhela la sangre de los unicornios porque confiere belleza eterna, según la profecía del libro sagrado de la nueva religión, y su hermano Tubby, a quien le falta el valor y la confianza de Bluet, y sólo desea que su hermano le quiera como es.


Igualmente se presentará en Burdeos en fase de desarrollo el proyecto "Buñuel en el Laberinto de las Tortugas" de Sygnatia Films - con el productor Manuel Cristóbal al frente - y The Glow Animation, dirigido por Salvador Simó a partir del guión de Eligio Montero, que se basa a su vez en el cómic homónimo de Fermín Solís. La historia parte de 1930, cuando Buñuel - llamado a ser el representante del surrealismo - deja París tras el escándalo levantado con "La Edad de Oro" y acepta la propuesta de realizar un documental en una de las zonas más pobres de España, las Hurdes, proyecto que podrá acometer gracias al dinero que puede aportar su amigo Ramón Acín tras ganar en la Lotería. La dureza de Las Hurdes y la pobreza de su gente impactan fuertemente en Buñuel, en cuya mente se mezclan sueños, recuerdos de su infancia y de Salvador Dalí, dando lugar a una experiencia que forjará al Buñuel del futuro.


Entre los trabajos de otros países que se presentan en fase de concepto estará también el proyecto "Princess Dragon" de Ankama (Dofus Livre 1 - Julith) con el que Anthony Roux y Jean-Jacques Denis quieren dirigir una película infantil en torno a una niña criada por dragones que se ve forzada a dejar su hogar cuando su padre Dragon decide ofrecerla como pago de una deuda, y acaba descubriendo el mundo de los hombres. También el proyecto "Organic Panic" de Je Suis Bien Content, dirigido por Pierre Volto y Marion Montaigne, que hace una especie de revisitación de "Viaje Alucinante" en dibujos animados protagonizados por unas bacterias.

Princess Dragon

También merecen destacarse entre los trabajos en desarrollo - los más numerosos - la película "Calamity, A Childhood of Martha Jane Cannary", segundo largometraje del director Rémi Chayé (El Gran Viaje de Sasha al Polo Norte), que de nuevo está protagonizado por una mujer fuerte, en este caso en torno a la histórica figura del Oeste americano Calamity Jane y a los hechos que la llevaron a convertirse en el legendario personaje que fue; o el largometraje "Kensuke's Kingdom" de Kirk Hendry y Neil Boyle, donde el joven Michael y su perro Stella van a parar tras un naufragio a una remota isla donde encontrarán la protección de un ex-soldado japonés llamado Kensuke, creador del reino de los árboles y protector de los orangutanes, pero algo acabará amenazando el frágil equilibrio construido allí; "Flee", de Sun Creature Studio, Final Cut For Real y Vivement Lundi!, que es un documental animado sobre lo que significa tener que huir por la vida de uno, a través de los ojos de un chico que pierde su inocencia cuando es forzado a abandonar su hogar y cae en las redes de los traficantes; o "Icarus", dirigido por Carlo Vogele, que parte de la mitología griega para mezclar en una misma reinterpretación las historias de Ícaro y Dédalo y del Minotauro; también "Miss Saturne" de Jérôme Combe y Barbara Israël, producida por Prima Linea Productions, Artemis Productions y Fortiche Production, sobre el viaje de autodescubrimiento de tres jóvenes adolescentes; así como "My Sunny Maad" de la animadora checa Michaela Pavlátová, que debuta con su primer largometraje en torno a una mujer checa llamada Herra que entra a formar parte en Kabul de una familia ciertamente peculiar, con un abuelo feminista, un niño adoptado con un intelecto superior y Freshta, que busca escapar de un marido maltratador; el proyecto "Super Vinamotor" de Stéphanie Lansaque y François Leroy (Cafe Froid), que con 2D, 3D e imagen real cuenta la historia de una joven gangster que debe huir de Saigon acusada de traición por la mafia china, y que se dirige a Camboya en compañía de un viejo tramposo y de sus hija; "The Siren", de la iraniana Sepideh Farsi, una coproducción franco-belga en 2D y 3D en torno a la resistencia en Irán durante la ocupación iraquí en 1980; el nuevo trabajo de Jean-François Laguionie titulado "The Prince's Journey" que produce Blue Spirit Productions y donde un viejo príncipe mono descubrirá una sociedad que es muy parecida a la nuestra; o "The Red Jungle", una coproducción franco-suiza en 2D y 3D dirigida por Juan Lozano y Zoltan Horvath basada en hechos reales en torno al comandante de las FARC Raúl Reyes, que dirigió a la armada con mano de hierro y durante años estuvo negociando sobre las vidas de cientos de secuestrados; y por supuesto, la producción de Cartoon Saloon (El Libro Secreto de Kells, La Canción del Mar) "Wolfwalkers", co-dirigida por Tomm Moore y Ross Stewart, que se desarrolla en un tiempo de superstición y magia en que los lobos eran vistos como diabólicos, cuando el joven cazador Robyn llega con su padre a Irlanda para acabar con ellos pero descubre un nuevo mundo cuando encuentra a la salvaje nativa Mebh.

Calamity, A Childhood of Martha Jane Cannary

Wolfwalkers

Y entre los largometrajes en producción destaca "Zombillenium", basada en la serie de cómics de Arthur de Pins y co-dirigida por él mismo con Alexis Ducord para contar la historia de un parque de atracciones temático que resulta ser el único lugar en que los monstruos pueden vivir tranquilamente, hasta que el humano Héctor amenaza con desvelar la verdadera identidad de sus trabajadores a menos que le dejen incorporarse a la plantilla, con el objetivo de estar con la hija del jefe.

Zombillenium

Por otra parte, Cartoon Movie pondrá a partir de este año el foco en una región específica de Europa, que para la presente ocasión será Flandes (Bélgica) en su calidad de centro de gran producción creativa en el sector de la animación. La región alberga actualmente a 22 empresas de producción de animación, diez de las cuales tienen sus propios estudios, como Grid Animation, Walking The Dog, nWave Pictures y Vivi Film. Entre 2013 y 2016 sus empresas han producido 11 largometrajes de animación y 12 series, y para el bienio 2017-2018 se prevén un total de 25 películas y 30 series en desarrollo. Cada día, durante el Croissant Show la animación flamenca estará en primera línea con la presentación de los estudios de animación de la región, mientras que en el Farewell Cocktail se podrá degustar su gastronomía.
Cartoon Movie también incentivará a partir de este año una mayor colaboración entre los productores de películas de animación y la industria del videojuego albergando una serie de sesiones de “speed-dating” llamada Cartoon Games & Apps.

Podéis ver todos los proyectos de Cartoon Movie aquí.

Entradas relacionadas:
Buñuel y el laberinto de las tortugas: animación con personalidad para contar historias diferentes (21 de octubre 2016)
Los nombres de "Buñuel en el Laberinto de las Tortugas" (12 de abril 2016)
Sigue en marcha la adaptación de Zombillenium (18 de enero 2016)
Primeras imágenes de "Wolfwalkers" (11 de noviembre 2015)
Un poco de aquí y de allá (VIII) (23 de abril 2015)