La distribuidora de cine infantil Pack Màgic estrenará el próximo 25 de enero "El Viento Entre las Cañas", un programa formado por 5 cortometrajes que, con sus aventuras acerca de la libertad, su música original, heroínas sorprendentes y una calidad gráfica extraordinaria, ha obtenidos varios premios en su trayectoria por diversos festivales.
Tendremos pues ocasión de volver a disfrutar en cines de otra magnífica producción de Les Films du Nord de Arnaud Demuynck, que presenta un conjunto de historias protagonizadas todas ellas por chicas donde el humor, la audacia y un toque de locura llevan a las heroínas a un país donde las niñas juegan a caballeros, donde se hacen amigas de dragones y unicornios, donde crean estrellas para dotar de una dulce claridad la aterradora noche, o donde hacen que un pueblo se rebele contra un rey injusto.
Sinopsis:
ENCAJES Y DRAGONES (Dirección, animación, guión y montaje: Anaïs Sorrentino)
Una plácida tarde, una niña juega a tomar el té con sus amigas. Pero se aburre muchísimo, porque ella querría jugar a caballeros. Así pues, se marcha a buscar compañía de juego a la altura de sus ambiciones. Encuentra un dragón, cansado de hacer siempre de malo; un gato que, contrariamente, querría que le hicieran más caso, y un gallo melómano…
Tratando de cuestionar al espectador sobre los estereotipos niño/niña, que aparecen ya desde la edad preescolar, los papeles están subvertidos, lo cual además de darle un tono divertido y alocado a la historia, permite interrogarse sobre el lugar de cada uno.
LA CAZA DEL DRAGÓN (Dirección y guión: Armand Demuynck)
Dos jóvenes príncipes deciden salir a cazar al dragón. Primero “cazan” a su hermana diciéndole que “no es cosa de niñas”. La princesa dará una respuesta dulce, juguetona y rotunda. Acalla a sus hermanos con su imaginación, y la dulzura de su respuesta vale más que todas las moralejas. La película, con una sonrisa, permite que las niñas den un cachetazo al machismo naciente de los más pequeños.
Basada en "La chasse au Dragon" de Andréa Nève y Jean-Luc Englebert, publicada por Éditions Pastel.
LA NIÑA Y LA NOCHE (Dirección, guión y montaje: Madina Iskhakova)
Había una niña que vivía con tres búfalos. Cuando se hacía de noche, se apresuraban para volver a casa, cerrando todas las puertas, ventanas y cortinas. Pero una noche, se olvidaron de cerrar la ventana…
LA UNICORNIO (Dirección, animación y montaje: Rémi Durin)
Un día, un rey vio, en el bosque de su pequeño reino, un ser extraordinario, blanco como la nieve y veloz como el viento. El pequeño rey ordena al caballero Pequeñopaso que le traiga a la criatura, pero no lo consigue. La pequeña reina sabe como hacer venir al unicornio al castillo. El mítico animal, a pesar del cuidado y las curas que le prodigan, cae enfermo.
Basada en el álbum "La Licorne" de Martine Boutre, aparecido en éditions Pastel, la película plantea el tema de la libertad y de la felicidad de los demás a expensas de las aspiraciones propias, de la satisfacción de uno o una misma, haciendo que los espectadores se pregunten "¿lo que quiero para mí es bueno para el otro o la otra?"
EL VIENTO ENTRE LAS CAÑAS (Dirección: Nicolas Liguori y Armand Demuynck)
Eliette, una niña de ocho años, vive en un país donde el rey ha prohibido la música. A un trobador venido de Oriente le han confiscado los instrumentos. Pero él es poco dado a la servidumbre y se encuentra con Eliette que, sin que nadie se diera cuenta, ha tallado una flauta a partir de una caña salvaje. La niña y el trobador se hacen amigos. Juntos, harán que el pueblo se libere de la tiranía.
Un cuento sobre la desobediencia civil, la indignación y la revolución pacífica.
Netflix ha anunciado la producción de una serie de animación consistente en una antología de historias para un público adulto. Se titulará "Love, Death & Robots" y fue presentada por David Fincher (El Club de la Lucha, Perdida) y el director de "Deadpool" y cofundador de Blur Studios, Tim Miller, que serán productores ejecutivos junto a Jennifer Miller y Josh Donen. La producción general está liderada por Blur Studio, si bien hay varios estudios de todo el mundo involucrados en la realización de los dieciocho cortometrajes de los que constará la serie, encabezados por otros tantos directores.
Se tratará de una colección de cuentos cortos de entre 5 y 15 minutos que abarcarán varios géneros: ciencia ficción, fantasía, horror y comedia. Cada uno de ellos será producido en un estilo de animación único, incluyendo animación 2D o 3D. Según Netflix, los conceptos de las historias incluyen “productos lácteos inteligentes, ejércitos de hombres lobo, robots enloquecidos, monstruos de basura, cazadores de recompensas cyborg, arañas alienígenas y demonios sedientos de sangre del infierno en una orgía de cortos no adecuados para la el público general… Cada película está cuidadosamente elaborada, cargada con una mezcla de energía, acción y humor negro sin concesiones".
La serie se inspira en el material ecléctico y provocativo que influyó en Miller y Fincher a lo largo de los años. “Love, Death & Robots es el proyecto de mis sueños”, según Tim Miller, que añade: “Combina mi amor por la animación y las increíbles historias. Las películas de medianoche, los cómics, los libros y las revistas de ficción fantástica me han inspirado durante décadas, pero fueron relegados a la cultura marginal de geeks y nerds de la que formé parte. Estoy muy emocionado de que el panorama creativo finalmente haya cambiado lo suficiente para que la animación con temas de adultos se convierta en parte de una conversación cultural más amplia".
Por su parte, también Fox continúa luchando para anotarse el próximo gran éxito de animación para adultos, para lo que ha afianzado el encargo de un guión y presentación para la comedia animada "Therapy Dog" . La serie se centrará en un perro llamado Honey que dirige sesiones de terapia grupal para mascotas del vecindario para ayudarlas a manejar las neurosis causadas por sus dueños o entre ellas.
El proyecto es una creación de la escritora, productora y actriz Sharon Horgan, la actriz Clea DuVall, la escritora y productora Jennifer Crittenden y Gabrielle Allan, junto a Kapital Entertainment de Aaron Kaplan. DuVall, Crittenden y Allan serán guionistas y productoras ejecutivas junto a Horgan y Clelia Mountford a través de la productora Merman, y Kaplan y Dana Honor en Kapital.
El proyecto engrosa el catálogo de nuevas producciones animadas de Fox, que incluye "Bless the Harts", de Emily Spivey, Phil Lord, Christopher Miller y Seth Cohen, y "Duncanville" de and Amy Poehler, así como las comedia animadas "The Great North", de Loren Bouchard (Bob's Burgers), y de los guionistas/productores ejecutivos Wendy Molyneux y Lizzie Molyneux, y "Lyle & Caroline" de Lisa Kudrow (Friends).
El programa se encuentra en fase inicial de desarrollo en el estudio de televisión, con una fecha de lanzamiento anticipada para el 2020.
Preestrenada en el Festival de Cine Fantástico de Sitges, "Ataque a los Titanes: El Rugido del Despertar" (Shingeki no Kyojin ~Kakusei no Hōkō~) es la tercera película recapitulativa de la exitosa serie de televisión de Wit Studio, compilando los episodios 26 al 37 de la misma; explica por tanto hechos que se sitúan entre el final de la segunda película y el punto en que finalizó la segunda temporada de la serie.
La película continúa la saga de la batalla por la supervivencia de la humanidad contra los Titanes por parte de los ejércitos de Scouts y sigue adelante con la revelación de terribles secretos y nuevos enemigos. Tras la agridulce victoria sobre la Titán Hembra, Eren y sus amigos no tienen tiempo para descansar tras recibir noticias del ataque de una horda de Titanes sobre el Muro Rose. Pero mientras se preparan para la guerra e investigan qué ha podido ocurrir en los muros, el descubrimiento de ciertos peligros ocultos en el interior de los mismos saca a la luz terroríficos secretos sobre sus propios miembros que les llevarán a preguntarse qué posibilidades tiene la humanidad de enfrentar a los Titanes cuando las mayores amenazas provienen de dentro ... Pero además de la aparición de nuevos Titanes Cambiantes, una amenaza peor se concreta en la entrada en juego de un nuevo Excéntrico en la forma de un horrible Titán Bestial, cubierto de pelo, que piensa, habla y da órdenes a los demás titanes.
Como las dos compilaciones anteriores, la presente sirve como un buen resumen de la serie, capaz de mantener el interés en base a la sucesiva presentación de giros en la narrativa que mantendrán a los espectadores al borde de sus asientos durante buena parte del visionado. Si bien a ratos puede ofrecer algún aspecto confuso debido a la profusión de personajes y el hecho de tener que ser breve en cuanto a sus historias personales por las mismas exigencias de la compilación. Tanto es así que los tres personajes principales - Eren, Mikasa y Armin - no aparecen casi durante la primera mitad de la película, mientras que se descubrirán cosas interesantes de Reiner y Bertholdt en particular , y también de Christa e Ymir. Sea como fuere, el carácter resumido de la película no se deja notar en exceso debido a un buen montaje y selección de las secuencias.
El carácter hardcore de la animación se mantiene también gracias a las increíbles escenas de acción intensa que conforman el estilo distintivo y reconocible de la serie, que por otra parte integran en ocasiones animación cgi para añadir cinética a las secuencias. Sí que es cierto sin embargo que las propias restricciones típicas de la animación japonesa para televisión se hacen aún más visibles en la gran pantalla, y en este sentido la animación aparece limitada por recursos tales como el uso/abuso de ciclos de animación, el recurso a imágenes estáticas o en ligero movimiento, etc.. que no se esperan tanto en una producción realizada directamente para cine.
Lo mejor: la serie de sorpresas y giros que aún mantienen vivo el interés por la historia, y que en esta ocasión se centran en el descubrimiento de nuevos titanes cambiantes y de un impresionante y bestial coloso
En contra: las propias limitaciones de la animación, que desmerecen en pantalla grande.
Se han hecho públicas las nominaciones a los Globos de Oro, los galardones que la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood anunciará en la 76ª ceremonia de entrega de los premios el próximo 6 de enero de 2019. Los Globos de Oro se otorgan en reconocimiento a la excelencia en cine y televisión a profesionales de todo el mundo. Los cinco nominados a Mejor Largometraje de Animación han sido:
Isla de Perros, de American Empirical Pictures, Indian Paintbrush, Studio Babelsberg y Twentieth Century Fox Animation. También ha recibido nominación a la Mejor Banda Sonora.
Mirai, Mi Hermana Pequeña, de Studio Chizu,
Ralph Rompe Internet, de Walt Disney Animation
Spider-Man: Un Nuevo Universo, de Sony Pictures Animation
Los Increíbles 2, de Pixar Animation Studios y Walt Disney Animation
Mientras se repite la omnipresencia en las nominaciones de las películas de la factoría Disney, destaca sobre todo la nominación de una de las películas que en teoría podría presentar batalla a las dos películas de la gran compañía del ratón, como es la película de Sony, que está recibiendo reconocimientos por parte de varias asociaciones de críticos y ha alcanzado el 100% de valoración en Rotten Tomatoes. También tienen bien merecido figurar en la lista desde luego la película en stop motion de Wes Anderson, toda una joya visual, y la enternecedora historia dirigida por Mamoru Hosoda.
Por otra parte también se advierte este año la ausencia de películas de animación europeas entre las nominadas, en claro contraste con las nominaciones del año pasado, donde compitieron hasta el final dos largometrajes procedentes del viejo continente: "The Breadwinner" de Cartoon Saloon y "Loving Vincent", de Breakthru Films. Este año, ni "Cavernícola" de Aardman, ni "Ce Magnifique Gâteau" o "Ruben Brandt Collector", que sí consiguen competir en los Annie, han conseguido hacerse un hueco.
Podéis ver todas las nominaciones a los Globos de Oro aquí.
Tras pasar por El Meu Primer Festival y Mi Primer Festival con una altísima valoración por parte del público, se estrena en cines la película "Ernest & Celestine, Cuentos de Invierno", una nueva adaptación de los populares cuentos infantiles de Gabrielle Vincent dirigida a niños y niñas a partir de los 3 años, llena de encanto y valores positivos, y que mantiene la belleza de las ilustraciones originales.
A partir de un guión de Agnès Bidaud, está dirigido por Jean-Christophe Roger y Julien Cheng, y es en realidad una selección de cuatro episodios de la serie "Ernest et Célestine: La Collection" destinada a su proyección en salas, con una duración de 50 minutos.
SINOPSIS: Ernest es un oso muy grande con espíritu de artista y un corazón generoso. Con él vive Celestine, una ratita huérfana que hace tiempo acogió en su casa. Juntos vivirán todo tipo de aventuras mientras se preparan para la llegada del invierno.
La productora y distribuidora española Planeta Junior ha presentado "Baby Heidi", una nueva serie musical de YouTube basada en el icónico personaje de la célebre novela infantil de la suiza Johanna Spyri.
La nueva serie (4 x 2,5') presenta canciones populares para bebés y niños con temas en torno a la naturaleza, la amistad y la alegría, y está protagonizada por las versiones aún más jóvenes de personajes clave del libro, como Heidi, su amigo Pedro, la cabra Copito de Nieve y Niebla.
"Baby Heidi" estará disponible en cuatro idiomas (catalán, inglés, italiano y español) en un nuevo canal de YouTube , y contará con el apoyo de un sitio web para padres que ofrecerá consejos y sugerencias semanalmente. Los videos también se presentarán en la página de inicio de la aplicación YouTube Kids, y la bebé Heidi tendrá su propia cuenta de Instagram con imágenes e memes de personajes divertidos.
Planeta Junior prevé lanzar formatos y productos adicionales en un futuro cercano.
Una de las películas de referencia proyectadas en la reciente edición de Mi Primer Festival ha sido "The Tower", que supone el debut como director de largometraje del realizador sueco Mats Grorud, quien vivió durante un año en un campo de refugiados palestinos y quiso explicar su experiencia utilizando el cine de animación como instrumento.
La protagonista de la película es Wardi, una niña palestina de once años que vive en el campo de refugiados de Bourj El Barajneh, en el Líbano, desde que nació. Un día su bisabuelo Sidi, afectado de una enfermedad del corazón, le da una llave muy especial que abre su antigua casa en Galilea y que guardaba con la esperanza de volver algún día allí. El obsequio se convierte en una gran motivación para Wardi, que tratando de devolver la esperanza a su bisabuelo irá descubriendo poco a poco sus orígenes y la historia de su pueblo a través de las tres generaciones de familiares que comparten su hogar desde el día del "Ak-Knab": cuando el 15 de mayo de 1948 se fundó el estado de Israel, dos tercios de la población palestina se vieron obligados a dejar sus hogares y exiliarse hacia campos de refugiados que nacieron por aquel entonces en países vecinos, y en los que hoy todavía se ven obligados a amontonarse 70 años después de aquella fecha.
La inocente búsqueda emprendida por Wardi se convierte en un relato de historia que otorga identidad a los refugiados y a su drama, a veces tan olvidado o silenciado. Es así como las nuevas generaciones encarnadas en Wardi se convierten en la esperanza de las viejas, que sólo a través de la pervivencia y transmisión de su relato - "no somos nada sin pasado" - pueden aspirar a mantener vivas sus reivindicaciones y sus sueños, enterrados bajo cada una de las plantas sobre las que se levanta la torre del título en la que viven hacinados los familiares de la joven. Una torre convertida en símbolo del tiempo pasado desde el día de la ocupación, que aleja a sus habitantes cada vez más de la tierra que desean pisar.
La animación, sobria y desnuda de florituras, pero efectivamente expresiva, se alza necesariamente como un recurso poderoso para suavizar y envolver en un halo poético el incuestionable drama de los refugiados, tras el que se esconden imágenes de violencia y terror, y poder hacer llegar así el relato también a los espectadores más jóvenes, convertidos así junto a Wardi en testimonios de una tragedia de la que aún no se vislumbra el final. Mientras que la animación en stop motion narra la relación de Wardi con sus familiares y su búsqueda de esperanza, los dibujos en 2D nos trasladan los flashbacks sobre los que se construye la historia colectiva de los palestinos.
Una imprescindible visión del drama palestino que se aleja del formato documental y a través de la animación y de la emotiva historia familiar de Wardi puede ser compartida con toda la familia.
El director de animación del largometraje es el francés Pierre-Luc Granjon, que fue co-realizador del conjunto de cortometrajes Les Quatre Saisons de Léon. Aprovechamos su paso por Mi Primer Festival para entrevistarle sobre su participación en "The Tower".
El director, Mats Grorud, te ha definido como una navaja suiza a la hora de valorar tu trabajo como director de animación. ¿Qué representó para ti tu contribución en la película?
Ja, ja.. no sabía que había dicho eso. Para mí fue mi primera experiencia como director de animación de un largometraje. Pero fue realmente bien, porque me entendí muy bien con Mats; tenemos formas muy similares de pensar en torno a la animación.
Además conocía a la mayor parte del equipo de animadores, al haber colaborado con ellos en otras producciones, por lo que pude trabajar con mucha confianza.
¿Por qué Mats Grorud quiso contar esta historia también al público infantil?
Grorud viene de compartir experiencias con los niños refugiados de cuando estuvo un año entero en el campo de Bourj El Barajneh. Allí hay cerca de 21000 niños, más del 40% de la población refugiada. Mats fue testigo de una emotiva escena en que los ancianos del campo explicaban a los jóvenes lo que ocurrió en 1948, por lo que quería contar su historia desde su punto de vista.
Pero hay secuencias realmente fuertes, que incluyen derramamiento de sangre o imágenes de pesadilla. ¿Os impusísteis alguna limitación a la hora de desarrollar la película?
Bueno, ciertamente no está entre nuestros objetivos asustar al público infantil, pero la realidad de los refugiados muestra esa crudeza y Mats no es partidario de edulcorar la realidad. Realmente creemos que a los niños se les pueden contar las cosas como son, porque pueden comprenderlas y tienen un cierto punto de madurez. No hay necesidad de engañarlos presentándoselo todo de color de rosa.
Además, las imágenes más fuertes que mencionas están realizadas en animación 2D, porque Mats entendía que este tipo de animación permite matizar el impacto de las imágenes y presentar la violencia de forma menos agresiva y más simbólica.
La película se desarrolla efectivamente con dos tipos de animación - stop motion y animación 2D. ¿Se concibió así desde el principio o fue una decisión a posteriori?
Sí, Mats ya estaba convencido de hacerlo así desde el principio. Él concebía que la animación stop motion, al estar dotada de un carácter más corpóreo y realista, convenía para explicar el presente de los protagonistas, su vida real. Mientras que la animación 2D, que permite más simbología y tiene un aire más evocador, serviría para explicar el pasado de los personajes.
Tengo entendido que el presupuesto de la película fue bastante ajustado (200000 euros). ¿Qué repercusiones tuvo la contención en gastos?
Sí, es verdad. La película se realizó en los estudios Foliascope de Valence en Francia, y no fue posible realizar viajes a Líbano a causa de lo limitado del presupuesto. Nos tuvimos que orientar por las fotos de Mats: a partir de ellas se crearon los fondos y decorados de la película, con madera, cartón.. y materiales que se pudieran cortar y manipular fácilmente. La torre se construyó en varias partes, porque entera hubiera medido cinco metros, y no habríamos llegado.
Principalmente el presupuesto también condicionó nuestra decisión de cómo abordar la construcción de los esqueletos de los puppets. Las grandes compañías americanas utilizan armaduras de ball & socket e incluso impresión 3D para generar las bocas y las expresiones faciales, y nosotros no pudimos hacer nada de eso. En cambio, optamos por esqueletos de alambre y bocas y cejas modeladas con plastilina mezclada con polvo de hierro y aplicadas con imanes. El resto de la cara iba a ser estático.
Aparte, también influyó en el tiempo de rodaje, que era muy limitado a cinco meses. Y se tuvo que solicitar a los animadores que fueran más productivos de lo habitual, pidiéndoseles unos 6 ó 7 segundos de animación al día, que es bastante.
¿Qué supone animar con esqueletos de alambre en lugar de con armaduras de ball & socket?
Bueno, es algo que se nota por ejemplo en las extremidades, que no se pueden doblar de forma tan realista como lo hace un codo o una rodilla, formando un ángulo, sino que se doblan más propiamente en forma de arco.
Y el alambre también tiene el inconveniente de que es más propenso a romperse más fácilmente.
¿De qué forma se acabaron influenciando los dos estilos de animación? ¿Se buscó que hubiera una correspondencia entre ambos?
Sí absolutamente. De hecho, el estilo de los personajes en stop motion se basó totalmente en los diseños en 2D del director de arte Rui Tenreiro, que a mí personalmente me gustan mucho. Y así se ve en multitud de detalles, como los ojos de los personajes, que tienen un peculiar diseño en forma de sombrero. Pero también en los diseños de los props.. incluso en el jardín de Sidi hay plantas que se recortaron directamente del diseño en 2D y se pusieron recortadas en el decorado.
De hecho ¿el estilo sobrio que se observa en la animación stop motion, se buscó también en la animacion en 2D?
Sí, definitivamente. A Mats le gusta la simplicidad en la animación, y de hecho también a mí; si os fijáis en mis cortometrajes previos veréis que soy partidario de prescindir de movimientos que realmente no aportan nada y de centrarse en unos pocos detalles que son suficientes para definir la expresión. Para "The Tower" nos dimos cuenta de que bastaba con animar las bocas y los movimientos de las cejas. De hecho, aparte de ello, las caras son bastante estáticas. Todo se expresa mediante la boca, las cejas y el lenguaje corporal. Y también en la animación 2D se siguió este planteamiento.
¿Las secuencias en 2D se animaron también en el estudio en Francia?
Sí, esas secuencias se animaron también enteramente en el estudio, en el mismo edificio. Los del stop motion estábamos en una planta y los de la animación 2D en otra, lo que permitía una fantástica coordinación. Aunque también había ocasión para bromear con cosas como si los personajes en 2D no se veían con el mismo tamaño o las mismas proporciones que los puppets del stop motion. Pero al fin y al cabo pensábamos que finalmente no era un aspecto del que los espectadores se iban a dar cuenta o al que iban a dar importancia.
¿Qué escenas recuerdas como las más difíciles de animar o que plantearon mayores retos?
Bueno, realmente todo fue bastante sobre ruedas y no recuerdo grandes dificultades.
Puedo mencionar por ejemplo el especial reto que planteaba el vestido de la tía de Wardi, que siendo tan largo siempre había que vigilar que no acabara moviéndose inapropiadamente.
De hecho la ropa siempre suele plantear retos. También las camisetas de manga corta o sin mangas, porque acaban enganchándose en las juntas de las articulaciones de los brazos, en el lugar donde se juntan con el cuerpo, y queda mal. Por eso al final hubo menos camisetas de manga corta de las que Mats hubiera deseado.
ArtFutura, el festival de Cultura y Creatividad Digital que explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del New Media, la Realidad Virtual, el Diseño de Interacción y la Animación Digital, arranca oficialmente el 24 de noviembre en Londres, Madrid y Alicante con una nueva edición que incluye proyecciones, mesas redondas, talleres y master-class y que a lo largo del resto de este año y del año que viene extenderá sus actividades especiales a más de veinte ciudades incluyendo Barcelona, Langreo, Buenos Aires, Ibiza, México, Montevideo, Miami, Murcia, París, Palma de Mallorca, Punta del Este, Saint Brieuc o Zaragoza.
En la presente edición, titulada "Tecnología Humanizada", el evento se preguntará qué significa ser humano en la era de la tecnología. ¿Acaso se adapta la tecnología a nuestras aspiraciones y necesidades reales… o es al
revés?
¿Nos dirigimos hacia un mundo más amable, mas empático y más humano? ¿O vamos
en dirección contraria?
Tecnología humanizada es revertir
la crisis de atención digital y
realinear la tecnología con los
mejores intereses de la humanidad.
El Center for Humane Technology,
una red de artistas, académicos e
investigadores, ha subrayado la
amenaza digital de nuestro tiempo:
“Nuestra sociedad está siendo
secuestrada por la tecnología.
Lo que comenzó como una carrera
para monetizar nuestra atención
ahora está erosionando los pilares de
nuestra sociedad: la salud mental, la
democracia, las relaciones sociales y nuestros propios hijos”. Quizás la potencia de nuestro futuro esté
precisamente en nuestra humanidad y
no tanto en la codificación o el dataísmo.
Tendrá que ver más con la inteligencia
relacional, las habilidades sociales y con
una mentalidad futurista, solidaria e
imaginativa.
El programa audiovisual de ArtFutura 2018 se presenta en todas las ciudades
donde tiene lugar el festival e incluye lo último en creatividad digital: Animación
3D, videoclips, motiongraphics y todo lo relacionado con las nuevas estéticas.
3D Futura Show
Cada año, el 3D Futura Show incluye
las obras internacionales más
destacadas en animación digital y
refleja la evolución de este campo
creativo. Grandes estudios, escuelas
especializadas y artistas freelance.
Todo tiene un lugar en este programa
que nos sorprende cada año por su
originalidad y capacidad técnica.
Incluyendo nuevas obras de Goodbye
Kansas, Julius Horsthuis, Maxim
Zhestkov, Hans-Christoph
Schultheiss, Mads Broni, Simon
Christoph Krenn. Nicolas Deveaux,
Besjan Sertolli, Peter Tomaszewicz,
Laurent Witz y Dusan Kastelic.
Futura Graphics
Futura Graphics es el programa dedicado
a la experimentación, destacando
anualmente los trabajos más brillantes en
el campo de las nuevas estéticas:
Animaciones digitales, cortos, videoclips y
obras mixtas en la búsqueda de nuevos
lenguajes.
Con obras de Alex Popescu, Lubomir
Arsov, Nexus Studios, WOW Inc.,
Substance, Klub Simon, Michael
Enzbrunner, Serjan Burlak, Mike Mort...
Artworks
Arte Digital, New Media, Realidad
Virtual, Danza, Performance…
El programa Artworks presenta las
nuevas formas de documentar las
obras digitales de nuestro tiempo.
Documentos que, muchas veces,
van más allá de la propia obra,
ofreciendo nuevas formas de sentir
la experiencia artística.
Con trabajos de Teamlab, WOW
Inc., h0nh1m, Ouchhh…. y otros.
Schools Futura
Una sección dedicada a los mejores
trabajos recientes de escuelas de todo el
mundo. Desde el 3D a los efectos
especiales y los motiongraphics. Escuelas
seleccionadas de Francia, Dinamarca,
Canadá y Estados Unidos. Con nombres
como ESMA, ISART, Gobelins, Ringling
College of Art and Design, The Animation
Workshop, New3DGE, MOPA, Rubika...
Behind the Scenes
Una nueva sección sobre los “Making ofs”.
Esos mini documentales que explican los
secretos detrás de la magia de los efectos
especiales y la animación 3D. Incluyendo
piezas sobre Mikros Image, Goodbye
Kansas, ManvsMachine, Wow Inc. y otros.
Podéis encontrar toda la información sobre el evento y los programas en su website: www.artfutura.org/v3/
Finalmente no será The Legend of Zelda. Contrariamente a lo que se especulaba desde The Wrap, Adi Shankar anunció el pasado viernes que está desarrollando una serie de animación basada en la franquicia del juego Devil May Cry de CAPCOM.
La serie de videojuegos Devil May Cry fue creada por Hideki Kamiya y lanzada en 2001, inicialmente para PlayStation 2, y más tarde fue lanzado como parte de una colección multiplataforma. La historia transcurre en la isla ficticia de Mallet y está protagonizada por los personajes de Dante y Trish, enfrentados al demonio Mundus, a quien el padre de Dante selló en el Inframundo 2000 años antes y responsable de la muerte de su familia. Hasta el momento ha generado tres secuelas y lanzará una cuarta, Devil May Cry 5 , el 8 de marzo de 2019, disponible en PlayStation 4, Xbox One y Microsoft Windows.
Ante los temores que pudiera levantar una adaptación de un videojuego, algo que normalmente ha dado lugar a numerosas decepciones, Shankar declaró: "He adquirido los derechos [de Devil May Cry], para que los jabronis (perdedores) de Hollywood no puedan arruinar esto también".
Además, Shankar declaró que la serie "se unirá a Castlevania en lo que ahora llamamos el multiverso de contrabando", sugiriendo que quizás puedan existir cruces entre ambas series.
Hoy se ha conocido que una aventura animada de Oswald the Rabbit (el precursor del ratón Mickey) realizada en 1928 y que se creía perdida se conserva todavía en una copia de 16mm que se ha encontrado en Japón. El corto "Neck n' Neck" estaba en manos del historiador de animación Yasushi Watanabe, que había comprado la copia - titulada como "Mickey Manga Spide" - hace 70 años por 500 yenes cuando era un estudiante de instituto, y prácticamente se había olvidado de ella hasta que recientemente leyó el libro "Oswald the Lucky Rabbit: The Search for the Lost Disney Cartoons" del animador de Disney David Bossert. Watanabe contó la historia al periódico Asahi Shimbun, que contactó con Bossert y los Archivos de Walt Disney y certificó que se trataba de uno de los 26 episodios de Oswald the Rabbit que se creían perdidos.
El episodio original, que narraba cómo Oswald saca de paseo a Ortensia en su tartana y acaba compititendo en una carrera contra un coche de policía que le persigue, tenía una duración de 5 minutos, pero lamentablemente la copia que adquirió Watanabe fue cortada a 2 minutos. Ahora se guarda en el Kobe Planet Film Archive, que es una de las colecciones privadas más grandes de Japón, con más de 16000 títulos.
Layout de "Neck n' Neck"
El hallazgo se añade a los que se produjeron en Noruega en diciembre de 2014 y en Reino Unido en noviembre de 2015.
Oswald The Lucky Rabbit fue creado por Walt Disney y Ub Iwerks cuando perseguían nuevas posibilidades creativas tras finalizar su trabajo en "Alice Comedies" y crearon un conejo porque ya había muchos gatos (Felix el Gato, Krazy Kat..); en aquel tiempo Universal estaba interesada en entrar en el campo de los dibujos animados y el distribuidor de Disney Charles Mintz les convenció de vender el personaje a Universal, que fue la compañía que puso nombre al personaje.
El primer cortometraje, "Poor Papa", fue rechazado por Universal (aunque se lanzaría un año después, modificado y rebautizado como "Mickey's Nightmare"), y Disney e Iwerks crearon otro, con un Oswald más joven que se dio a llamar "Trolley Troubles" y se estrenó en septiembre de 1927, iniciando una serie que daría lugar a nueve producciones ese año y diecisiete el siguiente, hasta que tras discrepancias económicas Disney e Iwerks acabaron apartados del personaje e iniciaron su camino con personajes propios.
Oswald se quedaría en manos de Mintz, que abrió su propio estudio con animadores de Disney, y posteriormente pasó directamente a los estudios de Universal, bajo la supervisión de Walter Lantz, que produciría 142 de las 194 cintas protagonizadas por Oswald.
Una información de The Wrap indica que la productora de Adi Shankar (Castlevania) está en conversaciones para producir una serie basada en la larga franquicia de videojuegos "The Legend of Zelda". De hecho, Shankar publicó en Instagram que estaba "trabajando con una empresa de juegos japonesa icónica para adaptar una de sus series de videojuegos icónicos a una serie". En cualquier caso, los portavoces de Nintendo han declarado no tener nada que anunciar sobre este tema.
Creada para Nintendo por Shigeru Miyamoto y Takashi Tezuka, "The Legend of Zelda" (Zeruda no Densetsu) debutó en Nintendo Entertainment System en 1986. Después de más de 17 secuelas y varios lanzamientos remasterizados, la franquicia ha vendido más de 80 millones de copias en todo el mundo.
En la mayoría de las encarnaciones, la serie sigue las aventuras de un héroe errante llamado Link, que debe recolectar artefactos mágicos para salvar a la princesa Zelda y derrotar a un mago malvado llamado Ganondorf para salvar su hogar, el reino de Hyrule.
En 1989, la serie animada "The Legend of Zelda" producida por DiC Entertainment y distribuida por Viacom en asociación con Nintendo of America, Inc se desarrolló durante una sola temporada de trece episodios, como parte de la serie de televisión "The Super Mario Bros. Super Show!". Se suponía que la serie continuaría, pero fue cancelada, junto con "The Super Mario Bros. Super Show!". Además, desde la película de acción en vivo de "Super Mario Bros." , Nintendo ha evitado en gran medida las adaptaciones de Hollywood de sus juegos.
Cuando "Castlevania" se estrenó en Netflix , fue recibida con muy buenas críticas, y no hubo de pasar mucho tiempo antes de que el servicio de streaming encargara una segunda temporada con el doble de episodios, que se estrenó el 26 de octubre y de nuevo dejó a los fans muy contentos. De hecho, el actor principal Richard Armitage ha afirmado que Netflix ya ha dado luz verde a otra temporada, aunque aún no se ha confirmado esa información.
Visto lo visto, la adaptación para una serie de "The Legend of Zelda" podría estar en buenas manos con Shankar llevando las riendas. En todo caso, las negociaciones con Nintendo serían en principio directamente con Shankar, y ni Netflix ni ninguna otra compañía de distribución estarían aún involucrados.
Adi Shankar ha prometido dar mayores detalles sobre su anuncio el próximo 16 de noviembre.
El polifacético artista Fermín Muguruza ha conseguido por fin hacer realidad su ansiado sueño de llevar al cine - tras haber lanzado el proyecto en edición de cómic - una historia basada en las luchas y movimientos sociales que en los años 60 reivindicaban derechos, voz y lucha. El resultado es una película bastante digna que ante todo se ha realizado con mucha pasión y un espíritu libre, que se contagia al espectador y que no se corta un pelo ni a nivel visual ni discursivo, en perfecta coherencia con aquel grito que, desde todos los lugares del planeta, resuena en sus fotogramas clamando en contra del racismo y exigiendo libertad.
La película parte de un hecho real acaecido en octubre de 1965 en Nueva York, cuando la comparsa de gigantes de Pamplona, imagen típica de las fiestas de San Fermín, es invitada a desfilar en la Quinta Avenida de la ciudad. Pero no todos los gigantes pueden salir, puesto que debido a la discriminación racial, las autoridades norteamericanas prohíben la participación de los dos gigantes negros. "Black is Beltza" narra a partir de aquel percance la historia de Manex, una suerte que Corto Maltés vasco que resultaría ser uno de los mozos encargado de portar a uno de los gigantes discriminados. Asqueado por tanta indiferencia y fascinado ante la idea de conocer nuevas gentes y culturas, Manex decide quedarse en Nueva York, iniciando un largo periplo en el que se convertirá en testigo de acontecimientos clave de la historia en medio de los movimientos revolucionarios que se desarrollaron durante la época: los disturbios raciales derivados del asesinato de Malcolm X, las excentricidades de Andy Warhol y los personajes de The Factory, la alianza entre los servicios secretos cubanos y los Black Panthers, la psicodelia proto-hippie de los primeros festivales de música, los juegos de intereses de los espías de ambos
bandos durante la Guerra Fría, el espíritu del Che en el Congo o Argelia y
su muerte en Bolivia, y la decrépita y gris dictadura
franquista.
"Black is Beltza" es una película para adultos hecha para gustar a su público. Lejos de aquellas cintas que bajo la etiqueta de largometraje para adultos no son más que una sarta de chorradas, la película de Muguruza plantea una trama con significado social, vibrante, inteligente e históricamente precisa. En efecto, tras la película existe un cuidado proceso de documentación que, a lo largo del viaje iniciático de Manex - que le va a llevar desde Nueva York a Madrid, pasando por Cuba, México, San Francisco, Montreal, Argelia y Almería - se pone de manifiesto mediante la introducción de una serie de coincidencias con sucesos, personalidades y manifestaciones culturales de la época, como el asesinato de Malcolm X y las luchas por los derechos de los afroamericanos que le siguieron, la relación entre el Che Guevara y Fidel Castro, o la incomprensión por la decisión de Muhammad Ali de no luchar en Vietnam, entre otros. Acaso, tal es el número de personajes y movimientos que transitan por la película que ello se convierte en cierta medida en un obstáculo para profundizar en ellos y también en la propia historia de Manex, convertido en colaborador de los revolucionarios cubanos y en protector de un miembro de los Panteras Negras, y que a nivel personal deja aflorar un trauma relacionado con la desaparición de su padre, un brigadista antifascista. Del mismo modo, también hubiera sido deseable mayor aprovechamiento de los incipientes malos de la película, cuyo peso dramático está bastante limitado, significativamente el agente de la Cointelpro Warren Phillips o la misteriosa espía del Mossad. En cualquier caso, es un cúmulo de coincidencias que añaden solidez y cuerpo a la odisea del personaje principal, protagonista de una aventura no exenta de romance y acción y enriquecida con la espectacular banda sonora compuesta por Muguruza junto a Raül Refree, que incluye temas interpretados por Maika Makovski, Anari, Iseo, Yacine, Amel Zen, The Sey Sisters, Ceci Bastida, Ana Tijoux o Manu Chao.
El espíritu rebelde se deja impregnar también a nivel visual en los fondos de la película, que retratan en ocasiones mediante ricas ilustraciones, otras en 3D y algunas mediante fotos retocadas la multiplicidad de lugares por donde transcurre el periplo de Manex. Entre ellos son especialmente destacables los diseños de Iñaki Holgado, artista en películas de animación e ilustrador de cómics. Como también son de cómic los personajes que pueblan y protagonizan la película, dibujados en un estilo notablemente underground que remite precisamente a la época en que se encuadra la película, y de cuyo diseño es responsable Josep Homs, artistazo de cómic al que se conoce desde su etapa para Marvel y posteriormente en la bande dessinée belga.
Lamentablemente es en la animación donde la película encuentra su talón de Aquiles y seguramente las limitaciones presupuestarias - por cuanto solventes son los estudios de animación que han trabajado en la producción - son las responsables de que se aleje de aquéllos trabajos que han sido referencia para Fermín Muguruza, como "Ghost in the Shell" de Mamoru Oshii, o "Vals con Bashir", de Ari Folman. Si bien estilísticamente, tanto a nivel de línea, como de animación basada más en la postura que en el movimiento, la película se encuentra más cercana a aquella última, el resultado acaba siendo demasiado tosco y pobre, mostrando un uso excesivo de bucles de animación carentes de personalidad y cierto hieratismo de los personajes, e incluso algún movimiento anatómicamente imposible forzado por la economía de recursos. Posiblemente una aproximación más fina e imaginativa hubiera sido necesaria para que el acabado de la animación hubiera quedado más adecentado.
Lo mejor: se trata de una película valiente cuyo discurso, recuperado de los años 60, cobra aún mayor vigencia cuando ciertos líderes quieren levantar muros y otros restringen hasta límites intolerables las libertades personales y el derecho de expresión.
En contra: el nivel de la animación no hace justicia al resto de la película, al desarrollarse con unas limitaciones evidentes
La última película de Michel Ocelot pudo verse en la sección competitiva Anima't del Festival de Sitges, donde el elegante Casino Prado sirvió precisamente como el mejor marco para una historia ambientada en el París dorado de la Belle Epoque. Una vez más, el realizador francés aplica su inconfundible estilo a una aventura protagonizada por un personaje infantil, niña en este caso, y deja los entornos africanos y asiáticos para efectuar desde el corazón de la vieja Europa un canto de reinvindicación feminista y antirracista.
En el París de la Belle Époque la pequeña kanaka Dilili recorrerá las calles de la ciudad con el fin de investigar una serie de misteriosos secuestros de chicas. Un joven repartidor, buen conocedor de la ciudad, la conducirá con su triciclo a conocer a hombres y mujeres fascinantes que les revelarán informaciones, pistas e ideas que les llevarán a dar con una tenebrosa secta, y acabarán luchando por descubrir la luz en la oscuridad y preservar la vida en común.
Ocelot transita terrenos ya habituales en sus películas como el hecho de desarrollar la trama en torno a un joven protagonista con un componente racial, una niña en este caso procedente de Nueva Caledonia, cuyo carácter despierto y osado la empujan a poner de manifiesto hechos o situaciones que plantean una o varias cuestiones con un marcado carácter social. En esta ocasión se trata de denunciar las actitudes machistas y racistas con una historia que transcurre en uno de los núcleos de mayor desarrollo cultural y científico del siglo XIX, como es París. En un sabio uso del contraste, el realizador contrapone la ciudad de la luz a la oscuridad que se esconde bajo su superficie, mostrando cómo un "Paris joli" (París bonito) puede ser también un "Paris pourri" (París podrido) como pone en boca de los miserables miembros de la secta de los Maestros Alfa. En efecto, de una parte, nos encontramos con que Dilili es una niña de Nueva Caledonia que debe sufrir los embates del racismo, disfrazado incluso bajo la capa de un disfraz pretendidamente cultural: la secuencia de inicio de la película nos la presenta en un ambiente que nos traslada a su aldea de origen, sólo para revelar que se encuentra prácticamente enjaulada a modo de atracción de feria en un recinto del zoológico. Cuando deja allí su jornada de trabajo, la joven mestiza debe seguir haciendo frente a todo tipo de comentarios sobre su origen y el color de su piel.
Por otra parte, Ocelot nos muestra una ciudad en la que junto a los esplendorosos monumentos y edificios que hicieron de la capital francesa uno de los centros con más glamour de la época, se cruzaron abundantes personalidades que coincidieron en ese momento histórico e hicieron de sus actos, pensamiento y descubrimientos hitos determinantes del progreso en los terrenos de las artes, la filosofía, la medicina o la ciencia: en el transitar de Dilili y de Orel a lo largo y ancho de París una centena de personalidades hacen su aparición, como Renoir, Monet, Degas, Picasso, Poiret, Renan, Anatole France, Claude Debussy, Erik Satie, Pasteur, Eiffel, Toulouse-Lautrec, Marcel Proust, Rodin , entre otros, y junto a ellos grandes mujeres desde Sarah Bernhardt a Jean Jaurès, o Colette, Marie Curie, Camille Claudel, Suzanne Valadon, Louise Michel ... que a menudo han resultado menos reconocidas o no han gozado de tanto reconocimiento. Con ello se pone de manifiesto de forma incontestable una evidencia a menudo no suficientemente reconocida, como es que históricamente las mujeres han sido tanto o más capaces que los hombres de hacer grandes cosas, y sin embargo han sido y son todavía a menudos víctimas de discriminación o de cosas peores, como el maltrato, como la película ejemplifica en el caso de las niñas secuestradas bajo el asfalto de París, físicamente sometidas y utilizadas como si de mobiliario se tratara en una de las escenas más chocantes del largometraje.
Aquel paseo por la galería de personajes de París constituye también, empero, uno de los principales talones de Aquiles de la película, en tanto que dificulta el progreso de la trama e impide que adquiera verdadero interés dramático hasta bien avanzado el metraje. Hasta entonces todo sucede casi como en un pase de diapositivas en torno a los bellos rincones, las artes y las personalidades de la ciudad de la luz, que deja poco margen para profundizar en ellos y para ver hacia dónde conduce la película.
Gráficamente nos encontramos con una de las principales novedades en las películas de Michel Ocelot, por cuanto que el realizador ha dejado que París hable por sí mismo al aparecer reconstruido mediante fotografías de todos los rincones y espacios de la ciudad tomadas por el propio Ocelot y retocadas a conveniencia. Es una apuesta arriesgada por cuanto que, si bien los fondos siguen revelando un sentido artístico y un buen gusto indiscutibles, el contraste de las fotografías con la sencillez de los personajes es notable, y acaba generando un efecto extraño, como si los personajes no pertenecieran a ese espacio. De hecho, es en las escenas más alejadas de ese realismo, como en las galerías bajo los cimientos de la Opera de París donde la soprano Emma Calvé entona su voz en una barca-cisne, o en la secuencia a bordo de un dirigible que acaba encantadoramente iluminado, donde más presente está el sentido de la maravilla y el colorido que caracteriza los trabajos de Michel Ocelot.
Por otro lado, el estilo sencillo y evocador del cut-out de Lotte Reiniger permanece en los personajes animados en 2D y 3D, donde la preferencia por disponer a las figuras de perfil y la sobriedad de las expresiones siguen demostrando que Michel Ocelot sigue privilegiando la simplicidad frente a los movimientos enérgicos o a la estricta observancia del peso y el equilibrio en la animación. Acaba resultando evidente que para el artista francés los personajes son principalmente un medio para contar una historia y lograr cierta composición artística, y en este sentido no será importante si, por ejemplo, un carro va tirado por caballos en 3D completamente iguales y trotando con el mismo ciclo. Al fin y al cabo, el conjunto sigue despertando la fascinación que Michel Ocelot sabe levantar visualmente en cada una de sus películas.
Lo mejor: la incontestable fuerza de su mensaje, que se despliega a lo largo de toda la película en pro de la mujer y contra la discriminación
En contra: un excesivo desfile de personajes que lastra el desarrollo de la trama y deja poco lugar a la introspección.
La 13 edición del Festival Internacional de cine de animación, efectos visuales y videojuego Animayo Lanzarote 2018, que aterrizó en Arrecife para quedarse hace siete años, llevará a la capital de Lanzarote seis master class, tres talleres formativos, dos ciclos de proyección del palmarés que se presentarán por primera vez en España, una proyección especial de anime, seis proyecciones escolares y seis firmas de estrellas de la industria.
Entre los días 25 al 31 de octubre, Animayo mostrará algunas de las últimas producciones de animación y efectos digitales de la temporada, que se combinarán con recientes innovaciones, trabajos creativos y procesos artísticos.
El acto inaugural será el jueves 25 a las 19 horas en la Casa de la Juventud de Arrecife, con la proyección especial "Joyas del anime", que incluirá la película «Your name», de Makoto Shinkai, con entrada libre hasta completarse el aforo. El otro espacio para el disfrute del cine de animación será el teatro insular “El Salinero”, donde se proyectarán las sesiones escolares en horario de mañana.
Junto a la proyección de los mejores cortometrajes de animación del palmarés 2018, primeras figuras del cine de animación del panorama nacional e internacional impartirán talleres y master class sobre diseño de personajes, storyboard o diseño de realidad virtual.
Las sesiones de master class serán las siguientes:
“Videojuegos, animación y educación. 25 años dedicados a la industria digital. De Planet 51 a Commandos”, por Mercedes Rey, directora de Relaciones Institucionales y Alianzas Estratégicas de U-TAD y de Ilion Animation Studios (Wonder Park, Planet 51, Commandos, Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo).
“Cómo crecer como artista pasando entre la ilustración, la animación o el cómic. Enriquecernos con lo mejor de cada sector y sus puntos en común”, por la ilustradora y diseñadora de personajes Miriam Hidalgo "Perditah".
“Storyboard: El arte de contar historias con dibujos”, con Carlos Zapater, artista de storyboard y Lead en Ilion Animation Studios y anteriormente en Sergio Pablos Animation (The SPA Studios).
“El extraño caso de una producción sobre ruedas o... ¡cómo dejar de preocuparte y disfrutar del camino!”, por Adrián Corsei, supervisor de efectos visuales en Trixter y actual Head of Pipeline en Ilion Animation Studios.
“La fusión de lo real y la realidad virtual: la realidad mixta de Magic Leap”, a cargo de Edgar Martín-Blas, director creativo y CEO de Virtual Voyagers.
“Cómo sobrevivir y conseguir que te llamen para trabajar en la industria”. Del estudio Ghibli a Walt Disney Animation Studios”, por Aya Suzuki, directora de animación en Passion Pictures, Walt Disney Animation, y anteriormente animadora, artista de layout y concept artist en Estudio Ghibli.
En cuanto a los talleres, serán estos tres:
“Diseño de personajes, ilustración y concept art para el cine”, impartido por la ilustradora, diseñadora de personajes y colorista Miriam Hidalgo "Perditah".
“Taller práctico de storyboard”, impartido por Carlos Zapater, artista de storyboard y Lead en Ilion Animation Studios y anteriormente en Sergio Pablos Animation (The SPA Studios).
“Cómo diseñar realidad virtual y mixta”, por Edgar Martín-Blas, director creativo y CEO de Virtual Voyagers.
Podéis encontrar más información y reservar entradas en la web: www.animayo.com
Entre el 10 y el 25 de noviembre próximos se desarrollará una nueva edición de El Meu Primer Festival, cuyas proyecciones tendrán lugar en Barcelona y en Madrid (y también de gira en La Garriga, L'Hospitalet de Llobregat, Sant Fost de Campsentelles, Lloret de Mar, Figueres, Vic, Algete y Soria). Se trata de un certamen internacional de cine para niños y niñas entre 2 y 12 años, creado bajo el impulso de la Associació Cultural MODIBand, que quiere contribuir a la difusión de un cine plural y creativo, para lo que ofrece una muestra de creaciones cinematográficas procedentes de países de todo el mundo y de todos los tiempos, generalmente inéditas o difícilmente visibles en pantallas comerciales, con el objetivo de entretener y educar, estimular la imaginación y la creatividad, y despertar el espíritu crítico de los jóvenes espectadores.
El cine de animación, sea en forma de largometraje o de cortometraje, tiene una presencia mayoritaria entre las proyecciones del festival. En su 11ª edición el festival ofrecerá hasta 5 largometrajes, tres recopilaciones de historias y unos 70 cortometrajes, junto a charlas y talleres orientados a los niños y niñas.
Entre los largometrajes a competición se contará con una conmovedora joya que está generando una reacción muy positiva allá donde ya se ha visto: se trata de "Liyana", una coproducción de Suazilandia, Qatar y EEUU dirigida por Aaron y Amanda Kopp que mezcla imagen real e imágenes en 3D y 2D levemente animadas para contar una historia imaginada por un grupo de niños de Suazilandia, huérfanos a causa del sida, y protagonizada por Liyana, una niña que se embarca en una peligrosa aventura para rescatar a sus dos hermanos pequeños, mientras se retrata la dramática vida de los narradores en el orfanato donde viven.
En preestreno se proyectará la película "Mirai, mi hermana pequeña" de Mamoru Hosoda, una refinada película familiar donde el jovencito de 4 años Kun ve trastocada su vida cuando al hogar llegan sus padres con su hermana recién nacida Mirai, lo que derivará en lógicas situaciones de falta de atención por parte de sus padres que no harán sino acentuar los celos del pequeño hacia su nueva hermanita. Será entonces cuando dará inicio una aventura más allá de lo imaginable que permitirá a Kun encontrarse con las versiones pasadas o futuras de sus familiares más cercanos, incluida su hermana Mirai.
Otro interesante largometraje en competición será "The Tower", una coproducción francesa, noruega y sueca que constituye el contundente debut de Mats Grorud como director, quien vivió durante un año en un campo de refugiados palestinos y quiso explicar su experiencia utilizando el cine de animación en stop motion como instrumento. Está protagonizado por Wardi, una niña palestina de once años que vive en un campo de refugiados en el Líbano desde que nació, y que un día recibe de su bisabuelo una llave muy especial que abre su antigua casa en Galilea: este obsequio se convierte en una gran motivación para Wardi, que irá descubriendo poco a poco sus orígenes y la historia de su pueblo.
En la misma línea de largometraje con un planteamiento reflexivo y crítico se sitúa la película "Parvana, el Pan de la Guerra" de Cartoon Saloon, dirigida por Nora Twomey y basada en el libro "The Breadwinner" de Deborah Ellis. Esta película, que pudo verse ya a principios de año en el festival Animac, cuenta la historia de Parvana, una niña de once años que vive en Kabul, capital de Afganistán, durante el periodo de dominio talibán. Cuando detienen a su padre, la familia se queda sin recursos, y dado que las mujeres tienen prohibido ganar dinero, Parvana decide cortarse el cabello y vestirse como un chico para poder trabajar y ayudar así a la familia, al mismo tiempo que emprende la búsqueda de su padre.
Entre los largometrajes ya estrenados se podrá ver en cine-concierto la película "La Ley de la Hospitalidad" de Buster Keaton y también una reposición de "Your Name", la celebrada película de Makoto Shinkai donde la vida de Mitsuha sufre un vuelco cuando un día se despierta con el cuerpo y la vida de Taki, un estudiante de secundaria que vive en Toquio; ambos jóvenes deberán afrontar tan extraño fenómeno y descubrir la razón tras el misterio.
También se proyectará la película "Ernest et Célestine en Hiver", dirigida por Julien Chheng y Jean-Christophe Roger, que es en realidad una selección de cuatro episodios de la serie "Ernest et Célestine: La Collection" destinada a su proyección en salas, un spin-off de la película de Stéphane Aubier, Vincent Patar y Benjamin Renner, que se inspiró en los libros infantiles homónimos de aquél.
Otra recopilación con un formato similar es la producción sueca de Adam Marko-Nord "Jazzoo", una aventura musical animada para los más pequeños formada por conjunto de historias tiernas y divertidas que nos cuentan, a ritmo de jazz, las peripecias de distintos animales: un koala que quiere saltar tan alto como un canguro, un hipopótamo caluroso y un elefante con muchas ganas de fiesta, entre muchos otros.
Asimismo, bajo el título "La Rata de los Caminos", se podrá ver el cortometraje del mismo nombre, dirigido por Jeroen Jaspaert y basado en el libro infantil de Julia Donaldson, donde la adicción al azúcar y a todo tipo de dulces llevan a una rata codiciosa a recorrer los caminos a la caza de nuevas golosinas, embistiendo y robando a los demás animales, que acabarán buscando una solución. Y también la producción "Pícnic" de James Bresnahan, basada en el libro de Emily Arnold McCully, y que cuenta sin palabras la historia de una familia de ratones que va a pasar un día al campo y pierde al pequeño de la casa.
En cuanto a los cortometrajes, además de las tres sesiones de competición internacional de cortos para públicos a partir de 2, 4 y 7 años, los espectadores podrán ver otras sesiones de trabajos agrupados por temática. Así, la sesión "El Viento entre las Cañas" presenta una selección de cortometrajes que desarrollan cinco aventuras en torno a la libertad y el espíritu heroico, con la música como elemento vertebrador. En "Cartoon Classics" se podrán ver clásicos de la animación procedentes de Disney o firmados por Dave Fleischer, Rudolf Ising o Burt Gillet, entre otros. El cine-espectáculo "Groove On" transportará a los niños y niñas a un universo poético, divertido, contemplativo y rítmico donde se mezclarán dibujos animados, pintura, películas de animación y música en vivo. En la sesión "Pequeños Experimentos", organizada en coordinación con el Festival l'Alternativa, se invitará a descubrir animaciones sorprendentes por su creatividad o audacia artística, realizados en multitud de técnicas. Y habrá también una sesión con lo mejor de la animación china, que alternando trabajos retro y otras propuestas más actuales ofrecerá una oportunidad a los curiosos del cine y la cultura orientales para redescubrir aspectos míticos y tradicionales a través de una gran variedad de personajes e historias.
El festival incluirá también una sesión de testeo de series titulada "Fica el Nas" y organizada por Proanimats, asociación catalana de productores de animación, que buscarán establecer un espacio de encuentro entre creadores y pequeños espectadores para descubrir nuevas series y participar de forma lúdica en el desarrollo de las mismas. Otra actividad será el taller de montaje cinematográfico "Mash Up" impartido por la distribuidora Pack Màgic, y que permitirá aproximarse al mundo del montaje de cine de un modo colaborativo a partir de un archivo de animaciones de todos los tiempos y experimentando con la técnica de la stop motion.
"Penguin Highway" constituye el primer largometraje de Studio Colorido, una joven compañía de animación fundada en 2011 por el realizador de la película, Hiroyasu Ishida, y el ex-Ghibli Yōjirō Arai, que ya sorprendió con sus primeros trabajos y videoclips, con los que demostraron que poco tienen que envidiar a grandes estudios como Studio Ghibli o Studio Chizu. Los colores y el derroche de imaginación que han caracterizado a los trabajos previos del estudio vuelven a estar presentes en esta adaptación de la novela homónima de Tomihiko Morimi (Tatami Galaxy) que se pudo ver en primicia en el Festival de Sitges.
La película está protagonizada por el joven y avispado Aoyama, un estudiante en los últimos años de primaria que toma constantemente notas en su libreta y que siente cierta debilidad por "Onee-san", una chica mayor que él que trabaja en la clínica dental. La súbita aparición de una colonia de pingüinos en su pueblo provoca la inmediata curiosidad del chaval, dispuesto a desentrañar un misterio que aumenta cuando su amada lanza una lata de cola y ésta se convierte en un pingüino.
El tono alegre y simpático de esta alocada historia es uno de los elementos más atractivos de la película, cuyo guión corre a cargo de Makoto Ueda, que también firmó la adaptación al anime de The Tatami Galaxy y el guión de la película de Masaaki Yuasa "Night is Short, Walk On Girl", confirmándose como un perfecto conocedor del espíritu de las novelas de Tomihiko Morimi. Mediante una narrativa fresca y vibrante el espectador se ve arrastrado a interesarse junto a los jóvenes escolares de la película en la solución de un misterio que cada vez se ensancha más, en una misión al frente de la cual el personaje de Aoyama brilla con luz propia como paradigma del paso a la edad adulta con todo lo que ello conlleva: preguntas y aprendizajes constantes, descubrimiento del cuerpo, ambiciosos planes de futuro... Este es en realidad el tema de "Penguin Highway", donde el camino de los pingüinos es la metáfora de ese recorrido de crecimiento personal que todos debemos emprender cuando pasamos de niños a mayores, tan plagado de dudas y de ansias de experimentar que constituye una aventura donde caben tanto las alegrías y la diversión como el descubrimiento del sabor amargo del café y de las despedidas.
La construcción de los personajes, deliciosamente diseñados por Yōjirō Arai, sirve precisamente a enfocar la distinta mirada con la que los jóvenes se pueden enfrentar al reto de crecer y de descubrir cosas nuevas: desde la ignorante despreocupación de Suzuki, pasando por los temores de Uchida, o el excesivo celo de Hanamoto, hasta la actitud abierta e inquisitiva y el sentido de la maravilla de Aoyama, dispuesto a encontrar la verdad de todo y sabiendo que para ello necesitará a menudo la ayuda de los mayores.
Aunque la animación transcurre sobre fondos estáticos, revelando en este sentido cierta limitación de recursos, el diseño y los colores vívidos de aquéllos junto a la frenética y efectiva animación de los personajes - especialmente memorable en las secuencias en que intervienen los pingüinos y sobre todo en el viaje a otra dimensión - resultan en un conjunto dinámico que traslada al largometraje esa frescura que ya se respiraba en los trabajos previos de Studio Colorido.
Lo mejor: la relación entre Aoyama y Onee-san como metáfora que encarna admirablemente la pasión por el conocimiento
En contra: cierto tono filosófico que puede resultar inabarcable para algunos espectadores, especialmente los más jóvenes
La más reciente película de Mamoru Hosoda, tras su paso por la Quinzaine des Réalisateurs del Festival de Cannes y el Festival de San Sebastián, tuvo también un lugar reservado en el Festival de Sitges, donde dejó al público encantado con su delicada y poética mirada a lo que significa ser una familia desde los ojos de un pequeño niño.
El niño en cuestión es el jovencito de 4 años Kun, quien ve perdido su trono de rey de la casa cuando al hogar llegan sus padres con su hermana recién nacida Mirai, lo que derivará en lógicas situaciones de falta de atención por parte de sus padres que no harán sino acentuar los celos del pequeño hacia su nueva hermanita. Será entonces cuando dará inicio una aventura más allá de lo imaginable que permitirá a Kun encontrarse con las versiones pasadas o futuras de sus familiares más cercanos, incluida su hermana Mirai.
Como si de una peculiar versión de "Cuento de Navidad" de Charles Dickens se tratara, el patio doméstico de Kun se convierte en un portal en el que recibirá la visita de sus familiares en sus versiones del pasado o del futuro, viéndose arrastrado a diferentes situaciones cuya vivencia se convertirá en lecciones de vida para el destronado primogénito. A través de los ojos de Kun se aprende que es al fin y al cabo el núcleo familiar el que moldea y dota de una nueva individualidad a cada uno de sus miembros, definidos en su seno por el sentido de pertenencia a un grupo donde los detalles y necesidades más o menos egoístas de cada uno devienen insignificantes y cuyas raíces conforman aquella universal idea de "de tal palo, tal astilla". De igual modo que el niño aprende que él gana cuando su familia gana y que generalmente no pasará por nada por donde ya hayan pasado los demás, también se pone de manifiesto que las trastadas de nuestros hijos no son más que reflejos de situaciones muy parecidas que los padres experimentamos como niños.
Todo ello lo cuenta Hosoda a través de una bella historia muy intimista y amable, no exenta de momentos de cálido humor, cuyo desarrollo sencillo contrasta con la mayor complejidad de la película precedente, "El Niño y la Bestia", y de otros de sus anteriores trabajos. El que es uno de los realizadores de referencia de Japón ha creado para esta ocasión una refinada postal que llega al corazón y a la que no le falta la excelencia en la animación y en la definición de personajes - con los que nos podemos sentir muy identificados ya seamos padres o desde la perspectiva de los niños que hemos sido o somos - que ya damos por descontada en las películas de Hosoda, ni el sentido de la magia que transpira en sus historias.
De nuevo maravilla el nivel de la animación en las películas procedentes del estudio Chizu, donde todos los elementos, tanto los personajes como su entorno, se cuidan para dar credibilidad y dotar de vida a las escenas. En este sentido destaca la animación del joven Kun, tan impreciso en sus pasos, tan frustrado ante la aparente falta de atención de sus padres, tan temeroso ante los nuevos retos y tan cargante como puede ser un niño caprichoso, y también tan lleno de ilusión y de sentimientos. Y los que somos padres nos podemos sino sentirnos identificados con las caras de los progenitores de Kun, tanto de fastidio cuando ningún esfuerzo basta para satisfacer a un hijo como cuando se muestran extremadamente orgullosos de sus logros.
Lo mejor: el modo en que Mamoru Hosoda consigue que nos sintamos perfectamente identificados con esos instantes familiares que refleja en la película
En contra: el carácter sencillo de la trama, que puede dejar descolocado a quien se espere algo más complejo de Mamoru Hosoda.
