Japón alberga otra de las cintas perdidas del conejo Oswald

Hoy se ha conocido que una aventura animada de Oswald the Rabbit (el precursor del ratón Mickey) realizada en 1928 y que se creía perdida se conserva todavía en una copia de 16mm que se ha encontrado en Japón. El corto "Neck n' Neck" estaba en manos del historiador de animación Yasushi Watanabe, que había comprado la copia - titulada como "Mickey Manga Spide" -  hace 70 años por 500 yenes cuando era un estudiante de instituto, y prácticamente se había olvidado de ella hasta que recientemente leyó el libro "Oswald the Lucky Rabbit: The Search for the Lost Disney Cartoons" del animador de Disney David Bossert. Watanabe contó la historia al periódico Asahi Shimbun, que contactó con Bossert y los Archivos de Walt Disney y certificó que se trataba de uno de los 26 episodios de Oswald the Rabbit que se creían perdidos.
El episodio original, que narraba cómo Oswald saca de paseo a Ortensia en su tartana y acaba compititendo en una carrera contra un coche de policía que le persigue, tenía una duración de 5 minutos, pero lamentablemente la copia que adquirió Watanabe fue cortada a 2 minutos. Ahora se guarda en el Kobe Planet Film Archive, que es una de las colecciones privadas más grandes de Japón, con más de 16000 títulos.

Layout de "Neck n' Neck"

El hallazgo se añade a los que se produjeron en Noruega en diciembre de 2014 y en Reino Unido en noviembre de 2015.
Oswald The Lucky Rabbit fue creado por Walt Disney y Ub Iwerks cuando perseguían nuevas posibilidades creativas tras finalizar su trabajo en "Alice Comedies" y crearon un conejo porque ya había muchos gatos (Felix el Gato, Krazy Kat..); en aquel tiempo Universal estaba interesada en entrar en el campo de los dibujos animados y el distribuidor de Disney Charles Mintz les convenció de vender el personaje a Universal, que fue la compañía que puso nombre al personaje.
El primer cortometraje, "Poor Papa", fue rechazado por Universal (aunque se lanzaría un año después, modificado y rebautizado como "Mickey's Nightmare"), y Disney e Iwerks crearon otro, con un Oswald más joven que se dio a llamar "Trolley Troubles" y se estrenó en septiembre de 1927, iniciando una serie que daría lugar a nueve producciones ese año y diecisiete el siguiente, hasta que tras discrepancias económicas Disney e Iwerks acabaron apartados del personaje e iniciaron su camino con personajes propios.
Oswald se quedaría en manos de Mintz, que abrió su propio estudio con animadores de Disney, y posteriormente pasó directamente a los estudios de Universal, bajo la supervisión de Walter Lantz, que produciría 142 de las 194 cintas protagonizadas por Oswald.

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100 Años de Animación Española, Arte y Tecnología

Es indiscutible que la animación española se ha ganado un lugar destacado en la escena internacional que la ha hecho merecedora de recibir no sólo la atención de foros especializados, como fue el caso del Festival Internacional de Animación de Annecy, que en su edición del año 2015 ponía su foco sobre la animación producida en España, sino que también ha atraído el interés de un buen número de importantes socios de producción allende las fronteras, lo que ha hecho posible que el talento nacional esté cada vez más reconocido fuera del país: hoy en día podemos sacar pecho porque el recién estrenado estudio 3Doubles Producciones está desarrollando un par de películas en co-producción con la mayor editorial de cómics de Canadá, Arcana Studios, o porque Paramount cuenta con Ilion Animation para desarrollar algunas de sus películas de animación, como "Amusement Park", como también cuentan con ella desde Skydance; del mismo modo que Paramount decidió apostar por la distribución de la película "Atrapa la Bandera" de Enrique Gato, o Disney estuvo tras la distribución de "Ozzy" a través de Buena Vista Internacional; sabemos que la película ganadora del Goya, "Psiconautas, Los Niños Olvidados", de Alberto Vázquez y Pedro Rivero se estrenará en EEUU de la mano de GKIDS; o celebramos que la compañía Dragoia Media de Manuel Cristóbal haya alcanzado un trabajado acuerdo con China Film Animation para producir una serie de películas de animación basadas en una colección de alcance internacional como "Dragonkeeper" de Carole Wilkinson, en lo que constituirá el caso más ambicioso de coproducción entre España y China; mientras somos testigos de cómo las ideas y diseños de The SPA Studios son desarrollados en numerosas películas de grandes estudios o su proyecto "Klaus" despierta la curiosidad de buena parte del globo; o los diseños de personajes realizados en un pequeño estudio como Headless han sido en buena parte determinantes del éxito de una serie de alcance internacional como "Trollhunters", de Guillermo del Toro. Son logros todos ellos que, si bien responden lógicamente al talento de los equipos que los han impulsado y hecho posibles, se engloban también en la historia colectiva de la animación española, cuyo conocimiento nos permite entender hasta dónde se ha llegado sabiendo de dónde venimos. En este sentido, el recorrido de la animación producida en el país tiene superados los 100 años desde que en 1915 se produjera el primer cortometraje de animación basado exclusivamente en dibujos, titulado "El Apache de Londres", o ya una década antes el pionero aragonés Segundo de Chomón iniciara sus experiencias con la animación de objetos ("El Hotel Eléctrico", 1908), por lo que herramientas como el libro "100 Años de Animación Española, Arte y Tecnología", publicado por Sygnatia con la colaboración de la Federación de Animación Diboos, se convierten en un recurso esencial para formarse una perspectiva de cómo ha evolucionado la animación en España a lo largo de todos estos años y vislumbrar hacia dónde se encamina.

Los autores del libro, editado por el productor Manuel Cristóbal, han sido Pilar Yébenes, Profesora Titular de Animación y Videojuegos de la Universidad Europea de Madrid; Rodrigo Mesonero, Profesor de Comunicación Audiovisual en la Universidad Europea de Madrid; José Antonio Rodríguez,  director de producción en largometrajes como "Planet 51" o "Futbolín", entre otros, y Director Académico del Área de Arte, Diseño Visual y Animación de U-TAD; y Samuel Viñolo, diseñador gráfico y animador, y profesor en la Universidad de Vic, Universidad de Girona y Universidad de Coventry. Por otra parte, el libro se ha realizado gracias a la colaboración y financiación de Diboos, El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, Egeda, Crea SGR, Safe creative y 3D Wire.
Redactado en español y en inglés, y a lo largo de casi 400 páginas ricamente ilustradas con imágenes de fotogramas, pósters, diseños y storyboards relacionadas con las producciones analizadas, el lujoso volumen repasa varias de las obras animadas que han marcado un antes y un después en la animación española a lo largo de sus primeros 100 años, a través de una selección de 180 obras representativas de su evolución y de una relación de estudios y empresas importantes dentro del sector; entre aquellas obras se encuentran largometrajes, cortos y también series, un formato este último que sin duda ha formado parte importante de nuestra historia, marcando hitos destacados, pero que no siempre se encuentra suficientemente reconocido en los estudios y antologías sobre el sector. Siguiendo un orden cronológico que se inicia en 1915 con el cortometraje "El Apache de Londres" - creado por la compañía catalana Studio Films y del que no se conserva ninguna copia -, la mirada al largo recorrido de la animación realizada en España se extiende desde las primeras expresiones en animación del siglo XX hasta las producciones más recientes del presente siglo, que ocupan más del 50% de los títulos analizados por el libro, dando testimonio de la vitalidad que está experimentando la animación en el país. El extenso abanico de producciones en las que la obra fija su mirada, que ofrece en general detalle sobre la ficha técnica de las obras, las circunstancias políticas, sociales y/o tecnológicas en las que se produjeron, su argumento y la recepción que obtuvieron, permite formarse una visión muy completa de la trayectoria y logros de los artistas y productores nacionales, al mismo tiempo que permite recordar hitos destacados: como el hecho de haber producido el primer largometraje de animación en color en Europa ("Garbancito de la Mancha", de 1945); la primera serie de animación emitida en TVE, que fue "Molécula"  (1965), de la leyenda de la animación Cruz Delgado, responsable de largometrajes, cortos, piezas de publicidad y series de animación que se ganaron el derecho a ser recordadas siempre que se hable de animación española,entre las que destaca también la genial serie "Don Quijote de la Mancha" (1979); así como el primer largometraje de animación para adultos ("Historias de Amor y Masacre", 1978); las legendarias series de BRB, realizadas algunas de ellas en coproducción con Nippon Animation, como "Ruy el Pequeño Cid" (1980), "D'Artacan y los Tres Mosqueperros" (1982), "La Vuelta al Mundo de Willy Fog" (1983), "David el Gnomo" (1985)...; los primeros largometrajes en 3D, como "Megasónicos" (1997), de Baleuko, y "El Bosque Animado" (2001), de Dygra, y la primeras series, que fueron "Esquimales en el Caribe" y  "Defensor 5, la última patrulla" (2000), de la productora Anima2 de Emilio Aragón; las primeras producciones para internet, entre las que destaca el fenómeno en que se convirtió "Cálico Electrónico" (2004); y tantas producciones que han contribuido a la proyección internacional de nuestra animación, como "Planet 51" (2009) de Ilion Animation, "Chico y Rita" (2010), de Fernando Trueba y Xavier Mariscal,  "Las Aventuras de Tadeo Jones" (2012) de Enrique Gato, "Arrugas" (2012) de Ignacio Ferreras, o la reciente "Psiconautas, Los Niños Olvidados" (2015), de Alberto Vázquez y Pedro Rivero, entre muchas otras.

Una de las características a destacar especialmente en el libro, por cuanto tiene de innovadora y en cuanto contribuye a ampliar de forma constante y actualizada la información contenida en aquél, es la que se refiere a su parte interactiva, que, a través de códigos QR, permite a los lectores ver, a través de sus móviles y con la ayuda de una aplicación diseñada expresamente, casi noventa videos entre cortometrajes completos (como "La dama y la muerte", único corto español nominado a los Oscar, o "Minitauromaquia"), episodios de series, cabeceras y tráilers; e incluso cuenta el volumen con algunos recursos - pocos, de momento - de realidad aumentada, que lamentablemente sólo se pueden disfrutar con un dispositivo del que actualmente pocos disponemos. Es interesante además que, gracias a esos avances tecnológicos, el libro promete irse actualizando poco a poco mediante nuevos contenidos.
Si bien el volumen se presentó el 20 de septiembre del año pasado, en el marco del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, y posteriormente en otros eventos y foros como el mercado internacional 3D Wire en Segovia, o la Academia de Cine en Madrid aprovechando el día internacional de la animación, y aunque se esperaba que saliera a la venta en noviembre del año pasado, problemas de imprenta impidieron su lanzamiento en la fecha prevista. Ahora sin embargo, el fantástico libro ya está disponible y a la venta en su propia página de internet (http://100aae.es/), con lo que no tenéis que esperar más para darle el lugar que merece en las bibliotecas de todo amante de la animación.

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El escándalo de los salarios termina en favor de los animadores

Disney, Pixar y Lucasfilm, las tres compañías propiedad de Walt Disney Company, deberán pagar 100 millones de dólares a los animadores perjudicados por el escándalo de los salarios que saltó a finales del 2014, en virtud de un acuerdo propuesto al juez del que también forma parte Two Pic MC (anteriormente ImageMovers Digital, también demandada). El acuerdo se suma al que ya se alcanzó con Dreamworks Animation (por 50 millones de $) a principios del mes de enero, y con Blue Sky (5,95 millones de $) y Sony (13 millones de $) durante el año pasado y cerraría de este modo, si es finalmente aprobado por el juez, el conflicto denunciado por los demandantes.
Recordemos que a raíz de diversas demandas interpuestas en 2014 por algunos animadores - Robert Nitsch de DreamWorks Animation, David Wentworth de ImageMovers Digital y Georgia Cano, que trabajó para Rhythm & Hues, Walt Disney Feature Animation e ImageMovers Digital - se dio a conocer que a mediados de los ochenta, Ed Catmull (entonces presidente de Pixar y actualmente presidente de Pixar y Disney Animation) y George Lucas trazaron un plan para limitar los salarios de sus trabajadores y evitar que fueran contratados por otros estudios; Catmull amenazaba a los estudios que no se atuvieran a sus reglas, orquestando así una especie de cartel secreto - contrario a las normas de la Sherman Antitrust Act, una legislación orientada a evitar prácticas anti-competitivas - en el que  acabarían estando, además de Pixar y Lucasfilm, Walt Disney Animation, Dreamworks e ImageMovers, así como Orphanage (que ya no existe) y también Blue Sky y Sony. Durante el juicio se aportaron correos electrónicos y otras pruebas que sugieren que los estudios se pusieron de acuerdo para no sustraerse trabajadores, compartieron información sobre sus prácticas salariales, ofrecieron razones engañosas y pretextos para justificar los bajos aumentos de sueldo e hicieron lo posible para mantener en secreto tal conspiración.

La cantidad resultante de los acuerdos alcanzados con los estudios implicados se acerca así finalmente a los 170 millones de dólares, que serán repartidos entre los miles de animadores que trabajaron en esas compañías entre 2004 y 2010. Se cerraría así un feo episodio en la historia reciente de los grandes estudios de animación que ha dejado en muy mal lugar a sus directivos y que deja la justicia en favor de los demasiado frecuentemente maltratados animadores.

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Celebramos el Día Internacional de la Animación

ASIFA (Association Internationale du Film d'Animation) creó en 2002 el 'Día Internacional de la Animación' conmemorando la primera proyección en público de unos dibujos animados que realizó el inventor Charles-Émile Reynaud (8/12/1844 – 9/1/1918) con su Teatro Óptico - evolución de su Praxinoscopio - el 28 de octubre de 1892. Desde la creación de ese día, la asociación organiza y promueve acciones de celebración por todo el mundo dirigidas a poner en enfoque el arte de la animación para todas las gentes mediante eventos consistentes en talleres, exhibiciones, exposiciones y similares organizadas por las instituciones y medios afines. ASIFA también encarga anualmente la creación de un poster para tal conmemoración a un artista de referencia, y así se han encargado de ello personalidades como Iouri Tcherenkov, Paul Driessen, Abi Feijo, Eric Ledune, Noureddin Zarrinkelk, Michel Ocelot, Nina Paley, Raoul Servais, Ihab Shaker, Gianluigi Toccafondo, Koji Yamamura o Rastko Ciric.
Este año se ha encargado al artista y realizador japonés Yoji Kuri, una (si no la única) de las figuras más importantes en la historia de la animación japonesa independiente y líder no oficial de la "Animation Association of Three", colectivo responsable del renacimiento de una animación moderna e independiente para adultos a partir de 1960. Se le conoce internacionalmente por el humor negro de sus películas, with the el estilo naïve de sus dibujos a menudo rayando lo surrealista, y las escenas obscenas y perturbadoras que suele mostrar (aunque ha trabajado en una variedad de estilos y medios, incluyendo la pixilación); ello le convirtió en un favorito de la escena contracultural, al lado de realizadores como René Laloux, y fue considerado en 1967 como el animador japonés “más significativo” y “el único cuyo trabajo se conocía en Occidente” (a pesar de que las películas de Toei Animation y la serie "Astro Boy" ya se veían también en occidente por aquel tiempo). También se le conoce por sus comics, y retirado ya de la producción de animación continúa ilustrando y enseñando animación en la Laputa Art Animation School.
A continuación podéis ver el póster que ha creado para este día:

En España, la Academia del Cine celebrará el día con la presentación del libro "100 Años de animación española, arte y tecnología" y soplando una tarta por estos primeros 100 años de la animación nacional, tras lo cual se hará una foto de familia. La presentación correrá a cargo de los autores del libro Pilar Yébenes, José Antonio Rodríguez, Rodrigo Mesonero y Samuel Viñolo junto con Carlos Biern como Presidente de DIBOOS y José Luis Farias como responsable de 3D WIRE.
Igualmente, la Comunidad de Madrid se une a esta celebración con un programa de proyecciones y actividades formativas que tendrán su colofón con la entrega de los recientemente creados Premios Comunidad de Madrid de Animación. Recién creados, los Premios de Animación Comunidad de Madrid en colaboración con la Escuela de Cine y Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM) quieren ser un incentivo para la promoción de los cortometrajes producidos con técnicas de animación, especialmente los realizados en la Comunidad de Madrid. Se concederán galardones al Mejor Cortometraje Comunidad de Madrid, al Mejor Cortometraje Nacional y a la mejor Cortinilla Filmmadrid "Anima tu Madrid". Además, se realizará en el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes el primer pase en España de la película "Ma vie de Courgette", que obtuvo en el Festival internacional de Annecy el premio Cristal al mejor largometraje y el premio del público.

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El Gigante de Hierro: Signature Edition

El sábado pasado no desaproveché la oportunidad única de asistir a la proyección en la sala Phenomena de Barcelona, en primicia en España, de la edición remasterizada y extendida de "El Gigante de Hierro" (1999), una de las mejores películas de animación en 2D de los últimos tiempos y que constituyó el debut en la dirección del gran Brad Bird, que se había formado en Cal Arts junto a John Lasseter y Tim Burton y hasta entonces había trabajado como animador en Disney y como consultor creativo de "Los Simpson" (uniéndose después de su debut directorial a John Lasseter en Pixar). Estrenada en EEUU entre septiembre y octubre del año pasado, la sala Phenomena obtuvo la copia de la edición especial del Reino Unido, donde se proyectó en cines en febrero de este año.

Producida principalmente con el ánimo de preparar y lanzar una edición en blu-ray de la película de 1999, la versión remasterizada es unos dos minutos más larga que la original al incluir un par de escenas que, aunque no eran esenciales para la historia, se habían incluido en el storyboard y hasta contaban con el registro de audio, pero no se habían llegado a animar para el largometraje original por las limitaciones presupuestarias y la falta de tiempo. Concretamente desarrollan una escena en el bar con una breve conversación entre Annie y Dean que sugeriría el feeling entre ambos, y otra escena en torno a un sueño del Gigante que permitiría vislumbrar sus orígenes y su potencial destructor. Ambas fueron animadas en Duncan Studio, que empleó a varios de los animadores que habían trabajado en la película original.
Realizada mediante una combinación de animación tradicional en 2D y CGI para animar al robot, junto a otros props y vehículos y efectos, la película dirigida por Brad Bird y producida por Warner Bros. se basaba en un guión de Tim McCanlines que partía de la novela "The Iron Man" (1968) de Ted Hughes. Ambientada en plena Guerra Fría en 1957, momento en el que la Unión Soviética había lanzado al espacio el satélite Sputnik, incrementando en EEUU la fobia anti-comunista y el temor exagerado a un ataque nuclear, la película se desarrollaba en torno a un joven niño de nombre Hogarth Hughes que traba amistad con un robot gigantesco caído del espacio y que, con la ayuda de un artista local llamado Dean, trataría de proteger al robot e impedir que lo descubriera un agente federal empeñado en darle caza y destruirlo, convencido de que se trataba de un arma del enemigo.
El hecho de que Brad Bird procediera de la industria de la animación y contara con experiencia en la creación y dirección de series de animación, junto al indiscutible talento del realizador, determinaron el buen papel que desarrolló en la dirección de "El Gigante de Hierro". Bird se implicó en el planeamiento de cada escena y en todas las etapas de la producción y fue determinante en crear una sensación de camaradería en todo el equipo al reunirlos habitualmente en la sala de proyección, consiguiendo motivarles para que cada uno se comprometiera personalmente a crear una buena película a pesar de las restricciones presupuestarias. Por cierto, Bird optó por asignar a los animadores la animación de secuencias enteras, en lugar de lo que constituía tendencia de asignarles la animación de un personaje, y recuperando el modo de hacer en Disney en los tiempos de Frank Thomas y Ollie Johnston, lo que les permitiría controlar mejor el tempo y la consistencia de cada secuencia; la única excepción fue la animación del robot, animado por ordenador.
A pesar de recibir unánimemente una crítica muy favorable y ganar hasta 9 premios Annie, entre otras distinciones, la película no recibió muy buena recaudación en salas, seguramente debido en buena parte a una mala gestión de su promoción. De hecho recuerdo haberla visto en su momento el día de su estreno en una sala ocupada únicamente por otra persona y por mí (y lamentablemente tampoco en la sesión especial del sábado pasado consiguió reunir a una muchedumbre, aunque sí estuve acompañado de más gente).
Brad Bird supo hacer de "El Gigante de Hierro" una gran historia con diferentes niveles de lectura que la hicieron atractiva tanto para niños como para adultos, contada con una medida emotividad, y basada en el equilibrio entre un sabio desarrollo de las relaciones entre los personajes y las escenas de acción. Se trata de una película construida con una cuidada artesanía y espléndidamente animada que además logró superar el reto de integrar la animación tradicional 2D con el 3D sin estridencias y consiguió exitosamente que el robot, a pesar de su dureza y simplicidad externas, destilara sentimientos por los cuatro costados: son magistrales la escena de la caza, o aquella secuencia en que se ve abrumado por la cantidad de opciones a degustar en la cacharrería de Dean.
Por otra parte, el fondo de la película, con su perfecto retrato del período de la Guerra Fría, en que todo era válido en una atmósfera de miedo y paranoia instigados incluso a nivel gubernamental, cobra todavía hoy plena vigencia: las frases del agente Kent Mansley cuando le dice a Hogarth que puede hacer todo lo que le dé la gana en beneficio de su seguridad, y más tarde añade "I'll be watching you" (Te estaré vigilando) tienen todavía hoy pleno sentido cuando observamos cómo perdemos privacidad y derechos con la excusa de la guerra global contra el terrorismo y cómo Edward Snowden debe vivir escondido por haber revelado un sistema organizado de espionaje sobre individuos, empresas y gobiernos por parte de EEUU. Todo ello basado en la creación de un miedo insano ante todo lo desconocido cuya irracionalidad queda expuesta en la película al contraponerse a la mirada inocente de un niño y al poder transformador de esa mirada.
Phenomena volverá a proyectar la película el sábado que viene, pero si no podéis ir, no os dejéis escapar el blu-ray. Por el momento, os dejo con su trailer:

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Ivo Caprino

Ivo Caprino (17 de febrero de 1920 - 8 de febrero de 2001) fue un productor de cine noruego, director de cine, animador y escritor. Es más conocido por su colaboración con Bjarne Sandemose, que produjo decenas de películas de marionetas como 'Flåklypa Gran Prix' y la adaptación de los cuentos populares noruegos.

Caprino nació en Oslo; fue el hijo de la cantautora, ilustradora y fabricante de marionetas Ingeborg Gude y del pintor italiano y ebanista Mario Caprino. También fue bisnieto de uno de los más famosos pintores del nacional-romanticismo noruego, Hans Gude. Vivió toda su vida en Snarøya, Bærum, cerca de Oslo.

El punto de partida para la realización de películas con marionetas fue un set de muñecos que su madre, Ingebjorg Gude, realizó para un espectáculo de teatro que el artista Frithjof Tidemand-Johannessen había planeado. El espectáculo no se llegó a realizar pero a partir de estos muñecos creció la idea de crear una película de marionetas. El resultado de la colaboración con su madre fue 'Tim y Tøffe', un cortometraje de 8 minutos de duración aparecido en 1949. Varias películas fueron producidas en los dos años siguientes, incluyendo dos cortometrajes de 15 minutos que se siguen emitiendo regularmente en Noruega en la actualidad, 'Veslefrikk med Fela' (El pequeño Freddy y su Violín), basado en un cuento popular noruego y 'Karius y Baktus', una historia de Thorbjørn Egner de dos pequeños trolls, representando a Caries y Bacteria, que viven en los dientes de un niño. Ingeborg Gude hizo las marionetas para estas películas, y continuó colaborando con su hijo hasta su muerte en los años sesenta.

Aquí podeis ver unos minutos de 'Karius og Baktus'. En inglés.

Al hacer 'Tim og Tøffe', Caprino inventó un ingenioso método para controlar los movimientos de la marioneta en tiempo real. La técnica se puede describir como una versión primitiva de los animatronics.

Las películas de Caprino recibieron muy buenas críticas, y rápidamente se convirtió en una celebridad en Noruega. En particular, el público estaba fascinado con la 'tecnología secreta' que utilizó para hacer sus películas. Cuando se pasó al stop motion tradicional, Caprino trató de mantener la impresión de que él todavía estaba utilizando algún tipo de tecnología "mágica" para hacer que los muñecos se movieran, a pesar de que todas sus películas posteriores se hicieron con técnicas de stop motion tradicionales.

Ugler i mosen

Además de los cortometrajes, Caprino produjo docenas de películas publicitarias con marionetas. En 1959, dirigió una película de acción en vivo, 'Ugler i Mosen', que también contenía secuencias de stop motion. A continuación, se embarcó en su proyecto más ambicioso, una película sobre Peter Christen Asbjørnsen, que viajó por Noruega en el siglo XIX recogiendo los cuentos populares tradicionales. El plan era utilizar la acción en vivo para las secuencias que muestran a Asbjørnsen y, a continuación, utilizar el stop motion para recrear los cuentos tradicionales. Por desgracia, Caprino no pudo conseguir financiación para el proyecto, por lo que terminó haciendo los cuentos populares por separado, como cortometrajes de 16 minutos de duración, utilizando secuencias de acción en vivo mostrando a Asbjørnsen como presentación. Uno de los personajes principales más famosos del folklore noruego es Askeladden, siendo el protagonista de bastantes cuentos populares; a continuación podéis ver un extracto de 'Askeladden og de gode hjelperne' (Askeladden y los buenos ayudantes). En inglés.

En 1970, Caprino y su pequeño equipo de colaboradores, comenzaron a trabajar en un especial de televisión de 25 minutos, que eventualmente se convertiría en la película 'Flåklypa Grand Prix'; basado en una serie de libros del dibujante y autor noruego Kjell Aukrust. Cuenta la historia de un grupo de excéntricos personajes que viven en el pequeño pueblo de 'Flåklypa'. Originalmente el especial de televisión era una colección de chistes basados en los libros de Aukrust, sin ninguna historia lineal real. Después de un año y medio de trabajo, se decidió que en realidad no funcionaba como un todo, por lo que se detuvo la producción del especial de TV (con la excepción de algunos clips muy cortos, ningún otro material ha sido visto por el público) y Caprino y Aukrust escribieron un guión para una película utilizando los personajes y entornos que ya se habían construido.

El resultado fue 'Flåklypa Grand Prix', protagonizada por Reodor Felgen y sus dos ayudantes, Solan Gundersen, un pájaro alegre y optimista, y Ludvig, un nervioso, pesimista y melancólico erizo. Reodor trabaja como reparador de bicicletas, a pesar de que pasa la mayor parte de su tiempo inventando extraños artilugios inspirados en Rube Goldberg. Un día, el trío descubre que uno de los antiguos ayudantes de Reodor, Rudolf Blodstrupmoen, ha robado su diseño para un motor de coche de carreras, y se ha convertido en un campeón del mundo de Fórmula Uno.
Solan obtiene fondos de un jeque árabe que pasa las vacaciones en Flåklypa y el trío construye un coche de carreras gigantesco: 'Il Tempo Gigante' - una construcción fabulosa con dos motores, radares y su propio banco de sangre. Reodor entra entonces en la carrera, y termina ganando, al superar a Blodstrupmoen a pesar de sus intentos de sabotaje. 
Podéis ver un extracto de 'Flåklypa Grand Prix', en inglés.

La película se realizó a lo largo de 3 años y medio por un equipo de aproximadamente 5 personas. Caprino dirigió y animó, mientras que Bjarne Sandemose (el principal colaborador de Caprino en toda su carrera) construyó los decorados y los coches, y estaba a cargo de la parte técnica, Ingeborg Riiser modeló las marionetas y Gerd Alfsen hizo los trajes y accesorios.

Cuando se estrenó en 1975, 'Flåklypa Grand Prix' fue un enorme éxito en Noruega, vendiendo 1 millón de entradas en su primer año de lanzamiento. Sigue siendo la película más taquillera de todos los tiempos en Noruega (Caprino Studios afirman que ha vendido 5,5 millones de entradas hasta la fecha) y también fue lanzada en muchos otros países.

Para ayudar a promover la película en el extranjero, Caprino y Sandemose construyeron una réplica a escala real de Il Tempo Gigante que es legal para las vías públicas, pero por lo general se deposita en el Parque de atracciones de Hunderfossen.

A excepción de algunos trabajos de televisión a finales de los años setenta, Caprino no hizo más películas de marionetas, centrándose en su lugar en la creación de atracciones para el parque temático Hunderfossen, en las  afueras de Lillehammer, basadas en sus películas de cuentos populares, y en la realización de películas turísticas utilizando una cámara múltiple fabricada a partir de sus diseños que grababa películas panorámicas en 280 grados.

En los tres últimos años han aparecido dos nuevas películas de los personajes de Flåklypa - Solan y Ludvig - pero totalmente desvinculadas de la productora de Caprino, que está en las manos de su hijo, Mario Caprino.

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Primer trailer de "Peter y el Dragón"

Tras el primer teaser poster, Disney ha publicado el primer trailer del remake "Peter y el Dragón". Esta renovada aventura familiar de Disney cuenta la historia de un niño huérfano llamado Peter y su mejor amigo, Elliot, que resulta ser un dragón.
Durante años, el señor Meacham (Robert Redford), un viejo tallador de madera, ha fascinado a los niños de la región con sus cuentos acerca de un feroz dragón que reside en lo más profundo de los bosques del Noroeste del Pacífico. Para su hija, Grace (Bryce Dallas Howard), que trabaja como guarda forestal, estas historias no son más que cuentos para niños… hasta que conoce a Peter (Oakes Fegley). Peter es un misterioso niño de 10 años que no tiene familia ni hogar, y que asegura que vive en el bosque con un gigante dragón verde llamado Eliott. Según las descripciones de Peter, Elliot parece extraordinariamente similar al dragón de las historias del señor Meacham. Con la ayuda de Natalie, (Oona Laurence), una niña de 11 años cuyo padre, Jack (Wes Bentley), es dueño de la serrería local, Grace parte en busca de respuestas que determinen de dónde viene Peter, cuál es su verdadero hogar y cuál es la verdad acerca de ese dragón.

La película está dirigida por David Lowery (“En un lugar sin ley”), y el guión es de Lowery & Toby Halbrooks, basándose en una historia de Seton I. Miller y S.S. Field. Está producida por Jim Whitaker  (“La Hora Decisiva”, “Friday Night Lights”) y Barrie M. Osborne (“El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo”, “El Gran Gatsby”) es el productor ejecutivo.
Se trata de un remake, con un guión algo distinto, de la película "Pedro y el Dragón Elliott" de 1977, una película de imagen real en que Walt Disney introdujo al dragón Elliott como un personaje animado; Don Bluth fue el director de animación y tuvo como asistente a Don Hahn, que posteriormente utilizaría su experiencia en "¿Quién Engañó a Roger Rabbit?" (1988) como productor asociado. No era una técnica nueva: ya la desarrolló Ub Iwerks en la serie de cortometrajes "Comedias de Alicia", producida entre 1923 y 1927, donde Alicia compartía protagonismo con un personaje animado, el gato Julius; y tras introducir efectos animados en la película "Un Sabio en las Nubes" (1961), se volvería a ver dibujos animados interactuando con actores de carne y hueso en "Mary Poppins" (1964). En el remake volveremos a ver a Elliott como un personaje animado integrado con actores y fondos de imagen real, si bien esta vez la animación estará generada por ordenador, siguiendo la línea de los remakes que Disney está haciendo de sus clásicos animados.

A continuación podéis ver el trailer, aunque todavía no se puede ver mucho del dragón Elliott, que se ve mejor en el teaser poster, donde se adivinan ya algunas semejanzas con el dragón original.

La nueva película de Disney, “PETER Y EL DRAGÓN” se estrena en España el 19 de agosto de 2016.

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Betty Boop vuelve con 90 años

La productora francesa Normaal Animation, la misma que se encuentra tras la serie animada de los "Peanuts", está desarrollando está desarrollando una nueva serie de animación protagonizada por Betty Boop, el icónico personaje creado por el animador Max Fleischer, que volverá a vivir nuevas aventuras casi noventa años después de su primera aparición en Dizzy Dishes y treinta años después de haber protagonizado su último show.
Presentada en 1930, Betty Boop fue creada por Max Fleischer para su serie “Talkartoons”, que marcaron la transición al sonido, y que Fleischer Studios producía para Paramount. Mae Questel daba a Betty su distintiva voz. Ya hacia 1932 Betty, considerada como la primera estrella femenina de los dibujos animados, había conquistado las pantallas de los EE.UU. Betty acabaría protagonizando más de 100 cartoons, 90 de los cuales integran la serie oficial de “Betty Boop”, que finalizó en 1939. Posteriormente, Betty aparecería en docenas de películas, especiales de televisión y anuncios comerciales, hasta terminar convirtiéndose en un icono de la cultura pop como es hoy. Betty Boop es uno de los personajes más populares y con más licencias de la historia del entretenimiento, con casi 200 licencias en los EE.UU. y casi el doble en todo el mundo.

Con el estreno previsto para 2018, la nueva serie (26x26') estará dirigida a preadolescentes y adolescentes, y contará la lucha diaria, las alegrías y las victorias de una joven Betty Boop en su intención de subirse a los escenarios y convertirse en una superestrella.
La serie estará producida por Normaal Animation en asociación con los Estudios Fleischer y King Features, la agencia que gestiona las licencias de Betty Boop a nivel internacional. En palabras de Mark Fleischer, presidente de los Estudios Fleischer y nieto de Max Fleischer, su abuelo "creó a Betty Boop como una mujer divertida, enérgica y moderna cuyo espíritu ha trascendido y ha transformado a múltiples generaciones de fans. Resulta excitante saber que esta serie de televisión presentará al querido icono de Max a través de nuevos contenidos muy originales que harán que Betty siga siendo una atractiva referencia para futuras generaciones de fans.”

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Movierecord Cine cede sus spots a la Filmoteca Española

Movierecord Cine ha llegado a un acuerdo con la Filmoteca Española para cederle la conservación de los spots españoles emitidos desde 1954. Con este acuerdo Movierecord garantiza la preservación del patrimonio publicitario cultural; más de 10.500 spots forman parte del inventario de "joyas" publicitarias que la compañía conserva desde su fundación, tras un laborioso proceso de conservación y digitalización. Recordemos que entre este material se encuentran verdaderos incunables de la animación publicitaria española, algunos ejemplos de los cuales forman parte del ciclo "Del Trazo al Píxel: Más de Cien Años de Animación Española", producido por el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona y Acción Cultural Española y comisariado por Carolina López, que se mostró por primera vez en Annecy el año pasado y que actualmente está haciendo un circuito por las principales capitales del país, además de formar una parte importante del triple DVD-Catálogo "Del Trazo al Píxel" editado por Cameo Media.
A continuación podéis ver como ejemplo uno de los spots de Aspirinas Bayer:

La Filmoteca Española, Subdirección General del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, desarrolla, entre otras actividades, la de recuperación, preservación, restauración, documentación y catalogación del patrimonio cinematográfico y de cualquier otro elemento relacionado con la práctica de la cinematografía. Alfonso Oriol, actual propietario de Movierecord Cine, ha elegido este organismo estatal para firmar un acuerdo de depósito del material publicitario, que hasta la fecha salvaguardaba la empresa, y garantizar con esta cesión la preservación de este patrimonio publicitario y cultural.
En palabras de Alfonso Oriol, CEO de Movierecord Cine: "Es un orgullo contar con este patrimonio fílmico que nos pertenece a todos, y más concretamente a anunciantes y agencias, que durante décadas han realizado un trabajo audiovisual que ha servido como vía de conocimiento de grandes marcas comerciales y motor de consumo en nuestro país. Entiendo que su mejor lugar es en las manos de los profesionales de la Filmoteca Española, que conocen bien el proceso de mantenimiento de materiales tan sensibles, y garantizan el acceso a todo el que desee consultarlo."
El material más antiguo (1954-2000) fue recuperado por el equipo técnico de Movierecord Cine y catalogado pieza a pieza hasta el año 2000 por Beatriz Chapaprieta, publicista y directora de comunicación de Movierecord. "El registro del material que obrará en depósito en la Filmoteca Española parte de las películas originales en formato 35mm., duplicadas en su día en Betacam Digital, para continuar posteriormente con el proceso de digitalización de más de 8.000 spots de la Filmoteca Movierecord y del Festival Publicitario Cannes Lions. Esta labor documental tendrá ahora su continuidad con profesionales en investigación y conservación de nuestro patrimonio", explicó Chapaprieta.
La Filmoteca Española, con la colaboración de Movierecord, catalogará de nuevo todos los materiales originales, con el fin de conocer sus características y estado, garantizando su conservación y facilitando su difusión, con fines tanto de investigación como divulgativos.
Hoy Movierecord Cine continúa su labor comercializadora de salas de cine en España, aportando su experiencia a las marcas que se suman a la tendencia creciente del medio. Con la digitalización de las salas, la flexibilidad de la contratación y las herramientas de medición del retorno de las inversiones, el cine es uno de los medios más eficaces de la publicidad actual. La empresa exclusivista seguirá aportando material a la Filmoteca para garantizar la actualización constante de este importante archivo documental.

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Recordemos a Robert Balser

Hace un par de días falleció en Los Angeles Robert Balser a la edad de 88 años por un fallo respiratorio. Bob Balser fue el director de animación - junto a Jack Stokes - de la psicodélica "Yellow Submarine" (1968) de Los Beatles, pero también dejó impronta en Barcelona, donde trabajó para Estudios Moro y fundó el estudio Pegbar Producciones.

Bob Balser con su esposa Cima

Nacido en 1927 en Nueva York, Robert Balser inició su carrera en animación en 1955 trabajando como diseñador de layouts para Norman Wright Productions, y  un año después se encontraría trabajando como Supervisor de Producción de Layouts en la celebrada e innovadora secuencia animada de la película "La Vuelta al Mundo en 80 Días" (1956) junto al diseñador Saul Bass. Posteriormente inició un periplo en que trabajó para diversos estudios en Finlandia y en Dinamarca, hasta que a principios de los 60 Bob Balser se trasladó a Barcelona, para trabajar con los Estudios Moro, donde entre otros trabajos encabezó la dirección del cortometraje "El Sombrero" (1964); el corto giraba en torno a los problemas de un vagabundo con un sombrero parlante, que simbolizaba sus dificultades para alcanzar un estatus social superior.

Fue en 1967 cuando, aún encontrándose en Barcelona y habiendo ganado ya premios por algunos trabajos comerciales, Robert Balser recibió la invitación de trasladarse a Londres para trabajar en el diseño de los personajes y posteriormente para dirigir la animación de la película "The Beatles Yellow Submarine", una de las películas más populares e influyentes de la historia de la animación, uniéndose a un elenco de otros grandes talentos del momento como Jack Stokes, Charlie Jenkins y el gran ilustrador y diseñador Heinz Edelmann. Balser trabajó en los storyboards y dirigió todas las escenas que se desarrollaban antes y después de Pepperland, incluyendo Liverpool, las secuencias de viajes a lo largo de los mares y el retorno.

Tras su trabajo en "Yellow Submarine" fue director supervisor de la serie "Jackson Five" (1971-1972) de Rankin-Bass y posteriormente estaría de vuelta en Barcelona para fundar su propio estudio, Pegbar Producciones, desde donde durante veinte años trabajó en diversos trabajos comerciales y casi una docena de películas y series para televisión, entre las cuales "La Doncella Guerrera" (1974) de Julio Taltavull, "Crimen Perfecto" (1976) de Fernando Krahn,  "El León, la Bruja y el Armario" (1979), "The Charlie Brown and Snoopy Show", "Barney", "Les Tres Bessones".. y también dirigió la animación del segmento "Den" para la película "Heavy Metal" (1981). Entre los trabajos comerciales resulta curioso destacar que Balser fue el creador de la icónica cabecera animada del Festival de Sitges, que año tras año es aplaudida al inicio de cada proyección.
Por otra parte, Bob Balser ejerció un importante papel institucional desde Barcelona como impulsor de la proyección de la animación en nuestro país, al servir como un destacado miembro del equipo directivo de ASIFA Internacional entre 1978 y 1994 y ayudar al lanzamiento de ASIFA-España en 1980, y también fue miembro activo de la European Association of Animated Film .
Descanse en paz.

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70 años de Garbancito de la Mancha

Ayer se cumplieron 70 años justos del estreno en los cines Fémina de Barcelona de la película animada "Garbancito de la Mancha", que constituye no sólo el primer largometraje de animación producido en España, sino también el primer largometraje animado en color que se realizó en Europa. Una productora y distribuidora catalana, Balet y Blay, y un dibujante e ilustrador de origen valenciano, Arturo Moreno, llevaron adelante la producción de esta ambiciosa y costosa película de animación en plena posguerra y en medio de dificultades y penurias de todo tipo, construyéndose para su realización unos estudios en el barrio barcelonés de Vallcarca, donde trabajaron cerca de 90 profesionales.
En la película, Garbancito es un joven huérfano que tiene una granja cerca de un pequeño pueblo. Sus amigos son Chirili, Kiriki y la cabrita Peregrina, pero también están los típicos gamberros que no paran de molestarle: Pelanas, Manazas y Pajarón. Un día, el pueblo donde vive Garbancito es amenazado por la bruja Pelocha y el gigante Caramanca, que rapta a sus amigos Chirili y Kiriki. Gracias a la ayuda de un hada, que le da poderes y una espada mágica, Garbancito libera a sus amigos de las garras de los malvados y es recibido como un héroe por los lugareños.
Ya tuvimos ocasión el año pasado de elaborar una entrada sobre esta película (enlace aquí), que esta vez vuelve a relucir no sólo por su aniversario, sino porque el Museu del Cinema de Girona ofrece una interesante exposición en torno a la película y el pasado sábado proyectó la cinta ante un nutrido grupo de espectadores entre los que se encontraba un servidor y también familiares de algunos de los artistas que trabajaron en la producción, como la hija de Rosa Galcerán.

La exposición está dividida en tres ámbitos: El primero pretende sintetizar el desarrollo de la industria del cine de animación en Cataluña, destacando sus principales producciones desde los inicios hasta el momento actual. El segundo ámbito se centra en Garbancito de la Mancha y en los hechos históricos que propiciaron que se pudiera hacer la película, así como su proceso de producción, los profesionales que participaron, las acciones de promoción y todas las circunstancias que la rodearon. Finalmente, se analiza la carrera de su realizador, Arturo Moreno (1909-1993), conocido durante muchos años con el apodo de "el Walt Disney español", que fue un ilustrador, animador y caricaturista de referencia que disfrutó de una larga y fructífera trayectoria profesional mucho más allá de la realización de la película de animación.
Ramon Balet se asoció con José María Blay para fundar la empresa de distribución y producción cinematográfica Balet y Blay en 1938. "Garbancito de la Mancha" se pudo llevar a cabo en un contexto de posguerra, de penurias y miseria, por la conjunción de varios factores: Lo más importante fue que la distribuidora Balet y Blay necesitaba conseguir permisos de importación de filmes europeos y norteamericanos, permisos que sólo se obtenían a cambio de hacer producciones propias, y Blay decidió entrar en el mundo del cine de animación pensando que conseguiría más permisos de importación de filmes extranjeros haciendo este tipo de producción. Cuando Arturo Moreno (entonces un joven profesional de 34 años con una larga experiencia como dibujante) les presentó un corto de animación, "El capitán Tormentoso", por si lo querían distribuir, José María Blay le propuso la idea de hacer el largometraje y Moreno aceptó el reto lanzándose a la aventura de crear unos estudios profesionales de dibujos animados partiendo de cero, a pesar de que en una Europa en guerra no sería nada fácil encontrar materias primas básicas como los acetatos, o un laboratorio para el revelado de la película en color.

Blay y Moreno (centro y 2º a la derecha)

Por otra parte, el guión elegido tenía unas ventajas claras en una época de represión de todas las libertades: la película se basaba en el libro infantil homónimo escrito por Julián Pemartín, un falangista que en esos momentos ejercía de director del Instituto Nacional del Libro Español y cuyos cargos políticos dentro del régimen franquista aseguraban la no intromisión de los censores en la realización de la película.
La productora Balet y Blay contrató cerca de un centenar de dibujantes e ilustradores, animadores y guionistas, muchos de los cuales participaron por primera vez en la realización de un film animado (de hecho la inexperiencia en animación se nota en detalles como algunos fallos de integración con el fondo, desviaciones de modelo, cierta animación sincopada o algunos bucles de animación toscos, y a pesar de ello se obtuvo un resultado muy ambicioso teniendo en cuenta la falta de experiencia en animación de la mayoría de los artistas). Una vez contratados todos los profesionales, Arturo Moreno creó varios grupos de trabajo: 30 dibujantes animadores dirigidos por Armand Tosquellas - colaborador de Moreno en la realización del corto "El Capitán Tormentoso" -  y José M. Carnicero, con responsables como Rosa Galcerán, que también fue colaboradora en el corto de Arturo Moreno; 20 encargados del coloreado dirigidos por Anna M. Melero; además de dibujantes de los fondos, entre los cuales Valentí Castanys hijo (Tinet), y los técnicos encargados de la truca multiplano dirigidos por Josep M. Arola. En total, este equipo creó unos 350.000 dibujos en 427 días de trabajo entre los años 1943 y 1945.

Bosquejo original a lápiz

Original a tinta de Caramanca, Garbancito y Pelanas

Acetato de Garbancito

La película tuvo un gran éxito de crítica y público y obtuvo unas ganancias económicas de entre dos y tres millones de pesetas. Varios fabricantes de productos para niños consiguieron la licencia y el mercado se llenó de merchandising: muñecos, álbumes de cromos (en varias ediciones), fotogramas montados en cartulina, películas de cine NIC, juguetes ...

Album de cromos de Garbancito

Películas para el proyector de cine NIC

El éxito de Garbancito de la Mancha animó a los productores a hacer una segunda parte, "Alegres vacaciones" (1948), que tuvo un escaso eco entre el público. Con el fracaso de taquilla y de la crítica de "Los sueños de Tay-Pi" (1951), el tercer largometraje de la empresa, Balet y Blay dejó de producir películas de animación, pero su actividad marcó un hito importante en la historia de las producciones del cine de animación, no sólo catalán y español, sino también europeo.

La mayor parte del material original que se muestra en la exposición, cuya visita recomendamos, es la primera vez que se expone públicamente y proviene en buena parte de la Colección Antoni Furnó y de la Colección privada Isabel Moreno. Antoni Furnó estuvo relacionado con varias productoras cinematográficas catalanas; entre ellas trabajó para Balet y Blay y participó como jefe de personal en la producción de "Garbancito de la Mancha", junto a su hermano Trino Furnó, que participó como dibujante. La Colección Isabel Moreno, hija de Arturo Moreno, contiene el material que conservó el director de "Garbancito de la Mancha" de la realización de este film y otros materiales relacionados con su trayectoria profesional desde los años 30 hasta los 80. La exposición contiene otro material original procedente de las colecciones de Jordi Riera Pujal, Antoni Guiral, Pepita Pardell, Jordi Artigas, etc.
Todo este material estará expuesto hasta el día 24 de enero de 2016.

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Encontrada otra cinta de Oswald the Rabbit

En diciembre del año pasado dábamos cuenta aquí del hallazgo en una biblioteca de Noruega de una vieja cinta del personaje Oswald the Rabbit que se daba por perdida; titulada "Empty Socks" (1927), era la primera historia navideña desarrollada para el personaje creado mucho antes de Mickey Mouse por Walt Disney y Ub Iwerks, que acabaron vendiendo su creación a Universal (aunque en 2006 Disney readquirió los derechos sobre el personaje). Pues bien, ayer se supo que otra de las animaciones que tenía como protagonista al conejo, creada también en 1927 y que también se daba por perdida, ha sido recuperada por un investigador en el Archivo Nacional del British Film Institute; la cinta en cuestión, "Sleigh Bells", tiene una duración de seis minutos y está protagonizada también por Ortensia the Cat, la esposa de Oswald.

Andrew Millstein, presidente de Walt Disney Animation Studios, declaró que trabajará de ahora en adelante con el Archivo Nacional del BFI para restaurar el cortometraje de Oswald que se ha recuperado, con la idea de estrenar mundialmente la restauración el 12 de diciembre en las dependencias del BFI, como parte de su programa It’s A Disney Christmas: Seasonal Shorts. El Archivo Nacional del BFI acoge en su seno una de las colecciones de cine y televisión más importantes del mundo, con más de 180.000 películas y más de 750.000 programas de TV.

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Celebramos el Día Internacional de la Animación 2015

Tal día como hoy, un 28 de octubre de hace 122 años, el inventor Charles-Émile Reynaud (8/12/1844 – 9/1/1918), creador del Praxinoscopio en 1877 y de su evolución, el Teatro Óptico, en 1888, se servía de este mecanismo para proyectar por primera vez en público unos dibujos animados; se trataba del conjunto de películas "Pauvre Pierrot", "Un Bon Bock" y "Le Clown et Ses Chiens" estrenado en el Musée Prévin de París, y que iniciaba la serie "Pantomimes Lumineuses" que se proyectaría entre 1892 y 1900.

 La efeméride fue tomada como referencia a partir de 2002 por ASIFA (Association Internationale du Film d'Animation) para celebrar el Día Internacional de la Animación mediante eventos en países de todo el mundo consistentes en talleres, exhibiciones, exposiciones y similares organizadas por las instituciones y medios afines, con el fin de promover el arte de la animación.
ASIFA también encarga anualmente la creación de un poster para tal conmemoración a un artista de referencia, y así se han encargado de ello personalidades como Iouri Tcherenkov, Paul Driessen, Abi Feijo, Eric Ledune, Noureddin Zarrinkelk, Michel Ocelot, Nina Paley, Raoul Servais, Ihab Shaker, Gianluigi Toccafondo o Koji Yamamura. Para este año, el artista elegido ha sido el serbio Rastko Ciric, artista gráfico y realizador de animación que, a lo largo de su carrera, ha recibido más de 70 premios nacionales e internacionales, a partir de una amplísima obra que comprende 14 películas de animación; entre ellas destacan The Circus Departs (1982), The Tower of Bababel (1988), Ogres and Bogies (1989), Farty (1993), Invisible and Poorly Visible Animal Species (1998), Magician (1999), Metamorph (2005) y Fantasmagorie (2008).
A continuación podéis ver el poster, que recuerda al célebre dinosaurio Gertie:

Si queréis saber más del evento, podéis visitar la web de ASIFA. http://asifa.net/international-animation-day/

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Don Bluth quiere hacer la película de "Dragon's Lair"

Ha aterrizado en Kickstarter un proyecto muy ilusionante para los que adoramos la animación tradicional y para todos los fans de la animación en general: las leyendas de la animación tradicional Don Bluth y Gary Goldman van a traer de vuelta a Dirk el Valiente, la princesa Daphne y el dragón Singe en la película "Dragon's Lair: The Movie". Siempre que reúnan, por supuesto, la cantidad de 550.000 dólares que necesitan para iniciar el proyecto a través del portal de crowdfunding, que es el presupuesto con el que van a abordar la presentación de la película a los estudios a fin de que alguno de ellos la produzca.

Don Bluth empezó su carrera como asistente de animación en Disney para "La Bella Durmiente", y más tarde se reincorporó al estudio animando en películas como "Robin Hood","Winnie the Pooh and Tiger Too" y "Los Rescatadores" y como director de animación en "Pedro y el Dragón Elliott", coincidiendo en las mismas tareas con Gary Goldman. Mientras estaban en Disney, ambos se dedicaron a comprar material de animación usado para montar su pequeño mini-estudio en el garaje de Don Bluth, con la idea de recuperar las técnicas olvidadas de la animación clásica, y junto a John Pomeroy, también animador en Disney, produjeron su primer corto tras cuatro años de trabajo durante las noches y los fines de semana: "Banjo, The Woodpile Cat". Tras intentar aplicar las técnicas que habían aprendido por su cuenta a los proyectos de Disney, a finales de 1979 dejarían los estudios junto a John Pomeroy y 9 animadores más, descontentos con la línea que se estaba perfilando en el modo de animar de la casa, y se pusieron a trabajar exclusivamente desde su recién creado estudio Don Bluth Productions, donde crearon una verdadera joya del largometraje animado como "NIMH, El Mundo Secreto de la Señora Brisby" (1982); a pesar de ser aclamado por la crítica, la recaudación en salas no correspondió y el estudio quebró, aunque la película se convirtió en un clásico de culto con ocasión de su lanzamiento en video.
En todo caso, el equipo no dejó de trabajar, y en 1983 pusieron en marcha Bluth Group y crearon el célebre juego de arcade Dragon's Lair, protagonizado por personajes animados de forma tradicional (frente a los pixelados sprites de la mayoría de juegos de la época), donde el caballero Dirk el Valiente debía rescatar a la princesa Daphne del cautiverio a la que la tenía sometida el dragón Singe en el castillo del hechicero Mordroc. En 1984 le sucedió en el mismo formato y con la misma tecnología Space Ace, ambientado en aventuras espaciales, y cuando se trabajaba en la secuela de Dragon's Lair llegó la crisis de los juegos arcade y de nuevo el estudio de Bluth quebró (la secuela llegaría finalmente en 1991 bajo el título Dragon's Lair 2: Time Warp).
Posteriormente crearon Sullivan Bluth Studios, desde donde produjeron "Fievel y el Nuevo Mundo" (1986) y "En Busca del Valle Encantado" (1988), ambas con Steven Spielberg como productor ejecutivo. Tras unas cuantas películas más, entre las cuales "Todos los Perros Van al Cielo" (1989), en 1994 el dúo se haría cargo del Fox Animation Studio en Arizona, donde crearon la exitosa "Anastasia" (1997), seguida de "Bartok el Magnífico" (1999) y "Titán A.E." (2000), cuyo tibio recibimiento determinó el cierre de Fox Animation Studio. Tras ello, Don Bluth y Gary Goldman se reestablecieron bajo Don Bluth Films, creando el videojuego Dragon's Lair 3D: Return to the Lair, junto a Ubisoft, y estableciendo colaboraciones para otras creaciones de videojuegos.

Gary Goldman y Don Bluth

El dúo de legendarios animadores y directores contemplan el nuevo proyecto como una oportunidad para resucitar la animación tradicional dibujada a mano, tal como el proyecto "Hullabaloo" del que hablamos en su día aquí, o como Sergio Pablos con "Klaus" (enlace aquí).
La película se plantea como una precuela del videojuego original, que permitiría establecer la historia del caballero Dirk el Valiente. Podéis ver más información sobre el proyecto y ayudar si os apetece en la web de Kickstarter. A continuación tenéis el vídeo de presentación:

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