lunes, 22 de octubre de 2018

3D Wire 2018: Presentación de Proyectos (Parte 2)

Os traemos la segunda parte de la presentación de proyectos ( ver primera parte)

SERIES

As 7 Caixas, de Animais

Desde la ciudad lusa de Oporto llega de la mano de  mano de Nuno Amorim y Alice Guimarães este interesante proyecto que pone en valor la importancia de la creatividad especialmente en la etapa infantil base del desarrollo de la personalidad.


Una proyección urbana desalmada con dominio de máquinas controladoras que conforman la red de drones que marcan, corrigen y avisan a los niños lo que tienen que mirar en sus omnipresentes monitores, televisores destructores de imaginación, creación y voluntad.

Un grupo de niños huye de la norma establecida, desligándose del tránsito tele-hipnótico vigente, en el anhelo de recuperar sus juguetes favoritos, prohibidos por el régimen. Los niños escapan de la tiranía de la red, y descubren un nuevo universo paralelo, libre de la lógica adulta de la ciudad, donde fomentan su creatividad y aprenden nuevas formas de sentir el mundo.


“Las siete cajas” es una serie de animación  de 7 x 13', con dibujos y 2D/3D  digital, para un target  de 8 a 12 años. Si bien es cierto que la estética, el posicionamiento crítico frente a modelos opresivos y el contenido reflexivo de la historia pueden atraer a un público de mayor edad. Dependerá del desarrollo de las tramas, lenguaje, etc. Podría convertirse en un producto con dobles lecturas.

Está en fase de búsqueda de financiación, coproducción y distribución.


Tiko Taiko, de Rokyn Animation y Gallego Bros

Taiko y Taiko son exploradores del espacio, descubridores de nuevos sistemas solares y embajadores de la curiosidad y del buen rollo. Una molécula compuesta por cinco átomos de aventura, tres de comedia y cuatro electrones de ciencia para niños. Una comedia de aventuras.




Una propuesta visual atractiva llena de colores y uso de texturas trabajadas en una búsqueda por reflejar materiales bien diferenciados y menos comunes (metales, refracciones, traslucidos, brillantes, etc.). Es una serie para un público infantil de 52 x 7', en búsqueda de financiación y distribución.


La Granja de Turuleca, de Tandem Films

Revitalizando productos que tienen un posicionamiento en el colectivo latinoamericano y español llega la Gallina Turuleca y sus encantadores y alocados amigos, el cerdo Ritmo, la oveja Compás y la vaca Armonía, que compartirán el día a día en la granja, descubriendo musicalmente el mundo a través de aventuras y divertidos malentendidos que los ayudarán a crecer.


Turuleca no puede poner huevos y por ello sufre la burla del resto del gallinero. Su vida cambia el día que Isabel descubre que Turu puede hablar y posiblemente tenga dotes para el canto...



VIDEOJUEGOS

Endling, de Herobeats Studios
Hay proyectos que tienen un halo especial y este es uno de ellos.


Una aventura ecológica de exploración que propone la experiencia de meterse en la piel del último zorro adulto en un mundo devastado por nuestra especie. A cargo, la responsabilidad de sobrevivir y procurar un lugar seguro y condiciones para su camada de pequeños zorros. El jugador descubrirá el efecto destructivo de la raza humana, que día tras día corrompe los más preciados recursos de los entornos naturales. Actitud activa que implicará una toma de conciencia.

Desde la motivación personal surgida del respeto profundo en temas relacionados con el bienestar animal y el entorno natural, buscan esa conexión universal y provocan una interpelación directa con el jugador de inquietudes comunes.

La cinemática que presentaron destacaba por el uso de recursos narrativos, una estética visual con un cuidado tratamiento de color, una paleta fría para los entornos y lo humano que contrastaba con la calidez de los personajes protagonistas cercano a un tono naranjado.

Desarrollado por un incipiente estudio en Barcelona Herobeat studios está formado por profesionales con experiencia en el sector.
Fue uno delos proyectos más aplaudidos.


Finalmente, el premio al mejor proyecto de videojuego ha sido para Endling de Herobeat Studios.
El premio concede una acreditación al Cartoon Games gracias al apoyo de Cartoon que le dará una buena oportunidad para alcanzar su objetivo de financiación para continuar con la preproducción.


Jingle & Merry.Who gave Christmas Away? de Whytah Games

Un divertido videojuego de gestión para PC y consola en el que tus personajes, unos adorables elfos llamados Jingle y Merry, deberán trabajar para salvar la noche más importante del año, después de que Jingle haya regalado accidentalmente la gran fábrica de Santa.


Diseña, fabrica y reparte cientos de juguetes distintos para llevar la alegría a los niños, pues la necesitarás para contratar a los mejores elfos y ampliar tu nueva fábrica con divertidas máquinas.

Este videojuego que está en plena pre-producción, tiene el aliciente de que la animación de los pequeños elfos e interacciones con juguetes y objetos está realizada en stop motion con espectaculares efectos de algodón blanco y otras sorpresas agradables.


La estética sencilla ayuda a entender la intuitiva interfaz y a medida que vayamos progresando, las tecnologías a nuestro alcance también irán evolucionando. Comenzaremos por construir juguetes de madera y llegaremos a la era electrónica y materiales y mecanismos más sofisticados.
Actualmente están en búsqueda de financiación y distribución.



Esta app para dispositivos móviles usa la AR y la geolocalización para crear aventuras en el mundo real y compartirlas con otros usuarios. Se trata de crear propias aventuras en un mundo real ambientado en el medievo, el presente y el futuro aunque también se pueden combinar para ofrecer experiencias al usuario. Juegos de rol diseñados por los propios usuarios, con exponenciales posibilidades de customización de avatares y propiedades.


Busca la gamificación en el aula, el turismo y ser una herramienta de promoción comercial.

Realmente más que un videjuego estamos ante una manera diferente y global de usar los juegos, la AR. Habrá que ir viendo la tolerancia del público, el desarrollo y seguir este proyecto que apunta maneras.
Se encuentra en búsqueda de financiación y marketing.


Guillermo del Toro podrá hacer realidad su película de Pinocho

Después de varias intentonas por llevar adelante su deseo de realizar una película en torno a la fábula de Pinocho, e incluso de haber hecho pública su renuncia a la idea cuando en 2012 Guillermo del Toro decía que no se iba a hacer al fracasar un acuerdo con Amazon Studios, parece que finalmente el realizador mexicano podrá hacer realidad su sueño en forma de una película musical en stop motion que estará financiada por Netflix.
De esta forma, Del Toro hará su debut como director de un largometraje de animación que él mismo escribirá y también producirá. Pero junto a él se reunirá además un grupo de talentos bastante prometedor: Patrick McHale (Over The Garden Wall) co-escribirá el guión, Mark Gustafson (director de animación de "Fantástic Mr. Fox") co-dirigirá, y Guy Davis (diseñador en "La Forma del Agua") será co-diseñador de producción. Además, el estudio británico Mackinnon & Saunders (La Novia Cadáver) se ocupará de construir los puppets, y The Jim Henson Company y Shadowmachine (Bojack Horseman, The Shivering Truth) se encargarán de la producción de la animación. Igualmente, junto a Del Toro, figurarán como productores Lisa Henson,Alex Bulkley de Shadowmachine, Corey Campodonico y Gary Ungar de Exile Entertainment, mientras que Blanca Lista co-producirá.


Según Del Toro, se tratará de recontar el clásico cuento ambientándolo en la Italia de 1930, en plena propaganda del régimen fascista en torno a Mussolini y a puertas del nacimiento de su imperio: "En nuestra historia, Pinocho es un espíritu inocente con un padre despreocupado que se pierde en un mundo que es incapaz de comprender". "Se embarca en un extraordinario viaje que le dejará con una comprensión profunda de su padre y del mundo real".
Según ha añadido el realizador: "Ninguna forma de arte me ha influenciado más en mi vida y en mi trabajo que la animación y ningún personaje en la historia ha conectado tan profundamente conmigo como Pinocho... He querido hacer esta película desde que tengo memoria. Tras la increíble experiencia que hemos tenido con"Trollhunters", estoy agradecido de que el talentoso equipo de Netflix me dé la oportunidad de mi vida para presentar a los espectadores de todo el mundo mi versión de este extraño muñeco convertido en niño real."
La producción de la película empezará presumiblemente en otoño.


Black is Beltza

El polifacético artista Fermín Muguruza ha conseguido por fin hacer realidad su ansiado sueño de llevar al cine - tras haber lanzado el proyecto en edición de cómic - una historia basada en las luchas y movimientos sociales que en los años 60 reivindicaban derechos, voz y lucha. El resultado es una película bastante digna que ante todo se ha realizado con mucha pasión y un espíritu libre, que se contagia al espectador y que no se corta un pelo ni a nivel visual ni discursivo, en perfecta coherencia con aquel grito que, desde todos los lugares del planeta, resuena en sus fotogramas clamando en contra del racismo y exigiendo libertad.


La película parte de un hecho real acaecido en octubre de 1965 en Nueva York, cuando la comparsa de gigantes de Pamplona, imagen típica de las fiestas de San Fermín, es invitada a desfilar en la Quinta Avenida de la ciudad. Pero no todos los gigantes pueden salir, puesto que debido a la discriminación racial, las autoridades norteamericanas prohíben la participación de los dos gigantes negros. "Black is Beltza" narra a partir de aquel percance la historia de Manex, una suerte que Corto Maltés vasco que resultaría ser uno de los mozos encargado de portar a uno de los gigantes discriminados. Asqueado por tanta indiferencia y fascinado ante la idea de conocer nuevas gentes y culturas, Manex decide quedarse en Nueva York, iniciando un largo periplo en el que se convertirá en testigo de acontecimientos clave de la historia en medio de los movimientos revolucionarios que se desarrollaron durante la época: los disturbios raciales derivados del asesinato de Malcolm X, las excentricidades de Andy Warhol y los personajes de The Factory, la alianza entre los servicios secretos cubanos y los Black Panthers, la psicodelia proto-hippie de los primeros festivales de música, los juegos de intereses de los espías de ambos bandos durante la Guerra Fría, el espíritu del Che en el Congo o Argelia y su muerte en Bolivia, y la decrépita y gris dictadura franquista.
"Black is Beltza" es una película para adultos hecha para gustar a su público. Lejos de aquellas cintas que bajo la etiqueta de largometraje para adultos no son más que una sarta de chorradas, la película de Muguruza plantea una trama con significado social, vibrante, inteligente e históricamente precisa. En efecto, tras la película existe un cuidado proceso de documentación que, a lo largo del viaje iniciático de Manex - que le va a llevar desde Nueva York a Madrid, pasando por Cuba, México, San Francisco, Montreal, Argelia y Almería - se pone de manifiesto mediante la introducción de una serie de coincidencias con sucesos, personalidades y manifestaciones culturales de la época, como el asesinato de Malcolm X y las luchas por los derechos de los afroamericanos que le siguieron, la relación entre el Che Guevara y Fidel Castro, o la incomprensión por la decisión de Muhammad Ali de no luchar en Vietnam, entre otros. Acaso, tal es el número de personajes y movimientos que transitan por la película que ello se convierte en cierta medida en un obstáculo para profundizar en ellos y también en la propia historia de Manex, convertido en colaborador de los revolucionarios cubanos y en protector de un miembro de los Panteras Negras, y que a nivel personal deja aflorar un trauma relacionado con la desaparición de su padre, un brigadista antifascista. Del mismo modo, también hubiera sido deseable mayor aprovechamiento de los incipientes malos de la película, cuyo peso dramático está bastante limitado, significativamente el agente de la Cointelpro Warren Phillips o la misteriosa espía del Mossad. En cualquier caso, es un cúmulo de coincidencias que añaden solidez y cuerpo a la odisea del personaje principal, protagonista de una aventura no exenta de romance y acción y enriquecida con la espectacular banda sonora compuesta por Muguruza junto a Raül Refree, que incluye temas interpretados por Maika Makovski, Anari, Iseo, Yacine, Amel Zen, The Sey Sisters, Ceci Bastida, Ana Tijoux o Manu Chao.



El espíritu rebelde se deja impregnar también a nivel visual en los fondos de la película, que retratan en ocasiones mediante ricas ilustraciones, otras en 3D y algunas mediante fotos retocadas la multiplicidad de lugares por donde transcurre el periplo de Manex. Entre ellos son especialmente destacables los diseños de Iñaki Holgado, artista en películas de animación e ilustrador de cómics. Como también son de cómic los personajes que pueblan y protagonizan la película, dibujados en un estilo notablemente underground que remite precisamente a la época en que se encuadra la película, y de cuyo diseño es responsable Josep Homs, artistazo de cómic al que se conoce desde su etapa para Marvel y posteriormente en la bande dessinée belga.
Lamentablemente es en la animación donde la película encuentra su talón de Aquiles y seguramente las limitaciones presupuestarias - por cuanto solventes son los estudios de animación que han trabajado en la producción - son las responsables de que se aleje de aquéllos trabajos que han sido referencia para Fermín Muguruza, como "Ghost in the Shell" de Mamoru Oshii, o "Vals con Bashir", de Ari Folman. Si bien estilísticamente, tanto a nivel de línea, como de animación basada más en la postura que en el movimiento, la película se encuentra más cercana a aquella última, el resultado acaba siendo demasiado tosco y pobre, mostrando un uso excesivo de bucles de animación carentes de personalidad y cierto hieratismo de los personajes, e incluso algún movimiento anatómicamente imposible forzado por la economía de recursos. Posiblemente una aproximación más fina e imaginativa hubiera sido necesaria para que el acabado de la animación hubiera quedado más adecentado.

Lo mejor: se trata de una película valiente cuyo discurso, recuperado de los años 60, cobra aún mayor vigencia cuando ciertos líderes quieren levantar muros y otros restringen hasta límites intolerables las libertades personales y el derecho de expresión.
En contra: el nivel de la animación no hace justicia al resto de la película, al desarrollarse con unas limitaciones evidentes

Abierta la convocatoria de los segundos Premios Quirino

Los Premios Quirino de la Animación Iberoamericana han abierto su convocatoria para las diversas categorías de su segunda edición, que se celebrará el 6 de abril de 2019 en Santa Cruz de Tenerife (España).
La iniciativa, que por segundo año consecutivo busca poner en valor el talento y la industria de la animación iberoamericana, recibe trabajos animados de los 23 países de la región que hayan sido estrenados entre el 1 de enero de 2018 y el 31 de diciembre de 2018. En el caso de largometrajes, pueden competir las películas estrenadas entre el 1 de junio de 2017 y el 31 de diciembre de 2018.
La convocatoria contempla nueve categorías: largometraje, serie, cortometraje, cortometraje de escuela, obra innovadora, obra de encargo, diseño de sonido y música original, desarrollo visual y diseño de animación.
A la convocatoria podrán postularse obras cuya lengua original de expresión sea mayoritariamente el español, el portugués u otros idiomas no hegemónicos hablados en la región iberoamericana; y también podrán participar obras de productoras iberoamericanas que estén realizadas directamente en otros idiomas. Los trabajos deberán presentarse a través de la plataforma Festhome antes del 8 de diciembre a las 23.59 (hora México).
De entre todas las obras postuladas, saldrán seis nominadas por categoría, que serán anunciadas a principios de 2019. De entre las seleccionadas, un jurado internacional elegirá tres finalistas en cada categoría, que serán las que optarán a los reconocimientos que se entregarán el 6 de abril en Tenerife.
En 2018, el largometraje mexicano “Ana y Bruno” de Carlos Carrera, la serie “El hombre más chiquito del mundo” del argentino Juan Pablo Zaramella y el corto español “Decorado” de Alberto Vázquez fueron las obras reconocidas en las principales categorías.


En paralelo a los premios, la organización se propone continuar generando redes y favoreciendo la circulación de obras a ambos lados del océano. Para ello, se desarrollará una nueva edición del Foro de Coproducción Iberoamérica/Mundo y el Congreso Internacional de la Animación Iberoamericana. Dirigidas a profesionales de la animación, estas actividades tendrán lugar el 5 y 6 de abril en la misma localidad isleña en la que se reunirán los sectores animados de Latinoamérica, Portugal, Andorra y España. La primera edición convocó a 300 profesionales procedentes de 20 países, que participaron en más de 350 reuniones B2B.

Podéis consultar las bases aquí.
Asimismo podéis conocer más a fondo los premios en su página web.

Entradas relacionadas:
Los Premios Quirino adelantan detalles de su segunda edición (28 de septiembre 2018)

jueves, 18 de octubre de 2018

3D Wire 2018: Presentación de Proyectos (Parte 1)

Siguiendo con la cobertura del 3D Wire, os destacamos parte de la presentación de proyectos seleccionados en las categorías de cortometraje, largometraje, series y videojuegos. Cada proyecto disponía de unos 10 minutos de presentación. Una avalancha de creatividad.

CORTOMETRAJES

Colossal Jane, de Roc Espinet

Este proyecto merece tratamiento aparte, pero de momento comentar que, por la ejecución de la técnica y propuesta visual, ritmo narrativo y sonoro hizo subir la atención en la sala y creo que no dejó indiferente a nadie.
La presentación del personaje de Jane sorprende por su panorámica de seguimiento que se enmarca en un 360º para mayor disfrute y preaviso de lo que está por venir.
En cuanto a la historia, se vislumbra una lucha trepidante dentro y fuera del personaje principal, Jane, una luchadora callejera inmersa en un extraño mundo urbano y una constante lucha física, psíquica y emocional. Un colosal viaje al corazón de las tinieblas de Inferno City.
Hay que seguirle la pista a este proyecto, que está en fase de preproducción y búsqueda de financiación. Es mejor disfrutarlo que explicarlo, por lo que os compartimos su teaser.

Galardonado con el Premio Proyecto Corto Movistar+ de esta edición.


El Relojero (The Watchmaker), de Maxi Valero

La propiedad intelectual de Wise Blue Studios, "The Watchmaker", la obra tal vez más experimental del estudio, cuenta la historia de un peculiar creador de relojes y su joven asistente mecánico. Flotando en su nave espacial en forma de reloj, ambos extraños compañeros usan un telescopio gigante para mirar a los seres humanos cuyos destinos, vidas y muertes están bajo su tutela en un equilibrio de no intervención. Sin embargo, el pequeño ayudante, un niño robot, se encariña con una niña humana muy enferma con un tiempo de vida previsiblemente corto. Ese conflicto emocional surgido en el niño robot generará consecuencias imprevisibles.


La dirección de arte que busca una unidad con la historia está a cargo de Pablo Martín, con una acertada estética visual cercana al Art Nouveau y al Steampunk: relojes, engranajes, metal, vidrio, máquinas de vapor que revelan cierta conexión con el aliento y la expiración de vida misma.

El director de fotografía será Óscar Montesino; sí, habrá dirección de fotografía porque este cortometraje tiene la peculiaridad de que las secuencias de los humanos serán en imagen real y la animación CGI se reserva para el mundo del relojero custodio del tiempo.

Me atrevería a señalar que este cortometraje va a dar que hablar positivamente. 
Producido por Nathalie Martinez y Albert Espel, cuenta con apoyo de Wise Blue Studios, ICAA, IVAC, ICEC, ALESA PRODUCCIONS, SUMMUS RENDER y À PUNT MEDIA. Como primicia: será el primer corto que se va a producir íntegramente con la plataforma Simple Animation. 
Las expectativas son realmente altas.

Este prometedor proyecto comienza su preproducción en unas semanas y tiene prevista su finalización hacia la primavera de 2019.


I´m Not Alone, de Iván Carmona y María Buitrago



“Alguien me dijo una vez que siempre es mejor jugar a dobles, debería haberla escuchado.”

Esta frase cierra el teaser y genera una atmósfera de terror y misterio. Un teaser muy bien resuelto que muestra de lo que va el proyecto, demuestra maestría en la técnica y te deja con ganas de más. El tratamiento del sonido, tanto para las voces como en la ambientación sonora, efectos y música está a la misma altura que la imagen. Es interesante probar a escucharlo, sin imagen, para sentir el ritmo narrativo tan bien llevado. Es una pieza 50/50 audio/visual.

Calidad de animación, narración, color, diseño de personajes, valor de silueta…en definitiva un producto realizado con gusto exquisito y con reminiscencias de anime japonés y animación francesa.
En cuanto a la historia, se desarrolla en un mundo devastado y dominado por las máquinas donde un niño deberá enfrentarse a su pasado para poder tener un futuro. Aprender a pasar página para superar una pérdida y el equilibrio personal.

Esperemos que encuentren financiación para poder llevar a cabo este proyecto destacado.



LARGOMETRAJES

Nayola, de José Miguel Ribeiro


De la mano del cineasta portugués, acostumbrado a tratar estos temas, nos llega esta obra centrada en reflejar lo mejor y peor del ser humano en situaciones extremas de conflicto bélico.

En Angola encontramos a tres generaciones de mujeres: Lelena (abuela), Nayola (hija) y Luana (nieta), profundamente afectadas por una guerra civil. Un amor interrumpido, una búsqueda intrépida de un paisaje militar, un lamento lacerante, un viaje iniciático en un país que experimenta una verdadera metamorfosis llena de esperanza.

La historia de "Nayola" es de autoría de Virgílio Almeida, basada en el texto de teatro de Mia Couto y José Eduardo Agualusa titulada "A Caixa Preta" (La caja Negra).

Con una propuesta visual llena de colores saturados, trazos expresivos y ritmo visual fuerte. La técnica elegida será el 2D, aunque también tendrá alguna secuencia de stop motion.



Es una producción de Ana Carina Estróia, Geert Van Goethen y Linda Sterckx que está en fase de producción y busca distribución.

D’Artacán y Los Tres Mosqueperros, de Apolo Films


D’Artacán es un chico impetuoso e inocentón que va a París para hacer realidad el mayor de sus sueños: unirse al cuerpo de Mosqueperros de su Majestad. Una aventura de capa y espada llena de amistad, honor, justicia, acción y, sobre todo, muchísima comedia: ¡Uno para todos y todos para uno!

Una versión actualizada del clásico de los 80 que fue producido por BRB Internacional inspirada en la famosa novela de Alejandro Dumas. Producida ahora en 2D digital y 3D por la nueva firma asentada en Navarra Apolo Films con herramientas y discursos del siglo XXI bajo la dirección de Toni García.

Las series míticas de BRB Internacional forman parte del colectivo imaginario de quien creció en los 80 y que ahora lleva a sus hijos al cine, y una parte de esa generación sigue consumiendo animación en la etapa adulta. Marca heredera de un buen posicionamiento global con una estrategia de marketing sólida y estudiada.

De lo que pudimos ver en la presentación, destacar la propuesta visual resultante, que parece bien traída a término ya que es un 3D con reminiscencias de 2D, creando una transición suave entre la estética primigenia y esta versión actualizada. El tratamiento del color y la contrastada luz generaba integración de los personajes en los fondos.

Revelaron que el guionista es Douglas Langdale (Gato con Botas, Kung Fu Panda, el Libro de la Vida).

Actualmente se encuentra en producción y en búsqueda de coproductores y distribución.


MiBots, de Wise Blue Studio

Mi Anderson está enamorada de los robots. Diseña, construye y ama a sus bots. Pero no son reales, no están vivos. Un día, el padre de Mi realiza un descubrimiento arqueológico, una caja metálica que contiene… ¡robots! ¿Cómo pueden ser del pasado y a la vez ser de alta tecnología? Mi ayudará a los MiBots a descubrir el mundo mientras ellos le enseñan todo sobre su procedencia. Su nueva vida juntos les lleva a vivir divertidísimas y locas aventuras. Pero el malvado Dr. Stulz descubre los MiBots y los quiere usar para propósitos militares. ¿Podrán Mi y sus nuevos amigos aprender la esencia de su magia antes de que sea demasiado tarde?


Como no podía ser de otra manera, la historia original es de Maxi Valero. Para la parte de guión cuentan con la escritura de Rob Edwards (Tiana y el Sapo, Treasure Planet, The King of the Elves) y la dirección está aún por confirmar pero se dejó vislumbrar el pre-acuerdo con una directora americana. Esto no sólo responde a temas de estrategia de mercado, tendencias, sino también al compromiso y el gusto por ver a una mujer contando una historia de robots rompiendo clichés tal y como comentan desde la productora; recordemos además que Nathalie Martínez está inmersa en canalizar el movimiento en España de MIA, la asociacion de Mujeres en la Industria de la Animación que os dimos a conocer en una entrada anterior.

La propiedad MiBots pretende convertirse en el buque insignia de la empresa con una apuesta 100% de creación de marca y diversificación con una estrategia de mercado calculada para crear desde España y llevar a través de USA al mundo IPs propias. Trabajando en generar el contexto favorable para dar salida talento de nuestro país dentro de un contexto adecuado.

Esperando cerrar financiación, aproximadamente para la próxima primavera se espera poder comenzar la producción.

Mientras tanto, os invitamos a ver el vídeo que tienen en su web 


Dilili à Paris

La última película de Michel Ocelot pudo verse en la sección competitiva Anima't del Festival de Sitges, donde el elegante Casino Prado sirvió precisamente como el mejor marco para una historia ambientada en el París dorado de la Belle Epoque. Una vez más, el realizador francés aplica su inconfundible estilo a una aventura protagonizada por un personaje infantil, niña en este caso, y deja los entornos africanos y asiáticos para efectuar desde el corazón de la vieja Europa un canto de reinvindicación feminista y antirracista.


En el París de la Belle Époque la pequeña kanaka Dilili recorrerá las calles de la ciudad con el fin de investigar una serie de misteriosos secuestros de chicas. Un joven repartidor, buen conocedor de la ciudad, la conducirá con su triciclo a conocer a hombres y mujeres fascinantes que les revelarán informaciones, pistas e ideas que les llevarán a dar con una tenebrosa secta, y acabarán luchando por descubrir la luz en la oscuridad y preservar la vida en común.
Ocelot transita terrenos ya habituales en sus películas como el hecho de desarrollar la trama en torno a un joven protagonista con un componente racial, una niña en este caso procedente de Nueva Caledonia, cuyo carácter despierto y osado la empujan a poner de manifiesto hechos o situaciones que plantean una o varias cuestiones con un marcado carácter social. En esta ocasión se trata de denunciar las actitudes machistas y racistas con una historia que transcurre en uno de los núcleos de mayor desarrollo cultural y científico del siglo XIX, como es París. En un sabio uso del contraste, el realizador contrapone la ciudad de la luz a la oscuridad que se esconde bajo su superficie, mostrando cómo un "Paris joli" (París bonito) puede ser también un "Paris pourri" (París podrido) como pone en boca de los miserables miembros de la secta de los Maestros Alfa. En efecto, de una parte, nos encontramos con que Dilili es una niña de Nueva Caledonia que debe sufrir los embates del racismo, disfrazado incluso bajo la capa de un disfraz pretendidamente cultural: la secuencia de inicio de la película nos la presenta en un ambiente que nos traslada a su aldea de origen, sólo para revelar que se encuentra prácticamente enjaulada a modo de atracción de feria en un recinto del zoológico. Cuando deja allí su jornada de trabajo, la joven mestiza debe seguir haciendo frente a todo tipo de comentarios sobre su origen y el color de su piel.
Por otra parte, Ocelot nos muestra una ciudad en la que junto a los esplendorosos monumentos y edificios que hicieron de la capital francesa uno de los centros con más glamour de la época, se cruzaron abundantes personalidades que coincidieron en ese momento histórico e hicieron de sus actos, pensamiento y descubrimientos hitos determinantes del progreso en los terrenos de las artes, la filosofía, la medicina o la ciencia: en el transitar de Dilili y de Orel a lo largo y ancho de París una centena de personalidades hacen su aparición, como Renoir, Monet, Degas, Picasso, Poiret, Renan, Anatole France, Claude Debussy, Erik Satie, Pasteur, Eiffel, Toulouse-Lautrec, Marcel Proust, Rodin , entre otros, y junto a ellos grandes mujeres desde Sarah Bernhardt a Jean Jaurès, o Colette, Marie Curie, Camille Claudel, Suzanne Valadon, Louise Michel ... que a menudo han resultado menos reconocidas o no han gozado de tanto reconocimiento. Con ello se pone de manifiesto de forma incontestable una evidencia a menudo no suficientemente reconocida, como es que históricamente las mujeres han sido tanto o más capaces que los hombres de hacer grandes cosas, y sin embargo han sido y son todavía a menudos víctimas de discriminación o de cosas peores, como el maltrato, como la película ejemplifica en el caso de las niñas secuestradas bajo el asfalto de París, físicamente sometidas y utilizadas como si de mobiliario se tratara en una de las escenas más chocantes del largometraje.
Aquel paseo por la galería de personajes de París constituye también, empero, uno de los principales talones de Aquiles de la película, en tanto que dificulta el progreso de la trama e impide que adquiera verdadero interés dramático hasta bien avanzado el metraje. Hasta entonces todo sucede casi como en un pase de diapositivas en torno a los bellos rincones, las artes y las personalidades de la ciudad de la luz, que deja poco margen para profundizar en ellos y para ver hacia dónde conduce la película.



Gráficamente nos encontramos con una de las principales novedades en las películas de Michel Ocelot, por cuanto que el realizador ha dejado que París hable por sí mismo al aparecer reconstruido mediante fotografías de todos los rincones y espacios de la ciudad tomadas por el propio Ocelot y retocadas a conveniencia. Es una apuesta arriesgada por cuanto que, si bien los fondos siguen revelando un sentido artístico y un buen gusto indiscutibles, el contraste de las fotografías con la sencillez de los personajes es notable, y acaba generando un efecto extraño, como si los personajes no pertenecieran a ese espacio. De hecho, es en las escenas más alejadas de ese realismo, como en las galerías bajo los cimientos de la Opera de París donde la soprano Emma Calvé entona su voz en una barca-cisne, o en la secuencia a bordo de un dirigible que acaba encantadoramente iluminado, donde más presente está el sentido de la maravilla y el colorido que caracteriza los trabajos de Michel Ocelot.
Por otro lado, el estilo sencillo y evocador del cut-out de Lotte Reiniger permanece en los personajes animados en 2D y 3D, donde la preferencia por disponer a las figuras de perfil y la sobriedad de las expresiones siguen demostrando que Michel Ocelot sigue privilegiando la simplicidad frente a los  movimientos enérgicos o a la estricta observancia del peso y el equilibrio en la animación. Acaba resultando evidente que para el artista francés los personajes son principalmente un medio para contar una historia y lograr cierta composición artística, y en este sentido no será importante si, por ejemplo, un carro va tirado por caballos en 3D completamente iguales y trotando con el mismo ciclo. Al fin y al cabo, el conjunto sigue despertando la fascinación que Michel Ocelot sabe levantar visualmente en cada una de sus películas.

Lo mejor: la incontestable fuerza de su mensaje, que se despliega a lo largo de toda la película en pro de la mujer y contra la discriminación
En contra: un excesivo desfile de personajes que lastra el desarrollo de la trama y deja poco lugar a la introspección.

miércoles, 17 de octubre de 2018

Llega el pájaro más querido de Latinoamérica

El próximo 16 de noviembre se estrenará en cines "Condorito", una hilarante comedia de animación basada en el popular personaje creado por el chileno René "Pepo" Ríos Boettiger en 1949 como una caricatura amable del chileno de clase humilde, alegre y amigable, y que se hizo célebre en toda Latinoamérica.


Condorito es un pajarraco alegre, algo pícaro y que siempre consigue salir airoso de situaciones comprometidas gracias a su genio y viveza. Goza de gran popularidad en su vecindario, es el jugador estrella del equipo de fútbol de Pelotillehue y es el novio de Yayita, la chica más hermosa del pueblo, lo que genera la envidia de su archienemigo, Pepe Cortisona. Además de Pepe, Doña Tremebunda, la madre de Yayita, tampoco le ve con buenos ojos y siempre está al acecho para sabotear la relación.
Condorito tiene una vida placentera y cómoda hasta el día en que recibe la llamada de un supuesto alienígena y su suegra desaparece misteriosamente. Entonces emprenderá, junto a su tenaz sobrino Coné, una peligrosa aventura para rescatar a Doña Tremebunda. Lo que no ha tenido en cuenta es que, mientras no esté en el pueblo intentando dar con la madre de su novia Yayita, ésta será tentada románticamente por el rico e insistente Pepe Cortisona.



El largometraje está co-dirigido por el director israelí Alex Orrelle (que trabajó en Pixar en las películas "Los Increíbles" y "Buscando a Nemo" y fue director de animación en algunas películas de Warner como "El Oso Yogui" y la serie animada "The Looney Tunes Show") y el peruano Eduardo Schuldt (“Dragones: Destino de Fuego”, “El Delfín: Historia de un Soñador”, “Los Ilusionautas”), a partir de un guión del argentino Martín Piroyansky (“Vóley”) y el israelí Ishai Ravid, bajo la producción del español Javier Hernáez (“Metegol”, “Planet 51″). La animación - en la que han participado  profesionales procedentes de Chile, Argentina, Perú, Brasil, España e Israel - corre a cargo de la compañía Aronnax Animation Studios ("Los Ilusionautas", "The Nutcracker Sweet"), fundada en 2010 por los empresarios Hugo Rose, Abraham Vurnbrand, y Eduardo Schuldt, con el objetivo de impulsar la naciente industria de animación en Perú; fue en el año 2015 cuando empezaron los primeros contactos con World Editors, compañía chilena propietaria de los derechos de Condorito, y para financiar la película se formó una compañía en EE.UU. llamada Pajarraco Films, que al cabo de 14 meses consiguió la propiedad exclusiva de la licencia de Condorito para su explotación cinematográfica y los derechos para producir tres películas del personaje. Con una inversión inicial de 8 millones de dólares (el mayor presupuesto para un proyecto cinematográfico en la historia de Perú) se empezó la preproducción en el año 2014 y en  mayo de 2015 20th Century Fox expresó su deseo de distribuir en Latinoamérica la película, que a España llega bajo el paraguas de Paycom Cinema.