viernes, 24 de marzo de 2017

Nuevos detalles de la película animada de Godzilla

Polygon Pictures ha dado a conocer el título completo y la sinopsis de la película de animación sobre Godzilla que está produciendo. Se estrenará en Japón en noviembre, y posteriormente a nivel mundial en Netflix, bajo el título "Godzilla: Kaijū Wakusei" (Godzilla: Monster Planet) y su sinopsis es la siguiente:
El último verano del siglo XXI. Ese día, los seres humanos aprenderán que no son los únicos gobernadores del planeta Tierra.
La aparición de las gigantescas criaturas “Kaiju's” y el ser único capaz de destruirlos a todos: Godzilla. Durante la batalla contra los kaiju's que se ha mantenido durante medio siglo, los seres humanos han experimentado derrotas continuas, y finalmente planean abandonar la Tierra. Y en 2048, sólo aquéllos que fueron seleccionados por las A.I. dirigidas por el gobierno central pudieron embarcar en la nave de emigración intersideral “Aratrum” para dirigirse a “Tau Cetus e”, un planeta a más de 11,9 años luz de distancia. Sin embargo, existen condiciones ambientales distintas entre la Tierra y Tau e, y cuando llegaron al cabo de 20 años bastante más tarde de lo previsto, el planeta no se pudo considerar habitable para los seres humanos.
Un joven de la nave de emigración: Haruo, que vio a sus padres morir bajo Godzilla con sus propios ojos cuando tenía 4 años, sólo ha tenido una cosa en mente durante 20 años: volver a la Tierra y derrotar a Godzilla. Privados de la posibilidad de hacer efectiva la emigración, y dado que las condiciones ambientales de la nave se deterioran, el grupo partidario de volver a la Tierra liderado por Haruo se convierte en mayoritario, y determina la vuelta a la Tierra a través de un peligroso viaje hiperespacial de larga distancia. Sin embargo, en la Tierra a la que consiguen volver ya han pasado 20000 años, y se ha convertido en un mundo desconocido donde Godzilla rige el ecosistema.
¿Al final, podrán los humanos recuperar la Tierra? ¿Y cuál es el destino que aguarda a Haruo?

Kobun Shizuno (Detective Conan: The Darkest Nightmare, Fist of the North Star: The Legend of Kenshirô, Fist of the North Star: The Legend of Toki) e Hiroyuki Seshita (Ajin, Knights of Sidonia) van a dirigir el largometraje a partir de una idea original y guión de Gen Urobuchi (Puella Magi Madoka Magica, Fate/Zero, Psycho-Pass).

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jueves, 23 de marzo de 2017

Entrevista a Pablo Navarro

Uno de los invitados especiales de los actos conjuntos de Festival Nonstop y de Mecal fue Pablo Navarro, director de animación y animador senior que ha trabajado en un gran número de películas, sobre todo europeas, como "El Cid: La Leyenda", "Nocturna", "The Congress" de Ari Folman, "Khalil Gibran's The Prophet", o la reciente "Ethel & Ernest", entre otras, así como en varios spots comerciales.
Pablo nos ofreció una entrevista en exclusiva, en la que nos interesamos en primer lugar por sus inicios como animador, puesto que nos consta que el actual director de animación se formó de manera autodidacta.En efecto, según cuenta Pablo: "Yo soy argentino, y mi familia no tenía muchos recursos, así que el hecho de plantearles que quería ser artista llevaba consigo la pregunta '¿de qué vas a comer?'. Era difícil, pero tuve la suerte de encontrar una oportunidad. Yo dibujaba desde que me acuerdo: mi madre pronto se dio cuenta de que si yo tenía un boli y un papel no me movía ni destrozaba la casa, y crecí con aquellos comentarios de 'qué bien dibuja el nene' que me hacía mi abuela, que me hicieron creer que yo era la ostia, y en aquel momento yo creía que un artista lo podía hacer todo: desde un cómic, hasta la capilla Sixtina pasando por el dibujo animado. Yo tenía formación de electromecánico, que me habilitaba para hacerme cargo de una cadena de montaje de automóviles por ejemplo, pero preferí irme del campo donde vivía a la ciudad, a Buenos Aires, para probar suerte. Y tuve la fortuna de encontrar un estudio donde necesitaban gente - porque no había gente por aquel entonces - y ahí fue donde me di el palo con la realidad de que de hecho no sabía nada. Entonces mi primer curro fue de entintador: cogía los dibujos de los animadores y los entintaba a Rotring, y así empecé... pero yo quería animar, quería estar en el tablero donde estaban ellos.
Es en este punto donde Pablo Navarro recuerda las dificultades que encontró en su aprendizaje: "La mayor dificultad que tiene el autodidacta es la lentitud con la que llega el conocimiento, y el hecho de que todo tienes que descubrirlo tú con mucha constancia y superando frustración tras frustración y teniendo el sentido común necesario para discernir, aunque en aquella época era más fácil porque el conocimiento venía mediante el boca a boca, preguntando a algún animador que te contaba alguna cosa, o con el poco inglés que sabía, comprando algún libro de animación, donde lo que estaba impreso sabías que era verdad. En cambio ser autodidacta hoy, como me pasa con muchos alumnos o gente que se quiere dedicar a esto, tiene el peligro de que empiezan a buscar en internet y hay tanta y tanta información y tanta opinión de gente que no tiene ni idea, que es difícil filtrar lo que es verdad de lo que no. Todo el mundo te da el secreto del universo, todo el mundo te da las llaves del reino.. incluso me ha pasado que alguna vez me han mostrado una caminata, donde los brazos estaban mal, se movían igual que las piernas y no había overlap, pero decían que lo habían sacado de un tutorial de un tío de Pixar. Resulta que este tío de Pixar lo hizo mal o se equivocó y no se dio cuenta y lo colgó, y hay un montón de gente copiando mal una caminata porque es de Pixar". Y es aquí donde el experimentado animador añade un sabio consejo para los animadores que empiezan:"Más que copiar, hay que saber el porqué de las cosas; si me preguntas cuáles son mis palabras preferidas te diré que son 'porqué' y 'cómo': con ellas siempre obtienes por lo general una respuesta interesante".


Como animadores o estudios de referencia, Pablo Navarro admite que de la época moderna admira mucho a Brad Bird; en cambio: "Cuando era pequeño mi referencia siempre fue Disney, al punto de que nunca me hice un tatuaje sabiendo que no podías entrar en la Disney si tenías tatuajes. Estamos hablando de que era el año 95 cuando empecé con esto con el primer trabajo que entinté, cuando la Disney estaba en una de sus épocas doradas y había sacado películas como 'La Bella y la Bestia', 'Aladdin', 'El Rey León'.. que eran el fruto de los consejos que aquellos viejitos llamados los Nine Old Men habían pasado a esa generación de animadores. Por tanto mis referentes son de la época clásica de Disney, en particular Frank Thomas y Ollie Johnston, y tengo mucho respeto a lo que hizo el Sr. Disney, porque sin él no existiría la animación como la conocemos: los principios los crearon ellos, más allá de los que critican a tanta princesita cantando. Una de las cosas que explico a mis alumnos muchas veces, cuando explicamos los métodos de animación y alguno dice que él no quiere aprender animación clásica sino animé, es que lo que no saben es que los japoneses sacaron el estilo del manga y del animé de 'Bambi', que fue la última película de Disney que pudieron ver antes del embargo a causa de la guerra, de modo que el tamaño de los ojos, la forma.. todo viene de 'Bambi'".

El caso es que no fue exactamente a Disney donde este cuidadoso animador fue a trabajar cuando dejó atrás sus inicios en Argentina como animador y supervisor de equipos para cine y TV, sino a Valencia para ejercer de director de animación de la película "El Cid: La Leyenda", de José Pozo, desde Toon Factory. Tras su experiencia allí estuvo realizando trabajos en Galicia, Barcelona y Madrid para echar raíces finalmente en la ciudad condal, desde donde ha continuado desarrollando su carrera trabajando tanto en publicidad como en diversos largometrajes europeos de animación, a algunos de los cuales hemos hecho referencia más arriba.
Por ello le preguntamos a Pablo si se hubiera imaginado trabajando en películas tan diversas y con tantos estilos diferentes de haber estado integrado en un gran estudio como Disney; ¿habrían sido muy diferentes las cosas? Según él: "Me pasó en cierta manera cuando estuve en el departamento de animación de Filmax, que cerró, y no sólo por el hecho de que haces colegas y les ves todos los días, sino por la retroalimentación de estar con más artistas y estar desarrollando no un estilo, pero sí una constancia del trabajo. Que es extremadamente opuesto a lo que pasa en publicidad, donde cada semana tienes que hacer algo distinto, y eso está bien pero te lleva a desear también algo de equilibrio".
"Cierto que al principio yo quería entrar en la Disney - añade nuestro interlocutor -, pero nunca me sentí suficientemente preparado para enviarles mi portfolio, y llegó un punto en que me tocó supervisar a gente que había trabajado en Disney o gente que venía de estudios potentes, y me decían que enviara. Y cuando finalmente envié cerraron el departamento de animación 2D y me quedó la espina clavada".
En cualquier caso, la experiencia le ha dado a Pablo Navarro la perspectiva suficiente para valorar que realmente no se ha perdido gran cosa: "Lo que pasa es que uno cuando empieza en la carrera muchas veces está encantado por lo que oye de que en Pixar les dan donuts cada día o tienen un gimnasio dentro.. y un colega me contaba '¿Sabes por qué tenemos un gimnasio en Pixar? Porque no sales en todo el día de Pixar. Vives allí dentro'. Mucho trabajo lo hay como en cualquier otra producción, aunque sea en un pequeño estudio. Lo que pasa es que uno idealiza, lo ve todo de color de rosa como se muestra en los making of, donde todo es fantástico y no aparece nadie dándote con un látigo en la espalda. Pero a lo largo de los años he currado con mucha gente, como Bill Perkins, jefe del departamento de animación de Disney, a quien un buen día le dijeron que se tenía que ir, algo feo; o Glenn King, que me reconocía: 'yo animaba, pero tenía a un equipo donde los animadores eran amigos de no sé quien pero no sabían nada, y yo tenía que llevarme su curro a mi casa cuando terminaba y hacerlo yo'. Así que me decía, os está pasando lo mismo que me ocurre a mí afuera, y yo creía que estábais en la meca, pero es la meca con los mismos problemas. Y encima sin poder de decisión. Entonces, he encontrado mucha más libertad, entre comillas, porque la animación no puede ser una democracia sino que tiene que ser una dictadura donde alguien tiene que decir lo que hay que hacer y cómo hay que hacerlo.
Así que Pablo concluye: "Quizás tener a Pixar o a Dreamworks en el currículum mola, pero hace dos o tres meses curré en una película, 'Middle School: The Worst Years of my Life', donde el estudio que me lo encargó era de Ken Duncan, que era animador de la Disney, y cuando estaba animando los planos me dijo que le molaban, y para mí aquello fue como si me hablara Superman, porque le admiro mucho; me comentó que le hubiera encantado que hubiera estado en su equipo en Disney. No estuve pero fue como si hubiera estado. Entonces, si hoy tuviera una oferta de Disney para trabajar allí y otra oferta de un estudio pequeño para trabajar en un proyecto que me interesara más, me iría al estudio pequeño".
Según Pablo: "Lo que importa es que si te contratan por lo que eres y por lo que sabes hacer, que te dejen hacer". En este sentido el animador recuerda un caso que le afectó en Barcelona, en el estudio Mariscal, donde fue contratado como director de animación durante la preproducción de "Chico y Rita", pero cuando quería organizar las cosas de cierto modo le decían que no, entrando según él lo recuerda "en un juego perverso en el que fui contratado por lo que sabía, pero no me lo dejaban hacer". "En muchos estudios pasa eso - añade Pablo - te contratan por lo que sabes hacer, pero luego no te lo dejan hacer. Y eso me pone loco. Si la película es de autor intento escapar, porque el autor te intenta utilizar como si fueras una extensión de su brazo y te pueden volver loco".


En su trabajo Pablo Navarro se ha podido desarrollar tanto en 2D como en 3D, y en este sentido también recuerda algunas dificultades con las que se ha podido encontrar intentando supervisar a equipos de animadores 3D: "Lamentablemente he caído en estudios que me han contratado porque era animador 2D y me han hecho la vida imposible precisamente porque era animador 2D. O te hablan de forma muy técnica: uno está hablando de movimiento y ellos están hablando de 4 grados en el eje Y, y al fin y al cabo ven la animación en ceros y unos, cuando no se debería. Te podría estar hablando cuatro horas contando historias de terror que han pasado en torno a eso". Según lo ve Pablo: "En general ocurre mucho que se toma la animación 3D como la evolución de la animación 2D, y es un medio absolutamente distinto: lo que percibe el espectador, cómo lo lee el espectador y lo que espera inconscientemente de un tipo de animación o del otro es distinto. A la hora de la performance que puedas hacer o del tipo de animación que puedas hacer es distinto. Ahora bien, los principios son los principios y lo rigen todo, y eso no cambia; lo que pasa es que el aspecto técnico mata lo que pueda hacer el animador o el director de animación: no se puede ver como ceros y unos". A este respecto añade el animador argentino: "Yo estoy especializado en mecánica animal y he estado con gente que está en ILM o que han hecho las criaturas de 'Avatar' y qué se yo, y les he explicado cómo enfoco el movimiento de una criatura, para lo que utilizaría comparativas y estudiaría la biomecánica para ver qué es lo que pasa, y ellos me dicen que no, que ellos han encontrado una forma de animar más directa en base al software o en base a las curvas de animación, y pasa lo que pasa: que ves que queda molón, queda resultón, pero, en el momento en que empiezas a rascar, los centros de gravedad no funcionan, ...lo que en una caminata es pérdida constante del equilibrio no se da, nada funciona en realidad. Es uno de los retrasos del 3D, que todo flota".
Pablo añade: "Yo he animado en 3DStudioMax, en Softimage y en algún otro software cuyo nombre no recuerdo, pero es tan cambiante todo que lo que aprendes hoy, al año siguiente es otro módulo y te lo tienes que volver a aprender; o vas a un estudio grande y está tan tuneado el software que te tienen que dar unas clases de cómo animar con eso. En definitiva, lo que vale es lo que tú sabes de animación, no lo que sabes del software, y para aprender animación y poder decir 'soy animador' son mínimo diez años.
Eso sí, Pablo quiere que quede clara una cosa en relación al 3D: "Que conste en acta que no estoy peleado con la animación en 3D, me gusta; lo que pasa es que he tenido malas experiencias con gente o equipos enteros que, intimidados por la experiencia que tenía o el medio del que venía, te refutaban todo lo que decías porque lo habías dibujado con líneas sobre un papel".

Es en este punto donde nos interesa conocer la técnica de animación de Pablo Navarro, que preconiza un método donde le gusta distinguir y aplicar al mismo tiempo técnica y psicología. Según Pablo: "Intento escaparme de fórmulas que dictan por ejemplo que si quieres hacer a un personaje que está triste le bajas la cabeza y le subes los hombros y ya está. La animación debe basarse en las palabras 'cómo' y 'porqué': el movimiento es una cosa, toda la técnica y los doce principios, que uno acaba usando de la misma manera que hace para respirar, se dirigen a que el movimiento sea fluido, que tenga el timing necesario, que sea creíble en cuanto a movimiento. Pero el movimiento es consecuencia de una emoción, nada más: o sea, si tras el personaje que estamos animando no podemos mostrar una emoción que le lleva al proceso mental que le lleva a moverse, hay algo que falla. Si nos fijamos en el movimiento nada más, hay una carencia; hay que buscar siempre en el plano o la secuencia de animación porqué el personaje está actuando de un modo determinado, qué le está pasando por la cabeza, qué emoción está sintiendo para actuar de ese modo. (...)Toda acción es a causa de una emoción o de un proceso mental, y si no tenemos eso en cuenta simplemente tenemos monigotes que se mueven, quizás de forma molona o cool, pero sin transmitirnos nada. Es increíble el cambio que da cuando se afronta un plano desde ese punto de vista, porque realmente estás comunicando algo a la audiencia, y estás logrando lo que hay que lograr con esto, que es la empatía de la gente, y la empatía lleva al entretenimiento".

Finalmente le preguntamos a Pablo Navarro por un proyecto propio que sabemos que tiene entre manos:
"Sí, estoy acabando el guión y armando un trailer. Lo que pasa es que es un proyecto en el que estamos implicados un guionista y yo, y lo hacemos en los ratos que tenemos libres, haciendo un poquito cada vez, un poquito cada vez.. y va lento. Hemos hecho algún pitch ante alguna productora que sabiendo de ello se ha mostrado interesada; pero es un proyecto para adultos, en el sentido de que es una historia adulta, no porque haya desnudos frontales, y enseguida se lo quieren llevar al target infantil proponiendo que el protagonista lleve un mono al hombro o que adopte un perro, y no es una historia de ese tipo. Algún día encontraremos a alguien que entienda y quiera el proyecto tal como es".

Así es pues Pablo Navarro, un artista con las ideas propias bien afianzadas que logra animar fantásticamente, como se puede ver en todas las películas y producciones publicitarias en las que ha participado. Esperamos de esta entrevista que os haya acercado un poco más a su trayectoria y a su modo de ver la animación.

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miércoles, 22 de marzo de 2017

Fox Animation desarrolla "The Memory Thief"

Fox Animation está desarrollando la adaptación a una película híbrida de imagen real y animación de la novela "The Memory Thief" (El Ladrón de Memoria) de Bryce Moore. La novela se centra en los gemelos de 12 años Benji y Kelly, que tras ver cómo discuten sus padres se adentran en la feria del condado, donde Benji se topa con un extraño anciano que le muestra los vívidos recuerdos de un piloto de combate; a partir de ese momento Benji se da cuenta de que la posibilidad de borrar recuerdos de sus padres podría ahorrarles discusiones, y pronto empieza a dominar cómo manipular la memoria de la gente, pero esa habilidad tendrá un coste para su familia y para su propia mente.
Adaptive Studios y 21Laps (Una Noche en el Museo, La Llegada, Stranger Things) se encargan de la realización de esta película, que contará como productores con Perrin Chiles y Marshall Lewy por parte de Adaptive Studios y Levy y Dan Levine de 21 Laps, bajo la supervisión de Nate Hopper y Rachel Yeung por parte de Fox Animation.


La próxima película de Fox Animation - a estrenar en diciembre de este año - es "Ferdinand", que adapta el libro infantil "The Story of Ferdinand" (1936) de Munro Leaf, en torno a la historia de un toro pacifista cuyo único deseo en la vida es oler la fragancia de las flores, y negarse a pelear cuando es llevado a una plaza de toros (y que ya fue adaptada por Disney en el corto "Ferdinand the Bull" de 1938). En este caso se trata de una película de animación en 3D desarrollada en los estudios Blue Sky y dirigida por Carlos Saldanha (La Edad de Hielo, Río) junto a Cathy Malkasian y Jeff McGrath, a partir del guión de Erica Rivinoja y Ian Southwood y la historia de Ellen Martin.


Por otra parte, entre los proyectos de Fox se encuentran también la película "Puff the Magic Dragon", la novela "Momotaro: Xander and the Island of Lost Monsters" de Margaret Dilloway,  la adaptación en un híbrido de animación e imagen real del libro "The Girl Who Drank the Moon" de Kelly Barnhill, la película de animación "The Dam Keeper" basada en el corto de Robert Kondo y Dice Tsutsumi, la adaptación del libro "Frogkisser!" de Garth Nix, una película basada en el libro infantil "The Littlest Bigfoot" de Jennifer Weiner y la adaptación de "Zita the Spacegirl" de Ben Hatke ,la adaptación de las novelas gráficas "Mouse Guard" de David Petersen, el libro infantil "The Royal Rabbits of London" de Santa Montefiore y Simon Sebag Montefiore, o "Fortunately, the Milk" de Neil Gaiman, la adaptación de la novela gráfica "Nimona" de Noelle Stevenson, dirigida por Patrick Osborne, la adaptación del libro "Confessions of an Imaginary Friend: A Memoir by Jacques Papier" de Michelle Cuevas o la de los libros de "Don y Doña" creados por Roger Hargreaves .

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Patrick Osborne dirigirá la adaptación de "Nimona" para Fox (12 de junio 2015)
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martes, 21 de marzo de 2017

Tres proyectos españoles llamados a Stuttgart

Entre el 4 y el 5 de mayo se celebrará, dentro del 24º Festival de Cine de Animación de Stuttgart, el Animation Production Day. Se trata de un mercado para la producción y financiación de proyectos de animación que se ofrece como una plataforma para productores, inversores y distribuidores, y que incluye, además de un foro de reuniones individuales, una conferencia en la que ponentes de alto nivel son llamados a discutir sobre las nuevas tendencias y desarrollos en la industria de la animación. Al evento asistirán ejecutivos de ZDF, KiKA, SWR, MDR, HR, Super RTL, Turner, Disney Alemania, Disney EMEA, France Télévisions, BBC, Ketnet, WDR mediagroup, Beta Película, Koch Media, Technicolor, Cake, DHX, 9 Story Media Group, Sola Media, APC Kids, EastWest Filmdistribution, MFA + FilmsDistribution, Jetpack Distribution, Studio 100 e Imira, entre otros.
Un total de 45 proyectos de animación - el 40% de los cuales son crossmedia - procedentes de 17 países (Alemania, Francia, España, Reino Unido, Dinamarca, Finlandia, Noruega, Bélgica, Holanda, Polonia, Lituania, Bulgaria, Rumanía, Macedonia, Ucrania, Israel y Australia) han sido seleccionados para participar en el Animation Production Day de este año, distribuidos entre 29 proyectos de serie de TV, 14 proyectos de largometraje, un cortometraje y un proyecto transmedia. Se trata del primer año en que el evento recibe el apoyo de MEDIA, lo cual ha permitido aumentar el número de proyectos.

Los proyectos españoles seleccionados son tres series de TV procedentes de estudios de Barcelona:
  • "Puu&l, Way Up High" (52x11'), de Peekaboo Animation
  • Se trata de un cuento de magia y amistad que se desarrolla entre un niño, un cerdo genio, una nube melancólica y una criatura mágica caída del arco iris, que viajarán a través de los siete Reinos de Color Mágico del Arco Iris para vivir las aventuras más extrañas, combatir a los enemigos más temibles y derrotar a la oscuridad misma para encontrar el camino de regreso a la tierra oculta de donde proceden toda la luz y la magia.

  • "Sherlock Junior" (52x13'), de B-Water Animation Studio
  • Una serie de diversión y misterio que se desarrolla en la antigua atmósfera londinense, donde Sherlock es un inteligente, intrépido y valiente niño detective que resolverá casos emocionantes con la inestimable ayuda de sus amigos Penny, una chica inteligente y poderosa, y Sam, un chico fuerte pero de cálido corazón.

  • "Under the Sofa" (52x7'), de Teidees Audiovisual
  • Serie en 2D digital donde tres objetos perdidos y olvidados - una galleta mordida, una antigua foto y una figura de juguete - y una mota de polvo viven juntos bajo un sofá abandonado en un ático de Barcelona. Moji, María, Borra y Laroid son unos outsiders con unas vidas nada aburridas que superan el olvido con su pasatiempo favorito: contar en las redes como auténticos Youtubers lo que les gusta hacer y cómo lo hacen.

La Conferencia que se celebrará en la tarde del 4 de mayo empezará con una visión sobre el futuro de la VR y la animación a cargo de Stephan Schindler, presidente de Virtual Reality e.V. Berlín-Brandenburgo, que seguirá con las aportaciones de Sol Rogers, fundadora y CEO de REWIND, y una presentación por parte de Sara Diamond, de Google Spotlight Stories. A continuación se hará una mirada a dos proyectos de largometraje: "Loving Vincent", de Breakthru Films, y la coproducción china "The Dumpling Queen", de MovieBrats Pictures. A ello seguirá una sesión de briefings donde Jackie Edwards de BBC Children’s, Astrid Plenk de MDR, Nadine Bernard de Ketnet y Alix Wiseman de 9 Story Media Group explicarán sus estrategias de programación, y se finalizará con la presentación de la iniciativa "Animation Germany", dirigida a fortalecer la competitividad y la presencia internacional de la industria de la animación alemana.

lunes, 20 de marzo de 2017

Llega un bebé bien trajeado

El 12 de abril se estrena "El Bebé Jefazo" de Dreamworks Animation, una desternillante comedia familiar sobre la repercusión que tiene en el hogar la llegada de un nuevo hijo, contada desde el punto de vista de un un niño de 7 años llamado Tim, dueño de una imaginación desenfrenada. El singularísimo Bebé Jefazo llega al hogar de Tim en un taxi, luciendo un traje, maletín en mano y hablando con la voz de Alec Baldwin. La rivalidad que surge entre los dos hermanos queda, a regañadientes, a un lado cuando Tim descubre que el Bebé Jefazo es en realidad un espía en misión clandestina y secreta y que sólo él puede ayudarle. A continuación, tiene lugar una estrafalaria aventura cuando los diminutos socios se disponen a frustrar una ruin trama que incluye una épica batalla entre mascotas y niños.
Inspirada en el bestseller ilustrado de Marla Frazee, esta alocada comedia para todos los públicos cuenta en su versión original con las voces de Alec Baldwin como el Bebé Jefazo; de Steve Buscemi como el infame Francis E. Francis; de Jimmy Kimmel y Lisa Kudrow, que dan vida a los inocentes padres de Tim y del Bebé Jefazo; de Miles Bakshi como Tim, y de Tobey Maguire, que es el narrador de la película.


El director Tom McGrath (Madagascar, Megamind) recuerda cómo el libro le tocó la fibra sensible en cuanto cayó en sus manos. “Me recordó mi infancia y la dinámica de mi propia familia, algo que al instante puso a mi imaginación en una quinta marcha alocada, pensando en lo fantástico que sería ampliar el libro hasta convertirlo en un largometraje”. “Al guionista, Michael McCullers, y a mí nos entusiasmó inmediatamente la metáfora central del libro: qué ocurre cuando llega un bebé y se apodera de tu casa”. Como el libro de Frazee solamente se centra en el Bebé Jefazo y sus padres, la sensación de McGrath era que la película tenía que introducir a un hermano mayor. La idea consistía en que la película se narrase desde el punto de vista de un niño que tiene un hermano pequeño, añadiendo a la mezcla el interesante y universal elemento de la rivalidad fraterna. Tim es un niño feliz de siete años que tiene unos padres que le adoran y que al principio es hijo único, pero cuando le dan la noticia de que va a tener un hermano menor, no le entusiasma demasiado tener que compartir el amor y el tiempo de sus padres, mientras que al Bebé Jefazo tampoco podría importarle menos su hermano mayor. Pero, más adelante, acaban necesitándose y ayudándose mutuamente.


El bebé jefazo trabaja para una compañía llamada Baby Corps, y es enviado a espiar a la gente para averiguar lo que quieren niños y padres. La competencia de Baby Corps es Puppy Co., una agencia presidida por el perverso Francis E. Francis, donde nuevos y adorables cachorros son creados para que el mundo los ame. Francis E. Francis quiere crear un arma secreta llamada el Cachorro Eterno, una criatura que vivirá eternamente para ser siempre amada, pero para ello necesita la fórmula secreta que mantiene jóvenes a los niños de Baby Corp.
Uno de los elementos clave que diferencia a esta película es su singular estilo visual: a McGrath y a su equipo les entusiasmaba crear un mundo de fantasía que invitase a los espectadores a introducirse en un entorno artístico que sólo pudiera ser creado en la animación, y que supusiera una vuelta al mundo elástico y propio de la historietas, tan característico de los grandes clásicos. El director creció con los clásicos de Chuck Jones y Bob Clampett y vio la oportunidad de recuperar la magia que la animación de la vieja escuela podía plasmar en dos dimensiones, aunque llevándola mucho más lejos gracias a la moderna tecnología de la creación por ordenador. El resultado es que los personajes pueden comunicar gran parte del argumento a través de expresiones y actuaciones de un modo que la animación no había podido hacer en el pasado, pero de un modo distinto del duro gráfico bidimensional que vemos en la televisión. La fascinación de McGrath por la era de los clásicos de la animación y artistas como Mary Blair ejerció una enorme influencia en cómo el equipo incorpora la animación 2D en sus diseños y efectos visuales.


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viernes, 17 de marzo de 2017

Ilion se asocia a la división de animación de Skydance

Deadline ha publicado que la compañía estadounidense Skydance ha formado una división de animación y ha alcanzado un acuerdo de asociación para varios años con el estudio madrileño Ilion Animation con vistas a producir varios largometrajes y también series de TV.
El primero de los proyectos que se contempla es una película aún sin título y con guión de Linda Woolverton (Alicia en el País de las Maravillas, Maléfica, La Bella y la Bestia, El Rey León) que se estrenaría en 2019. Su historia gira en torno a Elian, una adolescente que se convertirá en adulta al tener que utilizar sus poderes mágicos para defender a su familia cuando la oposición de las fuerzas de la luz y de la oscuridad amenace con crear una división en su reino. Woolverton será también productora junto a David Ellison y Dana Goldberg por parte de Skydance e Ignacio Pérez Dolset y José F. San Román por parte de Ilion.
Una segunda película se titulará "Luck" y arroja una mirada sobre las organizaciones que secretamente manejan la buena y la mala suerte de las personas. El guión en este caso está escrito por Jonathan Aibel y Glenn Berger (responsables de la trilogía "Kung Fu Panda" y de "Trolls") y la película estará igualmente producida por David Ellison y Dana Goldberg por parte de Skydance e Ignacio Pérez Dolset y José F. San Román por parte de Ilion.


La productora Skydance ha estado durante mucho tiempo ligada a Paramount - la compañía para la que Ilion está ultimando la película "Amusement Park" - cofinanciando y coproduciendo sus proyectos, y hace poco ha lanzado también divisiones para TV y realidad virtual. Ayer anunciaba su nueva división de animación, lo que según el CEO de Skydance David Ellison hace realidad una de sus mayores pasiones, que asegura que junto a Ilion van a poner a los creativos más visionarios, las mejores dotes para la producción e innovaciones tecnológicas al nivel más alto al servicio de grandes historias.
La creativa jefe de Skydance, Dana Goldberg, que supervisará la producción de animación, ha añadido que las posibilidades de crear nuevos mundos imaginarios son ilimitadas y que están ilusionados por expandir la familia de Skydance al incluir a Ilion y a algunos de los artistas con más talento que hoy trabajan en animación.

jueves, 16 de marzo de 2017

Primer trailer de "Early Man"

El estudio Aardman y StudioCanal (La oveja Shaun) han lanzado hoy el primer teaser tráiler de la película "Early Man", que Vértice Cine estrenará en España el año que viene bajo el título "Cavernícola". Se trata del próximo film del creador de Wallace y Gromit, Nick Park, que recrea rodando en stop motion una aventura prehistórica.


La sinopsis de la película es la siguiente:
Dug, humano, y Hognob, jabalí, son los protagonistas de esta nueva aventura de Aardman en la que dos civilizaciones, la de la Edad de Piedra y la de Bronce, compiten por hacerse hueco en la historia (mientras que por casualidad inventan el fútbol). Dug y Hognob tendrán que ayudar a su tribu, sorteando con gracia y astucia múltiples peligros y derrotando al malvado Lord Nooth para no perder su hogar.


Los estudios han dado a conocer también el casting completo de la película, donde Timothy Spall, Richard Ayoade, Selina Griffiths, Johnny Vegas, Mark Williams, Gina Yashere, Simon Greenall y Richard Webber se unen al reparto encabezado por los actores Eddie Redmayne (La teoría del todo), Tom Hiddleston (Thor) y Maisie Williams (Juego de Tronos).
Según Nick Park: "vamos a conocer a la tribu de Dug, un adorable grupo de inadaptados a quienes ponen voz excepcionales talentos británicos. Son esencialmente un grupo de hombres de las cavernas ineptos y de mujeres. Entre ellos Treebor, interpretado por Richard Ayoade, un gigante apacible que se asusta de su propia sombra; Magma, la madre de Treebor, no se anda con chiquitas, pone su voz Selena Griffiths, y Mark Williams interpreta a Barry, cuyo mejor amigo es una roca. El jefe Bobnar, interpretado por el brillante Timothy Spall, encabeza el pelotón, como líder es la figura paternal de una tribu de brutos idiotas"


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