jueves, 23 de noviembre de 2017

Así será "Smallfoot"

Warner Bros. ha lanzado el trailer de su próxima película, titulada “Smallfoot”, cuya historia quiere darle la vuelta al mito del Bigfoot cuando un Yeti joven y listo se encuentra con algo que pensaba que no existía – un ser humano. La noticia de este “humano” le trae la fama y la oportunidad de conseguir a la chica de sus sueños. Asimismo, provoca una conmoción en la sencilla comunidad de Yetis al preguntarse qué otras cosas pueden existir más allá de su aldea nevada. Es una historia alegre sobre la amistad, el valor y la alegría del descubrimiento.


El guión está escrito por John Requa y Glenn Ficarra (“Crazy, Stupid, Love”, “Cats & Dogs”) a partir de una idea original del español Sergio Pablos, que se encargó del diseño de personajes y el storyboard desde su estudio en Madrid. “Smallfoot” está dirigida por Karey Kirkpatrick, la directora premiada con el Annie por “Over the Hedge” y nominada a los premios Annie por los guiones de “Chicken Run: evasión en la granja” y “James y el melocotón gigante”, con quien co-dirigirá Jason Reisig, supervisor de animación en “Home”, “Trolls” y “Kung Fu Panda 3”; aunque inicialmente y hasta la pasada primavera iba a estar dirigida por Ryan O'Loughlin (story artist en “Los Croods” y diseñador de personajes en “El Origen de los Guardianes”). Los productores son Bonne Radford (“Jorge el Curioso”, “La Ruta hacia El Dorado”), Glenn Ficarra (“Cigüeñas”, “This is Us,”) y John Requa (“Cigüeñas”, “This is Us”). Los productores ejecutivos son Nicholas Stoller, Phil Lord, Christopher Miller, Jared Stern, Sergio Pablos, y Kirkpatrick. El equipo creativo incluye al diseñador de producción Ronald Kurniawan, al director de arte Devin Crane, al montador Peter Ettinger, y al compositor Heitor Pereira. Y el estudio encargado de la animación será Sony Picures Imageworks.
“Smallfoot” está protagonizada por Channing Tatum (“Batman: La Lego película”, “22 Jump Street”) como el Yeti - Migo -, y James Corden (“Trolls”, “Emoji: la película”) como el humano - Percy. También está protagonizada por Zendaya (“Spider-Man: Homecoming”), Common (“Selma”), LeBron James ( “Space Jam 2”), Gina Rodriguez (“Jane the Virgin”), Danny DeVito (“Lorax, en busca de la trúfula perdida”, nominado al Oscar por “Erin Brockovich”), Yara Shahidi (de la serie “Black-ish”), Ely Henry (de la serie “Justice League Action”), y Jimmy Tatro (“22 Jump Street”).
Está previsto que la película llegue a los cines de España a partir del 21 de septiembre de 2018.









Entradas relacionadas:
Un poco de aquí y de allá (XXVII) (15 de junio 2016)

miércoles, 22 de noviembre de 2017

El Bosque de Haquivaqui

El Meu Primer Festival supuso el preestreno del largometraje en stop motion "El Bosque de Haquivaqui" (Dyrene i Hakkebakkeskogen), que ofreció al público infantil una lúcida aventura en que los animales del bosque deciden apartar sus instintos para convivir en paz. La nueva película de Rasmus A. Sivertsen, continuador de la tradición de la animación stop motion noruega encabezada por el genial Ivo Caprino (no en vano firma dos largometrajes basados en el clásico "Flåklypa Gran Prix" del legendario animador), ensalza la importancia del trabajo en equipo y de la coexistencia pacífica entre los diferentes ante el joven espectador al que va dirigida esta sabia fábula en la que prevalecen el buen humor y la alegría de su banda sonora.


Basándose e incluso reproduciendo los diálogos del popular libro "Klatremus Og De Andre Dyrene I Hakkebakkeskogen" (Claus Climbermouse and the other animals in the Huckybucky forest) escrito e ilustrado por Thorbjørn Egner (1912–1990), que a su vez adaptaba un serial radiofónico infantil para el cual el propio Thorbjørn Egner y Christian Hartmann compusieron canciones que hoy son consideradas clásicas en el entretenimiento y la cultura de los niños escandinavos, "El Bosque de Haquivaqui" presenta un mundo habitado por animales que caminan sobre dos piernas, viven en casas y van vestidos, y se asemejan a los seres humanos en gran parte de lo que hacen, dicen y piensan... si no fuera porque algunos de ellos aún conservan algunas costumbres como robar o cazar a sus presas. Hasta que llega el día en que el erizo Horace ataca a la tía-abuela del ratón Morten a medio camino de su casa y ello provoca la aprobación de una ley sobre la paz de los animales, de manera que todo aquél que quiera formar parte de la comunidad del bosque deberá cumplir tres condiciones: ser amigo de los demás, no comerse a nadie y no robar la comida ajena. Aunque todos aceptan cumplir la ley, el pobre zorro Marvin echa de menos la proteína, y pronto se levantarán desconfianzas cuando desaparece el pequeño oso Bruin.
La película es ante todo un divertido cuento dirigido principalmente al público infantil que, aderezado con un buen número de gentiles gags en los que suele salir malparado el sufrido zorro Marvin - y que permitirán al espectador atento hasta aprenderse la receta de unas galletas de jengibre -, plantea casi de forma indirecta la siguiente moraleja:  Si los animales pueden entenderse para vivir pacíficamente incluso aparcando sus instintos más naturales, ¿cómo no podrían ser capaces los humanos de apartar sus diferencias para vivir en armonía? En sus recursos para evitar a los depredadores antes de la nueva ley, y para superar tentaciones después de entrar en vigor aquélla, los personajes les enseñan a los niños y niñas que las soluciones se encuentran aplicando alegría, ingenio, astucia y generosidad. En un recurso inequívocamente expresivo, el largometraje muestra a los humanos como los únicos capaces de alterar y poner en peligro la paz que los animales del bosque han logrado afianzar, lo que a su vez es una llamada para que el ser humano haga lo mismo, mostrando que si aplica la violencia, al final sólo él puede resultar maltrecho. Indudablemente a la trama le faltan grises, y desde un punto de vista adulto hasta se le puede achacar que no plantea alternativas realmente sostenibles a las renuncias que los animales del bosque han de hacer, o por extensión y más propiamente a los problemas que puedan llevar a los humanos a enfrentarse, pero como llamada a hacer un esfuerzo para la concordia y el entendimiento es perfectamente loable, y desde luego es totalmente acertada en su plasmación de que la violencia no lleva a ningún resultado beneficioso.


La animación de los personajes - en cuya construcción han participado los españoles Sonia Iglesias y Óscar Rodríguez, y que han pasado por las manos de los animadores César Díaz Meléndez, Marcos Valín y Carla Pereira, entre otros genios - es deliciosa en su simpatía y gracias a ese toque cartooniano que imprime su actuación, tan poco común en la animación stop motion si no fuera por los largometrajes de la factoría Aardman. Resultan especialmente memorables la sinuosidad de la cola del zorro Marvin, tan acertadamente animada como elemento perturbador de un modo que recuerda la clásica tradición titiritera del Punch, y la divertida secuencia pastelera entre Bobo y el Sr. Liebre.
Resulta grata asimismo la elección por establecer diferentes tamaños de los personajes en lugar de diseñarlos con tamaños semejantes como suele ocurrir en muchas de las películas protagonizadas por animales antropomórficos. Teniendo en cuenta la mayor dificultad que ello implica a la hora de animarlos, es de celebrar por cuanto abre el número de posibilidades expresivas de cada personaje, cada uno según su propio tamaño.
Más pobre resulta en cambio la integración con los fondos, que más que como un entorno en el que los protagonistas interactúan y se mueven, aparece a menudo como un decorado inamovible: que los personajes corran por el bosque sin levantar la más mínima nube de polvo o que puedan encaramarse a las ramas de los árboles sin que éstas se comben por su peso no pasa inadvertido, a pesar de las limitaciones presupuestarias que puedan existir, sobre todo cuando uno piensa en cómo Aardman ha solucionado históricamente la creación física de los efectos especiales o en la recreación digital que de los mismos hace Laika, o incluso en la genial manera en que el mismo Ivo Caprino animaba en "Flåklypa Gran Prix" los cabellos que Teodor Felgen combaba con sus dedos al pasarse la mano por la cabeza o se entretenía en hacer efectivo el peso que 'Il Tempo Gigante' ejercía al pasar sobre un puente. En cualquier caso los fondos son coloridos y atractivos y sin duda resultarán de agrado a los niños, y por otro lado resulta innegable el trabajo de creación de ítems y el minucioso cuidado con que se los anima, esta vez sí, en los hogares y negocios de los animales del bosque.
Hay que hacer mención finalmente a las composiciones musicales, que Rasmus A. Sivertsen incorpora convirtiendo la película en una comedia coral, como ya hiciera en "Dos colegas al rescate", y que contribuyen a acentuar el caracter extremadamente amable y alegre de la cinta.


Lo mejor: el espíritu alegre y positivo con que se plantea una alegoría en favor de la concordia entre los seres humanos.
En contra: la estricta fidelidad a un cuento de mediados del siglo pasado puede lastrar a la película con una carga de inocencia poco coincidente con los tiempos que corren.

Pablo Castrillo nos habla de "Dragonkeeper"

Pablo Castrillo, uno de los guionistas de la película "Dragonkeeper" - que adapta el primero de los libros de la celebrada serie de Carole Wilkinson en la mayor coproducción entre España y China -, estuvo en la última edición del Mercado 3DWire, donde compartió detalles del estado en que se encuentra el proyecto y mostró imágenes del arte conceptual y las animáticas desarrolladas para el mismo.


"Dragonkeeper" es una coproducción de Dragoia Media, Movistar Plus, Atresmedia Cine y China Film Animation (dependiente de China Film Group) donde se plantea un reto de multiculturalidad evidente: la escritora de la novela es australiana, los promotores originales del proyecto son españoles,  el universo de la ficción es chino y los socios son también chinos. El guionista destacó la importancia de la colaboración con China, porque el potencial de crecimiento del mercado de China es espectacular. Según Pablo Castrillo: "Es verdad que el crecimiento se ha ralentizado un poco en 2016, pero también ha habido consecuencias positivas de esa ralentización: entre otras, una mayor apertura hacia los estrenos extranjeros, que han visto aumentada su cuota. Y para 'Dragonkeeper', la gran ventaja de trabajar en coproducción con China es que se va a tratar de un estreno nacional tanto aquí como allí, por lo que la película no estará sujeta a la cuota de estrenos extranjeros". En todo caso, ello ha supuesto un workflow complejo al no existir una presencia física constante:  el equipo lleva trabajando desde el principio, cuando se comenzó hace unos años, constantemente a través de Skype y aplicaciones de la nube, e Ignacio Ferreras, el director de la película, está en otra parte del mundo, mientras que los productores están en Madrid.
El escritor define la historia como "un viaje épico de una niña que inicia su andadura como esclava en una fortaleza del imperio chino, y acaba viajando a través del mismo para ayudar a un dragón a llevar a cabo una causa noble, siendo perseguidos por la guardia imperial y algunos antagonistas más siniestros". Pablo Castrillo añadió que"uno de los factores que me enamoró de la novela original fue el crecimiento de la protagonista: es un personaje joven que alcanza una madurez, un grado de conexión emocional, muy poderosos".


¿Qué fue lo que le llamó la atención de la novela a Manuel Cristóbal para conservar los derechos sobre ella durante tantos años y llevarla al cine?
Lo hemos hablado con él muchas veces. Sé que le emocionaba el personaje protagonista: Ping es realmente un personaje enternecedor por cómo descubre el mundo. Ella empieza su historia siendo una esclava en una remota fortaleza del imperio chino y, por primera vez, al iniciar el viaje de la película, abandona ese lugar donde ha nacido y esa mirada inocente de cómo va descubriendo el mundo era muy cautivadora ya en la novela. Por otra parte me consta también que a Manuel le gustaba mucho la relación entre el dragón y la niña: es una relación que tiene un punto de padre-hija, tiene un punto de maestro y aprendiz, y sobre todo son dos seres que tienen una visión del mundo diferente. Y cómo van aprendiendo a trabajar juntos, aprendiendo a compenetrarse, y logran, conforme avanza la película unirse más y más, me parece a mí que en la novela, y espero también que en la película, alcanza un impacto emocional muy atractivo.

Por el tema, por la relación que se plantea y por la ubicación donde se desarrolla podría recordar de algún modo a películas de Miyazaki o del anime japonés que contemplan este tipo de historias; y sin embargo se observan desde un punto de vista occidental ¿cómo se efectúa este traslado de la mirada occidental a la tradición oriental?
Bueno, en realidad es un punto de vista chino, y por ello hemos querido realizar la película con China: para que no sea fruto de que unos occidentales han querido hacer una película imprimiendo su visión a una historia que es china. Y en eso nuestra colaboración con nuestros socios de China Film Animation ha sido crucial, porque ellos contribuyen a ese punto de vista y a ese entendimiento de su propia cultura y mitología que es fundamental para que la película funcione y para que tenga una visión no estereotipada de esos elementos de la cultura china. Entiendo que se pueda establecer una relación con el cine de Miyazaki, pero con Japón tiene poco que ver porque la cultura china y la japonesa, que para nosotros pueden caer bajo el paraguas oriental, son muy diferentes y tienen visiones muy distintas de muchos asuntos.
Carole Wilkinson, aun siendo occidental, tiene un gran amor por la cultura china, la ha estudiado mucho. Hemos compartido algunas de las referencias de su fase de documentación (libros sobre mitología, la cultura y el folklore chinos..), y ella misma narra la historia desde una perspectiva interna a la cultura china en la medida en que eso puede hacerse no siendo chino. Eso, complementado después con las aportaciones de nuestros socios de China Film Animation hace que la visión no sea un cliché en ningún caso, y que no sea una visión estereotipada de la cultura china sino una historia narrada desde dentro mismo de la cultura china.
En cualquier caso es una película genuinamente china que al mismo tiempo tiene que funcionar muy bien para el mercado internacional, y ahí estará el foco de nuestro esfuerzo en términos de la multiculturalidad del proyecto. Hemos querido insistir en una visión absolutamente universal, internacional, lo que ha llevado a integrar algunos esquemas narrativos más propios de la tradición occidental junto a los más propios de la tradición china, tensando un poquito la cuerda para que sea posible llegar a una coincidencia en la que cada decisión que se tome funcione tanto para la audiencia china como para la audiencia del resto del mundo.

¿Cómo habéis buscado expresamente la universalidad de la película para que no sea sólo para el público chino?
Yo creo que a través de los personajes y de nuestra relación emocional con ellos, la de los creadores de la película pero también de la audiencia en general. Me parece que ese es un lenguaje que es absolutamente universal: sufrir con un personaje, sentirse aliviado con un personaje.. y me parece que ahí es donde, sin idiomas concretos, se habla un lenguaje universal. Yo espero y deseo, y estoy bastante seguro de que cuando la película termine y lleguemos a "The End" en cualquier sala de cine, me da igual en Beijing que en Madrid, la sensación interna de la audiencia será la misma: la sensación de haberse sentido inspirado, de haber disfrutado, de haberse hasta cierto punto enamorado de un personaje y de haber deseado lo mismo que él con la misma intensidad durante toda la película. Eso será lo que hará que la película sea universal.
La película tiene una vocación de internacionalidad evidente: el idioma original del guión es el inglés, y trabajamos siempre con traducciones al chino, pero queremos que funcione en China sin que deje de ser atractiva para cualquier otro lugar.

Vuestro equipo de guionistas está formado por hasta cinco personas: el director Ignacio Ferreras, tú mismo, Rosanna Cecchini, Carole Wilkinson y Xiamping Wang. ¿Cómo os habéis organizado?
Hay una adaptación inicial muy temprana de la película que, en el momento en que entra la visión de Ignacio y Rosanna, cobra una nueva identidad: la película madura y crece como proyecto. Evidentemente todo eso teniendo siempre en cuenta a Carole porque ella escribió la novela y hasta cierto punto es imposible pretender escribir una historia sobre su novela sin contar con ella. Y finalmente la contribución de Xiamping Wang es fundamental también en la medida en que aporta esa visión china a un proyecto que tiene que ser en buena medida chino.
El guión ha ido creciendo como por capas: después de la adaptación inicial, antes de que el proyecto entrara en desarrollo propiamente hablando, más bien es como si la visión de Ignacio, con Rosanna muy de cerca, fuera el pilar central de la adaptación, y en torno a eso contribuye como por capas la visión de los demás. La mía propia, pero también la de Carole y la de Xiamping Wang.
La organización ya ha sido más caótica. En distintas fases ha habido distintas formas de trabajar: obviamente ha habido mucho e-mail y mucho Skype, también muchos viajes a China, reuniones en Madrid... Las fases iban variando.

En su exposición ante el público de 3DWire, Pablo apuntó al hecho de que Ignacio Ferreras y Rosanna Cecchini han sido una parte fundamental del desarrollo del guión, lo que explicaba según su teoría personal de que en animación (quizás también en otras producciones, pero sí más intensamente en animación) la visión del director es absolutamente crucial para darle unidad al proyecto , porque es el ojo o la mente del director la que irá unificando todas esas palabras que los guionistas inicialmente ponen en negro sobre blanco. Según explicó el guionista: "Al ser el material de origen una novela infantil-juvenil cabía la posibilidad de mantenerse en ese mismo nivel de discurso, pero nosotros lo que queríamos hacer era elevarlo un poquito para hacerla un poco más madura". Y añadía: "La novela es fantástica sin ninguna duda, pero está un poco enfocada para niños, y nosotros queríamos universalizarla un poco para convertir la producción en una película familiar de verdad y no en una película para niños que pueden soportar los padres, que es lo que puede pasar en otras ocasiones.  El personaje sufre, aunque ese elemento se contrarresta también con situaciones de alivio cómico, porque es una película familiar".
También apuntó a que, conforme se avanzaba escribiendo el guión, siempre fue muy importante el input de la autora de la novela, Carole Wilkinson, que aportó también sus ideas y sus inspiraciones. Según Pablo: "Aquí se produce siempre un fenómeno habitual que es que el autor o autora de la novela aspira a proteger la novela, mientras que en las adaptaciones a la pantalla, parte del proceso implica destrozar la novela. Ello crea un proceso de tensión y distensión, alternativamente, al final del cual hemos llegado a una versión del guión actual, que podría ser la final, que consigue mantener el espíritu interno original de la novela y su impacto y al mismo tiempo adaptarla a una estructura narrativa que funcione en la pantalla".
Según el invitado de 3DWire, la realización de la animática supuso un diálogo entre la palabra escrita y la imagen que permitió lanzar ideas sobre el guión, comentar secuencias que funcionaban y otras que no, y llegar a alguna situación en que se le proponía alguna línea o modificación de guión a Ignacio, sobre la que ha menudo Ignacio no se pronunciaba hasta que lo pudiera ver dibujado. "Ignacio es una persona que escribe dibujando en todas las fases del proceso y ha habido muchas veces en que el guión se ha escrito 'al revés': del dibujo a la palabra, en vez de la palabra al dibujo. Ese feedback entre el dibujo y la palabra ha permitido ir creando una narrativa cada vez más sólida", según Pablo.

El desarrollo visual inicial de la película lo llevó a cabo Sergio Pablos desde The SPA Studios. ¿De qué modo te ha condicionado o influenciado el arte conceptual e ir conociendo a los personajes?
En este caso, aunque no sé si es así siempre, me parece que el desarrollo visual de los personajes encarnó a la perfección lo que estaba escrito en la novela y en las sucesivas versiones del guión. Dicho de otra manera, cuando aparecieron los primeros diseños de personajes para mí no fueron ninguna sorpresa: fueron más o menos, por no decir exactamente, lo que todos llevábamos viendo en nuestras mentes desde hacía bastante tiempo.

Según Pablo Castrillo, desde The SPA Studios fueron muy generosos con ellos a lo largo de esa etapa inicial, y les ayudaron verdaderamente a poner en marcha el proyecto, puesto que a la hora de enseñarlo y conseguir socios es muy importante la identidad visual.

En tu background profesional has trabajado sobre todo en películas de imagen real, trabajando en productoras como The Combine (Matar al mensajero, El Fundador) y Kurtzman & Orci (Sleepy Hollow, Now You See Me). ¿Cómo ha sido tu incursión en el cine de animación?
Sí, pero de todos modos yo he trabajado en cortometrajes y en desarrollo de películas de imagen real fundamentalmente, porque largometrajes producidos o escritos por mí en imagen real no hay ninguno. Yo argumento que al menos en la fase inicial de adaptación nada cambia, porque en ese momento se puede escribir una historia independientemente de para qué medio, entendiendo que es un lenguaje visual que luego podrá ser imagen real o animación, y entendiendo también que es un lenguaje dramático, que da igual que sea para imagen real o para animación. Ahora, conforme el proyecto crece y se va desarrollando visualmente y el director empieza a dibujar la película... entonces ya sí la escritura empieza a variar porque tiene que ser fiel a esa imagen y a esa visión. Pero en la fase más inicial se trata simplemente de contar una historia.
En las fases más avanzadas lo más importante en mi opinión es conseguir unificar el lenguaje que está escrito en palabras en la página con la visión del director, y sinceramente creo que lo hemos conseguido porque hemos trabajado codo con codo.
Llega un momento en un proyecto de una película en el que todas las personas que trabajan en él, desde el productor hasta el director, el guionista, quien sea.. están ahí para servir al proyecto y para conseguir que el proyecto sea el fruto de aquella visión que se ha unificado después de mucho hablar sobre ella, mucho trabajar y mucho pensar.


Agradecemos a Pablo Castrillo su buena predisposición para la entrevista y, por supuesto, nos manifestamos ansiosos de ver el resultado de su trabajo y del de todo el equipo de la película en "Dragonkeeper".

Entradas relacionadas:
Una coproducción hispano-china adaptará "Dragonkeeper" (21 de abril 2017)

Los escándalos sexuales llevan a John Lasseter a dejar Disney-Pixar temporalmente

Según ha avanzado Hollywood Reporter, el co-fundador de Pixar John Lasseter se apartará durante al menos 6 meses de su puesto directivo en Walt Disney Animation Studios y Pixar debido al escándalo surgido a raíz de conductas moralmente reprobables hacia las mujeres que trabajaban en los estudios, que se habrían producido al menos durante 20 años. En efecto, no faltan voces entre las trabajadoras y trabajadores de los estudios que denuncian que durante  ese largo período de tiempo a menudo ha habido actitudes y rumores que alertaban de un ambiente tóxico y sexista hacia las mujeres. A ello habrían contribuido actitudes que incluían comentarios incómodos, abrazos demasiado intensos, besos en los labios o tocamientos en la espalda o las piernas de las trabajadoras jóvenes, que incluso habrían popularizado una maniobra para evitarlo llamada "the Lasseter". La noticia se inscribe en la ola de escándalos que está asolando Hollywood y que empezó con las acusaciones de abuso sexual y acoso por parte de Harvey Weinstein y que también han ensombrecido la trayectoria de otras celebridades como Charlie Rose, Kevin Spacey, Louis C.K. o Roy Price, de Amazon.


El posicionamiento de John Lasseter se ha oficializado con una carta especialmente dirigida a sus trabajadores que se transcribe traducida a continuación:
Siempre he querido que nuestros estudios de animación sean lugares donde los creadores puedan explorar su visión con el apoyo y colaboración de otros animadores y narradores con talento. Este tipo de cultura creativa conlleva mantener una vigilancia constante. Está construido sobre la confianza y el respeto, y se hace frágil si algún miembro del equipo no se siente valorado. Como líder, mi responsabilidad es asegurar que ello no ocurra; y ahora creo que no he hecho suficiente al respecto.
Recientemente he mantenido un número de conversaciones difíciles que han sido muy dolorosas para mí. Nunca es fácil enfrentarte a tus equivocaciones, pero es la única manera de aprender de ellas. Como resultado, he pensado mucho sobre el líder que soy hoy en comparación con el mentor, abogado y líder que quiero ser. Se me ha trasladado que he hecho que algunos de vosotro(a)s sintáis que os he faltado al respeto o os he hecho sentir incómodo(a)s. Nunca fue mi intención. Colectivamente, significáis mi mundo, y me disculpo profundamente si os he decepcionado. Especialmente me quiero disculpar con cualquiera que haya estado al otro lado de un abrazo que no deseaba o de cualquier gesto que creyó que se pasaba de la raya en cualquier modo, manera o forma. Independientemente de lo benigno de mi intención, cualquiera tiene el derecho a establecer sus límites y a que se le respeten.
En mis conversaciones con Disney, hemos coincidido en nuestro compromiso de tratar siempre las preocupaciones que podáis tener con la seriedad que merecen, y de solucionarlas de la manera apropiada. También compartimos el deseo de reforzar la cultura vibrante, respetuosa, que ha estado en los cimientos del éxito de nuestros estudios desde el principio. Y estamos de acuerdo en que el primer paso en esa dirección es que me aparte durante un tiempo para reflexionar sobre cómo avanzar a partir de ahora. Por muy duro que sea para mí apartarme de un trabajo que me apasiona y de un equipo que admiro profundamente, no sólo como artistas sino como personas, sé que es lo mejor para todos ahora mismo. Tengo la esperanza de que un retiro sabático de seis meses me dará la oportunidad de empezar a cuidarme mejor, recargar energías e inspiración, y finalmente volver con la visión y la perspectiva que necesito para ser el líder que merecéis.
Estoy inmensamente orgulloso de este equipo, y sé que seguiréis sorprendiendo al mundo en mi ausencia. Os deseo unas felices fiestas y estoy ansioso por que volvamos a trabajar juntos de nuevo el año que viene.
John
Inicialmente se había especulado con que el hecho de que la actriz y escritora  Rashida Jones se hubiera apartado, junto a su socio Will McCormack, del equipo de guionistas de "Toy Story 4" respondía también a provocaciones de tipo sexual por parte de Lasseter. Sin embargo, la misma actriz lo ha desmentido recientemente, argumentando que su apartamiento responde más bien a diferencias creativas pero también a diferencias de filosofía en torno a una cultura de Pixar que no valoraría a las mujeres ni a la gente de color. En este sentido ha hecho pública una declaración a The New York Times que diría lo siguiente:
Sentimos que se nos ha colocado en una posición en la que tenemos que expresarnos por nosotros mismos. La velocidad de vértigo a la que los periodistas han puesto nombre al siguiente perpetrador hacen irresponsables algunos reportajes y, de hecho, los convierten en contraproducentes para la gente que quiere contar su historia. A este respecto, The Hollywood Reporter no habla por nosotros. No dejamos Pixar a causa de aproximaciones no deseadas. Esto es falso. Dicho esto, nos alegra ver a gente hablando acerca de comportamientos que les hicieron sentir incómodas. Nos separamos a causa de diferencias creativas y, lo que es más importante, filosóficas.
Hay mucho talento en Pixar y continuamos siendo enormes fans de sus películas. Sin embargo, hay también una cultura donde las mujeres y la gente de color no tienen una voz creativa igual, como se demuestra por la demografía de sus directores [sic]: de 20 películas en la historia de la compañía, sólo una fue co-dirigida por una mujer y sólo una fue dirigida por una persona de color. Animamos a  Pixar a ser líderes en potenciar, contratar y promover a narradores y líderes más diversos o que sean mujeres. Esperamos poder animar a todos aquello(a)s que sintieron que sus voces no eran escuchadas en el pasado a sentirse poderoso(a)s.
Se desconoce cuál será el futuro de John Lasseter en los estudios pasados estos seis meses en que estará retirado. Probablemente se tenga en cuenta la dimensión que adquiera el escándalo y la forma en que pueda afectar al rendimiento de las películas de Disney y Pixar. Ya hay rumores que apuntan a que Pete Docter (Monstruos S.A., Up, Del Revés) podría sustituir a Lasseter como director creativo, aunque no está definido si será durante esos seis meses o para siempre. En cualquier caso, Disney parece estar de momento poco dispuesto a desprenderse definitivamente de John Lasseter, y hasta ahora ha trasladado su posición en el siguiente sentido: “Estamos comprometidos en mantener un ambiente en el que todos los trabajadore(a)s sean respetado(a)s y con fuerzas de llevar a cabo su trabajo de la mejor forma. Apreciamos el candor de John y su sincera disculpa y apoyamos totalmente su retiro sabático.”

lunes, 20 de noviembre de 2017

Animayo vuelve a Madrid

Tras su reciente paso por Los Angeles, Animayo presentará su edición itinerante en Caixa Forum Madrid entre los próximos 24 y 25 de noviembre, con su especial dedicado a la mujer en la industria de la animación, los efectos visuales y los videojuegos.


El evento dirigido y producido por Damián Perea aspira a homenajear a los grandes talentos femeninos de la industria y a manifestar el interés de su trabajo, siendo Animayo el primer festival de cine del mundo que en su reciente edición cambió toda su programación para dar voz a artistas mujeres, a lo largo y ancho del planeta, y reivindicar el derecho a su espacio y a la relevancia de su trabajo, poniendo de manifiesto su papel y contribuyendo a la reflexión sobre su aportación a la industria, su especial sensibilidad, su forma de entender el cine, sus valores y su talento creativo. Por eso, el programa acogerá a invitadas que con su trabajo han participado, cada una en su ámbito, en títulos tan importantes como: "La Leyenda de los Guardianes", "The Witcher", "Los Juegos del Hambre", "Predator", "Avatar", "Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo", "Amusement Park", "Commandos","Planet 51", "El Ministerio del tiempo", "Harry Potter” o "Pocoyó", entre otros muchos. Entre ellas se contará con Laura Raya, Doctora en Realidad Virtual y Directora del Experto en Desarrollo para Realidad Virtual y Aumentada de U-tad; Mercedes Rey Cuadrado, Directora de relaciones institucionales y alianzas estratégicas de U-tad; Natalia Montes, Expert art director, graphic designer y stoyboard artist de User T38; la directora de animación e ilustradora checa Galina Miklinova; la consultora y directora de producción Belli Ramírez; Olga Szablewicz-Pisuk, Visual Effects Supervisor ee Platige Image; la senior CG Artist Céline Velasco; y Cristina Arnáiz, responsable de Desarrollo de software y herramientas para artistas 3D en U-tad.
Animayo Madrid contempla un total de siete master classes de ponentes internacionales, dos proyecciones del “Palmarés Oficial”, un estreno nacional de largometraje de animación, un especial de animación checa y tres talleres formativos.
Las master classes serán las siguientes:
  • Realidad Virtual como impulso social, impartida por Laura Raya
  • Videojuegos, animación y educación: 25 años dedicados a la industria digital. De Planet 51 a Commandos, impartida por Mercedes Rey Cuadrado, que de una manera amena y didáctica, hará un recorrido por toda su trayectoria profesional.
  • El diseño de carteles y cabeceras para cine y televisión, por Natalia Montes
  • La nueva animación checa - Cómo adaptar libros de ilustración infantil para el cine de animación: "Los Zampacalcetines", impartida por Galina Miklinova
  • Cómo elaborar un plan de producción para Pocoyó, Planet 51 o cualquier otro proyecto de animación, por Belli Ramírez
  • Proyectos tecnológicamente avanzados: Recorrido por las mejores cinemáticas de videojuegos de Platige, impartida por Olga Szablewicz-Pisuk
  • A road trip around the globe of VFX and animation, por Céline Velasco. Céline es experta en texturas y sombreado, y durante la master class dará un repaso a su carrera cinematográfica, llena de títulos ampliamente reconocidos por el público en general: “Amusement Park", “The Lego Movie", "El gran Gatsby", “Los Juegos del Hambre", "Predator", "Avatar", "Viaje al Centro de la Tierra", "Destino Final", "Dragonball Evolution", "Orphan" y "Assassin’s Creed Lineage".
En cuanto a los talleres, la misma Céline Velasco impartirá también un taller sobre "Fundamentos de Materiales con Arnold y Maya" donde se aprenderá a dar texturas a los modelos 3D con parte de los softwares 3D más utilizados en VFX y Animación. Igualmente habrá un taller de creación de tools para artistas 3D, que consistirá en una introducción a la programación de scripts y al uso de la funcionalidad de Autodesk 3ds Max en forma de código. Finalmente, también habrá lugar para un taller impartido por Galina Miklinova y dirigido a padres e hijos, para para crear su propio Muppet con forma de Zampacalcetín.
Finalmente, en el apartado de las proyecciones, los asistentes tendrán la oportunidad de ver el estreno nacional de la película "Los Zampacalcetines", dirigida por Galina Miklinova, una de las películas más esperadas de los últimos años en la República Checa. Los Zampacalcetines son unas pequeñas criaturas que se alimentan únicamente de calcetines pero cuidado, solo uno de cada par, tal y como manda el código de estas criaturas, el número ideal de calcetines es uno, no dos. El protagonista, Hihlíka, se debate entre el amor a su familia y el temor a salir de su mundo.


Por otra parte, se hará un repaso a una de las grandes figuras de la animación artística de la Europa del Este tras la 2ª Guerra Mundial, al ofrecerse parte de la filmografía de Jiri Brdečká, presentada por su hija, Tereza Brdečková, que desvelará los secretos y características que hicieron de su padre uno de los directores, guionistas y animadores más importantes de la época dorada de la animación artística europea. Esta proyección se enmarca dentro del «Especial de Cine Checo» que Animayo realiza junto al Centro Checo de Madrid.
Asimismo, habrá dos proyecciones del palmarés oficial Animayo correspondiente a este año, donde ‘Cosmos Laundromat’ se alzó con el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público recayó en ‘La muñeca que eligió conducir’, una obra que aboga por el fin de la división sexual en las jugueterías. Otro ejemplo fue la obra ‘My Life I don’t want’, que habla de la desigualdad de la mujer en un país subdesarrollado, en técnica de dibujo 2D y sin diálogo para no distraer al espectador. La naturaleza y el medioambiente también están presentes entre los ganadores de esta edición, con trabajos como ‘L’horizon de Bene’, un cortometraje en stop motion francés que intenta concienciar al espectador de la necesidad de cuidar la fauna selvática, con un mensaje claro y conciso; o el cortometraje ‘Mor’, en el que la anciana madre tierra ayuda a niños a salir del bosque. La originalidad se destapa con obras como ‘The Rope’ que muestra como algo tan banal como la sal se puede convertir en una danza y una oda al amor; o un muñeco de plastilina que es el último espía en la obra ‘Roger’; o unos conejos que se convierten en soldados de la I Guerra Mundial gracias al 3D y el ordenador en ‘Poilus’.

Podéis comprar las entradas y consultar toda la información del evento en la web del festival: www.animayo.com

Primer teaser trailer de Los Increíbles 2

Ya está disponible el primer tráiler de “Los Increíbles 2” de Disney•Pixar.


No habíamos visto hasta ahora ningún avance de la nueva película a pesar de que fue en marzo de 2014 cuando Disney confirmó que se iba a trabajar en una secuela de la popular película de Brad Bird, que significaba el regreso de su creador como director y como guionista. Brad Bird ya se había mostrado abierto a abordar una secuela en 2007, y en mayo del 2013 ya confirmaba su interés en llevarla a cabo, basándose en su amor por los personajes y afirmando que tenía ya muchos elementos para hacer una nueva película.
En "Los Increíbles 2" de Disney•Pixar, regresa la familia de superhéroes pero esta vez, la protagonista es Helen. Bob se queda en casa con Violet y Dash y se ve obligado a convertirse en un héroe de la vida "normal". Es una transición difícil para todos, y lo será más aun cuando la familia se dé cuenta de los superpoderes del bebé Jack-Jack. Además, aparece un nuevo villano que trama una conspiración brillante y peligrosa. La familia y Frozone deben encontrar la forma de volver a trabajar juntos, algo bastante complicado a pesar de que todos son Increíbles.
Dirigida por Brad Bird ("El gigante de hierro", "Los Increíbles") y producida por John Walker ("Los Increíbles") y Nicole Grindle (cortometraje de "Sanjay's Super Team", productora asociada de "Toy Story 3"), "Los Increíbles 2" llegará a nuestro país el 27 de junio de 2018, tras su estreno en EEUU el 15 de junio.

viernes, 17 de noviembre de 2017

El Malvado Zorro Feroz

"El Malvado Zorro Feroz" de Benjamin Renner y Patrick Imbert se alza como otra pieza imprescindible del cine de animación, que demuestra que sus realizadores, además de saber manejar a la perfección los resortes del humor y de las emociones, respetan como nadie el valor artístico exclusivamente propio de los dibujos animados frente a otras expresiones cinematográficas, algo que nunca debería perderse de vista. La película pudo verse en preestreno en El Meu Primer Festival, donde recibió el cálido y alegre reconocimiento del público más joven.


Basada en el cómic homónimo de Benjamin Renner, la película - cuyo título original es "Le Grand Méchant Renard. Et autres contes..." - presenta tres fábulas, a cuál más hilarante, que se desarrollan en torno a una granja en la campiña. En la primera de ellas, un trío formado por un sensato cerdo y un conejo y un pato que compiten en irresponsabilidad e incompetencia - en una genial traslación del Pierrot y los Augustos -, deben hacer la entrega de un bebé del que se ha desentendido la cigüeña que debía llevarlo a su hogar, y pasarán por todo tipo de enredos que pondrán en peligro el buen término de su misión. En la segunda, un zorro roba los huevos de una gallina para comerse a los polluelos cuando crezcan, sin esperarse que cuando nazcan le tomarán por su mamá y acabará cogiéndoles cariño, mientras las gallinas preparan un ejército para darle su merecido. Y en la tercera historia, el trío formado por el cerdo, el pato y el conejo vuelve a escena para protagonizar una escena navideña en que el pato cree haber matado a Papá Noel y decide asumir su responsabilidad repartiendo por su cuenta los regalos para que ningún niño se quede sin ellos, arrastrando en su empresa a sus dos compañeros de viaje.


Ternura y risas sin igual distinguen a cada una de las historias de la película, cuyos protagonistas invaden con mucha simpatía la cuarta dimensión al dirigirse al espectador como intérpretes de una obra de teatro que se está representando tras un enorme telón carmesí, en lo que constituye un inteligente recurso para unir un episodio con el siguiente y ganarse más, si cabe, el corazón y la atención del público.
Recuperando el mismo estilo gráfico de "Ernest et Céléstine" los personajes y los fondos adquieren la amable tonalidad de unos senzillos trazos de lápiz y colores a la acuarela, que ponen de manifiesto el especial cuidado artístico puesto en la realización del largometraje. Ni más ni menos que alrededor de 900 fondos fueron dibujados uno a uno, a veces en digital y otras veces directamente de forma manual, para la película bajo la supervisión de la pareja de artistas Zyk y Zaza, que ya trabajaran en la producción de 2012 y que estuvieron esta vez en El Meu Primer Festival para mostrar su trabajo.
El slapstick y la acertada animación de los personajes, que en su sencillez son capaces de expresar toda la potencialidad de las escenas, subrayan el carácter irremisiblemente cómico de esta película que hará las delicias tanto de los pequeños como de los mayores. En la animación de cada uno de los pobladores de la granja hay un guiño innegable a aquellos dibujos de los Looney Tunes que antaño nos alegraban frente al televisor, desde Bugs Bunny al Coyote, pasando por el gallo Claudio, el pato Lucas o el cerdito Porky.

Lo mejor: el innegable trabajo artístico puesto al servicio de unos gags hilarantes
En contra: su artesanal factura de autor puede restarle lamentablemente atractivo frente a aquellos espectadores o salas interesados sólo en la animación 3D

jueves, 16 de noviembre de 2017

La Isla de los Monstruos

Ánima Estudios, una de las compañías de animación más grandes de Latinoamérica, no tiene pese a ello la experiencia que acompaña a los grandes estudios de Hollywood que proyectan su sombra desde el norte, como Pixar, Dreamworks y similares, y ni mucho menos maneja los mismos presupuestos para sus películas. Sin embargo encabeza un notable esfuerzo por crear una industria de la animación en México y, lo que es también importante, por hacer que sea exportable al resto del mundo. Nos llega de este modo su largometraje más reciente, "Isla Calaca", que aquí se estrena bajo el título "La Isla de los Monstruos": una aventura con corazón dirigida a los más jóvenes que resulta entretenida y llena de colorido, si bien adolece aún de limitaciones que es seguro que la animación mexicana irá superando, aunque hasta que llegue ese momento tendrá difícil competir con las demás ofertas que ofrece el mercado cinematográfico.


Dirigida por Leopoldo Aguilar, a partir de un guión de Billy Frolick y Alicia Núñez Puerto, la película gira en torno a  Lucas, un joven en plena adolescencia que, si no fuera suficiente con tener que aguantar el bullying en la escuela y tratar de gustar a sus compañeras, queda horrorizado cuando se transforma en un monstruo delante de los niños más populares del colegio. Cuando su sobreprotector padre le confiesa que ninguno de los dos son realmente seres humanos, Lucas huye de su casa en busca de sus verdaderas raíces la Isla de los Monstruos, donde deberá enfrentarse al malvado Norcutt y aprenderá que ser un monstruo no es tan monstruoso como parece sino que significa ser miembro de un nuevo grupo, al que puede llamar con orgullo su familia.
Retomando el argumentario de los limitados recursos con que cuenta la animación mexicana, y en particular Ánima Estudios, en relación con los grandes estudios de EE.UU., sería recomendable que las producciones del país suplieran la escasez presupuestaria del mismo modo en que trata de sobresalir la animación europea: a través de historias sólidas y bien construidas que aporten algo nuevo o mediante la originalidad y la excelencia visual, e idealmente aunando ambos factores. En el caso de "La Isla de los Monstruos" resulta atractiva la idea de partir de los complejos, inseguridades y dificultades de aceptación de uno mismo propias de la adolescencia para establecer la metáfora de la transformación en monstruo, y sin embargo ese concepto acaba derivando en una aventura tendente al simplismo, en todo caso entretenida y bienintencionada, pero falta de gracia y de buen humor y sobre todo de la originalidad que deberían distinguirla del montón o de otras propuestas similares presentadas con mayor acierto. En su afán por conseguir llegar a cuantos más mercados del mundo mejor, la película ha sido despojada de cualquier elemento que pudiera hacerla identificable con sus orígenes geográficos, a pesar de que probablemente aceptando y haciendo valer ciertos elementos de la tradición y la cultura mexicanas hubiera resultado más interesante.
Gráficamente "La Isla de los Monstruos" también expresa ciertas debilidades en cuanto a medios que se hacen manifiestas en una correcta animación afeada por una excesiva rigidez cuya máxima expresión se encuentra por ejemplo en los cabellos de los personajes, así como también en los efectos visuales e igualmente en las texturas y la iluminación de muchas de las escenas, donde el barullo de colores parece haberse definido sin una intencionalidad precisa. Sin embargo sí se aprecia el esfuerzo de trabajar una galería de personajes variada, cuyos monstruos no son los típicos que todos conocemos, y están construidos con un ánimo positivamente creativo. Finalmente, es una lástima que esa misma creatividad no haya acabado extendiéndose a las posibilidades de un mundo habitado por monstruos, que resulta intangible y apenas aparece diseñado con unos pocos detalles arquitectónicos.



Lo mejor: una película con corazón que pone en valor la idea de familia y plantea una aventura en torno a la aceptación de uno mismo donde lo importante no es la apariencia.
En contra: la falta de humor y de originalidad la convierten en una película de monstruos sin garra.

miércoles, 15 de noviembre de 2017

Entrevista a Pedro Alpera, un animador de lo efímero

El mercado 3DWire, en su objetivo de abordar ámbitos diversos y estar a la vanguardia se fijó en su reciente edición en las animaciones GIF, y tuvo como uno de los invitados del sector al sevillano Pedro Alpera, que ha logrado una gran notoriedad gracias a sus animaciones para Wetransfer, la plataforma online de transmisión de archivos. Pedro tuvo la amabilidad de dedicarnos unos minutos antes de su exposición ante el público de 3DWire para explicarnos en qué consiste su labor como animador de estos pequeños formatos.


Estás en 3DWire como creador de unas animaciones que no son la que se suelen ver en cines ni en TV o incluso webseries, pero están en todas partes. Considero interesante que 3DWire haya apostado también por formatos de animación que, aunque la gente los ve continuamente, lo hace quizás sin pensar en el hecho de que eso que están viendo también ha sido animado.
Sí, no nos damos cuenta de toda la animación que hay. Es curioso. Yo el año pasado vine y me sentía un poco fuera de lugar porque decía "¿qué hago aquí? esta gente son animadores y yo hago otra cosa..". Pero claro, las pequeñas animaciones a veces casi ni se miran, aunque están en todas partes.
Yo creo que el problema es que no tenemos un nombre; no hay una palabra que nos defina, como ocurre con los 'flasheros', los 'tresdeseros' o los 'dosdeseros'.

¿Cómo empezaste la experiencia de desarrollar animaciones con estas características?
Yo empecé con Flash 3 hace un montón de años, en el 98 concretamente, y siempre he hecho cosas interactivas y con animación, pero hace como cuatro o cinco años empecé con ToonBoom y  la idea de hacer los bucles surgió porque yo seguía a mucha gente como el australiano Neil Sanders, que está en Loop de Loop, y hace unos bucles cuyo formato me gustaba mucho, así que cuando empecé a trabajar con el programa ToonBoom - como digo -, me hacía bucles para ir practicando las herramientas y pillarle el punto.  Estuve dos años y medio haciendo un loop cada viernes y como resultado salieron unos 120 loops. A raíz de eso un día fui a un evento a Madrid y un amigo me presentó a Laszlito Kovacs, que es un ilustrador que trabaja en WeTransfer como director creativo y en ese momento tan sólo vio mi trabajo y no me propuso nada, pero al cabo de un año más o menos me llamó porque tenía una idea para un wallpaper con un personaje suyo que quería animado, y le encajaba mi estilo de animación con lo que él quería hacer. Y a partir de ahí empezamos a colaborar y a hacer cosas juntos.

El gif del viernes

¿Cómo definirías la animación que tú haces?
Yo creo que la ventaja de los formatos que yo trabajo es que son muy pequeños, y entonces te permiten jugar muchísimo. Cuando haces un formato que dura 6 segundos, porque el bucle tiene 60 fotogramas, corregir 60 fotogramas es muy fácil.
También veo es que es como estar en tierra de nadie, porque cada día aparecen formatos nuevos; por ejemplo, hasta hace poco grabar con el móvil en vertical era un error, y de repente aparecen los Stories de Instagram y el formato vertical se convierte en un estándar. Cada día hay una cosa nueva muy ligada a la tecnología y no hay realmente manera de saber adónde vamos a ir con eso y cuánto va a durar cada formato, lo que resulta muy divertido para crear. Está todavía por definir cómo se utiliza todo eso a nivel narrativo.
Se produce siempre una explosión de formatos que además es muy curiosa: esa explosión ya se produjo cuando apareció Flash, que acabó desplazando al gif, y de repente al cabo de diez años Flash murió con el Iphone y desde que apareció el IPhone hace otros diez años hasta hoy hemos recuperado el gif, que ahora mismo ha cumplido 30 años, porque era la única manera de volver realmente sobre algo parecido. Lo interesante del gif, como toda tecnología, es que te condiciona un montón a la hora de trabajar: normalmente funcionan en bucle, debes cuidar su peso y el número de frames, y están muy ligados a las especificaciones de cada tecnología y del medio en el que van a aparecer. Antes existía incluso una limitación a 256 colores, que ahora ya no existe.
Y en ese período de diez años hasta que se recuperó el gif ha sido difícil encontrar una manera de hacer animaciones para internet; estuvimos huérfanos durante un tiempo. Hoy también tenemos los doodles de Google, y creo que ahí han encontrado una clave que realmente funciona para contar algo en un formato nuevo de animación. El de Gloria Fuertes que hicieron hace poco es muy bueno.

¿Cómo enfocas las animaciones cuando estás trabajando en un loop?
Depende. Cuando es para mí simplemente empiezo con un personaje.. A mí me gusta mucho hacer ciclos de andar porque es una forma de practicar todo lo que tiene que ver con la animación. De hecho, el libro de Richard Williams, "The Animator's Survival Kit", insiste mucho en que hay que hacer ciclos de andar porque cuando sabes hacer ciclos de andar ya sabes lo más complicado. Y a mí me gusta mucho empezar con un personaje y hacer que empiece a andar o darle una acción que se pueda repetir y la empiezo a animar en boceto. A veces me voy dejando llevar.. como el formato es muy breve puedo permitirme cambiarlo todo a la mitad porque no es mucho trabajo y conlleva muchos descubrimientos.
Cuando es para un cliente, lógicamente hay un storyboard y una animática pequeñita y sí que en cierta forma es el proceso de la animación tradicional: vas paso por paso hasta completar el objetivo. Suelo hacer unas pruebas y una vez está aprobado hago la pieza final. Por ejemplo, con I Love Wallpaper recuerdo que Laszlito Kovacs hizo un personaje que era un camaleón y se fundía con el fondo y le hice unas pruebas para ver cuál le gustaba más y a partir de ahí la pieza final, y trabajar con él fue muy divertido porque él es ilustrador y tiene mucho ojo, y en el proceso se aprende por los dos lados: tú tienes una visión, pero él puede aportarte una visión en la que no habías pensado y que resulta muy divertida. Otro trabajo que he hecho últimamente ha sido una pieza para seguros con un ilustrador de Madrid que se llama Lucreativo y ha sido también muy divertido por lo mismo: él me pasaba un archivo de Illustrator con los personajes y un apunte de lo que él pensaba que podría pasar, y yo podía sugerirle hacerlo de una manera u otra.

¿Cuáles son tus influencias para llevar a cabo tus creaciones?
En cuanto a animación me parecen lo más Sergio Montalt y Mayte Sánchez de Alakinda, un estudio barcelonés. Soy totalmente fan de ellos. Tienen unos flipbooks que descubrí hace años y son una preciosidad.
Y Neil Sanders hace unas cosas, que no tienen nada que ver conmigo, que son unos monstruitos a línea que los anima dibujando todas sus poses en un folio que fotografía por partes, y luego pone el folio entero. Es chulísimo ver cómo lo dibuja y cómo luego todo eso se mueve.
Estas son las influencias que me han motivado a hacer bucles desde el principio.

¿Qué herramientas de trabajo utilizas para crear los gifs?
Ahora mismo lo que más utilizo es ToonBoom Harmony. Yo empecé con este programa hace como cuatro o cinco años y de hecho ahora se está produciendo una explosión de este software, que se está empezando a utilizar mucho en producción. Para mi gusto es la que utilizo más porque permite trabajar fotograma a fotograma con Flash, pero también tiene huesos y deformers como los que tiene After Effects. Lo que me gusta es que se puede combinar de forma natural ambas cosas y permite jugar mucho.
Pero aún así también he hecho cosas animando con Photoshop o con After Effects. O sea, intento no quedarme sólo en una herramienta, porque también coges muchos vicios limitándote a una.

¿Has explorado otros formatos más largos, tipo cortometraje, o te gustaría trabajar en un largometraje?
Yo ahora mismo prefiero los formatos cortos, pero por probar cosas. Hacer una serie o una peli tiene que molar mucho, pero es otra historia. Lo único que he hecho hasta ahora es en un corto de los Gallegos, que estarán acabando supongo: hubo varios personajes que los repartieron y me preguntaron si quería encargarme de uno de ellos y acepté. Fueron unos cinco segundos y me divertí mucho porque me dejaron libertad total, y cuando lo ves te sientes orgulloso de haber participado aunque sea en un detallito.

Además has hecho también cortos comerciales, como el de los autónomos..
Sí, son formatos para redes, publicitarios en cierto modo, que se sitúan entre el vídeo explicativo y el anuncio. Ese lo hice con Lucreativo y supuso hacer toda la animación. Es chulo tener una pieza tan larga hecha.


Aparte ejerces una tarea docente ¿no?
Sí, yo llevaba antes talleres y un curso. Pero el año pasado empecé en Ceade, en Sevilla, un curso de animación 2D para un grado de Diseño y un doble grado de Diseño y Comunicación. Desde esa posición detecto que la animación se está convirtiendo en algo que tienes que saber si estás estudiando Diseño. Ya no es algo opcional, porque al final todo se mueve: el botoncito de Twitter que, cuando le das, sale un corazón, es una animación que tiene que hacer alguien, pero es diseño también. La animación se está haciendo algo natural para el diseño.
Y la verdad es que a raíz de eso y de manejar ToonBoom, que ahora se está empezando a utilizar bastante, llevo un par de años bastante solicitado para dar formación.

De hecho, has estado recientemente en Glow Animation dándoles una orientación sobre ToonBoom.
Sí, ellos están haciendo la película de Buñuel y durante un momento del proceso tenían dudas sobre cómo conseguir la línea que ellos quieren para la película. Yo sé utilizar TVPaint y sé utilizar ToonBoom y estuve con ellos unos días allí y les enseñé a utilizar ToonBoom para layout, por una parte, y por otra estuvimos viendo las posibilidades entre uno y otro programa, para ver cuál les daba la línea y para ver cuál, a la vez, se ajustaba mejor a su pipeline.

¿Cómo ves el resurgimiento del 2D que en cierto modo se está experimentando?
Es muy chulo que vuelva. A mí lo que me ha hecho gracia al venir a 3DWire es que estoy viendo que nuestros formatos tienen mucha responsabilidad en que esté volviendo el 2D. O sea, el 2D se está utilizando mucho en redes sociales, vídeos explicativos, promociones.. y eso ayuda de alguna manera a que el público sea un poco más receptivo al 2D. Es que la muerte del 2D no tiene ningún sentido, porque se siguen haciendo cosas que son una pasada y hasta ahora aún no es común ver en 3D cosas que se pueden hacer en 2D y son preciosas. A mí me gustan unos estudios ingleses , que son para mí una referencia, que hacen piezas de dos minutos o cincuenta segundos y cada una es diferente: una con pincel seco, otra con determinado tipo de línea, .. van cambiando mucho. Cada pieza que hacen es con el estilo de un ilustrador diferente y es tan bonito ver lo personal de los trazos que piensas: sí, el 3D es muy bonito, pero el 2D sigue también sorprendiendo. De hecho yo estoy convencido que el 2D y el 3D se tienen que fusionar y llegará un momento en que no hagamos la distinción, porque cada vez el 3D es más 2D y cada vez el 2D es más 3D.


Fue muy interesante reparar con Pedro Alpera en que las nuevas tecnologías nos han hecho vivir rodeados de formatos que están animados, aunque por lo limitado de su duración o la inmediatez de su consumo puedan pasar desapercibidos como una pieza de animación. Decía Pedro Alpera que a quienes animan como él les falta un nombre... Yo sugiero animador de lo efímero.

martes, 14 de noviembre de 2017

El primer largometraje en stop motion de México

Según revela en exclusiva Variety, se ha iniciado la pre-producción de "Inzomnia", que será el primer largometraje en stop motion realizado en México. La película seguirá a la niña de 10 años Camila en su intento de rescatar a sus padres y al resto de habitantes de su ciudad del yugo de un despiadado hombre de negocios que los ha convertido a todos en autómatas mediante una píldora llamada Inzomnia que les mantiene despiertos y trabajando, pero que no produce efectos en Camila.


La película será dirigida por Luis Téllez y producida por Paula Astorga (Omar & Gloria) y Milko Luis desde Home Films, con un presupuesto inicial de 2 millones de dólares. Téllez comenta que "llevo 20 años haciendo animación, pero esta es la primera vez que me enfrento a un largometraje. La historia de Inzomnia es una distopia, un futuro imaginario en el que la gente deja de dormir". "La idea surgió cuando realicé una de mis primeras entregas, tenía poco tiempo para hacerla y no me sentía satisfecho. Pensaba que si no tuviera que descansar ni una sola hora, habría quedado mejor, me preguntaba a mí mismo ¿Qué pasaría si dejáramos de dormir? Deberían inventar una pastilla y dejé correr la imaginación", continúa el director, que señala como referentes la obra de José Saramago, un poco de la mitología griega y la novela "1984" de George Orwell.
Los muñecos se van a diseñar en México pero serán construidos en Polonia en manos de la experimentada compañía Momakin, que a través del proyecto Polish Quality representa, coordina y promociona a artistas polacos, especializados principalmente en stop motion, cuyo artesanal trabajo ha estado presente en obras como "Peter and the Wolf" de Suzie Templeton, "Danny Boy" de Marek Skrobecki, "Maska" de los hermanos Quay, "The Flying Machine" de Martin Clapp o los largometrajes "La Navidad de Solan & Ludvig – El Retorno de Grand Prix" y "Solan & Ludvig: La Gran Carrera del Queso" de Rasmus A. Sivertsen, entre otras aportaciones. Por otra parte la película, cuya producción comenzará en 2020, atraerá a animadores procedentes de varios países, entre los cuales la misma Polonia y Brasil, España, Chile o Argentina, entre otros.
La dirección artística de la película correrá a cargo de Francesca Berlingieri, conocida por su trabajo en proyectos de stop motion como "Chicken Run: Evasión en la Granja", "La Novia Cadáver", "Paranorman" y "Fantástico Mr. Fox". Por su parte, Karla Castañeda, directora de los cortos animados "La Noria" y "Jacinta" consta como diseñadora de Producción.
El Museo Trompo Mágico de Jalisco se ha convertido en un estudio en el que el público podrá observar el proceso de grabación de "Inzomnia": los visitantes tendrán las puertas abiertas de manera permanente durante la producción, la animación y la post producción de la película y a través de una vitrina podrán observar a los creativos trabajando en los procesos de construcción de maquetas, la creación de los muñecos, la elaboración de todos los elementos artísticos y estéticos de los escenarios y los ambientes, la disposición de luces y cámaras, fotografiando a alguno de los aproximadamente 100 personajes de la película, y en todas las actividades que implica la grabación del largometraje animado.
La stop motion ha sido una técnica artesanal utilizada bastante a menudo hasta el momento por los creadores mexicanos para sus cortometrajes, donde destacan nombres como Rita Basulto (Zimbo, Lluvia en los Ojos) Sofía Carrillo (La Casa Triste, Cerulia), León Fernández (Los Aeronautas), el mismo Luis Téllez (Viva el Rey, Hasta Los Huesos, La Noria, Jacinta), Arturo y Roy Ambriz (Revoltoso) o César Cepeda (Elena  y las Sombras, Debajo del Árbol). Pero hoy podemos hablar del primer largometraje mexicano en stop motion.

"I Lost My Body", un largometraje hecho con Blender

El realizador francés Jérémy Clapin, creador del celebrado y premiado corto "Skhizein", debutará como director de un largometraje de animación con un trabajo titulado "J'ai Perdu Mon Corps" (I Lost My Body) que será ejecutado utilizando el software de código libre Blender.


Según parece, la película se inscribirá en el marco de las tramas que Clapin suele desarrollar para sus cortometrajes, centradas en la exploración de estados mentales, y concretamente está descrita como una historia de amor absurda y fantástica para público adulto y adolescente donde una mano trata de reencontrarse con el cuerpo al que pertenece. Su sinopsis reza así:
Rosalie pertenece a un joven llamado Naoufel. Es su mano derecha. Pero un día, una sierra radial les separa. Rosalie escapa del refrigerador de la escuela de Medicina donde espera para ser diseccionada, determinada a reencontrarse con su cuerpo. Mientras está huyendo, esquivando las trampas y los peligros de la ciudad, Rosalie recuerda su vida con Naoufel. Cuando le encuentra, él se encuentra en un estado terrible. Entonces ella decidirá echarle una “mano” cumpliendo su destino, que lleva por nombre Gabrielle.
Se tratará de una película fotorrealista en la que se mezclarán elementos dibujados en 2D y técnicas 3D utilizando Blender como la herramienta principal, en razón de sus posibilidades para mezclar 2D y 3D a través de la herramienta Grease Pencil y el render libre. En la Blender Conference que se desarrolló a finales del mes pasado en Amsterdam, Jérémy Clapin presentó extensamente la película, los procesos que se seguirían en la producción y las herramientas que se han desarrollado para el proyecto.


El estudio Xilam (Oggy y las Cucarachas, Policías y Ladrones, Shuriken School, Mi Familia Mágica, Floopalo ¿dónde estás?) asume la producción de la película, que aún está en pre-producción y no pasará a la siguiente fase hasta el año que viene, con la idea de estrenarse en 2019.

Entradas relacionadas:
Entrevista a Daniel Martínez Lara (23 de octubre 2017)
Daniel Martínez Lara dirige "Hero" (15 de septiembre 2017)
Alan Carabantes y Marc Briones: "la historia tiene mucho humor. Nosotros también somos un poco Darrel" (29 de diciembre 2016)
"Elulu", un proyecto de película en solitario (3 de octubre 2016)

lunes, 13 de noviembre de 2017

Un hueco para la animación en L'Alternativa

Desde hoy hasta el 19 de noviembre se desarrollará la 24ª edición del Festival de Cine Independiente de Barcelona, l'Alternativa, ofreciendo un año más a los asistentes una oportunidad única de conocer y disfrutar de proyecciones y actividades que defienden la independencia creativa del autor, la diversidad, la innovación, la libertad, el compromiso y la reflexión. Y aunque la animación no ha encontrado todavía su lugar en la sección competitiva de largometrajes, sí estará presente de nuevo en la sección competitiva de cortometrajes y en las secciones paralelas y actividades del festival.
En concreto, en la sección competitiva de cortometrajes, encontraremos los siguientes trabajos:
  • So I Danced Again..., de Lottie Kingslake
    La artista británica (autora de otras obras como "Forget Me Not" y "Of the Apple"), aborda el acto de escuchar, en una búsqueda de significado, a través de una danza por nuestro caótico universo de sonidos significativos o sin sentido.

  • J'Aime les Filles, de Diane Obomsawin
    Charlotte, Mathilde, Marie y Diane cuentan con franqueza y candor sus primeras experiencias de amor entre mujeres, revelando experiencias bañadas de inocencia y de pureza que les marcaron en el descubrimiento de su deseo homosexual. La artista canadiense Diane Obomsawin (autora también de diversas películas como "The Worm", "The Coat", "Elbow Room" y "Here and There") lleva a la animación su cómic homónimo de 2014.

  • Lupus, de Carlos Gómez Salamanca
    Carlos Gómez Salamanca (Carne) es un pintor y animador colombiano, cofundador de la productora Nocroma, con sede en Bogotá. En esta ocasión se replantea las nociones de cuerpo y territorio a partir de un suceso de diciembre de 2011 en que una manada de perros callejeros mató a un guardia de seguridad en un barrio pobre de los suburbios de Bogotá.


Fuera ya del apartado competitivo, la sección Panorama, dedicada a los largometrajes y cortometrajes de producción nacional, contempla la proyección de dos cortos de animación:
  • Això no és un espectacle de patinatge, de Martina Rogers Manzano
    Fascinada por las artes plásticas, y formada en el lenguaje audiovisual, la autora integra técnicas como el dibujo o la pintura dentro del cine para conducir a un espectáculo mágico de no patinaje.

  • Areka, de Atxur Animazio Taldea
    Atxur Animazio Taldea es un proyecto de animación colectiva coordinado por Begoña Vicario, y "Areka" es el fruto de la colaboración creativa de una veintena de jóvenes artistas que se articulan en torno al descubrimiento en una fosa del cadáver del padre de Euxebi, 80 años después de que aquél muriera fusilado antes del nacimiento de su hijo.


Por otro lado, L’Alternativa y El Meu Primer Festival vuelven a unir fuerzas para proponer conjuntamente una parte de la programación de ambos festivales. Dicha colaboración consiste en dos sesiones muy especiales de cine para los más pequeños, un taller sobre cine y efectos especiales donde los pequeños podrán aprender la técnica del chroma key y el proyecto colectivo de creación cinematográfica "Hagamos una peli con A Home in Progress Film", cuyo objetivo es es que adultos y niños experimenten en primera persona el proceso creativo que supone la realización de un film animado de carácter experimental donde los conceptos de fluidez y parpadeo, bucle y linealidad, abstracción y figuración, ritmo y síncope se combinarán, de manera muy lúdica, para conformar una pieza colectiva.
Una de las sesiones de cine, "Petits Experiments", consistirá en una proyección de 12 cortos de animación realizados con lápices de colores, montajes con cartulinas, plastilina, figuras construidas con desechos metálicos o solamente una cámara y un poco de imaginación: todo vale para construir desde cero una pieza audiovisual que cuente una historia divertida, una aventura apasionante, un encuentro mágico o una metáfora de la vida. La segunda sesión, por su parte, incluirá la proyección del largometraje "El Recuerdo de Marnie" de Hiromasa Yonebayashi.



El proyecto A Home in Progress Film tendrá también una sesión dedicada en el Hall de L'Alternativa, concretamente en la sección Hall Invita, donde se proyectarán algunos de sus trabajos. A Home in Progress Film es un proyecto pedagógico independiente, conducido por Rafa Castañer, Laura Ginès y Pepon Meneses, que produce películas colectivas de animación.


Por otra parte, una de las sesiones de Hall Invita incluirá también el trabajo "La Fuga de los 45" de Cristina Caamaño. Se trata de un documental, que incluye algunas secciones de animación, sobre una de las mayores fugas de una prisión en la histora de España: la de 45 presos de la cárcel Modelo de Barcelona en junio de 1978.


En Hall Enfoca, centrado en la fortaleza Europa y el auge del neofascismo, se proyectará "Organizar lo (im)posible", un cortometraje de animación documental de Tonina Matamalas y Carme Gomila en colaboración con Las Kellys Barcelona y Cooperativa de tècniques donde la asociación autónoma de camareras de hotel "Las Kellys" expresa su lucha para mejorar sus condiciones de trabajo y calidad de vida. A lo largo de los 15 minutos que tienen para limpiar una habitación, hablan de salud y medicalización, política turística, feminización de la precariedad laboral, migración, organización y resistencia, elementos que se entrecruzan para mostrar la complejidad que están afrontando.


Finalmente, Hall Selecciona será el marco ecléctico donde se proyectarán también varios cortometrajes de animación:
  • "Me_oria", de Camila Ausente, un cortometraje experimental en torno a la memoria.

  • Extrapolate, de Johan Rijpma, en el que una línea se extrapola a través de una cuadrícula.

  • Animation Quartet #1, una pieza musical para cuatro instrumentos de A Home In Progress Film y Víctor Sastre.

  • Strange Fish, de Steven Subotnick, acerca de la ceguera de la evolución.

  • SIMSIM (深心), de Seunghee Kim

  • Je ne sens plus rien, de Noémie Marsily y Carl Roosens, donde dos amantes - el mago y ella bombera - viven en lo alto de un grúa y viven su día a día allá arriba, aislados del caos y la agitación del mundo.
  • Barbeque, de Jenny Jokela, es un viaje visceral parecido a un cuadro de El Bosco sobre cómo afrontar el trastorno de estrés postraumático mediante la exploración del concepto de vergüenza y las sensaciones de incorporeidad.


Podéis encontrar toda la información sobre el festival en su website: http://alternativa.cccb.org/2017/es/

Entradas relacionadas:
A punto la 10ª edición de El Meu Primer Festival (1 de noviembre 2017)


viernes, 10 de noviembre de 2017

Un poco de aquí y de allá (XLVI)

La película "The Steam Engines of Oz" de Arcana Studios, que se ha animado en el estudio tinerfeño 3 Doubles Producciones, ya tiene casi fijada la fecha de estreno en EEUU, donde será distribuida directamente en video en el primer cuarto del año que viene por Cinedigm Corp. La película se basa en la novela gráfica homónima, que es una reimaginación en versión steampunk de "The Wizard of Oz", y ha sido dirigida por Sean Patrick O'Reilly, también guionista y productor ejecutivo de la misma, y co-escritor del cómic junto a Erik W. Hendrix. Con la promesa de gustar tanto a jóvenes como a adultos, y a los fans de Oz, la película se sitúa un siglo después de que Dorothy Gale pisara el mundo de Oz, y nos presenta una Emerald City que ahora se encuentra extremadamente industrializada y que está gobernada bajo el puño de hierro del antaño adorable Hombre de Hojalata, que ha perdido su corazón; la única esperanza de la ciudad reside en la joven ingeniera Victoria Wright y su pequeño equipo de héroes. El reparto incluye a Ron Perlman (Hellboy) como Magnus, el hijo del León Cobarde; William Shatner (Star Trek) como Oscar “Oz” Diggs; Julianne Hough (Dancing with the Stars) como Locasta, la Bruja del Norte; y Dan Payne, Scott McNeil, Ashleigh Ball y Matthew Clark.


El director de "Los Simpson: La Película" y co-director de "Monstruos S.A.", David Silverman, dirigirá la película "Extinct", co-producida por China Lion Entertainment, y que contará también con los guionistas de "Los Simpson" Joel Cohen, John Frink y Rob LaZebnik. Prevista para 2020, se tratará de una película fantástica en torno a la historia de unos adorables animales peludos llamados 'flummels', que tras viajar en el tiempo descubren que se han extinguido en la edad contemporánea, por lo que retroceden para salvar a su especie.

David Silverman

El artista y director Conrad Vernon (La Fiesta de las Salchichas) dirigirá para Metro Goldwyn Mayer un largometraje animado basado en La Familia Addams, a la vez que participará en su producción junto a Gail Berman y Alex Schwartz de Jackal Group, mientras que en la producción ejecutiva estarán Andrew Mittman y Kevin Miserocchi, y Tabitha Shick supervisará para MGM. El guión lo empezó a escribir Pamela Pettler (La Novia Cadáver, Monster House) y ha sido completado por Matt Lieberman. MGM ha confiado en Cinesite Studios para llevar a cabo la producción.


Guillermo del Toro ha renunciado finalmente, parece que por un largo tiempo, a llevar a cabo la producción de la película en stop motion basada en el cuento de Pinocho que iba a dirigir Patrick McHale (Over the Garden Wall). La imposibilidad de encontrar la financiación necesaria para cubrir los 35 millones de dólares que iba a requerir la producción de esta versión oscura del cuento clásico de Carlo Collodi, en la que la idea era situar la historia de Pinocho durante la ascensión del fascismo en Italia bajo Mussolini y pensar en torno a la idea de ser una marioneta o ser una persona, ha puesto fin quizás definitivamente al proyecto sobre el que el productor mexicano ha estado trabajando durante años.


20th Century Fox anunció que se encuentra realizando una película basada en la serie animada de Fox, Bob’s Burgers, que se estrenará en julio de 2020. Loren Brouchard, creador de la serie, dice estar muy emocionado por llevarla a la pantalla grande y siente la presión de hacer una gran película, comprometido en llevar a sus personajes a una gran aventura épica. No obstante, aún no se han anunciado más detalles sobre el proyecto.


Sony perdió en octubre - por expiración - en favor de Paramount los derechos sobre la película de "Sonic el Erizo" sobre la que ya hablamos en este blog (enlace). Sin embargo, el proyecto se mantiene intacto y Tim Miller (Deadpool) permanece como productor con Blur Studio junto a Neal H. Moritz de Original Film y dirigirá la película Jeff Fowler (Gopher Broke). Como también permanece la idea de que sea un híbrido de imagen real y cgi.


Batman y la pandilla de investigadores de Scooby-Doo volverán a estar juntos - 45 años después de su última coincidencia -  en una nueva película titulada "Scooby-Doo & Batman: The Brave and the Bold", una producción de Warner Bros. Animation y DC Entertainment que se lanzará en DVD y digital el 9 de enero. Scooby-Doo y sus colegas sumarán fuerzas con el Caballero Oscuro para oponerse a la amenaza que representa la asociación de varios villanos procedentes de las galerías de enemigos de ambos: el Joker, Catwoman, Enigma, el Pingüino, el Espantapájaros, Hiedra Venenosa y Harley Quinn, por un lado, y Spooky Space Kook, Gentleman Ghost, el Minero 49 y Ghost Clown, de otro. Además de Batman también tendrán la ayuda de otros héroes de DC como Cuestión, Aquaman, Plastic Man y el Detective Marciano.


Studio 100 Film está presentando la película "Mia and Me - The Movie", co-producida por m4e, Hahn & m4e Productions y Flying Bark Productions y basada en la exitosa serie creada por el alemán Gerhard Hahn, que ya tiene una cuarta temporada en producción y se ha vendido a más de 80 territorios. Con el estreno previsto para 2020, la película contará el enfrentamiento de Mia contra un monstruoso sapo malvado que amenaza Centopia al pretender convertirla en su ponzoñosa charca personal y que además tiene la clave sobre la misteriosa desaparición de sus padres.


Flins y Pinículas estrenará en España la película "Luis and the aliens" de Ulysses FilmsUuups! ¿Dónde está Noé?), escrita y dirigida por Wolfgang y Christoph Lauenstein (Balance), y co-producida con la luxemburguesa Fabrique d’Images y A. Film Production desde Dinamarca. La película cuenta la historia de Luis, un niño de 12 años que se hace amigo de tres torpes y pequeños alienígenas cuya nave se ha estrellado cerca de su casa, y que como recompensa por la ayuda que les presta para encontrar lo que andaban buscando, se empecinarán en salvar a Luis de la escuela.


El ucraniano Animagrad Studio está ocupado en la producción del largometraje "The Stolen Princess", que ha de estrenarse en marzo del año que viene. Cuenta una historia de valientes caballeros y bellas princesas en que un artista aspirante a caballero llamado Ruslan se enamora de Mila sin saber que es hija del Rey, aunque su romance dura poco porque el malvado hechicero Chernomor secuestra a la princesa para usar para su magia el poder del amor, si bien Ruslan estará determinado a vencer todos los obstáculos para salvarla y probar que el amor es más fuerte que la magia.


El director argentino ganador del Oscar, Juan José Campanella (El Secreto de Sus Ojos), junto al director-productor-cantautor Cris Morena (Rebelde Way) y el director-productor Gastón Gorali (Underdogs), producirán la película de animación "Escape a la India" desde el estudio Mundoloco CGI, fundado por el propio Campanella, Gastón Gorali, Jorge Estrada y Roberto Schroder, y uno de los mayores estudios de animación digital de Latinoamérica. La película se basa en el libro infantil homónimo de Gorali y Marcelo Birjmajer y será una comedia musical, épica y en clave feminista, que sigue a una vaca argentina llamada Azadi que, al enterarse de que la van a llevar al matadero, decide irse a la India, donde las vacas son sagradas. Birjmajer y Gorali co-escriben el guión, que contará con el historietista e ilustrador Franco Spagnolo como creador gráfico.


Otra productora argentina, ARTAN Animation, se encuentra en plena pre-producción del largometraje "Confite", una película de animación tradicional en 2D que se ha presentado como una de las grandes apuestas del cine de animación del país. "Confite" cuenta la historia de amistad entre un perro y una niña que trasciende todas las barreras de tiempo y distancia: Confite es un perro de campo que nace en condiciones de fragilidad y es adoptado por Clara, una niña que lo acompaña durante los primeros años de vida hasta que el lado invisible de la guerra termina separándolos. A partir de allí, Confite debe aprender a vivir sin su compañía para emprender el camino a la adultez. La película cuenta con guión y dirección de Juaco Garín y tendrá a Flor Blanco como asistente de dirección, Julián Cristiano como director de animación, Angie Sena como Senior Animator, Matías Revello como director de post-producción y Julián Bruno como supervisor de fondos. La productora también está desarrollando una serie a partir del largometraje que se titula "Confite, el perrito", que contará con una temporada de 8 episodios de 7 minutos de duración cada uno y se centrará en las vivencias del perro en el campo.


Los distribuidores británicos de cine asiático Third Window Films editarán dos títulos del "Animerama" de Osamu Tezuka y Eiichi Yamamoto: "Cleopatra" y "Las mil y una noches". A finales de los 60, Osamu Tezuka puso en marcha desde su compañía Mushi Production un proyecto que compilaría varias películas de animación de carácter erótico dirigidas a un público adulto. El director y guionista Eiichi Yamamoto sería el director de estas películas, la primera de las cuales, concebida por Osamu Tezuka, fue "Las Mil y Una Noches" (Senya Ichiya Monogatari, 1969), que fue seguida por "Cleopatra" (Kureopatora, 1970), co-dirigida con Osamu Tezuka, y "Belladonna of Sadness" (Kanashimi no Belladonna, 1973), la última película del sello Animerama.


En diciembre se estrenará en Japón "Donten ni Warau Gaiden: Ketsubetsu, Yamainu no Chikai" (Laughing Under the Clouds Gaiden - Parting, The Oath of the Yamainu), la primera de las películas de la trilogía que adapta el manga "Donten ni Warau Gaiden" (Laughing Under the Clouds - Side Story) de Kemuri Karakara. La historia del manga se desarrolla en el año 11 de la era Meiji, cuando el número de personas descontentas con el gobierno aumenta debido a la occidentalización y a la prohibición de los samurais, y para hacer frente al aumento de los delitos se abre una nueva prisión a la que los tres hermanos de la familia Kumo son encargados de trasladar a los reos, debiendo hacer frente a múltiples aventuras. Tetsuya Wakano (Magi: The Labyrinth of Magic, The Rolling Girls, Danbōru Senki Wars) dirige la trilogía desde Wit Studio, con la asistencia de Hitomi Ezoe (JoJo's Bizarre Adventure, My Hero Academia 2) y los diseños de personajes y la dirección de animación de Kii Tanaka (M3 the dark metal, KONOSUBA - God's blessing on this wonderful world! 2), ayudado por Kenji Fujisaki, Shinichi Nozaki, Takuma Ebisu y Natsuko Suzuki.



Más adelante, en enero, se estrenará también en Japón la película "Eiga Chūnibyō demo Koi ga Shitai! Take On Me" (Love, Chunibyo & Other Delusions! the Movie: Take On Me), basada en la franquicia Love, Chunibyo & Other Delusions! (Chūnibyō demo Koi ga Shitai!). La protagonista, Rikka, es ahora una estudiante de tercer año a punto de entrar en la universidad que aún padece el síndrome "chunibyo" (que le hace creer que tiene conocimientos y poderes especiales), y se encuentra con que su hermana mayor Tōka debe ir a Italia para trabajar y quiere llevársela con ella para que no esté sola, pero Rikka está enamorada de Yūta y decide emprender una huida junto a él que les llevará a través de Japón desde Kyoto a Hyogo, pasando por Wakayama, Tokyo, Aomori y Hokkaido. Está dirigida por Tatsuya Ishihara desde Kyoto Animation, partiendo del guión de Jukki Hanada y con Kazumi Ikeda en el diseño de personajes.


Y en primavera del año que viene llegará a las pantallas japonesas la 26ª película de la franquicia Crayon Shin-Chan, titulada "Eiga Crayon Shin-chan Bakumori! Kung-Fu Boys ~Ramen Tairan~" (Crayon Shin-chan the Movie: Bakumori! Kung-Fu Boys Ramen Rebellion). Dirigida por Wataru Takahashi (Crayon Shin-chan Bakusui! Yumemi World Dai Totsugeki) a partir del guión de Kimiko Ueno (Eiga Crayon Shin-chan: Ora no Hikkoshi Monogatari ~Saboten Daishūgeki), será una película de kung-fu que se desarrollará en un barrio chino de Kusakabe, el pueblo de Shin-Chan.


La tailandesa Shellnut Entertainment y la singapurense Tiny Island Pictures desarrollarán en co-producción con la china WingsMedia, filial de Shanghia Media Group, un total de 10 largometrajes de animación, en lo que constituye el mayor caso de cooperación para la producción de animación en Asia. La primera de las películas, que se espera que se estrene en 2020, será "Dream Defenders: The Next Dimension", basada en la serie "Dream Defenders" de Tiny Island y en la serie "Starship MZ: 2049" de WingsMedia. Al frente estará el director Paul Chung, que ha trabajado para DreamWorks, Disney y Warner Bros. en películas como "¿Quién Engañó a Roger Rabbit", "Space Jam", "Shrek", "Madagascar", "Megamind" y "El Libro de la Selva".


En materia de series, la franquicia de las Tortugas Ninja está a punto de volver, tras la última serie en cgi de 2012, en una nueva serie en 2D titulada "Rise of the Teenage Mutant Ninja Turtles" que se estrenaría el año que viene en Nickelodeon. Según la sinopsis: Rise of the Teenage Mutant Ninja Turtles sigue a Raphael, Leonardo, Donatello y Michelangelo en nuevas aventuras mientras tratan de desvelar los secretos místicos de New York City. Desde el rascacielos más alto a la alcantarilla más fría y húmeda, las Tortugas coincidirán con absurdos nuevos mutantes y lucharán contra criaturas extrañas y aún les quedará tiempo para disfrutar de un pedazo de pizza. Tras conocer los místicos poderes ninja que nunca supieron que existían, los cuatro hermanos deberán aprender a trabajar juntos y navegar sobre los peligros de la edad moderna y los reinos ocultos para completar su destino de convertirse en un equipo de héroes.


Mattel ha decidido modernizar el aspecto de la franquicia Thomas & Friends, y para ello la 22ª temporada de la serie, titulada "Thomas & Friends: Big World! Big Adventures!" sacará a los protagonistas más allá de Sodor y les verá viajando por distintos lugares como China, India, Brasil o África. Además la serie mostrará un aspecto más luminoso y colores más vibrantes y los episodios se dividirán en dos segmentos, para reservar el segundo a karaoke, videos musicales o monólogos de Thomas. Además, en verano se estrenará la película "Big World, Big Adventures: The Movie", donde Thomas conocerá a nuevas locomotoras femeninas que se añadirán a Clara y Annabelle y elevarán la representación femenina a la paridad con la masculina.


En los canadienses Big Bad Boo Studios (1001 Nights, Mixed Nutz, 16 Hudson, Lili & Lola) se ha empezado el desarrollo de una nueva serie digital titulada "Judge Jodhi", cuya protagonista es una niña de 12 años que cada día después de clase organiza en el patio de su casa una especie de corte judicial para resolver problemas de su vecindario. La serie busca poder interesar a sus jóvenes espectadores de entre 6 y 9 años en los temas de justicia, política y pensamiento crítico a través del humor y los enredos.


Las compañías francesas Vanilla Seed, Superprod y Chouette han adaptado los libros infantiles del ilustrador y escritor Anouk Ricard en la serie cgi "Anna & Froga" (65 x 5'), que desarrolla la historia de la extraña amistad entre una niña llamada Anna y un ecléctico grupo de animales compuesto por la rana Froga, un perro pretencioso, un gato tramposo y una oruga comilona; con caracteres tan distintos que muchas veces se ven inmersos en conflictos que sólo con la ayuda de Anna y Froga se pueden solucionar.


La australiana Bogan Entertainment Solutions está en pre-producción de la serie "Monster Beach" (52 x 11'), basada en la TV movie homónima que emitió Cartoon Network en 2015 creada por Patrick Crawley, Bruce Kane y Maurice Argiro, que también participan en esta serie que combina surf, motos y monstruos. Se desarrolla en una isla tropical habitada por humanos y monstruos y sigue las cómicas aventuras de un par de inseparables hermanos - Jan y Dean - empecinados en estropear los planes malvados del megalómano monstruo Dr. Knutt y su banda.


Las japonesas Dentsu y OLM y el estudio con base en Los Angeles Sprite Entertainment están co-produciendo una serie preescolar titulada "Tinpo" (78 x 7') que se estrenará en 2018, primeramente en Reino Unido vía CBeebies. La serie, que ha contado con los guionistas Davey Moore (Thomas & Friends) y Emma Hogan (Nelly & Nora), efectúa una mirada encantadora y divertida, basada en un punto de vista cómico de prueba y error, sobre temas clásicos de construcción y resolución de problemas, y muestra que los planes que triunfan no son siempre los más prácticos sino los más creativos y sorprendentes. Los episodios siguen a los héroes de Tinpo Town, diseñadores y constructores que de la forma más divertida posible tratan de resolver los problemas que diariamente se plantean en su mundo único.


El 6 de enero debutará el anime "Pochitto Hatsumei: Pikachin-Kit" (Pochi and Invention: Pikachin-Kit) de OLM y Shinei Animation, que forma parte de un proyecto transmedia que incluye juguetes, mangas, y serie en Youtube entre otras. El anime se centra en un estudiante de quinto año de escuela llamado Eiji Tōmatsu y en su perro Pochirō, que un día encuentran un misterioso libro llamado "Libro de Investigación Pikachin" con un botón que al pulsarlo hace que le envíen desde el futuro las siete herramientas del Kit Pikachin (o Kit de las Ideas), aunque parece que un 1% del kit aún falta. Ryūichi Murata dirige la serie, que cuenta con parte de los equipos de las franquicias Pokémon y Yo-Kai Watch, y tiene también participación de Bandai y de Amazon.


También en enero del año que viene se estrenará en Japón la serie que adapta el manga "Mameneko Cat" de Nekomaki, que sigue la vida diaria de dos gatos domésticos - Azuki y Daizu - que pertenecen a un oficinista treintañero que vive con sus padres, su abuelo y su hermana mayor, propietaria de un perro Shiba Inu que, al crecer con los gatos, cree ser también un gato. Yuzo Yamamoto (Chō Zenmai Robo Patrush) escribe, dirige y produce la serie desde el estudio Charaction (Boku no Imōto wa "Ōsaka Okan").



Studio Trigger y A-1 Pictures verán estrenada también en enero la serie "DARLING in the FRANXX". Atsushi Nishigori (The IDOLM@STER) dirige la serie con la asistencia de Toshifumi Akai (Magi: The Labyrinth of Magic, Sound of the Sky), mientras que Masayoshi Tanaka (anohana: The Flower We Saw That Day, Highschool of the Dead) está al cargo de la supervisión de animación y el diseño de personajes y Shigeto Koyama (Michiko & Hatchin, Ancien and the Magic Tablet) desarrolla los diseños mecánicos. Los FRANXX, o "damas de acero", son robots con forma de mujer que pueden ser pilotados por parejas de chicos y chicas y utilizados para la batalla.


También se estrenará la serie que adapta el manga "Tokyo Ghoul:re" de Sui Ishida, dirigida en Pierrot por Odahiro Watanabe (Soul Buster, Super Lovers 2, Valkyrie Drive: Mermaid), con los guiones de Chūji Mikasano y los diseños de personajes de Atsuko Nakajima (Ranma ½, You're Under Arrest, Haven't You Heard? I'm Sakamoto). Tras el ataque al Anteiku, lugar de encuentro de ghouls y guarida del Búho, la CCG sigue trabajando para destruir a los ghouls que devoran a los humanos, y para ello ha creado una nueva división, el escuadrón Quinx, liderado por el misterioso inspector Haise Sasaki, encargado de enseñar a los integrantes de la escuadra Quinx a convertirse en prominentes investigadores, a pesar de que sus personalidades son problemáticas y el mismo Sasaki no comprende aún el verdadero alcance de sus poderes Ghoul.


Igualmente en enero se estrenará "Killing Bites", que adapta el manga homónimo de Kazasa Sumita (Witchblade Takeru) y Shinya Murata (Jackals) sobre unos duelos entre híbridos de humano y animal que se desarrollan en un inframundo dominado por el terror y la locura, y al que llega una bestia que no conoce el miedo dispuesta a librar el último combate. LIDEN FILMS (Love and Lies, The Heroic Legend of Arslan) produce la serie, que está dirigida por Yasuto Nishikata (The Heroic Legend of Arslan, The Seven Deadly Sins) y cuenta con los diseños de personjes de Kazuo Watanabe (The Heroic Legend of Arslan, Oku-sama wa Joshi Kōsei).


También será el mes del estreno de la serie que adapta el manga "Takunomi" (Drinking at Home) de Haruto Hino, una comedia que se desarrolla en torno a una chica de 20 años llamada Michiru Amazuki que se muda a Toquio por trabajo y se hospeda en Stella House Haruno, un hogar compartido para mujeres donde coincide con residentes con diferentes edades y trabajos a quienes les encanta reunirse en torno al alcohol y comidas deliciosas. Producida por Production IMS, la serie está dirigida por Tomoki Kobayashi (Utawarerumono, Akame ga KILL!, Amagami SS+) y cuenta con guiones de Katsuhiko Takayama (ef: a tale of memories, Ga-Rei: Zero, Sakurada Reset) y diseños de personajes de Shinpei Kobayashi (Castle Town Dandelion).


El 12 de enero debutará la adaptación del manga "Hoshin Engi" de Ryu Fujisaki en una serie titulada "Hakyū Hōshin Engi" de C-Station. Dirigida por Masahiro Aizawa, con guiones de Yoshiki Ōkusa y Rintarou Ikeda supervisados por Natsuko Takahashi y personajes de Yoshimitsu Yamashita, se basa ligeramente en la novela china "Fengshen Yanyi" y se desarrolla miles de años atrás, cuando una malvada hechicera embrujó al emperador de una poderosa dinastía convirtiéndolo en su marioneta y sumió al país en las sombras, habitadas por ruines espíritus, por lo que la Federación de Maestros Inmortales envía a un joven maestro hechicero a dar caza a todos los villanos y monstruos en las devastadas tierras.


Igualmente debutará en enero el anime "Uchū Yorimo Tōi Basho" (A Place Further Than the Universe), que se desarrolla en torno a unas estudiantes de instituto que se van al Polo Sur, donde sus vidas progresan haciendo frente a condiciones extremas. Animada en Madhouse, Atsuko Ishizuka dirige la serie a partir de los guiones de Jukki Hanada, y contando con los diseños de personajes y la dirección de animación de Takahiro Yoshimatsu (Hunter × Hunter 2011, Trigun).


También el año que viene se estrenará el anime "Tada-kun wa Koi o Shinai" (Tada-kun Does Not Fall in Love) de Doga Kobo (Monthly Girls' Nozaki-kun, Touken Ranbu: Hanamaru). Se trata de una comedia romántica donde Mitsuyoshi Tada, un chico que nunca ha conocido el amor, se encuentra tomando fotos de los cerezos en flor cuando conoce a la estudiante luxemburguesa Teresa Wagner, perdida en Japón al separarse de sus compañeros de viaje, por lo que la ayuda y la lleva a la cafetería de su abuelo. Mitsue Yamazaki (Monthly Girls' Nozaki-kun, Magic-kyun! Renaissance) dirige la serie, que cuenta con los guiones de Yoshiko Nakamura (Monthly Girls' Nozaki-kun, Super Lovers) y la dirección de animación y diseños de personajes de Junichiro Taniguchi (Monthly Girls' Nozaki-kun, Touken Ranbu: Hanamaru).


Asimismo en enero se podrá ver en Japón el anime que adapta el manga "Pop Team Epic" de Bkub Ōkawa, que se centra en dos chicas de 14 años - la bajita Popuka y la alta Popimi - que hacen bueno el dicho de Skakespeare de que no hay más oscuridad que la ignorancia. Kamikaze Douga anima la serie, producida por King Records, que está dirigida por Jun Aoki (Oshiruko - The Summertime Mischief, Stephan no Ongaeshi, "#1 Adachin mo Keitai ga Hoshii da chin!") y Aoi Umeki, siendo también guionista el primero y el diseñador de producción el segundo.


Enero también será el mes del estreno de "Basilisk: Ōka Ninpōchō", el anime que adapta las novelas "Ōka Ninpōchō Basilisk Shinshō" (Ōka Ninja Scrolls Basilisk New Chapter) de Masaki Yamada, que a su vez son una secuela de la novela "Kōga Ninpōchō" (The Kouga Ninja Scrolls) de Futaroh Yamada. Ambientada en el conflicto de 400 años entre los clanes Iga y Kouga, contempla el fin de la tregua de Hanzo Hattori que ha impedido la guerra entre los clanes, debido a una orden del Shogun Ieyasu Tokugawa que establece que diez ninjas de ambos bandos deberán batirse hasta la muerte para determinar quién será el próximo Shogun que gobernará durante los siguientes mil años; pero no todos los miembros de los clanes están de acuerdo, puesto que Oboro del clan Iga y Gennosuke del clan Kouga se aman. Junji Nishimura (ViVid Strike!, Bakuon!!, GLASSLIP) dirige la serie para Seven Arcs Pictures, con diseños de Masaki Segawa adaptados por Takao Maki (Laughing Under the Clouds), que es también el supervisor de animación.


En primavera del año que viene se estrenará "Megalobox", una serie original basada en el manga "Ashita no Joe" de Ikki Kajiwara y Tetsuya Chiba, en la que un hombre llamado JD (Junk Dog) participa en combates de boxeo amañados para ganarse la vida, hasta que un día se encuentra con cierta persona y decide asumir un riesgo que podría cambiarlo todo. La serie está dirigida desde TMS Entertainment por You Moriyama (director de animación de "Master Keaton and Lupin III: The Woman Called Fujiko Mine") con guiones supervisados por Katsuhiko Manabe (Shin Kyūseishu Densetsu Hokuto no Ken: Raoh-den Gekitō no Shō, Shin Kyūseishu Densetsu Hokuto no Ken: Raoh-den Junai no Shō) y Kensaku Kojima.


El estudio Sunrise está animando la adaptación de la serie de novelas "Isekai Izakaya 'Nobu'" (Otherwordly Izakaya "Nobu") de Natsuya Semikawa, que se estrenará también en Japón el año que viene con el título "Isekai Izakaya ~Koto Aitheria no Izakaya Nobu~" (Otherwordly Izakaya ~Ancient Capital Aitheria Izakaya Nobu~). La novela gira en torno a un bar de Kyoto llamado 'Nobu', llevado por el dueño Nobuyuki Yazawa y la sirvienta Shinobu Senke, que tiene una puerta que se conecta al bar de otro mundo: Aitheria. De este modo pueden ofrecer comida de ese otro mundo y hasta recibir clientes procedentes de allí que acuden en busca de su delicioso alcohol y manjares.


En el terreno empresarial, Paramount y Hasbro han firmado un acuerdo de cinco años que contempla la producción de películas de animación y de imagen real originales o basadas en las líneas de juguetes de la segunda, que se encargará de desarrollar los largometrajes desde Allspark Pictures y Allspark Animation. Se amplía así la colaboración que ambas compañías ya habían establecido para la producción de películas basadas en las franquicias Transformers y G.I.Joe.

Entradas relacionadas:
Se presenta el nuevo estudio de animación 3 Doubles Producciones (12 de mayo 2017)
Un poco de aquí y de allá (XXXVIII) (2 de febrero 2017)
Sony desarrolla una película de "Sonic el Erizo" (11 de febrero 2016)