Anunciados los ganadores de los segundos Emile Awards

El sábado pasado se celebró en Lille (Francia) la segunda edición de entrega de los Premios Émile, llamados así en honor de los pioneros de la animación, Émile Cohl y Émile Reynaud, que premian a los artistas por sus logros en el cine de animación, galardonando hasta 18 categorías distintas.

La serie danesa "The Heroic Quest of the Valiant Prince Ivandoe" y el largometraje "The Breadwinner" destacaron por la cantidad de reconocimientos en una velada en que los ganadores fueron:

- MEJOR LOGRO EN UNA PELÍCULA DE ESTUDIANTES -

Enough -  dirigido por Anna Mantzaris (Reino Unido)

- MEJOR DIRECCIÓN -

En un cortometraje de animación

Emma De Swaef y Marc James Roels  por This Magnificent Cake! | (Bélgica, Francia, Países Bajos)

- MEJOR FONDO Y DISEÑO DE PERSONAJES -

En un cortometraje de animación

Gilles Cuvelier por (Fool) Time Job (Francia)

- MEJOR LOGRO EN UNA PELÍCULA DE ENCARGO -

A most precise and nuance look into the life of the man, legend and visionary - Martin Luther -  de Magnus Igland Møller (Dinamarca)

PRODUCCIÓN/EMISIÓN DE TV:

- MEJOR DIRECCIÓN -

En una producción/emisión de TV

Christian Bøving-Andersen y Eva Lee Wallberg por The Heroic Quest of the Valiant Prince Ivandoe (Dinamarca)

- MEJOR GUIÓN -

En una producción/emisión de TV

Kim Fupz Aakeson e Ida Mule Scott por Vitello - Vitello gets a Yucky Girlfriend (Dinamarca)

- MEJOR STORYBOARD -

En una producción/emisión de TV

Kenneth Ladekjær y Eva Lee Wallberg por The Heroic Quest of the Valiant Prince Ivandoe (Dinamarca)

- MEJOR ANIMACIÓN DE PERSONAJES -

En una producción/emisión de TV

Tina Lykke Thorn, Henrik Sønniksen, Mikkel Vedel y Eva Lee Wallberg por The Heroic Quest of the Valiant Prince Ivandoe (Dinamarca)

- MEJOR FONDO Y DISEÑO DE PERSONAJES -

En una producción/emisión de TV

Mikkel Sommer y Birk Von Brockdorff  por The Heroic Quest of the Valiant Prince Ivandoe (Dinamarca)

- MEJOR BANDA DE SONIDO -

En una producción/emisión de TV

Yan Volsy y Pablo Pico por A Man is Dead (Francia)

- MEJOR DISEÑO DE SONIDO -

En una producción/emisión de TV

Célia Sayaphoum por Athleticus - Middle-distance running (Francia)

LARGOMETRAJE:

- MEJOR DIRECCIÓN -

En un largometraje

Nora Twomey por The Breadwinner  (Irlanda, Luxemburgo, Canadá)

- MEJOR GUIÓN -

En un largometraje

Denis Do y Magali Pouzol por Funan (Francia, Bélgica, Luxemburgo, Camboya)

- MEJOR STORYBOARD -

En un largometraje

Giovanna Ferrari, Julien Regnard y Stuart Shankly por The Breadwinner  (Irlanda, Luxemburgo, Canadá)

- MEJOR ANIMACIÓN DE PERSONAJES -

En un largometraje

Fabian Erlinghäuser, John Walsh, Lorraine Lordan, Jeremy Purcell, Viktor Ens, Nicolas Debray, Geoff King y Emmanuel Asquier-Brassart por The Breadwinner (Irlanda, Luxemburgo, Canadá)

- MEJOR FONDO Y DISEÑO DE PERSONAJES -

En un largometraje

Ciaran Duffy, Reza Raihi y Sandra Andersen por The Breadwinner (Irlanda, Luxemburgo, Canadá)

- MEJOR BANDA DE SONIDO -

En un largometraje

Mikel Salas por Un Día Más con Vida (Polonia, España, Bélgica, Alemania)

- MEJOR DISEÑO DE SONIDO -

En un largometraje

Nicolas Leroy, Michel Schillings y Nicolas Tran Trong por Funan (Francia, Bélgica, Luxemburgo, Camboya)

También se entregó el Premio Lotte Reiniger a la Trayectoria de Claire Kitson, productora, escritora e investigadora que contribuyó decisivamente a la creación de una época dorada de los cortometrajes de animación en Gran Bretaña cuando se convirtió en la primera comisionada de películas de animación para Channel Four desde 1989 hasta 1999, y lanzó la carrera de muchos de los nombres más conocidos de la época.

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Se anuncian los nominados a la segunda edición de los Emile Awards (8 de noviembre 2018)

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Se anuncian los nominados a la segunda edición de los Emile Awards

Peter Lord, presidente de la Asociación Europea de Premios de Animación (EAA), Didier Brunner, vicepresidente, Jean-Paul Commin, secretario general y Matie Haroutian, general Delegado, han anunciado hoy (8 de noviembre) los nominados a los Premios Emile 2018 en vivo desde el Secretaría General del Ministerio de Política Digital, Telecomunicaciones y Medios de Comunicación de Grecia.
Desde hoy hasta el 30 de noviembre (23:00 GMT), los miembros de EAA podrán votar en línea para elegir a los ganadores en las 18 categorías. El ganador de cada categoría será anunciado durante la Entrega de premios Emile el 8 de diciembre.

Estos son los nominados por categorías:

- MEJOR LOGRO EN UNA PELÍCULA DE ESTUDIANTES -

● A Love Letter to the One I Made up - Israel | Rachel Gutgarts (directora)
● Bless You! - Polonia | Paulina Ziolkowska (directora)
● Enough - Reino Unido | Anna Mantzaris (directora)
● Petits Poissons - Francia | Noemie Buffat (directora)
● Pura Vida - Estonia | Nata Metlukh (director)

- MEJOR DIRECCIÓN -

En un cortometraje de animación

● Bloeistraat 11 - Bélgica, Países Bajos | Nienke Deutz (director)
● Egg - Francia, Dinamarca | Martina Scarpelli (directora)
● Fest - Alemania | Nikita Diakur (directora)
● Musical Traumas - Serbia | Miloš Tomić (director)
● This Magnificent Cake! - Bélgica, Francia, Países Bajos | Emma De Swaef, Marc James Roels (co-directores)

- MEJOR FONDO Y DISEÑO DE PERSONAJES -

En un cortometraje de animación

● Cat Days - Alemania | Jon Frickey (director)
● (Fool) Time Job - Francia | Gilles Cuvelier (director)
● Have Heart - Reino Unido | Will Anderson (director)
● Last Stop is the Moon - Polonia, Lituania | Sodeikaite Birute (director)
● The Fruits of Clouds - República Checa | Alžěta Skálova (directora artística), Kateřina Karhánková (directora)

- MEJOR LOGRO EN UNA PELÍCULA DE ENCARGO -

● A most precise and nuance look into the life of the man, legend and visionary - Martin Luther - Dinamarca | Magnus Igland Møller (director)
● BBC Winter Olympics "The Fearless Are Here" - Reino Unido | Smith y Foulkes (co-directores)
● Better Humans - Reino Unido | Moth Studio (directores)
● Dancing on Ice - Reino Unido | Goodbye Kansas Studios (directores)
● Lystfiskeren - Dinamarca | Sara Aunbirk (director)

PRODUCCIÓN/EMISIÓN DE TV:

- MEJOR DIRECCIÓN -

En una producción/emisión de TV

● Ariol - Dracuriol - Francia | Hélène Friren (directora)
● Ella, Oscar & Hoo - Nhooël, Nhooël - Francia | Emmanuel Linderer (director)
● Esther's Notebooks - The Hundred Years War - Francia | Riad Sattouf, Mathias Varin (co-directores)
● Hey Duggee - The Space Badge - Reino Unido | Grant Orchard (director)
● The Heroic Quest of the Valiant Prince Ivandoe - Dinamarca | Christian Bøving-Andersen, Eva Lee Wallberg (co-directores)

- MEJOR GUIÓN -

En una producción/emisión de TV

● Angela's Christmas - Irlanda | Will Collins, Damien O'Connor (escritores)
● Max & Maestro - The Supersonic Ear - Francia, Italia, Alemania | Agathe Robilliard (escritora)
● Nate is Late - The Invaders - France, Australia | Simon Lecocq (escritor), Sylvain Huchet (jefe de redacción)
● The Highway Rat - Reino Unido | Jeroen Jaspaert (escritor)
● Vitello - Vitello gets a Yucky Girlfriend - Dinamarca | Kim Fupz Aakeson, Ida Mule Scott (escritores)

- MEJOR STORYBOARD -

En una producción/emisión de TV

● A New Kind of Magic - A Fish Out of Water - Francia | Stéphane Annette (artista del guión gráfico)
● Ella, Oscar & Hoo - The Treasure Map - Francia | David Berthier (artistas del guión gráfico), Emmanuel Linderer (supervisor de guión gráfico)
● Nate is Late - The Invaders - France, Australia | Joseph Herbelin, Jeremy Guiter (artistas de guión gráfico), Edouard Kuchiman (supervisor de guión gráfico)
● The Heroic Quest of the Valiant Prince Ivandoe - Dinamarca | Kenneth Ladekjær, Eva Lee Wallberg (artistas del guión gráfico)
● The Highway Rat - Reino Unido | Tim Dillnutt, Jeroen Jaspaert (artistas del guión gráfico)

- MEJOR ANIMACIÓN DE PERSONAJES -

En una producción/emisión de TV

● Ella, Oscar & Hoo - Nhooël, Nhooël - Francia | Equipo de animación dirigido por Emmanuel Linderer (director) y Erik Simon (supervisor de animación)
● Nate is Late - The Invaders - Francia, Australia | Matthieu Giner, Mireille Tran (co-animadores)
● Rolling with the Ronks! - Take it to the field - Francia | Jean-Christophe Dessaint (animador)
● The Heroic Quest of the Valiant Prince Ivandoe - Dinamarca | Tina Lykke Thorn, Henrik Sønniksen, Mikkel Vedel y Eva Lee Wallberg (co-animadores)
● The Highway Rat - Reino Unido | Quentin Vogel (animador) y Triggerfish Animation

- MEJOR FONDO Y DISEÑO DE PERSONAJES -

En una producción/emisión de TV

● Ariol - Dracuriol - Francia | Caz Murrell, François-Marc Baillet, Marc Boutavant (co-diseñadores)
● Claude - Rampaging Robots - Reino Unido | Angeliki Charenia (diseñadora), el equipo de arte de Claude
● Esther's Notebooks - The Hundred Years War - Francia | Charlotte Cambon de Lavalette, Caz Murrell, Tom Viguier y Riad Sattouf (co-diseñadores)
● Petit Malabar - The Greedy Algae - Francia | Bastien Dupriez, Armelle Prunier, Nelly Blumenthal, Hélène Younous, Rémi Juillet (co-diseñadores)
● The Heroic Quest of the Valiant Prince Ivandoe - Dinamarca | Mikkel Sommer, Birk Von Brockdorff (co-diseñadores)

- MEJOR BANDA DE SONIDO -

En una producción/emisión de TV

● A Man is Dead - Francia | Yan Volsy, Pablo Pico (compositor)
● Angela's Christmas - Irlanda | Darren Hendley (compositor)
● Animanimals - Ameise - Alemania | Christian Heck (compositor)
● Rita Og Krokodille - Blueberries - Dinamarca | Tanera Dawkins (compositor)
● The Highway Rat - Reino Unido | René Aubry (compositor)

- MEJOR DISEÑO DE SONIDO -

En una producción/emisión de TV

● Angela's Christmas - Irlanda | Peter Blayney, Steve Maher (diseñadores de sonido)
● Athleticus - Middle-distance running - Francia | Célia Sayaphoum (diseñadora de sonido)
● Oggy and the Cockroaches - Zmen to the rescue - Francia | Anne-Sophie Coste, Manuel Drouglazet, Nicolas Maia (diseñadores de sonido)
● Pipas & Douglas - The Princess and the Dragon - Francia | Romain Anklewicz, Alexandre Lormeau (diseñadores de sonido)
● Sounzee - Rickle Pick - Hungría | Adrian Kollar (diseñador de sonido)

LARGOMETRAJE:

- MEJOR DIRECCIÓN -

En un largometraje

● Un Día Más con Vida - Polonia, España, Bélgica, Alemania | Raúl de la Fuente y Damian Nenow (co-directores)
● Captain Morten and the Spider Queen - Estonia, Bélgica, Irlanda, Reino Unido | Kaspar Jancis, Henry Nicholson, Riho Unt (co-directores)
● Funan - Francia, Bélgica, Luxemburgo, Camboya | Denis Do (director)
● Teheran Taboo - Alemania, Austria | Ali Soozandeh (director)
● The Breadwinner - Ireland, Luxembourg, Canada | Nora Twomey (directora)

- MEJOR GUIÓN -

En un largometraje

● Un Día Más con Vida - Polonia, España, Bélgica, Alemania | Raúl de la Fuente, Damian Nenow, David Weber, Amaia Remirez y Niall Johnson (escritores)
● Chris the Swiss - Suiza, Croacia, Alemania, Finlandia | Anja Kofmel (escritora)
● Funan - Francia, Bélgica, Luxemburgo, Camboya | Denis Do y Magali Pouzol (escritores)
● Gordon & Paddy - Suecia | Janne Vierth (escritora)
● Teheran Taboo - Alemania, Austria | Ali Soozandeh (escritor)

- MEJOR STORYBOARD -

En un largometraje

● Colmillo Blanco - Francia, Luxemburgo | Simon Andriveau, David Canoville, Lian-Cho Han Jin Kuang, Ahmed Nasri, Oussama Bouacheria (artistas del guión gráfico)
● Dilili en París - Francia, Bélgica, Alemania | Michel Ocelot (artista del guión gráfico)
● Early Man - Reino Unido | Ashley Boddy, Andy Janes, Richard Phelan, Michael Salter, Luis Zamora-Pueyo (artistas del guión gráfico)
● Gordon & Paddy - Suecia | Elinor Bergman (artista del guión gráfico)
● The Breadwinner - Ireland, Luxembourg, Canada | Giovanna Ferrari, Julien Regnard, Stuart Shankly (artistas del guión gráfico)

- MEJOR ANIMACIÓN DE PERSONAJES -

En un largometraje

● Captain Morten and the Spider Queen - Estonia, Bélgica, Irlanda, Reino Unido | Mart Kivi, Sam Turner (animadores principales)
● Early Man - Reino Unido | Equipo de animación de personajes de Early Man.
● Luis & the Aliens - Alemania, Luxemburgo, Dinamarca | Jo Bub  y el equipo de animación de Luis & The Aliens
● The Breadwinner - Ireland, Luxembourg, Canada | Fabian Erlinghäuser, John Walsh, Lorraine Lordan, Jeremy Purcell, Viktor Ens, Nicolas Debray, Geoff King y Emmanuel Asquier-Brassart (animadores)
● Zombillenium - Francia, Bélgica | Julien Belloteau, Arthur de Pins, Alexis Ducord, Marie-Laure Guisset, Jeanne Irzenski, David Nasser, Romain Vacher (animadores)

- MEJOR FONDO Y DISEÑO DE PERSONAJES -

En un largometraje

● Un Día Más con Vida - Polonia, España, Bélgica, Alemania | Rafa ł Wojtunik (director de arte)
● Chris the Swiss - Suiza, Croacia, Alemania, Finlandia | Simon Eltz, Anja Kofmel, Serge Valbert (directores de arte)
● Funan - Francia, Bélgica, Luxemburgo, Camboya | Michael Crouzat (director de arte)
● The Breadwinner - Ireland, Luxembourg, Canada | Ciaran Duffy, Reza Raihi (directores de arte), Sandra Andersen (diseñadora de personajes)
● The Incredible Story of the Giant Pear - Dinamarca | Troels Christoffersen (diseño de producción), Bjørn Pedersen (supervisor de modelo de personaje)

- MEJOR BANDA DE SONIDO -

En un largometraje

● Un Día Más con Vida - Polonia, España, Bélgica, Alemania | Mikel Salas (compositor)
● Black is Beltza - España | Fermin Muguruza y Raül Refree (compositores)
● Chris the Swiss - Suiza, Croacia, Alemania, Finlandia | Marcel Vaid (compositor)
● The Incredible Story of the Giant Pear - Dinamarca | Fridolin Nordsø (compositor)
● THEOX - Grecia | Dimitra Trypani (compositor)

- MEJOR DISEÑO DE SONIDO -

En un largometraje

● Un Día Más con Vida - Polonia, España, Bélgica, Alemania | Oriol Tarragó (diseñador de sonido)
● Chris the Swiss - Suiza, Croacia, Alemania, Finlandia | Markus Krohn (diseñador de sonido)
● Funan - Francia, Bélgica, Luxemburgo, Camboya | Nicolas Leroy, Michel Schillings, Nicolas Tran Trong (diseñadores de sonido)
● Teheran Taboo - Alemania, Austria | Janis Grossmann (diseñador de sonido)
● The Tower - Francia, Noruega, Suecia | Christian Holm, Erik Clauss (diseñadores de sonido)


Para el proceso de selección, las 18 categorías se dividieron en cuatro jurados: Estudiantes y Cortometrajes; Largometrajes; Banda sonora y diseño de sonido; Producciones/emisiones de TV y películas comisionadas. Los jurados estaban compuestos por tres expertos europeos cada uno:

Estudiantes y cortometrajes:
- Niki Lindroth von Bahr, Suecia - cineasta
- Aneta Ozorek, Polonia - directora artística del Festival Klik
- Ülo Pikkov, Estonia - realizador, Doctor en Animación de Europa del Este

Largometrajes:
- Daniel Šuljić, Croacia - curador del Festival de Cine Animafest y cineasta
- Martin Vandas,  República Checa - productor
- Alberto Vàzquez - España, director

Producciones de televisión / difusión y películas comisionadas:
- Pierre-Henry Laporterie - Francia, personaje y escenógrafo - profesor
- Sabine Andresone - Letonia, productora - comisaria
- Ashley Boddy - Reino Unido, storyboarder

Música y diseño de sonido:
- Mikolaj Trzaska - Polonia, músico
- Alexandru Balanescu - Rumania, compositor
- Dani Zacarías - España, diseñador de sonido.


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Entrevista a Jakob Schuh, director de "Cuentos Revueltos"

En la pasada edición del certamen Mi Primer Festival tuvimos la oportunidad de ver las dos películas que componen el título "Cuentos Revueltos" (Revolting Rhymes), dirigidas por Jakob Schuh y Jan Lachauer, y que recientemente han triunfado en la primera edición de los Premios Émile de la animación europea. La presencia de uno de los directores, Jakob Schuh, nos brindó la oportunidad de charlar con él sobre la realización de las películas, que adaptan la mayoría de los poemas con los que Roald Dahl reinterpretó, con su oscuro estilo, reinterpretó seis cuentos tradicionales - La Cenicienta, Jack y las Judías Mágicas, Blancanieves y los Siete Enanitos, Ricitos de Oro, La Caperucita Roja y Los Tres Cerditos - actualizándolos y dándoles unos finales bastante distintos de los conocidos.
La espera para la recepción de cierto material que finalmente no pudo producirse dilató en el tiempo la publicación de esta entrevista que, en cualquier caso, mantiene pleno interés y actualidad tras la entrega de los premios Émile hace tan solo unas semanas.

¿Cuál fue la razón de mezclar las diversas historias que componen "Cuentos Revueltos"?
Teóricamente podríamos haber saltado de historia en historia sin que ellas interactuaran, pero entonces tendríamos múltiples finales, uno para cada historia, lo que no nos acababa de gustar. Queríamos tener finales comunes. Y para ello los personajes tenían que conocerse e interactuar entre ellos; de este modo Jack y Cindy tienen un final que comparten, por ejemplo. La dificultad estuvo en que nos permitimos superar el texto de las historias pero sin añadir texto, porque los cuentos de Roald Dahl eran para nosotros sacrosantos; no queríamos hacer un cuento al estilo de Roald Dahl, sino adaptar los cuentos de Roald Dahl. Así que intentamos establecer las relaciones entre Blancanieves y la Caperucita Roja, entre Jack y Cindy, entre la Caperucita Roja y el cerdito banquero (que en el texto original tan sólo se reduce a una línea que explica de dónde sacó ella su dinero, lo que nos obligó en cierta forma a inventar el personaje para darle una razón de existir) sin añadir texto, sin una línea extra. De este modo las relaciones se tenían que construir sobre el texto original o mediante acción muda. Así, si tomamos la relación entre Blanca Nieves y la Caperucita Roja - que cuanto menos deja entrever una profunda amistad que se extiende durante largo tiempo -, vemos que nunca hablan entre ellas, pero intentamos hacerlo de forma que fuera evidente para todo el mundo, para que no resultara una pantomima. Probablemente este aspecto, unir las historias, fue lo más difícil, no sólo del guión, sino de toda la producción de la película.

Los cuentos revueltos de Roald Dahl comprenden seis cuentos clásicos, pero dejásteis fuera el de "Ricitos de Oro". ¿Por qué?
Sí, cuando decidimos que todas las historias iban a compartir un mismo universo miramos al conjunto y nos dimos cuenta de que la historia de "Ricitos de Oro" tenía un tono totalmente distinto: está narrada como si transcurriera en un juicio y transmite una voz totalmente diferente de las demás. Y también necesitábamos cortar material de algún modo, porque tan sólo disponíamos de 16 minutos, y la primera prueba en animática ascendía hasta los 19. Así que quedó fuera, aunque realmente nunca se planteó que estuviera dentro por lo que he mencionado al principio. También ocurrió en cierto modo en el caso de "Los Tres Cerditos", cuya historia - o al menos la de dos de ellos - queda reducida al mínimo, a una sola escena, a pesar de que en los cuentos de Roald Dahl tienen su propio cuento e incluso tuvieron una secuencia de siete minutos. La versión de "Ricitos de Oro" que hace Roald Dahl es también preciosa pero es tonalmente muy distinta, con lo que no resultó difícil descartarla.

Se observa en las historias la existencia de un trasfondo socializante: hay un par de enanos de color, Cindy resulta ser bastante materialista, también hay un empoderamiento de la mujer ... ¿hasta qué punto profundizáis en este sentido lo que ya existía en los libros?
De hecho, el carácter materialista de Cindy ya existía en los libros, pero efectivamente otros aspectos no están. Por ejemplo el tema del perdón, que hace que el lobo desista de sus intenciones originales y desaparezca en el bosque, no existe. De hecho ese personaje no existe en los libros, es una inspiración basada en una de las portadas, pero está construido siguiendo su espíritu, porque lo que hace Dahl es pretender que está contando una historia horripilante que no admite finales felices, pero al cabo sorprende con finales muy humanistas. Es una trampa que suele hacer que me encanta: el autor te dice te voy a contar una historia salvaje, que será violenta y horripilante, incluso repugnante, pero al final presenta finales que son bastante humanos, bastante cálidos. Así que siguiendo este espíritu intentamos encontrar los finales comunes para las historias.
Básicamente cuando se cuenta una historia se trata de encontrar una moraleja; no es una opción. Si cuentas una historia que no tiene moraleja, normalmente es una historia vacía. Así que intentas encontrársela y pensar que a Dahl le hubiera gustado.

También resulta muy evidente un enfoque gráfico que hace que la presentación de las historias se parezca a ilustraciones de un libro.
Fue difícil también abordar este aspecto porque Quentin Blake era el autor de las ilustraciones de los libros y para mí es un dios, al menos en la misma medida en que lo es Roald Dahl. Así que también las ilustraciones originales eran sacrosantas para mí. Copiarlas hubiera sido blasfemo, pero al mismo tiempo todas o casi todas las adaptaciones que se habían hecho de Roald Dahl anteriormente - "Fantástico Mr. Fox", "Charlie y la Fábrica de Chocolate", "Matilda".. - nunca adaptaron el trabajo de Quentin Blake. Me encontraba en un punto extraño, porque no quería copiar a Quentin pero al mismo tiempo quería respetar su trabajo, porque es precioso: no sólo la línea, sino también la forma de los personajes, los volúmenes... Son realmente muy buenos. Parece como si los hubiera dibujado en la página en cinco minutos, pero realmente es un diseño muy bueno. Así que en la fase de concept lo que terminamos por hacer fue decir, ok, obviamente no va a ser Quentin Blake, va a ser diferente, pero será como si alguien se hubiera basado en el trabajo de Quentin para hacer marionetas a partir de él. Esa sería la aproximación: de forma que cuando uno ve a los personajes y se fija en los dibujos originales pueda reconocerlos. Fueron dibujados por otra persona, naturalmente, pero son los mismos personajes. Es lo que intentamos hacer.. y fue difícil porque soy muy fan del trabajo de Blake pero también lo es mucha otra gente, por lo que cuando muestras la película te encontrarás con gente que adoraba los dibujos originales, y queremos mantener una distancia respecto a ellos que al mismo tiempo no sea tan lejana como para hacerlos irreconocibles.

Sorprende gratamente encontrar dos tipos de acabado: uno más tipo marioneta para las escenas en que se están desarrollando los cuentos y otro más realista cuando están protagonizadas por el lobo que hace de narrador.
No se lo he contado a nadie antes. Originalmente, la separación de ambos mundos no se planteó de una forma tan extrema; tan solo se iba a hacer visible en los diseños de los fondos, pero se iba a usar el mismo tipo de personajes para ambos tipos de escenas por razones de tiempo, presupuesto, etc. Pero una vez nuestros compañeros de Sudáfrica compusieron el café donde se encuentran el lobo y la cuidadora y vi los primeros renders, todo resultaba tan realista que era imposible tener allí a personajes con un cabello o pelo esculpido como si fuera de plástico; no hubiera funcionado. Así que a mitad de producción llegamos a la conclusión de que si el mundo de la narración iba a ser tan realista, y queríamos que así fuera, no iba a funcionar con los mismos personajes, de modo que de repente tuvimos que crear otros con pelo más realista, piel más realista... No estaba planeado, pero cuando el realismo del café lo exigió, la necesidad del cambio se hizo evidente. Fue de nuevo una decisión difícil, pero estamos satisfechos porque subraya aún más la separación de ambos mundos.

¿Qué sensación os produce que este trabajo, que es una producción para TV, se vea finalmente en los cines?
Oh, es lo mejor, literalmente. Se ha podido ver así en Francia, en Bélgica y ahora en España a pesar de que es una producción para televisión, como todas mis películas. Y aunque es algo que no se tiene en cuenta cuando se hace, porque naturalmente tratas de hacer una buena película, sin compararte con otras producciones, esta oportunidad le ha dado una segunda vida y la posibilidad de que la gente vea ambas películas juntas, mientras que en televisión normalmente se emiten en el primer y segundo día de Navidad. También a nivel de sonido se ve diferente, musicalmente es perfecto. Y además la televisión es un acto íntimo, no puedo estar en los salones de casa de todos los niños para ver su reacción ante la película, algo que en una sala de cine es posible. Normalmente cuando haces una película puedes hacer proyecciones de prueba de las animáticas, principalmente por razones de comprensión, para asegurarte de que los niños de cierta edad lo entenderán todo, pero para esta película no hubo tiempo, y el pase de prensa fue la primera vez que tuve oportunidad de verlo con otra gente distinta de la del equipo, y ahora con los pases en cine estoy teniendo la oportunidad de viajar y verlo en festivales y es lo mejor. Nunca me había ocurrido antes. Es fantástico y me hace muy feliz.
Por otra parte se me hace a la vez muy raro y fascinante escuchar la película en diferentes idiomas. Cada versión me resulta super-diferente porque durante tanto tiempo he trabajado en cada línea del guión y me obsesiono tanto en la edición de las voces que conozco cada pequeño sonido de la película. Y de repente, escuchar una versión que para mí es completamente diferente me provoca muchas sensaciones. En el caso de la versión en catalán encontré que el cerdo era fantástico, mejor incluso que la voz original.

Pero realmente la calidad de las películas se asemeja mucho a la de un trabajo para cine, puesto que se observa muy buena iluminación, texturas y muy buena animación, con lo que funciona muy bien en la pantalla grande.
Lo que uno intenta es, a pesar del pequeñísimo presupuesto de la producción, hacer compromisos que no se hagan sentir como tales. Se trata de no comprometer la animación ni el guión, pero se pueden hacer sacrificios en los fondos: en nuestra película todos los fondos consisten en un espacio de tres paredes, y muchos de los objetos son planos, a modo de escenario de teatro, que de hecho fue nuestra inspiración. En nuestra primera reunión, cuando el co-director y yo nos encontramos en el café que sirve de marco a la narración, que pertenece a un museo de marionetas, entramos en él y vimos que todas las marionetas son preciosos muñecos de teatro, y que los fondos eran pintados y mostraban incluso las pasadas de pincel, pero eran encantadores, así que vimos que podíamos hacer también este tipo de sacrificios. Lo mismo con las cámaras: dijimos, bien, puesto que cada escenario consiste en tres paredes, ello limita todas las direcciones a las que la cámara puede apuntar, no se les dará la vuelta, lo que por definición significa un ahorro presupuestario del 25%. Es algo que pasa mucho en las producciones de animación europeas: no se trata de hacer con un presupuesto pequeño lo que hacen en América con un presupuesto mucho mayor, sino de tomar las mejores decisiones en diseño y en narrativa para que el presupuesto se ajuste a la película. Y de repente todo tiene un buen aspecto; lo mismo pasa por ejemplo con "El Gran Lobo Feroz": encierra magníficas decisiones de diseño y el presupuesto se gasta en lo que es importante. Es algo que pasa cada vez más y creo que es algo bueno.
Las limitaciones pueden resultar en algo beneficioso puesto que te obligan a centrarte en lo esencial. A veces me han preguntado si no desearía hacer algo más largo que producciones de treinta minutos y he dicho que no, puesto que el formato de treinta minutos me educa para contar algo de forma bastante económica, en un tiempo corto. Aunque reconozco que para esta producción ello fue como dispararme un tiro en el pie, porque al escribir lo hice para dos bloques de media hora. Pero los tiempos de producción fueron muy cortos, porque para estas películas el tiempo de pura producción fue de 16 meses (el tiempo para el guión y la preproducción fueron mucho más largos), y en este tiempo normalmente produces media hora, y nosotros hicimos dos bloques de media hora. Ello nos obligaba a estar muy centrados, porque normalmente cuando te sientas en una mesa de productores siempre hay como una especie de red de seguridad que da cierta tranquilidad que permite probar algunas cosas y si no funcionan, probar algo al mes siguiente. Pero en este caso teníamos que tener los dos bloques de media hora listos para Navidad del 2016 y no había modo de alargar los tiempos de producción, con lo que todas las discusiones eran bastante centradas, porque todos sabíamos que lo que decidiéramos no se podía echar atrás. Ello te da buenas vibraciones, me gusta.

Y los resultados han sido bastante buenos: entre otros reconocimientos, habéis obtenido el Premio Cristal de Annecy y tres nominaciones para los premios Emile: Mejor Producción de TV, Mejor Animación y Mejor Storyboard. ¿Cómo os hace sentir?
Sí, nos hace muy felices. Las nominaciones a los Émile me alegran y también me causaron cierta sorpresa porque había otras categorías en las que tenía mayor confianza, pero también es fantástico haber estado nominado a aquellas tres. Pienso que lo que se hace en animación europea es muy bueno: las películas cada vez resultan más interesantes y están atrayendo mayor atención, y creo que los Émile son un paso importante en términos de reconocimiento y éxito profesional. No sólo permitirán decir si una película ha sido muy buena, sino también si ha estado bien diseñada, si tiene buena música,... y espero que puedan tener continuidad.

¿Cuánta gente trabajó en las películas?
Creo que en los créditos aparecen entre 140 y 150 personas, pero naturalmente es una suma que resulta del trabajo de varios meses, de gente que entraba y salía de la producción. Los productores fueron Magic Light Pictures y tuvimos la ayuda del estudio sudafricano Triggerfish Animation Studios.  El estudio en Berlín, que se montó para esta película, se encargó de una parte de la animación y la mayor parte del diseño, modelado y rigging. La gente del estudio Triggerfish son muy buenos y nos ayudaron mucho con la animación e hicieron el 100% de la texturización, iluminación, render y composición. Prácticamente nos salvaron porque los tiempos de producción eran muy ajustados y escribir el guión nos tomó mucho tiempo, y ellos se pudieron encargar de ayudarnos en la producción desde el primer momento por la experiencia previa que ya tenían. En Sudáfrica son un gran estudio, con mucha experiencia, especialmente en animación, y son muy fiables. Fueron determinantes y son los responsables de la buena iluminación y el feeling visual de la película.
Originalmente hubo dos directores: Jan Lachauer y yo. Escribimos juntos el guión e iniciamos un pre-storyboard con pequeñas ilustraciones, y nos dimos cuenta de que la cantidad de cuestiones que se originan diariamente eran demasiadas para sólo dos directores, así que para el storyboard contamos con un tercer co-director, Bin-Han To, lo que hizo el trabajo bastante comparable al de una producción de una sola media hora. Yo siempre trabajo en co-dirección, nunca dirijo solo y creo en ello porque compartir las dificultades las reduce a la mitad de dificultades, y compartir el trabajo lo reduce también a la mitad, pero compartir los éxitos los hace más grandes. La razón para co-dirigir es que en cierto punto hay tanta gente trabajando en la co-producción que surgen demasiadas cuestiones, y hay tanta gente acudiendo con ellas a tu despacho que necesitas a alguien más para responderlas. Así que llega a ser una necesidad encontrar a un co-director que esté completamente en sintonía contigo - con Jan escribimos el guión juntos y compartimos cierta visión del proyecto - de forma que no importa quién de los dos dé las respuestas.


"Cuentos Revueltos" recibió en la pasada edición de los Premios Émile los reconocimientos a Mejor Producción para TV y Mejor Animación en una producción para TV. Felicitamos al equipo y muy especialmente a Jakob Schuh, y les deseamos mucho éxito en sus proyectos futuros.

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We're Going on a Bear Hunt

Uno de los nominados a los premios Emile, en las categorías de mejor producción de TV y mejor animación de personajes, fue el mediometraje "We're Going on a Bear Hunt", que pudimos ver en el reciente certamen El Meu Primer Festival.

Dirigida por Joanna Harrison y Robin Shaw, la producción adapta un libro homónimo muy premiado y muy popular en el Reino Unido, escrito por Michael Rosen e ilustrado por Helen Oxenbury, donde cinco niños y su perro salen al campo en busca de un oso al son de una alegre canción y superando todo tipo de obstáculos - en forma de río, barro, espeso bosque y tormenta de nieve -, hasta que finalmente encuentran al oso y salen despavoridos. La historia celebra así la alegría y el inocente envalentonamiento de la infancia, capaz de hacerse tan grande como de diluirse con igual rapidez cuando choca con la realidad. En todo caso, los realizadores de la película quisieron añadir a la trama un nuevo componente que diera mayor profundidad a la historia original, lo que hicieron introduciendo la referencia a la pérdida de un ser querido, el abuelo de la familia. Aunque la adición de este nuevo elemento trágico chirría en alguna ocasión con el espíritu alegre e inocente de la historia original, le aporta al conjunto una nueva dimensión que lo convierte en una invitación a enfrentarse a los miedos y continuar celebrando que la vida continua a pesar de las adversidades - tanto físicas como emocionales - lo que no implica renunciar al sentimiento de pérdida y debe servir igualmente para salir a la caza de buenas experiencias y de los buenos recuerdos, afrontando los problemas: mejor que pasar debajo o por arriba, mejor que soslayarlos, hay que enfrentarse a ellos. Por otro lado la película es también una exhaltación de los valores familiares y del espíritu naturalista - que es al fin y al cabo una celebración de la vida - a través de su retrato detallado de los bucólicos paisajes británicos.
Es significativamente en el apartado visual donde la producción televisiva alcanza su mayor valor: ejecutada en animación digital en 2D sobre fondos detalladamente pintados a mano, la película reproduce perfectamente el tono de las ilustraciones originales a acuarela de Helen Oxenbury, llenando de vida los campos en que se asientan las casas victorianas, con sus ríos, sus lodazales, y más allá sus bosques y playas. No se descuida ningún extremo en la animación de las plantas, insectos y elementos que bullen vitalmente en los caminos que recorren los protagonistas de la historia, animados con un ánimo realista comparable al que admiramos en "La Tortuga Roja" de Michael Dudok de Wit o la lograda "Ethel and Ernest" de Roger Mainwood. Los personajes, por otra parte, están coloreados con el mismo propósito de resultar fieles a las ilustraciones de Oxenbury y de integrarse  perfectamente en los fondos de la película, y en este sentido aparecen también como si estuvieran pintados a la acuarela dando un valor artístico al conjunto realmente atractivo.

Lo mejor: todo bulle de vida a través de una animación que no pasa por alto el más mínimo detalle
En contra: la introducción del elemento trágico puede chirriar con el espíritu alegre de la obra original

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Cuentos Revueltos

Es evidente que en los tiempos que nos ha tocado vivir, en que la autonomía de la mujer es indiscutible y se reniega de los príncipes azules, los cuentos más clásicos necesitan pasar por el filtro de la modernidad si no quieren verse olvidados. El caso es que ya Roald Dahl, uno de los grandes escritores de historias infantiles del siglo XX, reparó en la necesidad de revisar los célebres cuentos de hadas y creó los "Revolting Rhymes" (1982), una colección de poemas que, bajo el conocido humor negro del escritor, reinterpretaba seis cuentos tradicionales - La Cenicienta, Jack y las Judías Mágicas, Blancanieves y los Siete Enanitos, Ricitos de Oro, La Caperucita Roja y Los Tres Cerditos - actualizándolos y dándoles unos finales bastante distintos de los conocidos. El libro de Roald Dahl inspiraría este especial en 3D creado para la BBC que, dividido en dos partes, aúna cinco de las historias en una trama tan brillantemente urdida como fabulosamente animada, y que aún habiendo sido desarrollado para televisión, empequeñece a muchas de las producciones que han sido creadas para el cine.

Uno de los logros destacados de la adaptación dirigida por Jakob Schuh (El Grúfalo) y Jan Lachauer junto a Bin-Han To es el de haber conseguido de una forma muy ocurrente unir las cinco historias en dos tramas con un universo compartido en que los personajes coinciden e interactúan, respetando en todo momento los versos y los diálogos del escritor galés, y que a su vez están conectadas por un hilo conductor que une las dos partes del especial bajo el protagonismo de un lobo que es el tío de los feroces malvados de la Caperucita y de los tres cerditos. En efecto, en la primera parte del especial, la Caperucita y Blancanieves son dos amigas cuyas vidas corren en paralelo y cuyos destinos están llamados a reencontrarse después de coincidir con uno de los tres cerditos; y en la segunda parte, Jack es un niño enamorado de Cenicienta, aunque con pocas posibilidades de ganarse su corazón mientras su futuro no se encuentre mejor gracias a las judías mágicas y Cenicienta no haya conocido realmente la naturaleza del príncipe. En su papel de narrador de todas las historias se erige como incontestable protagonista el referido lobo, que movido por las ansias de venganza juega un papel determinante con una historia que funciona exquisitamente como nexo de unión y eje vertebrador de los cuentos y sume al espectador en un pegadizo interés que va escalando inexorablemente hasta el desenlace final, cuya moraleja - en el sentido de que siempre otro final, más humano, es posible - no puede estar más en sintonía con el espíritu de los poemas de Roal Dahl.
La relectura humanizada de los cuentos de hadas que hace el afamado escritor cobra, por otra parte, en el especial de animación una nueva dimensión al desarrollarse en buena parte en una ciudad y un tiempo que podrían perfectamente ser los nuestros, y al quedar además enriquecida con detalles de concienciación social que apuntan a temas como el empoderamiento de la mujer, la integración racial (dos de los enanitos del cuento de Blancanieves son de color), la crítica de la especulación y de ciertas prácticas bancarias, o lo que podría interpretarse como una aproximación a las relaciones amorosas no tradicionales.

Visualmente "Cuentos Revueltos" sorprende por lo cuidado de su tratamiento gráfico, mostrando un nivel de diseños, texturas, iluminación y cromatismo que podrían perfectamente tumbar a muchas de las producciones que han tenido el privilegio de acceder directamente a las pantallas de cine. En este apartado destaca en especial la creación de dos niveles de tratamiento visual: uno más realista para las escenas que se articulan en torno al narrador de las historias y el tiempo presente en la ciudad donde aquél se encuentra; y otro más plástico, más de puppet o marioneta, para las secuencias correspondientes a las historias "clásicas", cuyos paisajes se muestran también con un acabado más propio de las ilustraciones de los cuentos.
De hecho, el diseño de los personajes y la planificación de muchas de las escenas transmiten un profundo respeto hacia los dibujos de Quentin Blake, el ilustrador de los poemas de Roald Dahl. El espectador podrá ver planos que se han construido con el ánimo expreso de reproducir sus ilustraciones, como igualmente se han diseñado de forma muy parecida a sus dibujos los protagonistas de las historias, esos personajes tan cambiados respecto de su concepción original: una Blancanieves que no es morena sino rubia, una Caperucita que no es tan inocente, una Cenicienta que no es tan dulce o un cerdito que también es cerdo por sus actos.
Por último, pero no menos importante, resulta exquisita la animación de los personajes, caracterizada por unas actuaciones muy teatrales - muy shakesperianas - que a la vez que traducen magníficamente los sentimientos de cada uno a lo largo de las historias (impagables en este sentido la animación de la madrastra de Blancanieves, una señorona de rasgos y modos muy latinos, o la taimada y amenazante actitud del lobo feroz que hace de narrador de los cuentos), encajan como un guante todas las posibilidades que ofrece la animación en cuanto a exageración, expresionismo y carácter cómico.

Lo mejor: el acierto con que se integran cinco de las historias de Roald Dahl en torno a un eje que mantiene al espectador pendiente de la película hasta el final y con los ojos abiertos como platos.
En contra: uno se queda con ganas de ver cómo hubiera quedado también el cuento de Ricitos de Oro.

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Nominaciones a los primeros Émile Awards

Hoy se han dado a conocer las nominaciones a las distintas categorías para la primera edición de los European Animation Émile Awards, creados con el objetivo de recompensar a la industria de la animación y convertirse en el evento de honor de la animación europea en 40 países, de forma similar a los famosos Annie Awards en los EE.UU.
Las producciones con más nominaciones han sido las procedentes de Francia y el Reino Unido, mientras que España tan sólo puede competir en dos categorías en las que coincide la misma película: "Psiconautas - Los Niños Olvidados", de Alberto Vázquez y Pedro Rivero. En el apartado de largometrajes de animación, las películas con más nominaciones han sido "Mi Vida de Calabacín" de Claude Barras, "La Tortuga Roja" de Michael Dudok de Wit, "Ethel & Ernest" de Roger Mainwood, y "El Largo Viaje de Sasha al Polo Norte" de Rémi Chayé, todas ellas con tres nominaciones.

Pasando al detalle de las nominaciones, en el apartado de largometrajes de animación se han clasificado las siguientes:
Mejor Largometraje: "El Malvado Zorro Feroz" de Benjamin Renner y Patrick Imbert (Francia/Bélgica), "La Tortuga Roja" de Michael Dudok de Wit (Francia/Bélgica), "Mi Vida de Calabacín" de Claude Barras (Suiza/Francia)
Mejor Guión:  "Ethel & Ernest" de Roger Mainwood (Reino Unido), "Louise en Hiver" de Jean-François Laguionie (Francia/Canadá), Mi Vida de Calabacín
Mejor Storyboard: "El Largo Viaje de Sasha al Polo Norte" de Rémi Chayé (Francia/Dinamarca), La Tortuga Roja, "Psiconautas - Los Niños Olvidados", de Alberto Vázquez y Pedro Rivero (España).
Mejor Animación de Personajes: Ethel & Ernest, "La Jeune Fille sans Mains" de Sébastien Laudenbach (Francia), La Tortuga Roja
Mejores fondos y diseño de personajes: Ethel & Ernest, El Largo Viaje de Sasha al Polo Norte, Psiconautas - Los Niños Olvidados
Mejor Banda Sonora: El Largo Viaje de Sasha al Polo Norte, La Jeune Fille Sans Mains, Mi Vida de Calabacín

En el apartado de producciones de TV es indiscutible el dominio de las producciones británicas, entre las que destaca "El Increíble Mundo de Gumball":
Mejor producción de TV: "Revolting Rhymes" de Jakob Schuh y Jan Lachauer (Reino Unido), "We're Going on a Bear Hunt" de Joanna Harrison y Robin Shaw (Reino Unido) y "El Increíble Mundo de Gumball" (Reino Unido)
Mejor guión: El Inreíble Mundo de Gumball, "Mon Chevalier et Moi" de Joeri Christiaen (Francia/Bélgica), "Flapacha, où est-tu?" de Jean Cayrol y Hugo Guitard (Francia)
Mejor Storyboard: Revolting Rhymes, El Increíble Mundo de Gumball, "La Oveja Shaun" de Will Becher (Reino Unido)
Mejor Animación de Personajes: Revolting Rhymes, We're Going on a Bear Hunt, El Increíble Mundo de Gumball
Mejores Fondos y Diseño de Personajes: "Hey Duggee" de Grant Orchard (Reino Unido), "Puffin Rock" de Maurice Joyce (Irlanda), "Ernest et Célestine" de Jean-Christophe Roger y Julien Cheng (Francia/Bélgica/Luxemburgo)
Mejor Banda Sonora: Mon Chevalier et Moi, "Lastman" de Jérémie Perrin (Francia), "En Sortant de l'École" (Francia).

En el apartado de cortometrajes vemos más diversidad:
Mejor Cortometraje: "Chulyen, Histoire de Corbeau" de Cerise Lopez y Agnès Patron (Francia), "Sredi chernyh voln" de Ana Budanova (Rusia), "Min Börda" de Niki Lindroth von Bahr (Suecia)
Mejores Fondos y Diseño de Personajes: "Manivald" de Chintis Lundgren (Estonia/Croacia/Canadá), "Peripheria" de David Coquard-Dassault (Francia) y "Rêve d'Enfant" de Christophe Gérard (Francia).

Mejor Película de encargo: "The Story of an Idea" de FXGoby (Reino Unido), "Otto 'Time'" de Mark Craste (Alemania), "The Last Job on Earth" de Moth Studio (Reino Unido)

Mejor Película de Estudiante: "O Matko!" de Paulina Ziolkowska (Polonia), "Merlot" de Marta Gennari y Giulia Martinelli (Italia) y "Pro Mamu" de Dana Velikovskaya (Rusia).

Finalmente, el Premio Lotte Reiniger a la trayectoria profesional distinguirá en la primera edición la carrera de Richard Williams, reconociendo su contribución al arte de la animación. El animador canadiense es conocido por haber trabajado como director de animación en las películas "¿Quién engañó a Roger Rabbit?" (1988) y "The Thief and the Cobbler" (1993) y por ser el autor de un libro de referencia para muchos animadores: "The Animator's Survival Kit" (2002).

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