Con motivo del Día Mundial de la Animación, que celebramos el día 28 de octubre, ha tenido lugar la 1ª Edición de los Premios de Animación Comunidad de Madrid, una iniciativa de este organismo en colaboración con la ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) y una buena noticia para el sector de la animación en España, ya que su fin es incentivar y promocionar la producción de animación, tanto a nivel autonómico como nacional.
Tras una tarde de proyecciones en la que se pudieron ver más de treinta cortometrajes de animación candidatos a estos galardones, llegó la hora de la Gala de Entrega de Premios en el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Un evento en el que encontramos muchas caras conocidas y donde se anunciaron los dos ganadores en la categoría Mejor Cortometraje de Animación: el Mejor Cortometraje de Animación Nacional y el Mejor Cortometraje de Animación madrileño.
El Premio Comunidad de Madrid al Mejor Cortometraje Nacional recayó sobre “Decorado”, el reconocido proyecto que dirige Alberto Vázquez y produce UNIKO con Khris Cembe como Director de Animación y que, tras su buena acogida en múltiples festivales, es también, como anunciamos recientemente, uno de los seleccionados para competir al Mejor Corto de Animación en los próximos Premios Goya.
Como candidato a Mejor Cortometraje Nacional recibió una mención especial del jurado “Tres Moscas a Medida”, dirigido y producido por María Álvarez y Elisa Morais. Una proyecto que ya participó en la última edición de Annecy y obtuvo también una mención especial en 3D Wire.
Por su parte, el Premio Comunidad de Madrid al Mejor Cortometraje de Animación madrileño se ha concedido a “Made in Spain”, dirigido por Coke Rioboó y producido por Los Animantes. Un alocado despliegue de historias ambientadas en una playa española y que representan alguno de los tópicos y típicos personajes de la sociedad de este país, no exento de crítica y de humor surrealista.
Otros cortos madrileños que han sido destacados mediante Mención Especial del Jurado son “Just the Beginning”, bajo la dirección de Abraham López Guerrero, director también del corto nominado en la 28 edición de Los Premios Goya “Blue y Malone. Detectives Imaginarios”; y “Vivir”, de César Díez Meléndez, del cual resaltaron “su capacidad de condensación y de experimentación”.
También como parte de esta 1ª Edición de los Premios de Animación Comunidad de Madrid se ha convocado el Concurso de Cortinillas Film Madrid “Anima tu Madrid”, que distingue a las dos propuestas de cortinillas realizadas con cualquier técnica de animación y de no más de un minuto de duración. Las piezas debían girar en torno a la temática de Madrid y la producción de cine en esta Comunidad, teniendo en cuenta que Film Madrid, la Oficina de Promoción de Rodajes de la Comunidad de Madrid, de reciente creación, tiene como fin difundir a nivel nacional e internacional las posibilidades para desarrollar rodajes en este territorio y apoyar su gestión.
El Primer Premio en este Concurso de Cortinillas ha sido para “Madrid te espera”, de Giovanni Maccelli, mientras que el Coke Roiboó repitió saludos y felicitaciones recogiendo el Segundo Premio por su “Rodando en el Tiempo”.
Dada la calidad y la originalidad de las propuestas seleccionadas para optar a estos jóvenes premios, entendemos que la decisión del jurado no debió ser fácil. En efecto, como recordó Jaime de los Santos, Dirección de Promoción Cultural de la Comunidad de Madrid, “en animación caben muchas técnicas y estilos distintos”. De hecho, los proyectos premiados son un buen ejemplo de cómo la animación es un campo de juego amplísimo, en el que hay espacio para la experimentación en 2D, el 3D en su concepción más amplia, el fotomontaje, el stop motion… y, por supuesto, donde la personalidad de sus autores y su capacidad para sorprender y mover algo dentro del público marcan la diferencia.
Tras "The King of Pigs" (2001) y "The Fake" (2013), dos largometrajes de animación dirigidos al público adulto que exploraban temas controvertidos alrededor de la naturaleza humana y la sociedad (el bullying y la opresión y las sectas y pseudorreligiones, respectivamente), Yeon Sang-ho nos sorprende nuevamente y gratamente con una película animada de zombies que, a la vez que atiende a las dosis de terror y convenciones propias del género, va más allá para proponer una reflexión sobre las desigualdades sociales y la alienación de la sociedad respecto a los segmentos más débiles y maltratados, a la vez que alude a las demandas de mayor democratización de Corea. Con la cuestión social de fondo, el realizador propone una película intimista y vibrante sobre zombies en un formato, el de la animación, en el que no estamos habituados a ver este tipo de películas.
La película muestra cómo Suk-gyu busca desesperadamente a Hye-Sun, una joven que escapó tempranamente de su casa y ahora vive con el blandengue Ki-woong. Cuando uno de sus contactos la localiza, su alegría se transforma en shock cuando ve que trabaja como prostituta en el centro de Seúl, y decide hacerse pasar por cliente para encontrarla. Pero justo cuando va a producirse el deseado encuentro, el pánico se desata cerca de la Estación de trenes de Seúl. El lugar está muy concurrido por los sin-techo de la capital, y cuando uno de ellos, que había muerto a lo largo del día, resucita y empieza a atacar y a alimentarse de los otros marginados, la epidemia zombie se extiende como el fuego por toda la capital.
No es en el gore - inexistente, pues el realizador sugiere más que muestra - donde reside el auténtico terror de la cinta, sino en las circunstancias sociales donde se desarrolla. La trama presenta un tono intimista allí donde se desarrolla la tragedia personal de Hye-Sun, verdadero marco donde Yeon Sang-ho plantea de forma crítica, en ocasiones con un exceso de verbalización sobre lo que ya muestra la película misma, la situación de desigualdad en que la mujer vive en Corea y el abandono y desprecio que deben sufrir las clases más desfavorecidas, olvidadas y ninguneadas por las autoridades administrativas y militares. En cambio, el largometraje deviene realmente frenético e intenso en las escenas protagonizadas por los zombies, una auténtica marea de monstruos que en animación adquieren un aspecto realmente perturbador.
La animación 2D está en efecto bien resuelta en general en el caso de los protagonistas principales, y transmite una intensa sensación de ferocidad a las hordas de zombies. En cualquier caso, desde el punto de vista de un animador, la satisfacción no es completa, puesto que se descuidan detalles, como una correcta animación del cabello de la protagonista, o se hace utilización de bucles de forma muy aparente y también se abusa de los espacios vacíos en una ciudad que debería estar en pleno caos y sometida a múltiples ataques en pleno inicio del apocalipsis zombie, como se ve más adecuadamente en la película de imagen real que relata los eventos posteriores a la infección: "Train to Busan".
Visualmente la película está bastante lograda, logrando transmitir convincentemente la situación de caos y tensión que se está generando en la capital. El diseño de los personajes, realistas pero respetando el estilo propio de la animación 2D es bastante acertado, y en cuanto a los zombies, pocas veces se han visto no muertos tan terroríficos en un largometraje de animación y sin necesidad de mostrar exceso de vísceras y sangre.
Lo mejor: haber llevado el género zombie a la animación para realizar una película inteligente que va más allá del gore.
En contra: la animación no es todo lo rica que se hubiera deseado en una película de zombies.
La fuerza que le falta en cuanto a ritmo a "Seoul Station" es precisamente la que muestra la enérgica "Train to Busan", la película que antecede a aquélla aunque revela hechos posteriores a los desarrollados en "Seoul Station", y que significa la primera incursión de Seon Yang-ho en la imagen real. La crítica social se atenúa en "Train to Busan", aunque sigue presente, y se desarrolla una historia en que se ponen en juego los vínculos familiares a través de las vicisitudes de un padre y una hija que se encuentran en un tren justo cuando se acaba de iniciar la infección zombie en las inmediaciones de la estación, y que tendrán que luchar por su supervivencia junto (o a pesar de) los otros viajeros del tren. La película aporta un ritmo vibrante que no tiene pausa y un soplo de aire fresco a las películas de zombies, haciendo un buen uso de los personajes y dejando con cada situación planteada el corazón en un puño y, de nuevo, sin necesidad de abusar de la truculencia.
ASIFA (Association Internationale du Film d'Animation) creó en 2002 el 'Día Internacional de la Animación' conmemorando la primera proyección en público de unos dibujos animados que realizó el inventor Charles-Émile Reynaud (8/12/1844 – 9/1/1918) con su Teatro Óptico - evolución de su Praxinoscopio - el 28 de octubre de 1892. Desde la creación de ese día, la asociación organiza y promueve acciones de celebración por todo el mundo dirigidas a poner en enfoque el arte de la animación para todas las gentes mediante eventos consistentes en talleres, exhibiciones, exposiciones y similares organizadas por las instituciones y medios afines.
ASIFA también encarga anualmente la creación de un poster para tal conmemoración a un artista de referencia, y así se han encargado de ello personalidades como Iouri Tcherenkov, Paul Driessen, Abi Feijo, Eric Ledune, Noureddin Zarrinkelk, Michel Ocelot, Nina Paley, Raoul Servais, Ihab Shaker, Gianluigi Toccafondo, Koji Yamamura o Rastko Ciric.
Este año se ha encargado al artista y realizador japonés Yoji Kuri, una (si no la única) de las figuras más importantes en la historia de la animación japonesa independiente y líder no oficial de la "Animation Association of Three", colectivo responsable del renacimiento de una animación moderna e independiente para adultos a partir de 1960. Se le conoce internacionalmente por el humor negro de sus películas, with the el estilo naïve de sus dibujos a menudo rayando lo surrealista, y las escenas obscenas y perturbadoras que suele mostrar (aunque ha trabajado en una variedad de estilos y medios, incluyendo la pixilación); ello le convirtió en un favorito de la escena contracultural, al lado de realizadores como René Laloux, y fue considerado en 1967 como el animador japonés “más significativo” y “el único cuyo trabajo se conocía en Occidente” (a pesar de que las películas de Toei Animation y la serie "Astro Boy" ya se veían también en occidente por aquel tiempo). También se le conoce por sus comics, y retirado ya de la producción de animación continúa ilustrando y enseñando animación en la Laputa Art Animation School.
A continuación podéis ver el póster que ha creado para este día:
En España, la Academia del Cine celebrará el día con la presentación del libro "100 Años de animación española, arte y tecnología" y soplando una tarta por estos primeros 100 años de la animación nacional, tras lo cual se hará una foto de familia. La presentación correrá a cargo de los autores del libro Pilar Yébenes, José Antonio Rodríguez, Rodrigo Mesonero y Samuel Viñolo junto con Carlos Biern como Presidente de DIBOOS y José Luis Farias como responsable de 3D WIRE.
Igualmente, la Comunidad de Madrid se une a esta celebración con un programa de proyecciones y actividades formativas que tendrán su colofón con la entrega de los recientemente creados Premios Comunidad de Madrid de Animación. Recién creados, los Premios de Animación Comunidad de Madrid en colaboración con la Escuela de Cine y Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM) quieren ser un incentivo para la promoción de los cortometrajes producidos con técnicas de animación, especialmente los realizados en la Comunidad de Madrid. Se concederán galardones al Mejor Cortometraje Comunidad de Madrid, al Mejor Cortometraje Nacional y a la mejor Cortinilla Filmmadrid "Anima tu Madrid". Además, se realizará en el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes el primer pase en España de la película "Ma vie de Courgette", que obtuvo en el Festival internacional de Annecy el premio Cristal al mejor largometraje y el premio del público.
Khris Cembe está de enhorabuena. Los últimos proyectos en los que el animador se ha embarcado han recibido el reconocimiento general tanto de la crítica como del público y han dejado su huella en festivales de medio mundo. Y no es casualidad. Detrás de cada uno de ellos hay mucho trabajo, atrevimiento y el personalísimo estilo de Cembe y de sus compañeros de viaje, los directores Alberto Vázquez, Pedro Rivero y Santi Riscos, entre otros.
Recientemente hemos recibido la noticia de que el largometraje “Psiconautas, los niños olvidados”, tras su buena acogida en decenas de festivales, ha sido nominado a los Premios de la Academia Europea. Pronto podremos ver en las salas de cine esta cinta dirigida por Alberto Vázquez y Pedro Rivero en la que Khris Cembe se ocupa de la Dirección de Animación. Un estreno inusual, pues no son muchos los largos de animación en 2D para público adulto que se proyectan. Pero, por ello también muy esperado.
Pero Khris Cembe no se duerme en los laureles. Ahora le ocupan nuevos proyectos, como el corto “Soy una Tumba”, también premiado en 3D Wire con el Premio Proyecto Corto Movistar+, que ayudará a financiar su desarrollo; y el largometraje “Caballero y Mono” bajo la dirección de Santi Riscos y del propio Cembe.
Precisamente en la pasada edición de 3D Wire pudimos charlar con Khris Cembe y, además de felicitarle por esta cosecha de éxitos, aprovechamos para preguntarle por los entresijos de estos interesantes proyectos que han vuelto a colocar a la animación 2D española en el mapa.
En primer lugar, felicidades por el éxito de “Decorado” y “Psiconautas”. ¿Cómo te sientes respecto a la recepción de ambos trabajos?
La verdad es que sorprendido. Con Psiconautas la acogida está siendo increíble a nivel crítica y la gente “flipa” con ella. La paradoja es que hace un año que la terminamos y aún no está en distribución. En principio la distribución en España empezará a partir de noviembre, pero me temo que, como existe la presión de la taquilla, durará en salas una semana como mucho. Pero estamos muy contentos porque está ganando muchos premios a nivel internacional y todo el mundo la conoce, y creo que eso es algo único en España. Yo creo que en este país en los últimos diez o quince años no ha habido otro largometraje de animación 2D, con un presupuesto por debajo del millón, que haya tenido tan buena acogida y crítica en festivales internacionales. Y una película como ésta, para adultos, tan fuerte, dramática y hasta devastadora, está calando muy hondo en la gente. Eso para nosotros es una satisfacción. Nos demuestra que al público también le gusta lo que nos gustaría ver a nosotros y que, aunque en animación para adultos hay muy poco que funcione, Psiconautas está siendo capaz de llegar lejos.
¿En qué sentido ha sido un reto para vosotros apostar por un proyecto de animación como Psiconautas?
Para empezar, esta película contaba con muy bajo presupuesto y con un equipo reducido, de unas dieciséis personas. A pesar de ello hemos conseguido sacarla con el nivel de calidad que tiene en menos de nueve meses. Esto es increíble. Algo hay, seguro, que hacemos bien.
Un reto importante fue pasar del mundo del cortometraje al del largometraje. Al planteártelo es algo que asusta, pero al final hacer un largo es igual que trabajar en un corto, pero aumentado. Se trata de tener más gente en tu equipo y, si una persona puede animar ocho minutos en ocho meses, diez personas pueden tener ochenta minutos y hacer un largo. Parece una forma simple de contarlo, pero funciona. En este caso ha funcionado.
El que sea un largometraje, ¿os ha ayudado a llegar a más gente?
Rotundamente sí. Puedes tener una trayectoria, como en el caso de Alberto Vázquez, con cortos como “Birdboy” o “Sangre de Unicornio”, pero cuando has hecho un largo te ven y te tratan de otra manera. Y está mejor distribuido, lógicamente. Realmente es un esfuerzo muy grande hacer un largo y tiene mucho mérito que en un país como éste se haya hecho esta película. Espero que gracias al éxito de Psiconautas en festivales (o en taquilla) se consigan hacer más, que podamos aumentar presupuestos para ampliar equipos y, sobre todo, poder pagar a un animador como se merece. Ya estamos trabajando en ello.
El nuevo corto 'Soy una Tumba', en el que estás trabajando ¿será muy distinto de otros anteriores como, por ejemplo, 'Viaje a Pies'?
Sí, supone un cambio bastante radical. He pasado de una comedia con un tono tosco, sucio, grosero, incluso violento, a otra historia que, siendo también violenta, es muy diferente y se sitúa en el mundo infantil.
“Soy una Tumba” es un cortometraje que, sin ser autobiográfico ni mucho menos, tiene bastante de mí. Hay pequeñas cosas en la personalidad del protagonista, del niño, que son cosas sacadas de mí, por ejemplo, de mi experiencia de irme a vivir a Galicia, y es lo que me gusta de este proyecto.
Es un corto que está hecho de esencias, de sensaciones, más que de una narrativa racional. Importa más el cómo lo cuento que lo que pasa en sí. La historia que hay detrás es la de un niño que ve rota su infancia en el momento en que presencia un horrible crimen que resulta que protagoniza su padre. El padre no sabe que el niño le ha visto y el niño no dice nada, se calla. Imagínate el conflicto mental de ese crío y cómo le puede corroer por dentro a alguien un secreto así. Al final trata de eso, de los secretos, del silencio de los niños, de su sufrimiento y de la relación con los adultos cuando hay esos silencios o cómo los adultos a veces no les prestan atención. Todos los niños tienen secretos; si no, no eres niño. Pero algunos son más grandes y muchas veces se los llevan a la tumba. Te has atrevido con un tema complejo...
Sí, muy complejo. Pero está envuelto en una atmósfera de thriller también. Siempre me gusta jugar con el lenguaje del cine negro y aquí hay crimen, hay contrabando... aunque lo importante en este proyecto son sobre todo las sensaciones. Pero esa atmósfera engancha. Es un corto que, en comparación con otros emotivos y sensoriales, se pasa muy rápido, no aburre nada.
Imagen de "Soy una Tumba", de Khris Cembe.
La parte visual es especialmente importante en “Soy una Tumba”.
En lo que se refiere a lo visual voy a mezclar técnicas, voy a fusionar la ficción, la animación, con la imagen real. Cuando digo imagen real no me refiero a fotografía superpuesta, sino a decorados que, de hecho, ya hemos grabado. Y lo hemos hecho como si los actores estuvieran ahí, con movimientos de cámara, para luego integrar la animación 2D por encima. Esto no es gratuito: tiene mucho que ver con el final del corto (que no voy a contar). Algo interesante es cómo esto me permite jugar con las fantasías del niño: lo que pertenece a su imaginación se ve como imagen real y, cuando se trata de la realidad del niño, lo muestro como dibujo animado, que quizá es lo contrario de lo que cabría esperar. Me gusta cómo funciona esa contradicción y la capacidad de la animación para crear ese juego.
Desde que hablaste con Los del Sótano en Animac tienes más avanzado el proyecto de largometraje con Santi Riscos. ¿De qué irá la historia de "Caballero y Mono"? ¿Qué nuevo Khris Cembe vamos a encontrar?
Pues si estábamos hablando de una historia oscura, sobre el sufrimiento en la infancia, el proyecto con Santi es todo lo contrario. Vamos a hacer cine para niños, comedia, mucha comedia. Hay personajes muy locos y dispares y queremos muchos chistes, pero para niños. No para niños estúpidos, no queremos caer en el chiste tonto, sino darle una vuelta. Va a tener mucha acción, mucha aventura, y lo más original es que la historia sucede en un futuro muy, muy lejano: en la Edad Media de los pollos. Los pollos han evolucionado hasta ocupar el puesto de los humanos y en el mundo prácticamente sólo hay pollos y monos, y algunas otras criaturas muy raras como los Palomosauros, que son unas palomas gigantes sin alas. También hay un Polliseo, viven en Gallópolis...es una historia muy loca y muy divertida y tiene totalmente la marca de Santi. Desde luego, muy diferente a “Soy una Tumba”. En comparación con tus trabajos anteriores, "Caballero y Mono" parece más accesible a todo tipo de público y más comercial. ¿Esto ha supuesto algún sacrificio de vuestro estilo o en el modo de plantear la historia?
Al ser una película para público infantil se supone que sí va a ser más fácil de producir y distribuir, aunque yo tengo mis dudas porque parece que ahora se nos está pidiendo más animación para adultos. Nos gustaría poder llevar esta película al cine y ofrecer a los chavales una opción de animación “clásica”. Si en series funciona, ¿por qué no en pelis? Desconozco cómo funciona la televisión y el cine a nivel de mercado, sobre todo si hablamos del público infantil, así que estamos esperando feedback para saber cómo ubicarla y por dónde ir. Nos queda un largo recorrido.
Respecto a si esto nos condiciona, de momento no, no estamos condicionados. Estamos haciendo la película que queremos que los niños vayan a ver al cine y con la que se partan de risa. Sí cambia el registro respecto del humor bestia, bruto, al que estamos acostumbrados en Cálico Electrónico, Birdboy, Psiconautas e incluso en Viaje a Pies. En Caballero y Mono usamos un humor inteligente, más sutil y pensado para niños.
Fotograma de "Caballero y Mono", de Santi Riscos y Khris Cembe.
¿Qué nos puedes decir sobre inspiraciones o herencias en este proyecto? ¿Qué le debéis, por ejemplo, al Cartoon clásico?
Al Cartoon le debemos la originalidad y la magia del dibujo. En 3D hay películas que me gustan mucho, pero el 2D aporta otra cosa, que es esa magia que tiene el dibujo. El dibujo nunca va a desaparecer. Con tres dibujos ya puedes crear una sensación de movimiento, y además de una forma muy directa: es tu mano la que traza esas líneas. El 2D tiene ese “algo” que, para mí, lo hace muy atractivo.
ArtFutura, el festival de Cultura y Creatividad Digital que desde 1990 explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del New Media, la Realidad Virtual, el Diseño de Interacción y la Animación Digital, abre el 28 de Octubre su vigésimo séptima edición con actividades especiales en Londres (The Attic), Barcelona (Arts Santa Mònica), Madrid (Espacio Fundación
Telefónica) y Alicante (Museo de Arte Contemporáneo y Centro Las Cigarreras), y actividades en más de veinte ciudades incluyendo: Bogotá, Buenos Aires, Granada, Ibiza, México, Montevideo, Murcia, Punta del Este, Santiago de Chile, Tenerife y Zaragoza.
La Segunda Ola de la Realidad Virtual y el Internet 3D
A finales de este año 2016 se comercializarán masivamente los nuevos interfaces de Realidad Virtual. ¿Qué es lo que los hace especiales? Es el desarrollo y evolución de la computación en 3D y su combinación con la tecnología de los smartphones. En los próximos 12 meses se prevé que se vendan más de 15 millones de estos equipos.
La Realidad Virtual Inmersiva nació en los años sesenta con Ivan Sutherland. Posteriormente volvería
a emerger como protagonista de la computación gráfica y explotó a inicios de los 90 en lo que se considera la primera ola de Realidad Virtual que llegó al gran público. En la muestra ArtFutura 1990
de Barcelona se experimentaron por primera vez en Europa interfaces de Realidad Virtual con la presencia de pioneros como Scott Fisher (de la NASA) y el escritor William Gibson (creador del concepto
“ciberespacio”.
Ahora estamos en el 2016 y nos hallamos inmersos en la segunda y gran oleada de la Realidad Virtual. Con grandes cambios sustanciales que se han desarrollado en las dos décadas y media que las separan.
Un elemento crucial ha sido el pleno desarrollo del smartphone, que integra procesador, pantalla,
giroscopio y conexión a Internet en un único dispositivo, y que es considerado una base ideal para el pleno desarrollo y comercialización de la Realidad Virtual.
De forma paralela estamos construyendo un Internet 3D, un espacio real y digital a la vez. Con la transformación de la red de dos dimensiones en otra plenamente tridimensional y con experiencias inmersivas en tiempo real.
Programa Audiovisual de ArtFutura 2016
El programa audiovisual de ArtFutura 2016 se presenta en todas las ciudades donde tiene lugar el festival e incluye lo último en creatividad digital: Animación 3D, videoclips, motiongraphics y todo lo relacionado con las nuevas estéticas.
Una realidad expandida
Un especial sobre el tema de la edición. La Realidad Virtual y la Realidad Aumentada son nuevas y poderosas extensiones sensoriales. Este programa cubre las novedades en RV y RA más destacadas en 3D, videojuegos, comic, música, cine, publicidad y storytelling.
Incluyendo trabajos de Tippet Studios, Mediamonks, Arnold Abadie, John Carmack, Sentient Flux, Keiichi Matsuda, “Uncanny Valley”, Clyde DeSouza, Pattie Maes, Xavier Benavides y Judith Amores
(MIT Media Lab).
3D Futura Show
Obras de grandes estudios, escuelas especializadas y artistas freelance. Todo tiene n lugar en este género que nos sorprende cada año por su originalidad y capacidad técnica. Incluyendo nuevas animaciones de Studio Smack, James Cunningham, Seccovan, Tomer Eshed, Bose Collins, Camille Chaix,
Hugo Jean, Juliette Jourdan y Kevin Roger.
Futura Graphics
Futura Graphics destaca los trabajos más brillantes en el campo de las nuevas estéticas:
Animaciones, cortos experimentales, videoclips y obras mixtas. Con obras de Aardman
Studios, Moth, Julius Horsthuis, Stéphane Aubier, Kris Merc y Hannes Knutsson.
Playground
PlayGround es un nuevo medio de comunicación que habla a una nueva generación. Cubre la actualidad de una forma creativa y sin complejos. Al equipo de PlayGround le gusta este mundo y... le gusta explicarlo. Con más de 9 millones de seguidores en Facebook, Playground practica un vídeo vivo y con carácter. Un tipo de mini-documental ferozmente rápido y diseñado para ser consumido a través
del smartphone y ser viralizado de forma inmediata.
En ArtFutura hemos querido mostrar sus vídeos más cercanos a nuestro terreno: Arte, tecnología, videojuegos, derechos en la Red, cultura digital, futuro.
Feeding the Web
Una nueva entrega de este programa dedicado a aquellos mensajes y obras audiovisuales producidos directamente para la Web. Un nuevo tipo de material, pensado y realizado exclusivamente para ser visto online. Con trabajos de Josan Gonzalez, Moth, Jim Mortleman, Gabriel Garcia, David Sandberg,
Jonathan Djob Nkondo y otros.
Artworks
Una sección dedicada al performance, las instalaciones new media y los entornos interactivos a través de su difusión en vídeo. Con trabajos de WOW Inc., Théoriz, Sila Sveta Studio, Squidsoup, Stain & Lazyfish, Patrick Shearn y Daniel Canogar.
ArtFutura estrena en Barcelona (Arts Santa Mònica) el documental “Lo and Behold, Reveries of the Connected World”, dirigido por Werner Herzog.
En 1969, el primer mensaje transmitido por Internet fue enviado, desde un modesto
laboratorio informático de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA), a un
grupo de científicos que esperaban ansiosos en la Universidad de Stanford, a escasos
centenares de kilómetros, generando una asombrosa revolución que se ha infiltrado
en todos los aspectos de nuestra vida moderna.
En “Lo and Behold, Reveries of the Connected World”, Werner Herzog, narra el
mundo virtual desde sus orígenes hasta sus límites más remotos, explorando el
paisaje digital con la misma curiosidad e imaginación que previamente había
utilizado en lugares tan dispares como el Amazonas, el Sahara, el Polo Sur y el interior de
Australia.
Herzog nos lleva, como espectadores, en un viaje donde, a través de provocativas
conversaciones, se revela la forma en la que el mundo “on line” ha transformado el
funcionamiento del mundo real - desde los negocios a la educación, de los viajes
espaciales a la asistencia sanitaria, y a la esencia de nuestras propias relaciones
personales.
Podéis encontrar toda la información sobre el evento y los programas en su website: http://www.artfutura.org/v3
La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España ha hecho pública hace pocas horas la lista de los cortometrajes preseleccionados para competir de cara a la nominación a los premios Goya en la categoría de animación. Los cortos que la Comisión formada por miembros de la Junta Directiva de la institución ha juzgado merecedores de figurar en la lista (todos ellos ganadores de una considerable cantidad de premios) son los siguientes:
Amore d'inverno, dirigido por Isabel Herguera García y producido por Alessandro Ingaria, Gianmarco Serra e Isabel Herguera García.
La animadora vasca traza una historia de vínculos en la que personas procedentes de mundos diferentes, una mujer que pasea por el río y una pareja de cazadores, se encuentran en un espacio que muta según las emociones y el recuerdo que, en la forma de la bailarina de Clavesana, evoca el amor libre que se desvanece en el pasado.
Darrel, dirigido por Alain Carabantes Person y Marc Briones Piulachs y producido por Daniel Martínez Lara.
Divertido cortometraje en 3D, producido con el software de código abierto Blender, donde un tímido camaleón que espera en la parada del metro tratará por todos los medios de no perder la atractiva oportunidad que se le ofrece a la vista.
Decorado, dirigido por Alberto Vázquez y producido por Arturo Olea, Chelo Loureiro, Iván Miñambres y Nicolás Schmerkin.
Excelente corto en 2D que narra la tragedia de un oso cuya insatisfacción vital va creciendo a medida que va adquiriendo consciencia de que todo lo que le rodea es tan falso como un decorado. Ambientado en un irreal bosque ilustrado mediante técnicas de grabado, la historia está transitada por estrafalarias criaturas y versiones corruptas de célebres personajes que no hacen más que corroborar el drama de la realidad en la que el oso está obligado a vivir, abocado a aceptar una contundente e innegable conclusión.
Down by Love, escrito, montado, dirigido y producido por José Corral Llorente.
Una maravilla realizada en stop motion que, a través de varios flashbacks, nos cuenta una historia de amor, llena de acción y violencia, entre Martín, un tipo sin escrúpulos al que nunca le ha importado nadie, y la joven rusa Irina.
I said I would never talk about politics, dirigido y producido por Aitor Oñederra.
El realizador vasco presenta un cortometraje de animación en 2D que combina humor negro, crítica política y serie B, y protagonizado por personajes reales, donde Don Mariano acude a un prestigioso restaurante cuya especialidad son las carnes rojas naturales y de calidad, bajas en grasas y colesterol, y donde las miserias de la política se sirven en un plato exquisito.
Just the Beginning, dirigido por Abraham López Guerrero y producido por Manu Carbajo.
Producido por el estudio The Beat #7 de ESDIP con un equipo formado por alumnos de la escuela junto a reconocidos profesionales de la animación, "JustTheBeginning" es una comedia satírica y políticamente incorrecta desarrollada en 3D y protagonizada por Buck, un héroe de alquiler que ha perdido la ilusión porque, aunque seas un héroe... ¿Quién va al trabajo con ganas todos los días? Buck tendrá que acudir a un conflicto en el planeta Cubi a pesar de que no es la misión que más le apetece, pero es la que necesitaba para recordarse a sí mismo que si no eres un héroe todos los días, puede que acabes siendo un villano para siempre.
Oa, dirigido por Jaime Maestro Sellés y producido por Carlos Escutia García.
El co-fundador de Blue Dream Studios Spain dirige este corto en 3D y sin diálogos que transcurre en la solitaria estepa de Mongolia, donde una estrella fugaz empieza a caer del cielo, alterando el destino de dos jóvenes niños que emprenderán un viaje que marcará sus vidas para siempre.
Portrait of a wind-up maker, dirigido y producido por Darío Pérez Moreno.
El animador de Calatayud, realizador de cortos como "Paperworld", "Such is Life", "The laugh we cry" y "Las cosas pequeñas y bonitas", firma en esta ocasión un trabajo en 3D protagonizado por Chema, un arquitecto español expatriado que vive en Amsterdam, donde ha reconstruido su vida creando juguetes de cuerda a partir de objetos reciclados.
ACTUALIZACIÓN (10 de noviembre):
La Academia, tras aceptar la petición de la Coordinadora del Cortometraje Español, la Plataforma de Nuevos Realizadores y la Asociación de la Industria del Cortometraje, ha añadido finalmente a la lista de cortos de animación preseleccionados dos títulos más, que elevan a diez los trabajos que podrán aspirar al galardón. Los otros dos títulos seleccionados son:
Made in Spain, dirigido por Coke Riobóo y producido por Coke Riobóo y Lourdes Villagomez Oviedo.
Realizado en stop motion con diminutas figuritas de monjas, nazarenos, bailaoras, guardias civiles y otros personajes folclóricos que el realizador compró en tiendas de juguetes para usarlas como tales o tuneadas según sus necesidades, el cortometraje reproduce con humor, sarcasmo y unas vueltas de surrealismo lo más típico y tópico de esa España casposa que aún permanece vigente, mediante una animación realizada con minuciosidad y astucia para superar la limitación del pequeño tamaño de las figuras y su falta de articulaciones.
Uka, dirigido por Valle Comba Canales y producido por David Castro González y Valle Comba Canales.
El primer cortometraje de Valle Comba Canales como directora es otro trabajo en stop motion donde una niña que vive sola, en una fábrica abandonada y gris, encuentra una manera de cambiar la forma de
ver su mundo mientras
pinta uno de sus cuadros.
El célebre realizador francés Jean-François Laguionie alcanza con "Louise en Hiver" su quinto largometraje, que tuvo el honor de presentar en el Festival de Annecy y que se llevó el Premio a Mejor Largometraje de Animación en el pasado Festival Internacional de Animación de Ottawa. Descrita por el realizador como la película más íntima que ha realizado hasta la fecha, nos presenta un relato sobre la soledad y el paso del tiempo que encuentra en su belleza visual y en la fuerza de su sensible y delicada poesía sus mayores logros.
En el último día de verano, Louise, una mujer mayor, se da cuenta de que el último tren que debía llevársela del (ficticio) pueblo costero de Biligen-sur-Mer ha partido sin ella. Se encuentra en un complejo hotelero de una pequeña ciudad costera, abandonada por todos. El tiempo empeora rápidamente. Frágil y coqueta, ni mucho menos preparada como una aspirante a Robinson Crusoe, no es probable que Louise supere el invierno. Sin embargo, Louise toma su desamparo como un desafío. Ella va a sobrevivir, enfrentándose tanto a los elementos como a sus recuerdos, que han encontrado la ocasión perfecta para unirse a la aventura…
La película se plantea así como un personal enfoque del género de la isla desierta, si bien en realidad no va a ser el hecho de encontrarse la protagonista abandonada en una playa lo más determinante de la historia. De hecho, apenas se plantea un reto real para Louise, que encuentra en la playa y en algunas tiendas lo suficiente para alimentarse y que ve pasar un invierno muy suave, tanto que hasta incluso se atreve a vivir en una improvisada cabaña en la playa; no, el verdadero reto que quiere plantear la película es el de la soledad que llega con la edad, y en este sentido podría haberse ambientado incluso en el centro de una gran ciudad, puesto que es un tema universal que afecta a los mayores en multitud de situaciones. En cualquier caso el mar es para Jean-François un tema recurrente y no cabe duda de que la insignificancia que uno siente frente al medio conforma un marco idóneo para hablar de la soledad y el tránsito hacia la muerte.
La película encuentra una duración suficientemente medida para una trama que reside exclusivamente en las evocadoras meditaciones de su protagonista, a las que presta su voz de forma magistral Dominique Frot en la versión original. Casi inadvertidamente, Louise se deja perder en recuerdos y en sueños - evocadores de las obra de Magritte y Delvaux - que la mecen sobre las olas del mar y la conducen a escenas de su infancia y de la postguerra, primeros amores que no fructificaron y hechos y decisiones que constituyen otros tantos trenes que se han perdido y, en última instancia, le han acompañado hasta su presente soledad... algo que la compañía de un perro que en ocasiones habla, la pintura y la ocasional presencia de turistas, junto a la sabiduría que comporta la edad, acabarán haciendo más llevadero.
Los estados emocionales de la protagonista se contagian con gran maestría en los cambios de los tonos apastelados del mar y los fondos, exquisitamente desprovistos de excesivos detalles y dibujados al carboncillo y gouache sobre planchas de papel cuyo gramaje muestra orgulloso en la pantalla las marcas de su relieve, destacando la mano del artista.
Es sin embargo la animación lo que dejó en quien escribe una extraña sensación de contrariedad. Realizada mediante animación tradicional en formato digital, aquélla se desarrolla en general de forma correcta salvo en ciertos aspectos que, al afectar a la protagonista, no pudieron pasar inadvertidos. Se echa en falta en la animación de Louise el detalle de darle las características que hubieran revelado correctamente su edad: sorprendentemente, la protagonista no muestra en ningún momento el cansancio típico de la edad, puede subir cuestas o atravesar olas sin que en ningún momento le falle el paso, y puede levantar colchones sin vacilar y sin la ayuda de nadie. Sin duda, el haber cuidado estos detalles habría contribuido a elevar la belleza del conjunto.
Lo mejor: aún sin alcanzar las cotas de "Le Tableau" (2013), la nueva película de Laguionie desarrolla a partir de una trama sencilla una película poética y de evocadora belleza.
En contra: la animación carece de significativos detalles que la hubieran hecho más creíble.
Fox Animation se ha hecho con los derechos para adaptar el cuarto libro de Kelly Barnhill, "The Girl Who Drank the Moon" (La niña que se bebió la Luna), en una película que posiblemente será un híbrido de animación e imagen real. El libro desarrolla una épica historia de paso a la adultez que se inicia en un lugar llamado el Protectorado, cuyos ciudadanos entregan cada año un bebé como ofrenda a una bruja que vive en el cercano bosque; pero esta temida criatura es en realidad una amable bruja llamada Xan, que entrega al bebé a familias de acogida al otro lado del bosque. Pero un año, Xan alimenta accidentalmente a una niña de noche, en lugar de por el día, y le otorga así poderes mágicos. Xan cría a la niña, y cuando Luna se acerca a sus trece años, la magia en su interior empieza a manifestarse, con peligrosas consecuencias.
Fox ha fichado al co-guionista de "Kubo y las Dos Cuerdas Mágicas", Marc Haimes, para escribir la adaptación, que será producida por Carlos Saldanha ("Rio") y Maresa Pullman a través de su compañía, BottleCap Productions, con la supervisión de Darlene Caamano y Vanessa Morrison por parte de Fox Animation.
Marc Haimes también desarrolla para Fox Animation la adaptación de la novela gráfica "Nimona" de Noelle Stevenson, que dirigirá Patrick Osborne ("Feast"), y también está fichado para escribir el remake de la exitosa película noruega "Troll Hunter".
Basada en el manga creado en 1997 por Eiichiro Oda y en la serie de anime producida por Kōnosuke Uda, "One Piece Gold" es la 13ª película creada en Toei Animation, lanzada cuatro años después de las doce anteriores, que se servían año tras año, y la primera que llega comercialmente a los cines españoles.
Cuenta la nueva aventura de Luffy y el resto de Piratas de Sombrero de Paja, que deciden poner rumbo a una embarcación dorada y con muchas luces de neón de 10 kilómetros de largo. Es tan grande como una ciudad, reconocida como país independiente por el Gobierno Mundial y como la mayor ciudad de entretenimiento del mundo bajo el nombre de Gran Tesoro. Allí, piratas, marines y millonarios se dan cita en un “santuario absoluto” fuera del alcance del Gobierno Mundial gracias a la riqueza del Rey del Casino, Gildo Tesoro, un hombre del que se dice que posee un 20% del dinero del mundo. Pero no es oro todo lo que reluce y Gildo Tesoro se dispone a satisfacer su ambición sin límites a costa de Luffy y sus amigos…
Producida a partir de un guión de Tsutomu Kuroiwa ("Black Butler", "Liar Game: The Final Stage", "The Perfect Insider"), está dirigida por Hiroaki Miyamoto, que con "One Piece Gold" debuta como director de películas para cine, pero cuenta con una larga experiencia en Toei Animation, donde llegó a ser el director más joven en tomar las riendas de la serie "One Piece" en el año 2008 y ha trabajado como ayudante de dirección en la película "One Piece y la isla secreta" y en todas las películas producidas hasta el año 2015 en diferentes puestos de realización. Cuenta en la dirección de arte con Kazuo Ogura y Masayuki Sato, respetado director de animación en las películas "One Piece Strong World" y "One Piece Z" asume la dirección de animación y el diseño de personajes, si bien hasta el mismo creador de los manga, Eiichiro Oda, ha servido como productor ejecutivo y también ha diseñado algunos vestuarios y algunos bocetos de personajes.
Los fans no se sentirán decepcionados con esta película que protagonizan los Piratas de Sombrero de Paja y que recupera también a algunos personajes desaparecidos hacía tiempo; pero igualmente puede ser una película válida para quienes no conocen la saga, puesto que introduce a muchos personajes nuevos, a menudo con su punto de estrambótico o absurdo, tanto en el lado de los villanos como de los aliados, y el argumento se sitúa fuera de los conflictos habituales con el Gobierno Mundial y la Marina, pudiéndose visionar la película como una pieza independiente, aunque no por ello se sitúe fuera del universo de One Piece. Por otra parte, siendo un metraje de dos horas, la película no se hace larga, a pesar de cierta bajada de ritmo después de la excepcional primera media hora, pues se hace buen uso de ese tiempo con ingentes dosis de acción y buen humor a lo largo de una historia llena de trucos y engaños (cómo, si no, en un casino) tanto entre los protagonistas como hacia el espectador, de tal modo que evita caer en la predecibilidad y sorprenderá en más de una ocasión. Acaso el gran número de personajes que intervienen sea excesivo para una historia, puesto que muchos de ellos no pasan de ejercer un papel puramente testimonial y, por otra parte, se hace difícil profundizar en los antecedentes y conflictos personales de cada uno de ellos, especialmente tratándose de personajes nuevos, si bien en el caso de Gildo Tesoro y Carina las líneas de background aportadas son suficientes para darles el justo peso en la historia global.
La animación se desarrolla de forma bastante correcta en 2D, con algunos elementos CG bien integrados para los fondos y ciertos efectos visuales. La primera media hora en especial es especialmente espectacular en lo visual y las luchas entre los personajes se desarrollan con toda la épica que los fans esperan.
A favor: una historia atractiva para los fans del manga y el anime que puede ser al mismo tiempo seguida por quienes no son seguidores de la saga
En contra: la excesiva hipersexualización de los personajes femeninos de la película.
Aardman y StudioCanal han anunciado hoy que habrá "La Oveja Shaun: La Película 2", tal como anticipamos a finales de septiembre del año pasado. La secuela estará de nuevo dirigida por Richard Starzak (La Oveja Shaun: La Película, Creature Comforts) y producida por Paul Kewley (La Oveja Shaun: La Película, La Oveja Shaun: Las Llamas del Granjero), y se espera que la preproducción empiece a principios del año que viene.
La oveja querida por todos regresará así a la gran pantalla, tras la estela del éxito alcanzado por "La Oveja Shaun: La Película", que fue nominada a los Oscar de 2015. De esta forma Shaun y el rebaño se embarcarán en otro épico e hilarante viaje que constituirá el mayor y más excitante viaje de sus vidas.
Según David Sproxton, co-fundador y presidente ejecutivo de Aardman, "la traslación de las aventuras de Shaun a la gran pantalla obtuvo un gran éxito de público en todo el mundo, por lo que el rebaño está muy ilusionado por embarcarse en una nueva aventura de cine. Aardman se asocia con StudioCanal una vez más para producir otra excitante comedia, protagonizada por Shaun y el resto de la pandilla en una historia que les elevará más allá de la locura".
Por parte de StudioCanal Ron Halpern, ha añadido: "Todos en StudioCanal somos fans de Aardman.Ver la forma maravillosa en la que trabajan en Bristol desde hace 40 años para lograr ‘La Oveja Shaun: La Película’ fue una experiencia que siempre guardaremos en el recuerdo. Afortunadamente empezaremos otra vez con lo que definitivamente será otra película caracterizada por el humor único de Aardman, su creatividad y su artesanía."
De esta forma "La Oveja Shaun: La Película 2" consolida el acuerdo de producción entre Aardman y StudioCanal tras el éxito de ‘La Oveja Shaun: La Película’ dirigida por Mark Burton y Richard Starzak, que recaudó internacionalmente 106 millones de dólares, en virtud del cual se desarrolla la esperada comedia de aventuras prehistórica ‘Early Man’ de Nick Park, actualmente en producción. StudioCanal co-financiará la secuela y la distribuirá en sus territorios: Reino Unido, Francia, Alemania, Australia y Nueva Zelanda.
"Avril et le Monde Truqué" se llevó el Premio Cristal al Mejor Largometraje de Animación en el Festival de Annecy de 2015. Dirigida por Franck Ekinci y Christian Desmares, la película se basa en una idea original - que no un cómic - del historietista Jacques Tardi, desarrollada por el guión del mismo Ekinci y Benjamin Legrand. De hecho, la impronta de Tardi se nota de forma marcada en toda la película, pues es también el diseñador de personajes y del universo visual del largometraje, y ello constituye uno de los principales alicientes del mismo; en efecto, recuerda en varios aspectos a los álbumes de Adèle Blanc-Sec (llevados a la pantalla por Luc Besson), una serie que rinde homenaje a los folletines de aventuras, con monstruos, sabios locos, hermandades secretas... que se desarrolla en el París anterior a la 1ª Guerra Mundial y está protagonizada por una heroína feminista.
En el caso de "Avril et le Monde Truqué" la narración empieza en el París de 1870: Bajo el Segundo Imperio y en vistas de la guerra contra Prusia que se aproxima, los científicos son forzados a trabajar para sus gobiernos, y bajo estas circunstancias el científico Gustave Franklin se encuentra desarrollando un suero de invulnerabilidad cuando una visita de Napoleón III y su mariscal provocan un incidente en el laboratorio que conlleva la fuga de dos cobayas y una explosión que provoca la muerte de todos. A partir de ahí, la Historia que conocemos cambia: la guerra contra Prusia no tiene finalmente lugar y las líneas sucesorias no se interrumpen, con lo que sesenta años después, Napoleón V gobierna en Francia; sin embargo, los científicos de todo el mundo están desapareciendo, privando a la humanidad de invenciones capitales (tales como la electricidad, la aviación, el motor de explosión..), lo que estanca al mundo en la tecnología del carbón y el vapor y motiva a los gobiernos a intentar tener a todos los científicos restantes bajo sus órdenes, mientras explotan los recursos naturales sin atender a las consecuencias medioambientales. En este mundo extraño, el anciano hijo de Gustave, Pops, junto a su hijo Paul y su nuera Annette desaparecen tratando de ocultar el suero en el que empezó a trabajar su antepasado, dejando sola a la hija de la pareja, Avril. Diez años después, en 1941, Avril se encuentra trabajando de nuevo en el suero para tratar de salvar a su gato parlante Darwin, lo que volverá a despertar el interés del gobierno y de la misteriosa organización que anda detrás de todos los científicos.
Ejecutada en animación tradicional mediante dibujos realizados en ordenador, con la intervención de elementos 3D en los decorados y algunos efectos, la película se debe al estilo de Tardi, detallista y documentado. Empezando por sus créditos iniciales, que se reparten de forma muy original entre los papeles e instrumentos de un laboratorio científico que deviene el set de la escena inicial, "Avril et le Monde Truqué" se mantiene fiel a la estética y narrativa de los cómics, con sus líneas gruesas y sus colores gouache planos, y una animación sobria en general que sugiere viñetas ligeramente animadas, aunque generosa en las secuencias de mayor acción. Dentro de este estilo, la película construye un universo visual fascinante que sitúa a París en una estética steampunk retrofuturista, poblada por máquinas de vapor, dirigibles o una vagoneta teleférica que viaja por un cable a través de dos torres Eiffel gemelas. Este marco visualmente original e imaginativo, familiar y verosímil a la vez que fantástico, es el envoltorio de una historia de aventuras que homenajea y recupera el clásico gusto de las novelas de Julio Verne, Robert Louis Stevenson o Emilio Salgari.
Lo mejor: la imaginativa recreación de un París y una Historia alternativos construidos con el sello inconfundible de Tardi.
En contra: una historia en cierta medida predecible y algo ingenua en su parte final.
Entre los próximos días 29 de octubre y 1 de noviembre se celebrará en Barcelona la 22ª edición del Salón del Manga, que ha sido presentada hoy en rueda de prensa en la Escuela de Cómic Joso, con la participación de la cónsul general adjunta del Consulado General del Japón en Barcelona, Akiko Sagano; el presidente de FICOMIC y del Gremio de Editores de Cataluña, Patrici Tixis; el director de comunicación de Honda Motor España, Albert Cavero; el director de estudios de la Escola de Còmic Joso, Josep Maria Polls; y el director del Salón del Manga de Barcelona, Carles Santamaria.
Con las entradas ya agotadas para los dos primeros días, el salón ocupará un total de 70.000 metros cuadrados - repartidos entre cuatro palacios de la Fira de Barcelona y un gran escenario cubierto - que suponen un aumento del espacio expositivo por quinto año consecutivo y fijan un nuevo récord en la historia del certamen, y que acogerán exposiciones, talleres, proyecciones y actividades relativas al manga y al animé, significativamente también el cosplay, pero también videojuegos, exhibiciones de bailes asiáticos, actuaciones musicales, gastronomía japonesa, y otras actividades relacionadas con la cultura japonesa.
El presidente de FICOMIC y del Gremio de Editores de Cataluña, Patrici Tixis, hizo hincapié en el crecimiento del evento. Comparado con la edición de dos años atrás, la de este año es "un 40% más grande", resultado -explicó Tixis- de la demanda por parte de los asistentes y del crecimiento de expositores y actividades del mismo Salón. Y es que ya hace tiempo que el Salón del Manga va mucho más allá del género: "El gran atractivo que tiene es que es un salón del manga y, a la vez, una gran representación de la cultura japonesa", dijo el presidente de FICOMIC. En este momento, recordó uno de los ejes temáticos de este año, la literatura japonesa, con motivo del cual se contará con la presencia de las reconocidas escritoras Mitsuyo Kakuta, una de las autoras contemporáneas más populares y reconocidas de Japón, y la popular escritora Banana Yoshimoto, con obra publicada en más de 30 países, gracias a la colaboración de Fundación Japón.
Antes, Josep Maria Polls había entrado a detallar las programaciones de los talleres, que este año se ha visto ampliada e incluye la novedad del taller de videojuegos. Por su parte, el director de comunicación de Honda Motor España, Albert Cavero, ha querido compartir la importancia de "apoyar cualquier expresión relacionada con la cultura japonesa" para la compañía. En su turno, la cónsul general adjunta del Consulado General del Japón en Barcelona, Akiko Sagano, ha puesto en relevancia la importancia de la cultura pop, el manga y el anime como ventana a la cultura japonesa y ha agradecido a la organización su contribución.
La autora granadina Belén Ortega firma el cartel oficial de la presente edición. Con claras influencias en la estética manga, de ella son obras como "Himawari" (Premio al mejor
Manga Español del XIV Salón del Manga), "Pájaro Indiano", "Marc Márquez: la historia de
un sueño" y la adaptación en cómic de la famosa saga Millenium. La dibujante estará presente
en el Salón del Manga personalmente y con una exposición antológica que repasará su carrera. Por
su parte, los personajes protagonistas de YO-KAI WATCH, uno de los videojuegos del momento, son
la imagen del segundo cartel.
La licencia YO-KAI WATCH será protagonista del certamen, ocupando un espacio exclusivo de 3.500 metros cuadrados situado en la planta baja del Palacio 2. Los fans de la serie y los amantes del manga en general podrán disfrutar de la proyección de la serie de animé (que tendrá lugar el domingo 30 de octubre, a las 11 horas de la mañana, en la sala de proyecciones, en el Pabellón 5) y también podrán probar la primera entrega del videojuego de la popular saga para la familia Nintendo 3DS y participando en las distintas actividades previstas para sumergirlos en el universo YO-KAI WATCH. Gracias a Nintendo, el creador de este universo, Akihiro Hino, visitará el XXII Salón del Manga de Barcelona el sábado 29 de octubre, participando en varias actividades, como miembro de jurado de honor en el concurso de Cosplay de YO-KAI WATCH o como participante en el flashmob del sábado, y ofrecerá también una sesión de firmas.
El Salón del Manga de Barcelona será el escenario para el estreno en exclusiva de las mejores películas de animación y de imagen real japonesa basadas en los mangas más populares. El Auditorio del Palacio de Congresos acogerá las proyecciones de hasta siete películas que no han sido lanzadas comercialmente en España. Una de ellas es "Death Note Light Up The New World", un largometraje de acción real basado en el manga homónimo creado en 2003 por Tsugumi Oba y Takeshi Obata, uno de los títulos de referencia a nivel mundial y que más copias ha vendido de todos los tiempos. Otro de los films que se podrán ver es "El imperio de los cadáveres", basada en la novela del malogrado autor japonés Satoshi Itou y la primera película de animación para los cines de Wit Studio, creadores de la popular saga Ataque a los titanes. Precisamente, otro de los estrenos también está basado en una de las obras de Itou. Se trata de "Harmony", un largometraje animado de los productores de "Berserk" y "Steamboy", el Studio 4.
"Terra Formers", "I am a hero" y "El himno del corazón" son tres películas que se pudieron ver en el Festival de Sitges y que ahora podrán descubrirse en el Salón del Manga de Barcelona. "Terra Formers" es una película de acción real basada en el manga homónimo creado en 2011 por la pareja creativa Yu Sasuga y Kenichi Tachibana. Todo un gran éxito de ventas y de crítica, y considerado como uno de los mejores exponentes del cómic de acción cyber-punk. La adaptación del manga "I am a hero", obra de Kengo Hanazawa del año 2009, es un largometraje en acción real dirigida por Shinsuke Sato. Y el largometraje animado "El himno del corazón" está dirigido por Tatsuyuki Nagai, director de las aclamadas series de anime de "Toradora!" y "AnoHana".
Los asistentes al Salón podrán ver por primera vez "One Piece Strong World", creada por los productores de Dragon Ball, el estudio Toei Animation y basada en el manga más vendido de la historia de Eiichiro Oda. Además, tendrán la oportunidad de disfrutar de un avance en exclusiva en español y catalán de "One Piece Gold", la última entrega cinematográfica de la saga, que llegará a las salas de nuestro país el 4 de noviembre. Sus creadores, el director Hiroaki Miyamoto, el productor Hiroyuki Sakurada y el animador Masayuki Sato, asistirán al evento gracias a la colaboración de Selecta Visión. Los horarios de las películas se pueden consultar en: http://manga-xxii.ficomic.com/auditorio-palacio-congresos.cfm.
"One Piece Gold" cuenta la nueva aventura de Luffy y el resto de Piratas de Sombrero de Paja, que deciden poner rumbo a una embarcación dorada y con muchas luces de neón de 10 kilómetros de largo. Es tan grande como una ciudad, reconocida como país independiente por el Gobierno Mundial y como la mayor ciudad del entretenimiento del mundo bajo el nombre de Gran Tesoro. Allí, piratas, marines y millonarios se dan cita en un “santuario absoluto” fuera del alcance del Gobierno Mundial gracias a la riqueza del Rey del Casino, Gildo Tesoro, un hombre del que se dice que posee un 20% del dinero del mundo.
Esta película supone el debut de Hiroaki Miyamoto como realizador de films de animación para cine, después de haber contribuido en la creación de la misma serie One Piece tras su llegada al estudio Toei Animation y tomar las riendas de los personajes durante 2008. Lo acompañan Hiroyuki Sakurada, con más de 20 años de experiencia en la producción de series animadas de televisión, y Masayuki Sato, encargado de la dirección de animación y del diseño de los personajes en la nueva película. Además de presentar el avance en exclusiva de la película y de asistir a diversas sesiones de firmas, ofrecerán dos clases magistrales
el lunes 31 de octubre a las 18:30 y el martes 1 de noviembre a las
11:00h en el Taller de Manga y Anime.
El certamen
también contará
con
la presencia
del
director
de animación
Yoshimichi
Tamura
, responsable
de
"Dofus
- Livre
1: Julith"
de ANKAMA,
entre
otros
títulos
de la factoría
Disney
y Dreamworks
.
Toshio Maeda, uno de los pioneros en los años 80 del género hentai, que revolucionó el manga y el animé eróticos al burlar la censura japonesa mediante la creación de los “tentáculos”, también tendrá presencia en Barcelona. Su obra maestra "Urotsukidoji" (1986), descrita como "la
base para todo género erótico-grotesco del anime japonés", fue adaptada a
formato OVA en 1989 por Hideki Takayama, extendiéndose a varias
películas más, años después, y ejerciendo una gran
influencia entre la primera generación de otakus españoles. Su siguiente gran éxito fue "Demon Beast Invasion" (1989), de temática similar a la de Urotsukidoji, y que fue adaptada al anime un año más tarde. En 1989 creó "La Blue Girl", un trabajo inspirado en los ninjas y los clanes del Japón antiguo, pero incluyendo los mismos tentáculos que en sus trabajos anteriores. "La Blue Girl" fue adaptado en formato OVA en 1992, por Kan Fukumoto.
La lista de invitados incluye también a los autores de "Pokémon",
Hidenori
Kusaka
y
Satoshi
Yamamoto, y a
Junji
Ito, también
conocido
como
maestro
del
terror.
El Salón albergará también una nueva edición del concurso Anime Song Contest que organiza www.misiontokyo.com. La competición se celebrará el martes 1 de noviembre de 2016, a partir de las 17:00h, en el gran escenario cubierto situado
en la plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc. El ganador/a conseguirá
un viaje a Tokio (Japón) para poder realizar un concierto en la
temporada 2017/18 por cortesía de Loverin Tamburin.
Los directores de "Trolls", Walt Dohrn y Mike Mitchell, han revelado a The Hollywood News que Michael McCullers (Austin Powers, Mr.Peabody and Sherman) escribe la historia en la que se basará el guión de la siguiente secuela en la franquicia del ogro verde, "Shrek 5". McCullers se encuentra también desarrollando el tercer título de "Hotel Transylvania" para Sony.
Por su parte, Disney ha fichado al director Adam Shankman ("Hairspray","Se Montó la Gorda", "Un Canguro Superduro", "Más allá de los Sueños") para encabezar la segunda parte de "Encantada" (2007), que se titulará "Desencantada" y estará ambientada siete años después de lo ocurrido en la película inicial, con Giselle poniendo en cuestión su felicidad y provocando accidentalmente los hechos que van a alterar la vida de todos tanto en el mundo real como en el reino animado de Andalasia. Como la original, la secuela estará también en parte animada, pero se desconoce si lo estará mediante animación tradicional como aquélla o en 3D, puesto que la compañía se deshizo de buena parte de su división de animación tradicional en 2013.
El estudio Folivari y Studiocanal se encuentran trabajando en una nueva película basada en "Ernest & Célestine" que se titulará "Ernest et Célestine, le voyage en Charabie". A partir de un guión de Agnès Bidaud, está dirigido por Jean-Christophe Roger y Julien Cheng, que también encabezan la serie basada en la película original. El estudio también tiene proyectado producir - junto a Dandelooo y Panique! - una nueva serie, titulada "Chien Pourri" (52 x 13'), que se basa en los álbumes de Marc Boutavant y Colas Gutman y va a estar dirigida por Davy Durand y el dúo Vincent Patar y Stéphane Aubier (Panique au Village) a partir de los guiones de Jean Regnaud.
En Japón, la serie de novelas románticas "Gamers!" de Sekina Aoi y del ilustrador Saboten, que se desarrollan en torno a las vidas de varias estudiantes de instituto que son jugadoras de videojuegos, tendrá una adaptación al animé.
También tendrá una adaptación al animé la serie de novelas fantásticas "Record of Grancrest War", de Ryo Mizuno (Record of Lodoss War) y del ilustrador Miyuu, que se desarrollan en un continente gobernado por el caos debido a que los Señores que podían controlarlo con sus Sellos Sagrados (Crests) optaron en su lugar por luchar entre ellos para hacerse con todos los Sellos; en estas circunstancias, una maga solitaria llamada Shiruka que reniega de los Señores, y un caballero llamado Theo que busca liberar a su pueblo de la tiranía, juran trabajar juntos para cambiar las cosas en el continente y acabar con las guerras.
Por su parte, la compañía Geno Studio está finalizando la producción de un animé basado en la novela "Genocidal Organ" de Project Itoh, que se estrenará a finales de este mes. Los hechos de la novela se desarrollan durante una guerra de terror que se inició cuando Sarajevo fue destruido por un dispositivo nuclear, iniciando una ola de genocidios que llevaron a las principales democracias a convertirse en estados guardianes; el misterioso americano John Paul parece estar detrás de todos los desastres y corresponderá al oficial de inteligencia Clavis Shepherd seguirle a través de civilizaciones completamente destruidas para dar con el corazón del conflicto: un órgano genocida. Shukou Murase dirige la película, que es la tercera de las proyectadas por Project Itoh, tras "The Empire of Corpses" y "Harmony", ya estrenadas el año pasado.
Un poco más tarde, en noviembre, se estrenará la película "Gekijōban Ansatsu Kyōshitsu: 365-Nichi no Jikan" (Assassination Classroom The Movie: 365 Days), basada en el manga de Yusei Matsui. De hecho, el autor colaboró también en el desarrollo de la historia original de la película, que se desarrolla un día antes de la reunión de clase mostrada al final del manga, siete años después del clímax. Recordemos que la trama del manga se centra en la clase 3-E de la secundaria Kunugigaoka, que tiene por objetivo matar a su profesor - "Korosensei" - un ser con tentáculos que destruye parcialmente la Luna dejando una permanente Luna creciente y amenaza con destruir la Tierra en el plazo de un año, a menos que uno de sus alumnos lo asesine antes de la graduación.
En abril del 2017 se estrenará el 25º largometraje basado en Crayon Shin-Chan, con el título "Eiga Crayon Shin-chan Shūrai! Uchūjin Shiriri" (Crayon Shin-chan the Movie: Invasion! Alien Shiriri), que estará dirigido por Masakazu Hashimoto (Eiga Crayon Shin-chan: Ora no Hikkoshi Monogatari ~Saboten Daishūgeki). A continuación podéis ver el teaser:
La serie "Kami-sama Minarai: Himitsu no Cocotama" (God Apprentices: Secretive Cocotama) tendrá una película de animación que se estrenará también en abril o principios de mayo del año que viene. OLM desarrollará la animación de la película, que estará dirigida por Norio Nitta (Inazuma Eleven, LBX) con diseños de personajes de Shinobu Taiga (director de animación de Yumeiro Pâtissière, Pokémon the Movie: Hoopa and the Clash of Ages). Los "Cocotama" son pequeños dioses nacidos de los pensamientos y deseos de objetos a las que la gente tiene mucho aprecio, cuyo objetivo es entrenarse para ser útiles a los humanos y convertirse en dioses completos; los cocotama viven en las casas y se mueven por ellas de forma oculta para ayudar, con su misteriosa magia, a los humanos a encontrar cosas que han perdido, aunque a veces cometen errores.
Toei Animation, junto al director Tomoyasu Murata, ha iniciado un proyecto de crowdfunding para abordar la creación de un piloto de 3 minutos dirigido a producir un largometraje en stop motion que adaptaría la novela "The Animal Family" (1965) de Randall Jarrell. La novela cuenta la historia de un cazador, una sirena, un oso y un lince, que forman una extraña familia en una cabaña de la costa.
El músico y DJ Porter Robinson, gran fan del animé, ha desarrollado en colaboración con el estudio A-1 Pictures (Magi, Fairy Tail, Sword Art Online...), un cortometraje escrito por él y dirigido por Toshifumi Akai bajo el título "Shelter", con diseño de personajes a cargo de Megumi Kounoi. Podéis ver el corto a continuación:
Volviendo a Francia, el proyecto transmedia "La 4ème Planète", de Titouan Bordeau y Jean Bouthor, ha puesto en marcha su sitio oficial en internet y ha lanzado un nuevo trailer. Pensado como una serie de televisión, un videojuego y una plataforma web que serán desarrollados en colaboración con Folimage, presenta la siguiente sinopsis: Recién entrados en el siglo XXIII, el calentamiento climático y la sobreexplotación de los recursos han hecho difícil la vida en la Tierra; en este contexto de crisis, la sociedad NWTM (New Way Toward Mars) ha decidido ponerse a la obra y, con la ayuda de un paracaídas solar, pretende apartar al planeta Marte de su órbita para posicionarlo en una zona habitable alrededor del sol. Gracias a ello, Marte se convertirá en un planeta habitable y puede comenzar el éxodo de humanos, para lo que la NWTM construye el Cosmopuerto, una plataforma de salida de naves espaciales hacia el planeta rojo.
En otro orden, Mattel Creations ha presentado en MIPCOM nuevos contenidos infantiles basados en sus franquicias. De una parte, nuevas series en CGI basadas en las muñecas Barbie: la serie preescolar "Barbie Dreamtopia" (52 x 11'), animada por Snowball Studios, que protagoniza Chelsea, la hermana pequeña de Barbie, con quien se embarcará en fantásticas aventuras explorando el mundo de los sueños, llenos de posibilidades infinitas y también de lecciones para la vida; la serie infantil en clave de comedia "Barbie: Dreamhouse Adventures" (26 x 22'), sobre las aventuras de Barbie y sus hermanas - Chelsea, Stacie y Skipper -, en las que todo es posible, y que permitirán a sus fans conocer más sobre Barbie y su familia; y la película de aventuras "Barbie Dolphin Magic", que se estrenará en otoño del 2017, y en la que Barbie y sus hermanas visitarán a Ken en un campamento de verano donde trabaja en una barrera de coral rescatando a los delfines, y descubrirán a unos peculiares delfines con los colores del arcoiris y a una sirena llamada Isla que necesitan su ayuda. Por otra, una nueva temporada - la 21ª - de "Thomas y sus Amigos" (26 x 11') y la película "Thomas: Journey Beyond Sodor". Y finalmente, la nueva película "Enchantimals", que presenta a un grupo de chicas con poderes que existen en algún punto entre el mundo de los humanos y el de los animales, actuando como protectoras de su hogar en un bosque encantado y también como guardianas de la paz y armonía entre todas las criaturas vivientes, especialmente los animales.
Siguiendo con series, Marvel anunció en la convención de cómics de Nueva York una nueva serie, "Marvel's Spider-Man", que se estrenará en DisneyXD en 2017. La serie se planteará como una mirada al origen del hombre araña, contando la historia de un joven inseguro pero valiente, llamado Peter Parker, que tiene que aprender a ser un superhéroe a partir de unos extraños superpoderes que acaba de adquirir. Supervisada por Philip Pignotti (Marvel’s Avengers Assemble) y con la dirección de guiones de Kevin Shinick (Robot Chicken, Mad), la serie incluye a los productores ejecutivos Alan Fine (Marvel’s The Avengers,Iron Man,Thor), Dan Buckley (Marvel’s Avengers Assemble,Marvel’s Hulk and the Agents of S.M.A.S.H.), Joe Quesada (Marvel’s Avengers Assemble) y Jeph Loeb (Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D.); Stan Lee (Spider-Man), Eric Radomski (Spawn,Marvel’s Avengers Assemble), Cort Lane (Marvel’s Ultimate Spider-Man) y Stephen Wacker (Marvel’s Avengers Assemble); a los supervisores Kevin Shinick (Marvel’s Avengers Assemble,Robot Chicken) y Marsha Griffin (Transformers Prime,The Life and Times of Juniper Lee); y a los consejeros Dan Slott (Spider-Man: Big Time,The Superior Spider-Man), Kevin Burke y Chris Doc Wyatt (Marvel’s Avengers Assemble,Marvel’s Ultimate Spider-Man).
También se anunció que el Hombre Hormiga y Avispa protagonizan una serie
de cortos de animación que se estrenarán también el año que viene en
DisneyXD, creada por Passion Pictures y dirigida por los franceses Ugo Bienvenu y Kevin Manach. Igualmente, Marvel va a desarrollar con la juguetera Funko tres cortos de animación que se estrenarán a finales de año: "Spellbound", donde Spider-Man y Iron Man se enfrentarán al engañoso Loki y a su cetro controlador de mentes; "Chimichangas" que mostrará a Deadpool luchando contra Venom; y "Rescue", donde el Guardián del Universo Rocket entrará en el Museo de El Coleccionista para intentar rescatar a Groot.
La compañía finlandesa Rovio sigue aprovechando el éxito de "Angry Birds La Película" y producirá una serie de 30 cortos protagonizados por los Azules y los Pollitos, que se estrenará en febrero del año que viene en la plataforma VOD de la empresa, ToonsTV. Asimismo, la empresa de entretenimiento CAKE lanzará dos nuevas series basadas en los personajes de Angry Birds: Piggy Tales Third Act (35 x 1'25'') y Piggy Street (30 x 1'25''). La primera de ellas estará protagonizada por los cerdos de la película, que rendirán tributo a clásicos de los escenarios y de las pantallas con cómicos resultados, y la segunda constituye la cuarta serie de "Piggy Tales", y se desarrollará en un rincón de Pig City donde los cerditos darán un tono cómico a situaciones corrientes como perder las llaves del coche, estar en un atasco o tomarse un café.
El productor Sherry Gunther Shugerman (The Simpsons, Padre de Familia, Rugrats...), de POPmedia Brands, se ha asociado con la compañía alemana m4e para producir a partir el año que viene una nueva serie titulada "The Beatrix Girls", basada en una marca multimedia (con más de 23 millones de visitas en Youtube), con su propia línea de juguetes, de muñecas popstar de la misma POPmedia Brands. Los guiones estarán desarrollados por Robert Ramirez, con larga experiencia escribiendo para Warner Bros., 20th Century Fox, Disney y Cartoon Network. Las amigas Brayden, Lark, Ainsley y Chantal son unas muñecas de 30 cm. que viven en el mundo real y forman parte de una banda de música conocida como "The Beatrix Girls", haciendo realidad su sueño de vivir como unas estrellas del pop. Combinando su encantadora personalidad y su música puntera protagonizarán inolvidables aventuras con un toque de comedia.
La plataforma VOD Crunchyroll ha encargado un proyecto, aparentemente de serie, al artista LeSean Thomas (Cannon Busters) que desarrollará el estudio franco-japonés Yapiko Animation, contando con Hiroshi Shimizu (Michiko & Hatchin, Urbance) como diseñador de personajes, Shingo Natsume (One Punch Man) en el storyboard, Yûichi Takahashi (Gatchaman Crowds Insight) en la dirección de la animación, y Mitsuo Iso (Denno Coil) como animador. "Children of the Ether", que así se llamará, se desarrollará en torno a Rhonda, una mujer con un pasado oscuro y un misterioso poder, que es perseguida por un desconocido tras la muerte de su padre y, con la ayuda de un par de huérfanos, se adentra en una metrópolis decadente y distópica habitada por asaltantes, bandas y lo sobrenatural; allí se encontrará con amigos y enemigos y tendrá que arreglárselas por sobrevivir mientras busca una respuesta a su extraño poder, el Ether.
En Japón, Square Enix hará una adaptación al animé del manga "The Royal Tutor" (Ōshitsu Kyōshi Heine) de Higasa Akai, una comedia que se desarrolla en torno a un pequeño profesor, Heine Wittgenstein, que acepta el puesto de Tutor Real en la corte del rey Grannzreich, cuyos cuatro hijos tienen personalidades bien distintas.
También el manga "The IDOLM@STER Cinderella Girls Gekijō" (The IDOLM@STER Cinderella Girls Theater), que puede leerse en la app The IDOLM@STER Cinderella Girls de Bandai Namco Games y Kuma-Jet, tendrá una serie de animación a estrenar el año que viene que se desarrollará, como el manga, en torno a la vida diaria de las idols. Estará dirigida por Mankyū (Donyatsu, DD Fist of the North Star, Mobile Suit Gundam-san) desde el estudio Gathering.
Igualmente, la serie de novelas "High School DxD" de Ichiei Ishibumi y el ilustrador Miyama-Zero tendrá una serie de animé para TV (la cuarta ya). Las novelas se centran en Issei Hyōdō, un despistado estudiante de segundo año de instituto que muere en su primera cita con una chica y se reencarna como un demonio que debe servir desde entonces a otro demonio de primer nivel llamado Riasu, que resulta ser también la chica más guapa de su campus.
En cuanto a cuestiones más institucionales y más cercanas, tras las reuniones y primeros pasos dados en Annecy y Cartoon Forum, 14 asociaciones de 12 países europeos han constituido en MIPCOM (Cannes) la Federación europea de productores de animación, que estará presidida por el francés Philippe Alessandri, responsable de la iniciativa de poner en marcha el nuevo lobby. Las asociaciones españolas DIBOOS y Pro-Animats están integradas en la nueva federación, cuyo objetivo será defender ante Bruselas los intereses del sector y luchar para que las televisiones y las plataformas OTT de Europa inviertan en producción continental, y también para conseguir fondos públicos de financiación para toda la industria europea. La federación celebrará encuentros todos los años en Annecy (junio), Cartoon Forum (septiembre) y MIPJunior (octubre).
