El próximo 5 de enero se estrenará en los cines españoles la película "Sola en Casa" (Gnome Alone), una película de John H. Williams, productor de "Shrek", y Danielle Sterling, dirigida por Peter Lepeniotis (Operación Cacahuete) y basada en un guión de Michael Schwartz y Zina Zaflow. La que es la segunda película de 3QUMedia (Charming) presenta una entretenida historia en torno al valor de la amistad que, en palabras de su director, desarrolla una comedia de acción para niños en la tradición de películas como "Una Pandilla Alucinante", "Gremlins" o "Los Cazafantasmas", con sustos divertidos y personajes hilarantes.
Sinopsis: Chloe tiene que mudarse de ciudad de nuevo con su madre. Para empeorar la situación, su nueva casa es anticuada y está llena de raros gnomos de jardín. Chloe y su vecino Liam, que nunca habría imaginado llegar a ser su amigo, rápidamente descubren que los gnomos están realmente vivos y que su misión es evitar que los Troggs, unos pequeños extraterrestres amenazantes, entren en la casa a través de un portal de otro mundo e invadan el planeta. Mientras tanto Chloe comienza a formar parte del grupo de las chicas de moda de su nueva escuela, Brittany, Tiffany y Chelsea, y está a punto de cumplir su sueño de entrar en las BTC’s. Cuando la clave del portal cae en las manos equivocadas, Chloe tendrá de decidir si se queda con las BTC’s o si forma equipo con Liam y los gnomos para luchar contra los Troggs y ¡salvar el mundo!
Con dos canciones interpretadas por Becky G, “Home is Where the Heart Is” y “Our House”, “Sola en Casa” es una película con un fuerte componente musical, que además de la participación de la estrella latina, que por otra parte pone también la voz a Chloe en la versión original, cuenta también como compositor con Patrick Stump, el vocalista principal y guitarrista del grupo de rock Fall Out Boy. Otras de las actrices relacionadas con el mundo de la canción que también ponen voz a los personajes de la película en la versión original son Tara Strong, la estrella de Disney Olivia Holt, y la medio hermana de Demi Lovato, Madison de la Garza.
A continuación podéis ver el trailer:
En la pasada edición del certamen Mi Primer Festival tuvimos la oportunidad de ver las dos películas que componen el título "Cuentos Revueltos" (Revolting Rhymes), dirigidas por Jakob Schuh y Jan Lachauer, y que recientemente han triunfado en la primera edición de los Premios Émile de la animación europea. La presencia de uno de los directores, Jakob Schuh, nos brindó la oportunidad de charlar con él sobre la realización de las películas, que adaptan la mayoría de los poemas con los que Roald Dahl reinterpretó, con su oscuro estilo, reinterpretó seis cuentos tradicionales - La Cenicienta, Jack y las Judías Mágicas, Blancanieves y los Siete Enanitos, Ricitos de Oro, La Caperucita Roja y Los Tres Cerditos - actualizándolos y dándoles unos finales bastante distintos de los conocidos.
La espera para la recepción de cierto material que finalmente no pudo producirse dilató en el tiempo la publicación de esta entrevista que, en cualquier caso, mantiene pleno interés y actualidad tras la entrega de los premios Émile hace tan solo unas semanas.
¿Cuál fue la razón de mezclar las diversas historias que componen "Cuentos Revueltos"?
Teóricamente podríamos haber saltado de historia en historia sin que ellas interactuaran, pero entonces tendríamos múltiples finales, uno para cada historia, lo que no nos acababa de gustar. Queríamos tener finales comunes. Y para ello los personajes tenían que conocerse e interactuar entre ellos; de este modo Jack y Cindy tienen un final que comparten, por ejemplo. La dificultad estuvo en que nos permitimos superar el texto de las historias pero sin añadir texto, porque los cuentos de Roald Dahl eran para nosotros sacrosantos; no queríamos hacer un cuento al estilo de Roald Dahl, sino adaptar los cuentos de Roald Dahl. Así que intentamos establecer las relaciones entre Blancanieves y la Caperucita Roja, entre Jack y Cindy, entre la Caperucita Roja y el cerdito banquero (que en el texto original tan sólo se reduce a una línea que explica de dónde sacó ella su dinero, lo que nos obligó en cierta forma a inventar el personaje para darle una razón de existir) sin añadir texto, sin una línea extra. De este modo las relaciones se tenían que construir sobre el texto original o mediante acción muda. Así, si tomamos la relación entre Blanca Nieves y la Caperucita Roja - que cuanto menos deja entrever una profunda amistad que se extiende durante largo tiempo -, vemos que nunca hablan entre ellas, pero intentamos hacerlo de forma que fuera evidente para todo el mundo, para que no resultara una pantomima. Probablemente este aspecto, unir las historias, fue lo más difícil, no sólo del guión, sino de toda la producción de la película.
Los cuentos revueltos de Roald Dahl comprenden seis cuentos clásicos, pero dejásteis fuera el de "Ricitos de Oro". ¿Por qué?
Sí, cuando decidimos que todas las historias iban a compartir un mismo universo miramos al conjunto y nos dimos cuenta de que la historia de "Ricitos de Oro" tenía un tono totalmente distinto: está narrada como si transcurriera en un juicio y transmite una voz totalmente diferente de las demás. Y también necesitábamos cortar material de algún modo, porque tan sólo disponíamos de 16 minutos, y la primera prueba en animática ascendía hasta los 19. Así que quedó fuera, aunque realmente nunca se planteó que estuviera dentro por lo que he mencionado al principio. También ocurrió en cierto modo en el caso de "Los Tres Cerditos", cuya historia - o al menos la de dos de ellos - queda reducida al mínimo, a una sola escena, a pesar de que en los cuentos de Roald Dahl tienen su propio cuento e incluso tuvieron una secuencia de siete minutos. La versión de "Ricitos de Oro" que hace Roald Dahl es también preciosa pero es tonalmente muy distinta, con lo que no resultó difícil descartarla.
Se observa en las historias la existencia de un trasfondo socializante: hay un par de enanos de color, Cindy resulta ser bastante materialista, también hay un empoderamiento de la mujer ... ¿hasta qué punto profundizáis en este sentido lo que ya existía en los libros?
De hecho, el carácter materialista de Cindy ya existía en los libros, pero efectivamente otros aspectos no están. Por ejemplo el tema del perdón, que hace que el lobo desista de sus intenciones originales y desaparezca en el bosque, no existe. De hecho ese personaje no existe en los libros, es una inspiración basada en una de las portadas, pero está construido siguiendo su espíritu, porque lo que hace Dahl es pretender que está contando una historia horripilante que no admite finales felices, pero al cabo sorprende con finales muy humanistas. Es una trampa que suele hacer que me encanta: el autor te dice te voy a contar una historia salvaje, que será violenta y horripilante, incluso repugnante, pero al final presenta finales que son bastante humanos, bastante cálidos. Así que siguiendo este espíritu intentamos encontrar los finales comunes para las historias.
Básicamente cuando se cuenta una historia se trata de encontrar una moraleja; no es una opción. Si cuentas una historia que no tiene moraleja, normalmente es una historia vacía. Así que intentas encontrársela y pensar que a Dahl le hubiera gustado.
También resulta muy evidente un enfoque gráfico que hace que la presentación de las historias se parezca a ilustraciones de un libro.
Fue difícil también abordar este aspecto porque Quentin Blake era el autor de las ilustraciones de los libros y para mí es un dios, al menos en la misma medida en que lo es Roald Dahl. Así que también las ilustraciones originales eran sacrosantas para mí. Copiarlas hubiera sido blasfemo, pero al mismo tiempo todas o casi todas las adaptaciones que se habían hecho de Roald Dahl anteriormente - "Fantástico Mr. Fox", "Charlie y la Fábrica de Chocolate", "Matilda".. - nunca adaptaron el trabajo de Quentin Blake. Me encontraba en un punto extraño, porque no quería copiar a Quentin pero al mismo tiempo quería respetar su trabajo, porque es precioso: no sólo la línea, sino también la forma de los personajes, los volúmenes... Son realmente muy buenos. Parece como si los hubiera dibujado en la página en cinco minutos, pero realmente es un diseño muy bueno. Así que en la fase de concept lo que terminamos por hacer fue decir, ok, obviamente no va a ser Quentin Blake, va a ser diferente, pero será como si alguien se hubiera basado en el trabajo de Quentin para hacer marionetas a partir de él. Esa sería la aproximación: de forma que cuando uno ve a los personajes y se fija en los dibujos originales pueda reconocerlos. Fueron dibujados por otra persona, naturalmente, pero son los mismos personajes. Es lo que intentamos hacer.. y fue difícil porque soy muy fan del trabajo de Blake pero también lo es mucha otra gente, por lo que cuando muestras la película te encontrarás con gente que adoraba los dibujos originales, y queremos mantener una distancia respecto a ellos que al mismo tiempo no sea tan lejana como para hacerlos irreconocibles.
Sorprende gratamente encontrar dos tipos de acabado: uno más tipo marioneta para las escenas en que se están desarrollando los cuentos y otro más realista cuando están protagonizadas por el lobo que hace de narrador.
No se lo he contado a nadie antes. Originalmente, la separación de ambos mundos no se planteó de una forma tan extrema; tan solo se iba a hacer visible en los diseños de los fondos, pero se iba a usar el mismo tipo de personajes para ambos tipos de escenas por razones de tiempo, presupuesto, etc. Pero una vez nuestros compañeros de Sudáfrica compusieron el café donde se encuentran el lobo y la cuidadora y vi los primeros renders, todo resultaba tan realista que era imposible tener allí a personajes con un cabello o pelo esculpido como si fuera de plástico; no hubiera funcionado. Así que a mitad de producción llegamos a la conclusión de que si el mundo de la narración iba a ser tan realista, y queríamos que así fuera, no iba a funcionar con los mismos personajes, de modo que de repente tuvimos que crear otros con pelo más realista, piel más realista... No estaba planeado, pero cuando el realismo del café lo exigió, la necesidad del cambio se hizo evidente. Fue de nuevo una decisión difícil, pero estamos satisfechos porque subraya aún más la separación de ambos mundos.
¿Qué sensación os produce que este trabajo, que es una producción para TV, se vea finalmente en los cines?
Oh, es lo mejor, literalmente. Se ha podido ver así en Francia, en Bélgica y ahora en España a pesar de que es una producción para televisión, como todas mis películas. Y aunque es algo que no se tiene en cuenta cuando se hace, porque naturalmente tratas de hacer una buena película, sin compararte con otras producciones, esta oportunidad le ha dado una segunda vida y la posibilidad de que la gente vea ambas películas juntas, mientras que en televisión normalmente se emiten en el primer y segundo día de Navidad. También a nivel de sonido se ve diferente, musicalmente es perfecto. Y además la televisión es un acto íntimo, no puedo estar en los salones de casa de todos los niños para ver su reacción ante la película, algo que en una sala de cine es posible. Normalmente cuando haces una película puedes hacer proyecciones de prueba de las animáticas, principalmente por razones de comprensión, para asegurarte de que los niños de cierta edad lo entenderán todo, pero para esta película no hubo tiempo, y el pase de prensa fue la primera vez que tuve oportunidad de verlo con otra gente distinta de la del equipo, y ahora con los pases en cine estoy teniendo la oportunidad de viajar y verlo en festivales y es lo mejor. Nunca me había ocurrido antes. Es fantástico y me hace muy feliz.
Por otra parte se me hace a la vez muy raro y fascinante escuchar la película en diferentes idiomas. Cada versión me resulta super-diferente porque durante tanto tiempo he trabajado en cada línea del guión y me obsesiono tanto en la edición de las voces que conozco cada pequeño sonido de la película. Y de repente, escuchar una versión que para mí es completamente diferente me provoca muchas sensaciones. En el caso de la versión en catalán encontré que el cerdo era fantástico, mejor incluso que la voz original.
Pero realmente la calidad de las películas se asemeja mucho a la de un trabajo para cine, puesto que se observa muy buena iluminación, texturas y muy buena animación, con lo que funciona muy bien en la pantalla grande.
Lo que uno intenta es, a pesar del pequeñísimo presupuesto de la producción, hacer compromisos que no se hagan sentir como tales. Se trata de no comprometer la animación ni el guión, pero se pueden hacer sacrificios en los fondos: en nuestra película todos los fondos consisten en un espacio de tres paredes, y muchos de los objetos son planos, a modo de escenario de teatro, que de hecho fue nuestra inspiración. En nuestra primera reunión, cuando el co-director y yo nos encontramos en el café que sirve de marco a la narración, que pertenece a un museo de marionetas, entramos en él y vimos que todas las marionetas son preciosos muñecos de teatro, y que los fondos eran pintados y mostraban incluso las pasadas de pincel, pero eran encantadores, así que vimos que podíamos hacer también este tipo de sacrificios. Lo mismo con las cámaras: dijimos, bien, puesto que cada escenario consiste en tres paredes, ello limita todas las direcciones a las que la cámara puede apuntar, no se les dará la vuelta, lo que por definición significa un ahorro presupuestario del 25%. Es algo que pasa mucho en las producciones de animación europeas: no se trata de hacer con un presupuesto pequeño lo que hacen en América con un presupuesto mucho mayor, sino de tomar las mejores decisiones en diseño y en narrativa para que el presupuesto se ajuste a la película. Y de repente todo tiene un buen aspecto; lo mismo pasa por ejemplo con "El Gran Lobo Feroz": encierra magníficas decisiones de diseño y el presupuesto se gasta en lo que es importante. Es algo que pasa cada vez más y creo que es algo bueno.
Las limitaciones pueden resultar en algo beneficioso puesto que te obligan a centrarte en lo esencial. A veces me han preguntado si no desearía hacer algo más largo que producciones de treinta minutos y he dicho que no, puesto que el formato de treinta minutos me educa para contar algo de forma bastante económica, en un tiempo corto. Aunque reconozco que para esta producción ello fue como dispararme un tiro en el pie, porque al escribir lo hice para dos bloques de media hora. Pero los tiempos de producción fueron muy cortos, porque para estas películas el tiempo de pura producción fue de 16 meses (el tiempo para el guión y la preproducción fueron mucho más largos), y en este tiempo normalmente produces media hora, y nosotros hicimos dos bloques de media hora. Ello nos obligaba a estar muy centrados, porque normalmente cuando te sientas en una mesa de productores siempre hay como una especie de red de seguridad que da cierta tranquilidad que permite probar algunas cosas y si no funcionan, probar algo al mes siguiente. Pero en este caso teníamos que tener los dos bloques de media hora listos para Navidad del 2016 y no había modo de alargar los tiempos de producción, con lo que todas las discusiones eran bastante centradas, porque todos sabíamos que lo que decidiéramos no se podía echar atrás. Ello te da buenas vibraciones, me gusta.
Y los resultados han sido bastante buenos: entre otros reconocimientos, habéis obtenido el Premio Cristal de Annecy y tres nominaciones para los premios Emile: Mejor Producción de TV, Mejor Animación y Mejor Storyboard. ¿Cómo os hace sentir?
Sí, nos hace muy felices. Las nominaciones a los Émile me alegran y también me causaron cierta sorpresa porque había otras categorías en las que tenía mayor confianza, pero también es fantástico haber estado nominado a aquellas tres. Pienso que lo que se hace en animación europea es muy bueno: las películas cada vez resultan más interesantes y están atrayendo mayor atención, y creo que los Émile son un paso importante en términos de reconocimiento y éxito profesional. No sólo permitirán decir si una película ha sido muy buena, sino también si ha estado bien diseñada, si tiene buena música,... y espero que puedan tener continuidad.
¿Cuánta gente trabajó en las películas?
Creo que en los créditos aparecen entre 140 y 150 personas, pero naturalmente es una suma que resulta del trabajo de varios meses, de gente que entraba y salía de la producción. Los productores fueron Magic Light Pictures y tuvimos la ayuda del estudio sudafricano Triggerfish Animation Studios. El estudio en Berlín, que se montó para esta película, se encargó de una parte de la animación y la mayor parte del diseño, modelado y rigging. La gente del estudio Triggerfish son muy buenos y nos ayudaron mucho con la animación e hicieron el 100% de la texturización, iluminación, render y composición. Prácticamente nos salvaron porque los tiempos de producción eran muy ajustados y escribir el guión nos tomó mucho tiempo, y ellos se pudieron encargar de ayudarnos en la producción desde el primer momento por la experiencia previa que ya tenían. En Sudáfrica son un gran estudio, con mucha experiencia, especialmente en animación, y son muy fiables. Fueron determinantes y son los responsables de la buena iluminación y el feeling visual de la película.
Originalmente hubo dos directores: Jan Lachauer y yo. Escribimos juntos el guión e iniciamos un pre-storyboard con pequeñas ilustraciones, y nos dimos cuenta de que la cantidad de cuestiones que se originan diariamente eran demasiadas para sólo dos directores, así que para el storyboard contamos con un tercer co-director, Bin-Han To, lo que hizo el trabajo bastante comparable al de una producción de una sola media hora. Yo siempre trabajo en co-dirección, nunca dirijo solo y creo en ello porque compartir las dificultades las reduce a la mitad de dificultades, y compartir el trabajo lo reduce también a la mitad, pero compartir los éxitos los hace más grandes. La razón para co-dirigir es que en cierto punto hay tanta gente trabajando en la co-producción que surgen demasiadas cuestiones, y hay tanta gente acudiendo con ellas a tu despacho que necesitas a alguien más para responderlas. Así que llega a ser una necesidad encontrar a un co-director que esté completamente en sintonía contigo - con Jan escribimos el guión juntos y compartimos cierta visión del proyecto - de forma que no importa quién de los dos dé las respuestas.
"Cuentos Revueltos" recibió en la pasada edición de los Premios Émile los reconocimientos a Mejor Producción para TV y Mejor Animación en una producción para TV. Felicitamos al equipo y muy especialmente a Jakob Schuh, y les deseamos mucho éxito en sus proyectos futuros.
Sin ninguna duda la sorpresa de fin de año la da "Ferdinand". Justo al poco tiempo de conocer las noticias sobre la adquisición de 21st Century Fox por parte de Disney, que arrojan una sombra de preocupación sobre el futuro de la división de animación de 20th Century Fox y los estudios Blue Sky, llega a las pantallas españolas esta película de animación que podría ser su último legado, y es indiscutiblemente la mejor película que ha dirigido Carlos Saldanha y la mejor que han producido juntos 20th Century Fox y Blue Sky. El director brasileño ha conseguido firmar un excelente largometraje a partir del breve cuento "The Story of Ferdinand" de Munro Leaf, que fue adaptado primeramente en el corto de Disney "Ferdinand the Bull" en 1938, y que ahora se convierte en una película valiente, tierna y repleta de personajes sólidos y bien caracterizados.
Ferdinand es un toro de lidia amante de las flores y poco amigo de los combates que escapa de la hacienda en la que es criado junto a otros toros y es adoptado por un simpático granjero y por su hija. Sin embargo, su idílica vida cambia cuando, tras sembrar el pánico - muy a su pesar - en un tranquilo pueblo andaluz, es enviado de vuelta a la hacienda donde no quería estar. Pero Ferdinand está decidido a regresar a casa. En el campo de entrenamiento, el bondadoso toro hace numerosos amigos y cambia la vida de aquéllos a quienes conoce. Pero antes de volver a casa sigue habiendo un gran obstáculo que tendrá que superar: Ferdinand tiene que enfrentarse al diestro El Primero en una plaza llena hasta la bandera.
El sencillo mensaje de fondo de la película - el derecho a la no conformidad y a ser fiel a uno mismo - se transmite con fidelidad al cuento original, pero el largometraje de Saldanha sabe ampliarlo y reforzarlo con la introducción de nuevos personajes y una historia más profunda, donde se abordan problemáticas como el bullying, los estereotipos y, también, la crueldad del toreo. En efecto, Ferdinand quiere mantenerse fiel a sí mismo y atenerse en todo momento a su conjunto de valores aunque los demás no le comprendan o quieran imponerle sus propias ideas, y en su actitud es capaz de inspirar a todo el que le rodea, como su historia es capaz de mostrar a los jóvenes espectadores que tienen derecho a ser como deseen frente a las presiones de sus compañeros en el colegio por hacerle ser de otra manera o por ser como son, pero también a la hora de enfrentarse a un mundo adulto menos protector y más competitivo donde aparentemente sólo puede triunfar cierto tipo de persona. En el mensaje de la película hay una llamada a la tolerancia frente al diferente y una defensa del pacifismo y la objeción de conciencia ... y también una visión certera sobre el denominado "arte taurino": aunque el tema principal de la película no es la lucha antitaurina, lo que hace es mostrar la tauromaquia desde el punto de vista de los animales y poner en evidencia que para ellos no es un buen negocio, aunque para muchos de ellos inicialmente se presente como una oportunidad de mostrar su bravura. Aunque la película evita moralinas antitaurinas demasiado manifiestas - y en este sentido, rehúye mostrar escenas cruentas (por otra parte poco indicadas en una película que pretende entretener principalmente al público infantil) y caracterizar a los toreros como seres malvados - es fácil entender la evidente crueldad del toreo, que la película tiene la valentía de equiparar al matadero, instalaciones que por lo demás también se presentan con suficiente potencia visual como para sentirse próximo a las razones del veganismo.
Carlos Saldanha firma una realización de nota en la que se ha hecho destacar la elección de actores y actrices de la versión original, pero que también sobresale por haber sabido construir a partir de un pequeño cuento una historia más profunda que lo complementa con una explosiva combinación de acción vibrante en la que no faltan giros muy bien pensados, personajes con encanto y mucho corazón. Contra lo que suele ocurrir muchas veces en que concurren multitud de personajes, en esta película, que incluye a personajes que no están en el libro, todos y cada uno aportan solidez y su grano de arena a una aventura en la que no sobra ninguno: los toros que acompañan a Ferdinand desde su infancia son la otra cara de la moneda, el resultado de no aceptarse como realmente se quiere ser, y ofrecen unas caracterizaciones que retrotraen a los clásicos personajes de "El Mago de Oz", desde Valiente, un bravo toro sin corazón, pasando por Guapo, a cuya belleza no acompaña el valor, y Huesos, un toro muy hábil pero sin fuerza (tampoco para defender a sus amigos, aunque luego será el primero en defender a Ferdinand). La cabra Lupe es otro genial hallazgo: una cabra alocada y cariñosa que está destinada a relajar a los toros pero que en realidad es amante de la acción, y que añade magistralmente ligereza cómica a la película. Y junto a ellos otros personajes encantadores como Angus, el toro escocés, el aparentemente imperturbable Máquina, o los erizos Una, Dos y Cuatro (no preguntéis qué pasó con Tres).
Hay personajes humanos que también son excepcionales: entre ellos destaca desde luego el altivo torero El Primero, genial tanto en su diseño como en su animación, y que sin ser malvado encarna mejor que nadie los estereotipos que llevan a los toros de lidia al ruedo. Destacable también la caricaturesca caracterización de la fràgil anciana de la tienda de porcelana donde Ferdinand no puede evitar romper algunos platos.
Como el libro, la película está ambientada en lugares de España que la película recrea con colorido, fidelidad arquitectónica y con un excepcional juego de luces y sombras. La granja donde Ferdinand encuentra la felicidad con la joven Nina y su padre está inspirada en la malagueña ciudad de Ronda, la hacienda donde se cría en Sevilla, y la plaza de toros reinventa la Plaza de Toros de las Ventas en Madrid, que en alguna secuencia recuerda a la película "Espartaco" y parece evocar la entrada a un circo de gladiadores. Los paisajes del sur de España, su flora y su fauna están magníficamente replicados e iluminados.
También el nivel de la animación es brutal: no sólo en la interpretación de los personajes y la estudiada recreación de los movimientos de cada uno de los animales, sino que además los artistas de Blue Sky exhiben una animación meticulosa en cada detalle, hasta llegar a animar las flores y las briznas de hierba del campo acariciadas por la brisa. Asimismo, como ya venía siendo marca de la casa en las últimas producciones, pero aquí se revela magistralmente, se demuestra un uso del lenguaje propio del cartoon y un dominio del slapstick que además de divertir no desentona en absoluto. Son impagables la secuencia en la tienda de porcelanas, con esos platos que tiemblan y se apartan ante Ferdinand; toda la animación de Lupe y del mismo Ferdinand; y divertidísimo el duelo de baile con los caballos pijos Klaus, Hans y Greta.
Una genial película familiar para cerrar el año.
Lo mejor: tiene todo lo que una película familiar debe tener: buenos personajes, emoción, humor, suspense y acción vibrante.
En contra: no se moja definitivamente en la cuestión de los espectáculos taurinos, con lo que a pesar de sus buenas intenciones puede dejar insatisfechos tanto a los pro-taurinos como a los anti-taurinos más acérrimos.
Mediatres Estudio ha adquirido los derechos de distribución para España de la película "Mutafukaz" dirigida por Guillaume Renard y Shojiro Nishimi ("Tekkonkinkreet") y la pondrá a la venta en DVD y Blu-ray a mediados de 2018.
Co-producida por la francesa ANKAMA ("Wakfu", "Dofus: Los Tesoros de Kerubim", "Dofus: Livre 1 - Julith") y la japonesa STUDIO 4ºC (responsable de éxitos internacionales como "Animatrix", "Batman Gotham Knight" o "Tekkonkinkreet"), "Mutafukaz" nace de un cortometraje creado en 2002 por el dibujante Guillaume "Run" Renard y que más tarde se convirtió también en novela gráfica de gran éxito en el país galo. Presentada en España en el pasado Festival de Sitges con enorme éxito de público, "Mutafukaz" llegará a nuestro país tras un fulgurante paso por numerosos certámenes de medio mundo y haber cosechado unas espectaculares críticas.
Sinopsis: Angelino es un pobre diablo que malvive en Dark Meat City, una mega-urbe infestada de bandas violentas, policías corruptos y buscavidas sin escrúpulos. Mientras trabaja como repartidor tiene un accidente al distraerse con una misteriosa chica. Este acontecimiento cambiará por completo su vida, ya que a partir de entonces empezará a tener terribles visiones de seres monstruosos que acechan por toda la ciudad. ¿Acaso Angelino ha perdido la cabeza, o el accidente le ha abierto los ojos a una verdadera invasión alienígena?
Los Premios Quirino de la Animación Iberoamericana han cerrado con éxito la convocatoria de su primera edición, a la que se han presentado 273 obras de 14 países. Los trabajos postulados perfilan un primer mapa de la animación iberoamericana, donde resalta el liderazgo de España con el 38% de las obras registradas y el dinamismo de Brasil y Argentina, con el 15% y el 14% respectivamente. Colombia (10%) y México (8%) completan la lista de los cinco países con mayor presencia en esta iniciativa que busca poner en valor el talento y la industria de la animación iberoamericana. También se han presentado obras de Chile, Ecuador, Portugal, Uruguay, Perú, Venezuela, Bolivia, Cuba y Nicaragua. En total, las obras representan 60 horas de animación.
Los Premios Quirino reconocerán los mejores trabajos en nueve categorías: largometraje, serie, cortometraje, cortometraje de escuela, obra innovadora, obra de encargo, desarrollo visual, diseño de animación y diseño de sonido. Del total de inscripciones, la categoría cortometraje encabeza la convocatoria con 120 trabajos, seguida por 43 series, 39 obras de encargo y 21 largometrajes. La convocatoria contemplaba trabajos animados de los 23 países de la región estrenados entre el 1 de enero de 2016 y el 31 de diciembre de 2017.
El 17 de enero, en el marco del taller Andean Call de Quito (Ecuador), se anunciarán las seis nominadas por categoría. Luego, un jurado internacional elegirá tres finalistas por categoría que serán las que opten a los premios que se entregarán el 7 de abril en el Auditorio de Santa Cruz de Tenerife, España.
Además, la organización de los Premios Quirino mantiene abierta la convocatoria del Foro de Coproducción Iberoamérica/Mundo, en la que podrán participar empresas de animación iberoamericanas. La actividad se realizará el 6 y 7 de abril en la capital tinerfeña e incluirá en su programa reuniones one to one, mesas de trabajo y conferencias con el objetivo de generar un punto de encuentro entre profesionales del sector.
Con la misión de generar un espacio para el debate y la reflexión sobre la animación, el Congreso Internacional de la Animación Iberoamericana es otra de las actividades de los Premios Quirino cuya convocatoria está abierta hasta el 24 de enero.
Los premios toman el nombre en homenaje al creador del primer largometraje de animación de la historia, el italo-argentino Quirino Cristiani, que en 1917 dirigió “El Apóstol”; una producción argentina en la que se utilizaron 58.000 dibujos hechos a manos y rodados en 35 mm, además de varias maquetas que representaban edificios públicos y las calles de la ciudad de Buenos Aires.
Los Premios Quirino cuentan con el patrocinio principal de Turismo de Tenerife reflejando la apuesta decidida que se está haciendo por la animación desde hace años en la isla, no sólo con estos premios sino con la presencia en los principales eventos y mercados, atrayendo nuevas empresas, así como con el apoyo al floreciente sector local.
A su vez cuenta la colaboración del Auditorio de Tenerife Adán Martín así como de algunos de los principales eventos iberoamericanos de animación, como el mexicano Pixelatl Festival de Animación, Videojuegos y Cómics de Cuernavaca y el español 3D Wire, Mercado Internacional de Animación, Videojuegos y New Media; entre otros.
Sony se atreve a retomar para el público del siglo XXI la tradición de presentar en torno a las fechas navideñas historias con un marcado carácter religioso en torno a los acontecimientos que están en la fundación de aquellas fiestas, algo que el cine había ido gradualmente abandonando rindiéndose al sentimiento crecientemente agnóstico de muchos espectadores. Para ello, y con el objetivo de hacer la historia más accesible y atractiva para los niños y niñas, apuesta por contar los hechos que rodean la tradición de la Natividad desde el punto de vista de los animales que habrían estado presentes en aquel momento, logrando hilvanar una trama cuanto menos simpática que en cualquier caso no se plantea obtener de aquellos protagonistas no humanos todo el potencial que podrían haber desplegado.
En la película dirigida por Timothy Reckart un pequeño pero valiente burro llamado Bo aspira a una vida más allá de la piedra de moler en el molino del pueblo, y el día que encuentra la oportunidad de escapar junto a su amigo Dave, un palomo locuaz con altas aspiraciones, acaba refugiado en el hogar de José y de una María embarazada de poco tiempo. Cuando marchan a Belén perseguidos por los secuaces del malvado rey Herodes, Bo decide ir tras sus pasos con Dave y con Ruth, una amable oveja que ha perdido a su rebaño. Junto a tres chistosos camellos y algunos animales de establo algo excéntricos, Bo y sus nuevos amigos se convierten en héroes accidentales en la mayor historia jamás contada – la primera Navidad.
La opción por contar la historia de la Natividad desde el punto de vista de los animales, significativamente aquellos que suelen acompañar a la figura de Jesús en el pesebre, como son el asno y el buey, las ovejas y los camellos de los Reyes Magos (que en la película hablan con acento vasco, gallego y cubano), aporta sin duda originalidad y también buenas dosis de frescura y humor al relato bíblico, que de este modo gana atractivo para ser contado al público joven, que incluso encontrará en el rey Herodes y en el malvado secuaz que envía tras María los elementos necesarios para presenciar una aventura capaz de emocionarle. Sin embargo no se consigue exprimir esa original idea hasta el punto de lograr también una historia con el suficiente arrojo para hacerla también muy atractiva para el público adulto. De este modo, la película transcurre por senderos muy convencionales y no sabe ofrecer giros interesantes ni una caracterización de los animales suficiente para lograr que enganchen o importen. Sin negarle a Bo su atractivo resultón, como un personaje que pronto se ganará el corazón del espectador con su carácter charlatán, bonachón y valiente, falta en general para los demás animales, pero también en buena medida para el asno protagonista una historia sólida que les dote de una mínima esencia, y es que al fin y al cabo la película apuesta por mantener el peso de la historia en el viaje de María y José, y es realmente de allí de donde surgen los momentos más emotivos. Sin duda son para ello determinantes los instantes que ponen de relieve una cierta humanización de las figuras de María y José, como cuando la primera debe contarle al segundo las circunstancias de su embarazo y éste se ve sumido en unas razonables dudas, o cuando un malhumorado José encuentra numerosas dificultades en el camino o una María a punto de dar a luz se encuentra ante la imposibilidad de hacerlo en un lugar acogedor. En cualquier caso la tradición evangélica y los aspectos religiosos siguen muy presentes en las canciones (poco novedosas) y en determinados pasajes de la película, y chocan en ocasiones con el buenrollismo y el carácter más ligero de otras secuencias protagonizadas por los animales.
El diseño de los personajes ofrece resultados irregulares: mientras que el de María y José consigue aportarles proximidad y realismo, gracias a la inexperiencia y la cercanía que evoca su juventud, y Bo es sin duda un personaje con gancho que en cualquier caso recuerda mucho al charlatán burro de Shrek, y también los camellos de los Reyes Magos son un hallazgo, al que evidentemente les falta metraje para hacerse valer; Dave no consigue por otro lado hacer la más mínima gracia pese a estar pensado claramente para ello y la oveja Ruth no encuentra en ningún momento su lugar en la película. Menos aún los personajes del establo.
En cualquier caso sí que se aprecia un diseño cuidado de los fondos y los emplazamientos donde transcurre la aventura de los protagonistas, convincente en su atractiva y colorista reconstrucción de Nazaret y Belén y en general de la vida en Galilea.
La animación se caracteriza por estar más cercana al slapstick y la payasada que al realismo sobre todo en cuanto a la actuación de los animales, a menudo enredados en situaciones que implican frecuentes persecuciones, caídas y barranquismo, pero también sabe ganar en emotividad y humanidad allí donde intervienen María y José. En cualquier caso no llega al nivel que ofrecen las películas de Pixar ni tampoco ofrece una personalidad diferenciada.
Lo mejor: la conseguida humanización de María y José, que se muestran despojados de su misticidad bíblica y en cambio, cercanos y de carne y hueso.
En contra: los animales protagonistas apenas ofrecen personalidades e historias capaces de enganchar al espectador.
Estamos ya en fechas en que se anda en busca de ideas para regalar algún detalle a nuestros seres queridos y amigos, y sin duda entre ellos debe haber alguien a quien le chifle la animación, o incluso eres tú quien desearías incluir en tu lista de deseos alguna novedad relacionada con este lenguaje cinematográfico al que periódicamente dedicamos este blog. Como cada año no faltan propuestas, y a continuación podréis ver una lista (de ningún modo exhaustiva) de posibles regalos que, en nuestra opinión, merecerían estar bajo el árbol navideño o en la carta de reyes de cualquiera que disfrute con la animación.
La película de Claude Barras acaba de triunfar en los recientes Premios Émile de la animación europea, que se suman a una larga serie de galardones - como el Premio Cristal al Mejor Largometraje de Animación en el Festival de Annecy de 2016 - que han distinguido a esta película en stop motion que cuenta la historia de un niño de 9 años apodado 'Calabacín' que tras la muerte de su madre ingresa en un hogar de acogida donde viven más huérfanos y niños en situación de desprotección; en un principio no se lleva muy bien con el resto de los niños y se siente en un lugar hostil y extraño, pero con la ayuda de su amigo el policía Raymond y de sus nuevos amigos aprenderá a confiar y encontrará el amor y una verdadera familia. Desde este año se distribuye en España en DVD y Blu-ray de La Aventura Audiovisual. Podéis encontrar nuestra crítica de la película aquí.
Karma Films ha dispuesto una edición de lujo de la espléndida película dirigida por Michael Dudok de Wit y coproducida por Studio Ghibli. Una historia muda de belleza minimalista que nos muestra el ciclo de la vida del ser humano, y en que los valores del amor, la amistad o el respeto a nuestro entorno natural quedan reflejados a través de la experiencia de un naúfrago solitario atrapado en una isla desierta, cuyos inútiles intentos por escapar le llevan a encontrarse con una misteriosa tortuga roja y a ver cómo su vida cambia para siempre. La edición coleccionista incluye la película en Blu-ray y DVD, los cortometrajes "The Monk and the Fish", "The Aroma of Tea" y "Father and Daughter", una mirada al nacimiento de "La Tortuga Roja" y una lección de dibujo con Michael Dudok de Wit, así como un CD con la banda sonora original y un libreto ilustrado. Podéis leer nuestra crítica de la película aquí.
La franquicia Tadeo Jones ha confirmado una vez más con la segunda entrega de las aventuras de nuestro querido arqueólogo que es el título de animación más potente del cine español. "Tadeo Jones 2: El Secreto del Rey Midas" está nominado a los Goya 2018 con el aval de ser el mejor estreno de una película española desde diciembre de 2015, una de las más rápidas en conseguir un millón de espectadores y la película española más vista del año. Supera así incluso a la primera de las películas, ‘Las aventuras de Tadeo Jones’, ganadora de tres Goyas, que en su momento fue la película de animación española más taquillera de la historia con una recaudación total superior a los 45 millones de euros. Ahora podéis disfrutar de ambas películas en un solo pack que las aúna en edición DVD o Blu-ray. Podéis encontrar nuestra crítica de la secuela aquí.
ANIMANDO LO IMPOSIBLE. Los orígenes de la animación stop motion (1899 - 1945)
El autor Adrián Encinas investiga a fondo los orígenes de la animación stop motion - cuya paternidad se disputa entre Gran Bretaña, Estados Unidos, Francia, España y Rusia - recogiendo medio siglo de una de las técnicas más apasionantes del cine animado y rindiendo homenaje a todos sus pioneros: Arthur Melbourne-Cooper, Émile Cohl, Segundo de Chomón, Lotte Reiniger, Salvador Gijón, Quirino Cristiani, Joseph Sunn, Hermína Týrlová, Lou Bunin, Charley Bowers, Willis O'Brien, Ladislas Starewitch... y un largo etcétera.
A finales del año pasado se publicó esta obra de David Heredia Pitarch que en este año en que se celebra el centenario de la animación nipona cobra especial interés, como da fe el hecho de que ahora mismo el libro se encuentra agotado. Como resultado de un trabajo de varios años, el autor efectúa un estudio de la evolución que ha seguido la animación japonesa a lo largo del último siglo, analizando también las principales tendencias de cada década y las figuras más importantes que contribuyeron a su éxito, con el objetivo de brindar una visión sólida de la historia del anime y ofrecer la información básica que todo fan debería conocer, siempre de una forma ordenada y accesible. A tal fin, el libro contiene una serie de textos que describen la historia del anime desde su nacimiento a principios del siglo XX hasta nuestros días; 50 fichas dedicadas a la biografía de algunas de las personalidades más importantes de la industria; otras 20 sobre la historia de los estudios de animación más conocidos; y por último, una pequeña descripción sobre cómo se elabora una producción animada y un breve glosario con los términos más empleados en su elaboración.
A quien le guste tanto la animación como los videojuegos no le puede faltar "Cuphead", un videojuego independiente desarrollado por StudioMDHR Entertainment que se caracteriza por un estilo gráfico inspirado en los cartoons de los años 30. Los protagonistas, Cuphead y Mugman, deben derrotar a varias criaturas para poder saldar una deuda que tienen pendiente con el diablo. El juego salió a la venta en septiembre pasado para las plataformas Microsoft Windows, Xbox One y Steam y obtuvo el reconocimiento especial de ASIFA-Hollywood en la ceremonia de los premios Annie.
Ronja, la hija del bandolero
Yowu Entertainment ha anunciado para estas Navidades el lanzamiento en DVD y Blu-ray de esta serie animada de 26 episodios - premiada en los Emmy Kids Awards - dirigida por Goro Miyazaki y animada por Polygon CGI, que fue la primera producción de Studio Ghibli en ser animada con técnicas de 3D y se emitió en España por primera vez en Movistar + en diciembre de 2016. La historia comienza al nacer la hija de un jefe de un grupo bandoleros cuyo castillo es partido en dos por un rayo, siendo la otra mitad ocupada por un clan rival; Ronja, la pequeña, y Birk, el hijo del líder del bando enemigo, entablarán amistad y vivirán aventuras juntos. La serie adapta la novela homónima de Astrid Lindgren, con guión de Hiroyuki Kawasaki y diseños de personajes de Katsuya Kondo. Habrá que estar atentos, porque de momento aún no está en venta.
La colección completa (en inglés) de la serie "Samurai Jack" creada por Genndy Tartakovsky, incluyendo en Blu-ray las cuatro temporadas originales y la quinta que recientemente ha cerrado la serie, 10 años después de que se cancelara. Ganadora de cuatro premios Emmy, la serie más personal de Tartakovsky contaba la historia de un joven príncipe cuyo imperio, gobernado por su padre, fue destruido por un demonio llamado Aku, el Señor de las Tinieblas; el príncipe consiguió escapar de la destrucción y entrenarse como samurai durante varios años, hasta que tomando una katana mágica perteneciente a su padre se enfrentó al demonio y, cuando estaba a punto de derrotarlo, fue enviado por éste a través de un portal a un futuro dominado por Aku y sus secuaces robot donde acabaría siendo conocido como Jack. Desde entonces Jack buscaría un portal que le permitiera regresar a su tiempo, donde esperaba sentirse capaz de detener a Aku antes que tomara el control de la Tierra, y mientras debía enfrentarse constantemente a Aku y sus secuaces, siempre ayudando al pobre y al desprotegido en su camino.
Totally Awesome: The greatest cartoons of the eighties
Un libro imprescindible para todos los nostálgicos de los dibujos animados que nos hicieron disfrutar en los ochenta: He-Man, Las Tortugas Ninja, Inspector Gadget, Los Pitufos, y tantos y tantos clásicos que tuvieron un enorme impacto en una generación entera y que décadas después se han convertido en iconos de la cultura pop. El historiador Andrew Farago nos presenta una revisión de los dibujos más populares de aquella década a partir del testimonio de los guionistas, animadores, actores y creativos que les dieron vida.
Una caja que contiene nueve flipbooks que rinden homenaje a nueve grandes animadores de los primeros tiempos de Disney: Ub Iwerks, Norm Ferguson, Bill Tytla, Ham Luske, Art Babbitt, Grim Gatwick, Freddie Moore, Hal King y John Sibley, nombres que se añaden a los de los primeros Nine Old Men (Milt Kahl, Marc Davis, Frank Thomas, Eric Larson, Ollie Johnston, Woolie Reitherman, Les Clark, Ward Kimball y John Lounsbery). Cada flipbook contiene una escena de alguna película de animación de Disney tal como fue animada a lápiz por cada uno de los animadores homenajeados, junto a un libreto que reseña las aportaciones que hicieron a lo largo de su carrera en Walt Disney Animation Studios. Por cierto... ¿se hablará algún día de las Nine Old Women?
Si los aficionados a la animación en tu casa son los peques, no les debería faltar ninguno de los títulos en DVD que distribuye la compañía Rita & Luca Films, una distribuidora de Barcelona que tiene como objetivo proponer una cuidada selección de películas para niños a partir de 2 años. Detrás de Rita & Luca Films está MODIband, una entidad cultural con 15 años de experiencia en la organización de eventos tales como Mi Primer Festival, que tiene como propósito seleccionar y ofrecer a los niños películas con encanto y divertidas que les maravillen y se dirijan a ellos como seres inteligentes, imaginativos y críticos. En su catálogo se encuentran largometrajes, como la espléndida "O Menino e o Mundo" de Alê Abreu, premiada con el Cristal de Annecy, y también recopilaciones de cortometrajes procedentes de todo el mundo que ofrecen a los niños un cine diferente. Además, hasta el 6 de enero, todo el catálogo de Rita & Luca Films se ofrece con un descuento del 40%.
Otro catálogo muy indicado para los espectadores más jóvenes es el de esta distribuidora. Desde su creación, Pack Màgic ha distribuido varios títulos de animación infantil cuya selección busca tres premisas: cine dirigido a niños y niñas entre 2 y 12 años; cine tranquilo, impregnado de un ritmo natural, un montaje armonioso y un interés tanto por los personajes como por los espacios y los paisajes que ocupan, junto con unas ilustraciones y/o dirección de arte coherente con las historias; y cine en castellano, euskera y catalán, favoreciendo la normalización de los dos últimos.
Un kit divertido y educativo para niños de todas las edades que contiene todo lo necesario para crear películas de animación en stop motion, incluyendo una cámara con micrófono, un libro de actividades de animación, un mini decorado con fondos y chroma, y un software con herramientas y tutoriales. Un entretenimiento que ha recibido el reconocimiento de los Creative Child Awards como Producto del Año 2017.
Carlos y Roberto Valle han estrenado su canal de YouTube con “Segundito” y el icónico reloj de pared que lo protagoniza. El exitoso cortometraje animado pretende ayudar a muchos niños estas navidades, pues los hermanos Valle han dado vida al peculiar reloj y lo han puesto a la venta para destinar parte de los beneficios a asociaciones de niños con cáncer y otro tipo de enfermedades. Además, los hermanos han lanzado el siguiente reto: por cada 2.000 visualizaciones que consiga el cortometraje en su canal de YouTube, llevarán un reloj de “Segundito” a los niños ingresados en hospitales estas navidades; con este gesto pretenden alegrarles y hacer que su tiempo allí sea más divertido. Con su primer corto animado, los jóvenes cineastas manchegos han alcanzado en poco más de un año la increíble cifra de 100 Selecciones Oficiales, siendo nominados en Festivales que preseleccionan para los Oscar como Anima Mundi, Ottawa o Chicago, entre otros, y obteniendo más de una decena de premios.
Ayer se hacía oficial la adquisición por parte de Walt Disney Company de la mayor parte de los activos de 21st Century Fox por 52.400 millones de dólares y la asunción de deudas por valor de otros 13.400 millones. La adquisición supone un paso importante más en la conformación de un imperio audiovisual gigantesco en manos de Disney que sucede a la compra de Pixar en 2006 por 7.400 millones de dólares, Marvel en 2007 por 4.000 millones y Lucasfilm en 2012 por otros 4.000 millones.
El acuerdo incluye la mayor parte de los canales de cable del conglomerado, además de los estudios de cine - Twentieth Century Fox, Twentieth Century Fox Animation, Fox Searchlight Pictures, Fox 2000 y Blue Sky Studios - y televisión - Twentieth Century Fox Television, FX Productions y Fox21. De este modo, las franquicias que pasan a manos de Disney incluyen Avatar, Alien, los derechos sobre el episodio IV de Star Wars, Expediente X, así como los personajes de Marvel que hasta ahora pertenecían a Fox, como los Cuatro Fantásticos, Deadpool y los X-Men que sin duda entrarán a formar parte del Marvel Cinematic Universe. En cuanto a títulos de animación se refiere, Disney se hace con series como Los Simpsons, Futurama, Padre de Familia, Padre made in USA, The Cleveland Show o Bob's Burgers, y franquicias cinematográficas como Anastasia, Rio y La Edad de Hielo.
Por otra parte, el acuerdo amenaza la supervivencia de Hulu, sobre todo porque Disney está preparando una plataforma de streaming que competirá directamente con Netflix o HBO.
La adquisición de 21st Century Fox hará que Disney se convierta en la accionista mayoritaria de Hulu con el 30% del accionariado que estaba en manos de Fox, lo que convertirá a este servicio en un extraño competidor para su propia plataforma de streaming, que tenía previsto lanzar en 2018 o 2019.
En ese servicio los usuarios contarán con contenido exclusivo de Disney o Pixar que no estará disponible como hasta ahora en Netflix, aunque este servicio sí que seguirá pudiendo distribuir contenidos de las franquicias de Marvel y Lucasfilm como parte de un acuerdo de varios años al que llegaron hace tiempo ambas empresas. Algunas voces apuntan a que si finalmente se autorizara el acceso dominante de Disney a este mercado los consumidores acabarían pagando más por los servicios de streaming, puesto que muchos contenidos sólo podrían verse en los servicios de Disney por mucho que Netflix crezca.
En cuanto a la generación de contenidos de entretenimiento, y específicamente por lo que respecta a la producción de animación, el último movimiento de Disney reduce a cinco (Disney, Warner Bros., Universal, Sony y Paramount) el número de grandes estudios que se hacen competencia, al dejar a Fox fuera de la producción de cine y televisión. La competencia es siempre favorable como acicate para incentivar la creatividad y la generación de nuevas ideas, y en este sentido no es buena noticia que uno de los grandes competidores quede apartado de la ecuación. De hecho, el sindicato de guionistas del oeste de América ha expresado ya su preocupación por la absorción, diciendo que el acuerdo dañará a la comunidad creativa de Hollywood. A nadie se le escapa además que Disney es muy celoso de respetar unas líneas narrativas muy específicas que no dejan mucho margen para la experimentación, como lo atestigua el hecho de que Chris Miller y Phil Lord fueran recientemente apartados de la dirección del spin-off de Han Solo en la formulación de la saga Star Wars.
Por otra parte, ¿qué pasará con los estudios Twentieth Century Fox Animation y Blue Sky? Todavía no se ha dicho nada sobre este aspecto pero sí que se ha dado a conocer que Disney prevé recuperar unos dos billones de dólares de la operación de adquisición reduciendo costes sobre aquellas partes de negocio en las que se producen solapamientos, y desde este punto de vista, la continuidad de ambos estudios supondría añadir dos estudios de animación a una corporación que ya dispone de los propios estudios de Walt Disney Animation, más Disney Television Animation y los estudios Pixar. Así pues, el futuro de ambos es incierto: pueden desaparecer o convertirse en estudios de servicios de animación que trabajen sometidos a los proyectos de Disney o, si en todo caso se opta por mantenerlos activos a uno o a ambos como estudios de producción de proyectos originales habría que ver cómo se formularía la cohabitación: ¿sería manteniendo separados e independientes los equipos creativos de un modo parecido a la coexistencia de los equipos de Disney y Pixar? En todo caso, no es descartable que haya que esperar algunos despidos de personal.
¿Qué ocurrirá por otra parte con los proyectos de animación que 20th Century Fox y Blue Sky tenían previstos para el futuro? Es probable que aquellos que estén bastante avanzados puedan llegar a las pantallas, como es el caso de "Spies in Disguise" o "Nimona" o incluso la película basada en "Bob's Burguers" o "Ron's Gone Wrong", pero ¿qué pasará con aquellas de las que se desconoce incluso la previsión de estreno, como "Anubis", "Mutts", "Mr Men Little Miss", "The Littlest Bigfoot", "Zita the Spacegirl", "The Girl Who Drank the Moon", "Momotaro", "The Dam Keeper", "Puff, the Magic Dragon", la película de "Padre de Familia", "A Tale of Momentum & Inertia", "Escape from Hat", "With Kind Regards from Kindergarten" o "The Witch Boy"?
Otro aspecto de la adquisición en cuanto a animación se refiere supondrá inevitablemente ver secuelas de las franquicias de Fox o películas basadas en las mismas, y quizás hasta cameos de personajes de una franquicia a otra. ¿Quién no espera ver en la próxima película de Rompe Ralph a alguno de los personajes de las películas y series más conocidas de Fox? Quizás incluso hasta a la xenomorfa ponedora de huevos de Alien como nueva princesa Disney, como planteaba alguna broma en Twitter.
Asimismo, la incorporación al acervo de Disney de los Cuatro Fantásticos, Deadpool y los X-Men podrá suponer la producción de nuevas series o especiales de animación con la firma de la casa. Los fans de los superhéroes ya se están fregando las manos.
Sea como sea, quizás el futuro se parezca a lo que ya previeron los guionistas de Los Simpson, que ya predijeron la adquisición por parte de Disney en el episodio " “When You Dish Upon A Star" de noviembre de 1998 y también imaginaron a sus protagonistas transformados en versiones de personajes Disney en un gag del sofá de la temporada 27 creado por Eric Goldberg.
SHERLOCK FILMS estrenará en cines MIRAI, la nueva película de Mamoru Hosoda, el director de "El niño y la bestia". La nueva cinta de animación, que se estrenará en Japón el 20 de julio del próximo año, tuvo ayer su primera presentación en una rueda de prensa en Tokio donde se mostró el primer póster y el primer teaser tráiler.
MIRAI cuenta la historia de Kun, un niño mimado y consentido de 4 años al que sus padres dejan de prestar atención cuando nace su hermana Mirai. Kun empieza a sufrir situaciones en casa que nunca había vivido, pero entonces, la versión adolescente de su hermana viaja en el tiempo desde el futuro para vivir junto a Kun una aventura extraordinaria más allá de lo imaginable.
Según Hosoda, que esta vez ha escrito en solitario el guión, el proyecto es muy personal y está inspirado en su propia experiencia tanto como hijo - nunca tuvo oportunidad de compartir una bebida o una comida a solas con su padre, que nunca estaba en casa - como desde su posición como padre de dos criaturas: Mirai es el nombre de la hija de Hosoda - y también el de la pequeña que llega al seno familiar del protagonista de la película - y los celos que despertó en su hijo le dieron la idea para el largometraje, al hacerle entender qué es lo que los humanos deseamos fundamentalmente y cuál es el significado de la vida. Pero al mismo tiempo, el director quiere darle a la película una dimensión muy universal, como en todas sus películas anteriores, tanto en lo que respecta a los temas del largometraje como a los diálogos. En este sentido, Hosoda afirma que siempre hay un hilo común en los temas de sus películas: "La Chica que Saltaba a Través del Tiempo" iba sobre la juventud; "Wolf Children", "Ame" y "Yuki" iban sobre la maternidad; "El Niño y la Bestia" giraba sobre la figura del padre; y la nueva película, "Mirai", girará en torno a la relación entre hermanos y hermanas, mostrando a un niño que intenta reclamar el amor de sus padres.
El último trabajo de Mamoru Hosoda, "El niño y la bestia", llegó también a nuestro país el año pasado de la mano de SHERLOCK FILMS, participó en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián y se convirtió en uno de los éxitos del año en Japón con más de 4 millones de espectadores. SHERLOCK FILMS estrenará en España MIRAI en 2018.
Entertainment Studios Motion Pictures se ha hecho con los derechos de distribución internacional de la película "Animal Crackers" después de que finalmente no pudiera ser estrenada este año por desacuerdos entre los productores y los anteriores distribuidores. Dirigida por Tony Bancroft (Mulan) y Scott Christian Sava, co-escritor del guión junto a Dean Lorey, fue animada en los extintos Blue Dream Studios Spain, a la cabeza de los cuales estaban Jaime Maestro y Nathalie Martínez, y hasta el momento sólo se ha podido ver en Annecy. La película cuenta la historia de una familia que hereda un circo en horas bajas donde descubren una caja de galletas mágicas en forma de animales que les permiten convertirse en la bestia que se estén comiendo.
Otro proyecto español con noticias positivas es la película en 2D "Klaus", de Sergio Pablos y The SPA Studios, que a mediados del mes pasado hacía público que Netflix ha adquirido los derechos internacionales de la película que explicará el origen de Santa Claus, con la idea de estrenarla en Navidad del 2019. Sergio Pablos, creador de la idea original y guionista junto a Zach Lewis y Jim Mahoney, debutará como director con este largometraje que tendrá a Tanguy Olivier, Gustavo Ferrada y Marisa Roman como productores y a Jinko Gotoh (La LEGO Película 2, El Principito) como productor ejecutivo, y que se está desarrollando en los estudios de Madrid.
El estudio mexicano Huevocartoon Producciones (Una película de Huevos, Otra película de huevos y un pollo) se ha asociado con el storyboarder Santi Arellano para producir la película en 3D "Grimalkin", una comedia familiar de terror que pondrá a prueba el amor de un gato por sus dueños cuando unas tramposas criaturas, que él puede ver, invaden la casa.
En enero se estrenará en Japón la película "Batman Ninja", producida por Warner Bros. Japan y Warner Bros. Home Entertainment y animada por el estudio Kamikaze Douga, bajo la dirección de Junpei Mizusaki, y contando con diseños de Takashi Okazaki y guión de Kazuki Nakashima (Kill la Kill, Gurren Lagann). Durante un enfrentamiento con el Joker, Batman y el resto de Ciudad Gótica se ven arrastrados a la época feudal de Japón, donde Batman y sus aliados se enfrentarán a la amenaza que sigue representando el Joker en esta época.
En marzo se estrenará también en Japón la 38ª película de la franquicia Doraemon, titulada "Eiga Doraemon: Nobita no Takarajima" (Doraemon la Película: La Isla del Tesoro de Nobita). Doraemon, Nobita, Shizuka, Gian y Suneo emprenderán una aventura en los mares del Caribe que llevará a Nobita a capitanear un barco y a sufrir una serie de ataques de resultas de los cuales Shizuka será secuestrada; los robots mini-Dora ayudarán a los demás y descubrirán una misteriosa Isla del Tesoro. Kazuaki Imai dirige la película siguiendo el guión de Genki Kawamura.
Por otra parte, en abril del año que viene se estrenará también la 22ª película de la franquicia Detective Conan, que se titulará "Meitantei Conan Zero no Shikkōnin" (Detective Conan: El Ejecutor de Zero) y estará dirigida por Yuzuru Tachikawa (Mob Psycho 100, Death Parade). Será a su vez una secuela de la 20ª película de la serie (Detective Conan: Una Negra Pesadilla), por lo que girará de nuevo en torno a Tooru "Zero" Amuro, el director de la agencia de seguridad pública de la policía nacional, que esta vez se verá relacionado con una explosión en unas instalaciones oceánicas de la Tokyo Summit, por la que será arrestado Kogorō Mōri, que buscará la ayuda de Conan para demostrar su inocencia.
En mayo se estrenará la segunda película de la trilogía animada de Godzilla, con el título "Godzilla: Kessen Kidō Zōshoku Toshi" (Godzilla: The City Mechanized for the Final Battle). En ella se podrá ver al Mechagodzilla, una arma secreta desarrollada por los humanos para vencer a la bestia. Kobun Shizuno (Detective Conan: The Darkest Nightmare, Fist of the North Star: The Legend of Kenshirô, Fist of the North Star: The Legend of Toki) y Hiroyuki Seshita (Ajin, Knights of Sidonia) dirigen la película para Polygon Pictures, con la asistencia en la dirección de Hiroyuki Morita y guiones de Gen Urobuchi (Puella Magi Madoka Magica, Fate/Zero, Psycho-Pass), así como los diseños de Yuki Moriyama.
También en primavera se estrenará una película que adapta el manga "Servamp" de Strike Tanaka con el título "Gekijōban Servamp -Alice in the Garden", dirigida por Hideaki Takano para Platinum Vision, con personajes de Junko Yamanaka y guión de Ayumu Hisao (Yowamushi Pedal: Spare Bike, Is It Wrong to Try to Pick Up Girls in a Dungeon?). La historia desarrolla un surrealista conflicto entre vampiros y humanos en el que se ven enredados el vampiro sirviente Kuro y el estudiante Mahiru Shirota.
La serie de anime "Tomica Hyper Rescue Drive Head Kidō Kyūkyū Keisatsu" (Tomica Hyper Rescue Drive Head Mobile Emergency Police) verá estrenarse en agosto del año que viene un largometraje basado en la célebre marca de coches en miniatura que se desarrollará en el futuro próximo: para responder a desastres que superan la comprensión humana y la creciente complejidad de los delitos, la policía de emergencias móvil Hyper Rescue crea los "Drive Heads", vehículos especiales capaces de transformarse en humanoides con habilidades para la policía, la extinción de incendios y el rescate, y entre cuyos pilotos está el estudiante Gō Kurumada. Takao Kato (Duel Masters Victory V3, Over Drive, Zoids) dirige la película para OLM y XEBEC, contando con diseños de Takumo Norita (Major: Yūjō no Winning Shot, Pandora Hearts, Tokyo ESP).
El corto "Kemushi no Boro" (Boro la Oruga) de Hayao Miyazaki, que ofrecía la novedad de estar parcialmente realizado en 3D, ha sufrido un retraso en su fecha de estreno en el Museo Ghibli, prevista para julio de este año, puesto que el productor de Ghibli, Toshio Suzuki, y el director han decidido rehacer la película con un nuevo equipo, insatisfechos de cómo se había desarrollado hasta el momento. El que ha de ser el décimo corto del museo Ghibli iba a contar en 14 minutos las grandes aventuras en el mundo infinitamente pequeño de una pequeña oruga que decide realizar un viaje épico desde el árbol que habita hasta el que tiene al lado.
El Sundance Film Festival será el evento donde se presente el primer capítulo del proyecto de realidad virtual "Wolves in the Walls", en el que se hallan implicados antiguos miembros del disuelto Oculus Story Studio. Basado en la novela ilustrada de Neil Gaiman y Dave McKean ha sido realizado por la compañía Third Rail Projects (Then She Fell, Learning Curve, Ghost Light) bajo la dirección de Pete Billington y la producción de Jessica Shamash, con la producción ejecutiva de Sashka Unseld. La experiencia propone que se pueda interactuar con un personaje de la película a lo largo de una historia atractiva y emocional; de este modo, y por primera vez, el espectador se convertirá en un personaje más y estará allí para ayudar a Lucy a superar los obstáculos que se le planteen en una fábula en torno a la familia y sobre la naturaleza del miedo donde la niña necesitará ayuda para convencer a sus padres de que pasa algo raro en la casa. Gaiman y McKean están también involucrados en el proyecto, donde el espectador podrá interactuar con Lucy y ésta podrá tomar una decisión u otra en base a las acciones de aquél, e incluso recordar lo que se le ha dicho o hecho y reaccionar con diferentes diálogos o emociones, seguir al espectador, u ofrecerle objetos o tomarlos de su mano.
Marvel lanza una nueva franquicia de animación multi-plataforma que se llamará "Marvel Rising" y estará protagonizada por la nueva generación de superhéroes de la casa. El proyecto se estrenará el año que viene y comprenderá seis cortos digitales de cuatro minutos cada uno protagonizados por Spider-Gwen y una película titulada "Marvel Rising: Secret Warriors" que se estrenará a finales del año que viene y seguirá a personajes ya conocidos y a otros nuevos en su lucha contra el mal.
En cuanto a series, DC ha encargado para su servicio digital una serie animada de 26 episodios para el público adulto en torno a la enemiga de Batman Harley Quinn, que estará producida por Jennifer Coyle (DC Superhero Girls: Hero of the Year) Warner Bros. Animation y tendrá como guionistas y productores ejecutivos a Justin Halpern, Patrick Schumacker y Dean Lorey de Ehsugadee Productions (Powerless), junto a la producción ejecutiva de Sam Register, presidente de Warner Bros. Animation y de Warner Digital Series. La serie seguirá a Harley tras su ruptura con el Joker, intentando convertirse en la Reina del Crimen de Gotham City, y además de la alocada doctora, se contempla también la aparición de Hiedra Venenosa y otros héroes y villanos del universo DC.
Cartoon Network emitirá la serie en 2D "Wishfart" (52 x 11')de la productora canadiense Bejuba Entertainment, creada por Dan Williams, Lienne Sawatsky y John Hazlett. La serie, dirigida a niños a partir de 5 años, sigue a un duende adolescente llamado Dez que es nuevo en eso de otorgar deseos, y que rebelándose contra todo lo que representan los duendes - huraños, antisociales - trata de labrarse su propio camino en contra de todas las reglas, y hasta decide otorgar deseos de forma libre y espontánea, aunque eso sea algo que aún no domine y a veces da resultados imprevistos. En sus aventuras le acompañan una fantasma japonesa llamada Akiko y un frailecillo llamado Puffin.
Barack Obama y Joe Biden viajarán a través del tiempo en busca de un futuro mejor en "Barry & Joe: The Animated Series", una creación de Adam Reid en la que participan como productores ejecutivos Titmouse y Conan O'Brien y que ha triunfado logrando apoyos en Kickstarter. Se trata de una sitcom, para adultos obviamente, que busca parodiar "Quantum Leap" y unos cuantos clásicos de los 80, y donde el villano será Donald Trump, aunque de él sólo se verán sus manos.
Spin Master Entertainment (Rusty Rivets, La Patrulla Canina) ha acudido al creador de la saga The Walking Dead, Robert Kirkman, para desarrollar la serie de aventuras "Super Dinosaur", basada en un cómic del mismo Kirkman y de Jason Howard, y animada en cgi por Atomic Cartoons. Está protagonizada por un T-Rex equipado de una coraza con brazos robóticos y su mejor amigo Derek, un chico humano junto al que lucha continuamente para salvar al mundo de una horda de dinosaurios mutantes y su líder Max Maximus.
La compañía de Florida Basic Fun! estrenará el 13 de diciembre una serie en 3D en Youtube titulada "Cake Pop Cuties", preparatoria del lanzamiento de los juguetes. La serie seguirá las peripecias de los personajes en un mundo lleno de postres, y está producida por Matt Wexler de Wexworks Media.
Studiocanal está desarrollando una serie de animación (52 x 11') basada en las historias del Oso Paddington de Michael Bond con la idea de estrenarla a finales del año que viene o principios del 2019, especialmente dirigida a un público preescolar.
Netflix ha empezado la producción de "Twelve Forever", una serie de animación creada por Julia Vickerman (Las Supernenas, Clarence, Yo Gabba Gabba!) que se estrenará en 2019 y sigue a la niña de doce años Reggie, que está tan deseosa de seguir siendo niña que abre un mundo de fantasía donde nunca se hará mayor. La serie está producida por The Cartel y cuenta en la producción ejecutiva con Stan Spry y Bradford Bricken, junto a Puny Entertainment con Chris Hardwick (The Wall, Talking Dead) y Shadi Petosky (Danger & Eggs, Yo Gabba Gabba!).
Netflix también estrenará mundialmente en primavera un anime original producido por Sanrio y realizado por Fanworks en torno a uno de los personajes del primero, conocido como Agresivo Retsuko o Aggretsuko. La serie homónima (10 x 15') estará escrita y dirigida por Rareko (Aggressive Retsuko, Yawaraka Sensha) y gira en torno a una panda roja de 25 años que trabaja en el departamento contable de la compañía de sus sueños, pero allí es obligada a hacer tareas cada vez más imposibles, lo que provoca que cada día vaya a desahogarse al karaoke cantando death metal.
También en primavera Netflix estrenará el anime "Sword Gai: The Animation" que adapta el manga de Toshiki Inoue, Osamu Kine y Keita Amamiya, producido por LandQ studios, DLE Inc. y Production I.G., que han contado con Takahiro Ikezoe (Show By Rock!!) como director jefe y Tomohito Naka (New Theatrical Movie Initial D Legend 2: Racer) como director, junto a Atsuko Nakajima (Getbackers) para los diseños de personajes. La historia se desarrolla en torno a Gai, cuya madre murió en el bosque al nacer él y fue adoptado por el forjador de espadas Amon, hasta devenir su aprendiz; cuando Gai pierde un brazo forjando una espada, Amon transforma la espada demonio Shiryū (Dragón de la Muerte) en un nuevo brazo que le servirá para vencer a sus enemigos.
Además, Netflix ha adquirido también los derechos de emisión internacional de las series malayas "Harry & Bunny" (78 x 7') y "Chuck Chicken" (52 x 11') del estudio Animasia. La primera sigue a un aspirante a mago y a su conejo de chistera, mientras que la segunda se desarrolla en una isla llena de pájaros donde reina el caos, llamada Rocky Perch, en la que Chuck regenta un negocio de seguridad.
El 12 de enero Amazon estrenará mundialmente el anime "Beatless, que adapta la novela homónima de Satoshi Hase y redjuice y está dirigido para diomedea por Seiji Mizushima (Fullmetal Alchemist, Expelled from Paradise, Concrete Revolutio), con diseños de personajes de Hiroko Yaguchi (Un-Go, Aikatsu!). La novela contempla la introducción de inteligencias artificiales ultra-avanzadas que superan la inteligencia humana y que propician la aparición de seres hechos con materiales demasiado avanzados para la tecnología humana y que la humanidad apenas puede comprender; una de ellas es Lacia, de la que se enamora el chico de 17 años Arato Endo.
Antes, el 5 de enero, se estrenará en Japón la serie "Toji no Miko" (The Shrine Maiden Swordwielders), que cuenta las aventuras de unas sacerdotisas vestidas con trajes de colegialas que, como hacían sus antecesoras desde tiempos inmemoriales, se enfrentan con unas espadas llamadas "Toji" a los "aratama", unas entidades extrañas que amenazan al mundo humano. Las chicas sirven como una unidad oficial de la fuerza policial llamada "escuadra policial especial de servicios religiosos" y asisten a cinco escuelas que el gobierno tiene formadas en el país, y en primavera estas escuelas organizan torneos para ver cuál es la mejor Toji. Koudai Kakimoto (Cyborg 009 Call of Justice, unit director for Haikyu!!, Psycho-Pass) dirige la serie, producida por GENCO, desde Studio Gokumi (Seiren, Yuki Yuna Is a Hero, Pandora in the Crimson Shell: Ghost Urn) y Yoshinori Shizuma diseña los personajes.
Ese mismo día se estrenará la serie de cortos "Hataraku Oniisan!" (Working Buddies!) en torno a dos gatos - el alegre Tapio Chatorazawa y el pesimista Kuehiko Roshihara - que estudian en el mismo instituto y también comparten varios empleos raros. Es una creación de Yoshiki Usa (Wooser's Hand-to-Mouth Life) dirigida por Tomoya Takashima (Yamishibai: Japanese Ghost Stories, Kagewani) desde Tomovies, con guiones de Hiromu Kumamoto y diseños de personajes de Haruka Oda.
El 6 de enero debutará el anime "Shinkansen Henkei Robo Shinkalion the Animation", basado en la línea de juguetes Shinkalion de Takara Tomy, que son trenes bala inspirados en trenes de verdad que pueden convertirse en robots. En la historia del anime, Hayato Hayasugi es el hijo de un comisario de un museo de trenes que un día descubre que su padre guarda en un laboratorio secreto un tren bala E5 que con el toque de una tarjeta Shinca se transforma en el robot Shinkalion; el chaval y otros chicos se convertirán en pilotos del Shinkalion y con él tratarán de derrotar a un monstruo que también parece un tren bala de color negro. Takahiro Ikezoe (Show By Rock!!, PriPri Chii-chan!!) dirige la serie para OLM, que cuenta con los diseños de Yuka Aono (Brave Beats) y Keita Hattori.
Posteriormente, el 7 de enero se podrá ver la adaptación del manga "25-Sai no Joshi Kōsei: Kodomo ni wa Oshierarenai Koto Shite Yaru yo" (25-Year-Old High School Girl: I'll Do What Can't Be Taught to Children) de Makana, que narra la historia de Hana Natori, una mujer de 25 años que acude al instituto en lugar de su prima porque ésta no quiere ir, y allí es descubierta por el profesor de Historia Universal, Okito Kanie, que resulta ser un antiguo compañero de instituto de la mujer. Hideta Ōta dirige la serie para el estudio Lilix, con guiones de Shinichiro Sawayama y diseños de personajes y dirección de animación de Sawako Yamamoto. El anime tendrá una emisión regular, y otra con escenas más subidas de tono.
También el 7 de enero debutará la serie que adapta el manga "Kokkoku: Moment by Moment" de Seita Horio, dirigido para Geno Studio por Yoshimitsu Ohashi (Witchblade, Sacred Seven, Galaxy Angel) y contando con diseños originales de Yasuomi Umetsu (Mezzo, Lily C.A.T., Kite) adaptados por Masaki Hinata (Sankarea: Undying Love, Qualidea Code, Katekyo Hitman Reborn!), que es también el director de animación. La historia se centra en Juri y su familia, que para liberar a su hermano y su sobrino tras haber sido secuestrados por un misterioso grupo religioso autodenominado la Sociedad del Amor Verdadero, formulan un hechizo usando una piedra que fue escondida por su abuelo, y que permite la entrada a un mundo donde el tiempo está detenido - llamado Stasis - para infiltrarse en la base de los secuestradores; pero se encuentran con unas grotescas criaturas que también pueden moverse por ese mundo sin tiempo.
Igualmente en enero se podrá ver el anime basado en el manga "Yurucamp" de Afro, que sigue a dos chicas - Nadeshiko y Rin - que van de acampada a los lagos del monte Fuji. La serie está dirigida por Yoshiaki Kyougoku (Kuroko's Basketball , Robotics, Tokyo Ghoul) desde C-Station (STARMYU, Dragonar Academy), y cuenta con el diseñador de personajes Mutsumi Sasaki (Dragonar Academy, Chaos;HEAd, Phantom ~Requiem for the Phantom~).
También se espera para este mes la adaptación del manga "Miira no Kaikata" (How to keep a mummy) de Kakeru Utsugi, en el que el estudiante Sora Kashiwagi recibe un voluminoso paquete de parte de su aventurero padre que en su interior guarda una pequeña momia del tamaño de su mano. Kaori (Yuyushiki, Bottom Biting Bug) dirige la serie para el estudio 8-Bit, contando con los personajes diseñados por Takahiro Kishida (Welcome to the Ballroom, Madoka Magica, Durarara!!).
También debutará el anime que adapta el manga "Karakai Jōzu no Takagi-san" (Takagi-san, the Master of Teasing) de Sōichirō Yamamoto,
que se centra en Nishikata, un estudiante de secundaria que es continuamente humillado por Takagi, la chica que se sienta a su lado,
por lo que un día se propone hacerle lo mismo a ella. La serie está dirigida por Hiroaki Akagi (Hina Logic - from Luck & Logic) para Shinei Animation (Elegant Yokai Apartment Life, Doraemon), contando con los diseños de personajes de Aya Takano (Himouto! Umaruchan, Kimi no Koe o Todoketai, Polar Bear's Café) y la dirección de animación de Takuji Mogi (And you thought there is never a girl online?) y Natsuko Kondou (Natsume's Book of Friends, Durarara!!×2 Shō).
Asimismo se estrenará la adaptación del manga "Citrus" de Saburouta que narra el cambio de vida de la estudiante Yuzuko Aihara, una chica a quien le encanta la moda y la diversión, cuando debido a un nuevo matrimonio de su madre debe cambiarse a una nueva escuela sólo para chicas donde la educación es muy estricta y donde se gana enemigas desde el primer día, entre las cuales Mei,
la guapa presidenta del Consejo de Estudiantes; pero la sorpresa mayúscula se produce cuando vuelve a casa descubre que Mei es su hermanastra, y además se lanza a besarla en los labios. La serie está dirigida por Takeo Takahashi (Spice and Wolf, MAOYU, Hinako Note) desde el estudio Passione, con guiones supervisados por Naoki Hayashi (Flip Flappers, D.C.III ~Da Capo III~) y diseños de personajes y dirección de animación de Izuro Ijuuin (Barakamon, Wagnaria!!3).
El 12 de enero se estrenará en Japón el anime que adapta las novelas "Hakata Tonkotsu Ramens" (Hakata Pork Bones Ramens) de Chiaki Kisaki y Hako Ichiiro, dirigido desde Satelight por Kenji Yasuda (Arata The Legend, Croisée in a Foreign Labyrinth - The Animation) con diseños de Hidenori Inoue. La historia se desarrolla en Fukuoka, donde reina el crimen hasta el punto de que incluso existe un asesino de asesinos.
Otra producción de Satelight, que se estrenará en primavera, es el anime "Jūshinki Pandora" (Heavy Divine Unit Pandora) de Shoji Kawamori (Macross, Escaflowne, Aquarion). La historia parte de la Crisis Xianglong de 2031, en que un reactor cuántico explotó y liberó una fuerza hasta entonces desconocida que alteró el medio ambiente y predeterminó la subsiguiente evolución de seres vivientes y máquinas, propiciando la existencia de los B.R.I.A. (Biología Revolucionaria de Inteligencia Acelerada). Éstos llevaron a los humanos al borde de la extinción, y a partir de entonces se les combate con los V.M.E.O. (Vehículos Multiuso de Evolución Orgánica).
Siete años después de la crisis, Leon Lau se encuentra en la ciudad defensiva Neo Xianglong, investigando para vencer a los B.R.I.A.
y con la amenaza cada vez más cercana. Hidekazu Sato (Basquash!, Nobunaga The Fool, Aquarion Logos) dirige el anime a partir de los guiones de Toshizo Nemoto (Log Horizon, Macross Delta), y con los diseños de Risa Ebata (Macross Frontier, AKB0048).
En abril se estrenará también en Japón la adaptación televisiva de las novelas "Arifureta Shokugyō de Sekai Saikyō" (Arifureta - From Commonplace to World's Strongest) de Ryo Shirakome, donde Hajime Nagumo es un chaval de 17 años que no sobresale por nada hasta que junto a su clase es arrastrado a un mundo de fantasía donde son tratados como héroes y se les encarga salvar a la raza humana de la extinción; pero mientras que sus compañeros son dotados de poderes similares a los de los dioses, Nagumo debe conformarse con un poder de transmutación que le convierte en objeto de toda clase de burlas. La serie está dirigida desde WHITE FOX por Jun Kamiya (Kingdom), con guiones de Kazuyuki Fudeyasu (Is the order a rabbit?) y diseños adaptados y dirección de animación de Atsuo Atobe.
También en abril debutará el anime "Doreiku Survival Game" que adapta el manga "Dorei-ku: Boku to 23-nin no Dorei" (Slave District: 23 Slaves and Me) de Shinichi Okada y Hiroto Ōishi. La serie está dirigida por Ryōichi Kuraya (Tsugumomo) para Zero-G y TNK y tendrá diseños y dirección de animación de Junji Goto (School Days, High School DxD). La historia cuenta un juego de supervivencia que se desarrolla entre 24 personas cada una de las cuales tiene una razón particular para participar y que cuentan con un dispositivo que les permite convertir a su oponente en un esclavo.
Igualmente en primavera empezará la emisión del anime que adapta el manga "Mahō Shōjo Site" (Magical Girl Site) de Kentarō Satō, dirigido para production doA por Tadahito Matsubayashi (Tokyo Ghoul: Pinto) con guiones supervisados por Takayo Ikami (Yuri Kuma Arashi, Beautiful Bones -Sakurako's Investigation-). Se trata de un manga de terror, spinoff de Magical Girl Apocalypse, en torno a Asagiri Aya, una joven víctima de acosadores en la escuela que, tratando de escapar, se refugia en un misterioso website llamado 'Magical Girl Site' que la traslada al mortal mundo de Magical Girl Apocalypse; allí deberá enfrentarse a vida o muerte a una incontable serie de adorables máquinas de matar, cada una equipada con poderes mágicos y con una insaciable sed de sangre y caos.
Otro estreno de este período será el del anime "Nil Admirari no Tenbin" (Libra of Nil Admirari) que adapta el juego "Nil Admirari no Tenbin: Teito Genwaku Kitan" de Idea Factory y Otomate. Ambientado en la era Taisho de principios del siglo XX cuenta la historia de una chica que para proteger a su familia de la ruina acepta casarse con un hombre al que no conoce, pero antes de que lo haga su hermano pequeño se suicida prendiéndose fuego y sosteniendo un viejo libro en la mano que resulta ser el Maremono, un libro que ejerce una fuerte influencia sobre todo el que lo lee; a partir de ese momento la chica es capaz de detectar un 'Aura' y decide liberarse de su vida anterior. Masahiro Takata (Super Seisyun Brothers, Kenka Banchō Otome: Girl Beats Boys) dirige el anime para el estudio Zero-G, con guiones supervisados por Tomoko Konparu (Uta no Prince-sama - Maji Love 1000%, Kimi ni Todoke - From Me to You) y personajes de Yukie Sakō (Pretty Guardian Sailor Moon Crystal).
En invierno del año que viene se estrenará en Japón un anime basado en el proyecto multimedia "Nanatsu no Bitoku" (The Seven Heavenly Virtues) de Hobby Japan, que a su vez está conectado a la franquicia multimedia "sin Nanatsu no Taizai" (Seven Mortal Sins).
De este modo, los demonios de los Siete Pecados Capitales han empezado a extender su plaga y sembrado el caos en el Cielo, por lo que los ángeles de las Siete Virtudes Celestiales son enviados a la Tierra para encontrar a un candidato que se convertirá en el mesías. Shinji Ishihara (Fairy Tail, Log Horizon, Heybot!) dirige la serie para el estudio Bridge, que se acompañará de los diseños originales de Niθ adaptados por Masanori Iizuka (Dog Days, Fairy Tail), también director de animación.
Production I.G (Ghost in the Shell: Stand Alone Complex, Eden of the East, Ancien y el Mundo Mágico) y Sola Digital Arts (Appleseed Alpha, Starship Troopers: Invasion, Starship Troopers: Traitor of Mars) producen un anime en 3D en torno al manga "Ultraman" de Eiichi Shimizu y Tomohiro Shimoguchi, que se estrenará en 2019 y estará dirigido por Kenji Kamiyama (Ghost in the Shell: Stand Alone Complex, Eden of the East, Ancien y el Mundo Mágico) and Shinji Aramaki (Appleseed, Harlock: Space Pirate, Starship Troopers: Traitor of Mars). La historia parte de décadas atrás, cuando un ser conocido como el Gigante de la Luz se unió a Shin Hayata, del Grupo Especial de Investigación Científica, para salvar a la Tierra de una invasión de terroríficos monstruos conocidos como Kaiju; ahora el mundo está en paz y aquellos días se olvidaron, y Shinjiro, el hijo de Shin Hayata, es un adolescente ordinario que no sabe que ha heredado el factor Ultraman. Pero una nueva amenaza emerge de las sombras y sólo podrá ser derrotada por una nueva clase de héroe: Ultraman.
En otro orden de cosas, el Festival y Mercado Internacional de Cine Documental de Guía de Isora, MiradasDoc, y el Laboratorio internacional de animación Bridging the Gap (BTG) han seleccionado cinco proyectos para participar en la primera edición del Laboratorio de desarrollo de proyectos documentales de animación BTG DOC. Los proyectos seleccionados al final del proceso de convocatoria han sido: "Los santos", de Juan Carlos Omar Rojas Rodríguez (Estudios Felino S.A.C, Perú); "Wari", de Jimy Carhuas (Origami Studio, Perú); "Las primeras", de Bambú Orellana (Typpo, Chile); "Los verdugos", de Felipe Rugees (Saki cine, Colombia) y "Carne á vista", de Camila Kater (Doctela, Brasil). Los participantes obtendrán las herramientas necesarias para llevar a cabo su proyecto mediante el trabajo directo con reconocidos profesionales de la animación; se harán cargo del taller Charlotte de la Gournerie (productora y socia de Sun Creature Studio), Paco Rodríguez (experto en distribución internacional, en la financiación de coproducciones y producción ejecutiva) y José Luis Farias (director de 3DWire).
