Lo que se sabe de "Buscando a Dory"

El próximo 24 de junio (unos días después de su estreno en EEUU el 17 de junio) se estrenará en las pantallas españolas "Buscando a Dory", la nueva película de Disney-Pixar que vuelve a reunir a Dory, el olvidadizo pez azul que conocimos en "Buscando a Nemo" (2003), con Nemo y Marlin en la búsqueda de sus padres y de respuestas sobre su pasado.

Dirigida por Andrew Stanton (Buscando a Nemo, Wall-E) junto a Angus MacLane (Toy Story ¡Terror!) y producida por Lindsey Collins, la película desarrollará hechos que transcurren pasados 12 meses después de lo acontecido en "Buscando a Nemo", la película con la que Pixar ganó el Oscar a Mejor Película de Animación de 2003, además de estar nominada a los Oscars por Mejor Guión, Mejor Música y Mejor Edición de Sonido y al Globo de Oro a Mejor Película de Comedia o Musical, y que figura entre las diez mejores películas de animación según el American Film Institute. Y toma como protagonista al personaje querido por más gente de una película de Disney o de Pixar: Dory.

Según la sinopsis que Pixar dio a conocer el año pasado:

La nueva gran aventura nos zambulle en los cines en Junio 17, 2016, llevando a los espectadores de regreso al extraordinario mundo marino de la película original. Buscando a Dory reúne a la amistosa pero olvidadiza Cirujáno Azul con sus seres queridos, y todo el mundo aprende algunas cosas sobre el verdadero significado de la familia por el camino.

Sin embargo, a día de hoy ya conocemos un montón de cosas más. Al inicio de la película, Dory se encontrará viviendo felizmente junto a Marlin y Nemo transcurrido un año desde los hechos de la película original, cuando de repente recuerda que tiene una familia en alguna parte que podría estar buscándola, lo que motivará que el trío inicie una nueva aventura que les llevará a través del océano hasta un prestigioso Instituto de Vida Marina en California, que alberga un acuario y un centro de rehabilitación. Allí, Dory encontrará la ayuda de algunos de sus más sorprendentes residentes: Hank, un pulpo cascarrabias que a menudo da esquinazo a sus cuidadores; Bailey, una beluga que está convencida de que su sónar biológico no funciona correctamente; y Destiny, una tiburón-ballena corta de vista. Navegando en las instalaciones del instituto marino Dory y sus amigos descubrirán la magia de sus debilidades, de la amistad y de la familia.
Según Andrew Stanton, siempre tuvo en mente ideas sobre el pasado de Dory, y creyeron que había llegado el momento de explorarlo con ella, desarrollando su deseo natural de saber quién es y de dónde procede: "Realmente la historia es la de la propia Dory tratando de encontrarse a sí misma en todos los sentidos; ella es cautivadora y vulnerable y sin embargo todavía tiene pendiente reconocer su propio superpoder".
Según Lindsey Collins, "la pérdida de memoria a corto plazo de Dory, si bien fue una fuente de situaciones cómicas en el pasado, tiene consecuencias reales para ella (...) Pasó mucho tiempo sola antes de conocer a Marlin. Siempre se muestra feliz y alegre, pero en el fondo se preocupa de lo que podría pasar si se perdiera de nuevo. Mientras lucha para superar sus limitaciones, no tiene problema para aceptar a cualquiera con quien se encuentre. Pero no se da cuenta de que está rodeada de personajes que tienen sus propios obstáculos que superar".
De acuerdo con Stanton, Dory fue inicialmente perfilada como un personaje alegre, jovial y divertido; atributos que ciertamente le eran propios, pero que le restaban profundidad. Según el director "parecía un poco bidimensional (...) Pensé que aunque tenía todo su pasado en mi cabeza, los demás no - incluidos los espectadores. Todo el mundo dejó "Nemo" acordándose de lo divertida que era ella. Pero siempre vi eso como una máscara. Me di cuenta de que teníamos que contar a los espectadores qué fue de ella cuando era joven".
En el esfuerzo de entender la motivación de Dory para buscar a su familia, los realizadores debían entender primero sus problemas de memoria; de acuerdo con Lindsey Collins "a pesar de que Dory olvida detalles de su vida diaria - como el nombre de Nemo - su memoria emocional está bien -, ella sabe que quiere a Nemo y a Marlin. Y el amor que siente por sus padres siempre ha estado con ella". Al inicio de la película, una migración masiva de rayas cruzará el vecindario de Dory y este hecho, " visceralmente similar a las circunstancias que la separaron de sus padres hace mucho tiempo", reactivará un apartado de su memoria y la motivará para seguir el rastro de su familia. De acuerdo con el co-director Angus MacLane, este flash de memoria marca el inicio de la nueva aventura y "marca el inicio de una búsqueda - tanto internamente como externamente - para intentar encontrar a su familia".
Y en esta nueva aventura nos vamos a encontrar con personajes conocidos pero también con muchos personajes nuevos, a los que van a dar voz intérpretes que nos sonarán y otros que se incorporan a la historia por primera vez:

• Dory (Ellen DeGeneres) es un Cirujáno Azul con una brillante personalidad. Sufre de pérdida de memoria a corto plazo, lo que normalmente no es obstáculo para su animada actitud, hasta que se da cuenta de que ha olvidado algo importante: su familia. Ha encontrado una nueva familia en Marlin y Nemo, pero le preocupa pensar que haya alguien ahí afuera buscándola. Quizás Dory tenga problemas recordando exactamente qué - o a quién - está buscando, pero no se detendrá hasta que recupere su pasado y descubra algo más por el camino: la aceptación de sí misma.

• Marlin (Albert Brooks) puede haber recorrido un océano entero en el pasado, pero ello no implica que quiera hacerlo de nuevo. Así que no da precisamente saltos de alegría ante la perspectiva de tener que acompañar a Dory en una misión a la costa de California para seguir el rastro de su familia. Por supuesto, Marlin conoce qué se siente al perder a la familia y que fue Dory quien le ayudó a encontrar a Nemo no hace mucho tiempo. El pez payaso no es el más divertido, pero sí es leal y sabe que no tiene más opción que dejar atrás su nerviosismo y su escepticismo y embarcarse en una nueva aventura, esta vez para ayudar a su amiga.
• Nemo (Hayden Rolence) es de nuevo un niño normal un año después de dejar su aventura allende los mares: ha vuelto a la escuela y vive en la barrera de coral con su papá y su vecina Dory. Su horrorosa aventura del pasado no parece haber disminuido su espíritu. De hecho, cuando Dory recuerda trozos de su pasado y piensa en iniciar una ambiciosa búsqueda a través del océano para encontrar a su familia, Nemo es el primero en ofrecerle su ayuda. Puede que sea un joven pez payaso con una aleta de la suerte, pero Nemo cree de todo corazón en Dory. Después de todo, él entiende lo que es ser diferente.

• Hank (Ed O'Neill) es un pulpo que perdió uno de sus ocho tentáculos - junto a su sentido del humor - en alguna parte de su vida. Pero Hank es tan competente como sus compañeros de especie con ocho brazos. Un cumplido genio del escape con capacidades de camuflaje, Hank es el primero en saludar a Dory cuando ésta llega al Instituto de Vida Marina. Pero que nadie se equivoque: no busca a una amiga. Hank sólo busca una cosa - un ticket para un camión de transporte hacia unas cómodas instalaciones de Cleveland donde podría disfrutar de una pacífica y solitaria vida.

• Destiny (Kaitlin Olson) podría ser una torpe nadadora, pero tiene un gran corazón. De hecho, lo tiene todo grande - los tiburones ballena son los peces más grandes del mar. Destiny vive en el Instituto de Vida Marina, donde un día una Cirujáno Azul llamada Dory que le resulta extrañamente familiar cae en su piscina. Destiny está claramente avergonzada ante su obvia falta de gracia como producto de su corta vista, pero Dory piensa que nada espléndidamente. Y a Dory también le encanta saber que su enorme amiga también habla 'balleno'.

• Bailey (Ty Burrell) es una beluga residente en el Instituto de Vida Marina que está convencido de que su sónar biológico no funciona correctamente. La buena noticia - o mala, dependiendo de quién escuche - es que los doctores del Instituto no parecen encontrarle nada en mal estado. El sentido del dramatismo de Bailey nunca deja de incomodar a sus vecinos: la tiburón ballena Destiny nunca parece poder hacérselo entender. Quizás escuche a su nueva amiga Dory, que está llena de ideas locas.

• Jenny (Diane Keaton) y Charlie (Eugene Levy) harían cualquier cosa por su hija única, Dory. Hacen que se lo pase bien y la protegen, procurando dotarla de las habilidades que necesita para navegar a través del mundo con su poca memoria. Jenny puede parecer animada y algo inconstante - pero es una madre protectora y un modelo a seguir. Charlie gusta de hacer bromas, pero nada le es más importante que enseñar a su desmemoriada hija cómo sobrevivir.

• Fluke (Idris Elba) y Rudder (Dominic West) son un par de perezosos leones marinos que se estuvieron en rehabilitación en el Instituto de Vida Marina. Marlin y Nemo se los encuentran holgazaneando sobre una cálida - y muy codiciada - roca justo fuera del centro. Estos leones marinos realmente disfrutan su tiempo de descanso y preferirían no ser molestados cuando hacen la siesta - pero su ladrido es mucho más temible que su mordedura.

• Mr. Ray (Bob Peterson) vuelve como el profesor de la barrera de coral, encargado de la educación de Nemo y de sus compañeros de escuela. Nadie disfruta las clases de Mr. Ray más que Dory, que le sirve como su alegre, aunque innecesaria, asistente durante sus excursiones de campo.
• Becky (Torbin Bullock) es una somorgujo poco convencional y excéntrica a quien le gusta Marlin. A pesar de que inspira poca confianza - especialmente para cierto pez payaso muy escéptico - Becky podría ser más lista de lo que parece.

• Crush (Andrew Stanton) y su hijo Squirt (Bennett Dammann) son las dos tortugas más cool del océano. Siempre les alegra echar una aleta a un pez en apuros. Haber estado cruzando el océano durante más de cien años claramente tiene sus ventajas.

En cuanto al desarrollo visual, si bien veremos el mismo fondo marino que conocimos en 2003, el director confiesa que se han tenido que disimular los efectos que los nuevos avances tecnológicos permiten, para mantener el diseño de producción, el look y las sensaciones de la película original sin renunciar a mejorar la iluminación y el mayor detalle en la flora y la fauna. Incluso la barrera de coral donde vive el trío protagonista es un poco más sofisticado y más dinámico de lo que se vio en la primera película.
Aunque la película empieza en la barrera de coral que conocimos en "Buscando a Nemo", luego se traslada a la costa de California y al Instituto de Vida Marina, de modo que aunque se mantiene el look de la película original, los espectadores van a conocer nuevos entornos, entre los cuales el Bosque de Algas que se encuentra justo al lado del Instituto de Vida Marina, un lugar oscuro y mágico donde los rayos de luz se cuelan entre los largos tallos, y que según el co-director Angus MacLane fue increíblemente complejo de construir, hasta el punto de que hubiera sido imposible cuando se hizo "Buscando a Nemo". Ahora, con nuevas herramientas de iluminación y render, se pueden obtener los realistas efectos de agua y luz que darán credibilidad al nuevo entorno.
Por otra parte, el veterano compositor y estrecho colaborador de Stanton , Thomas Newman (El Puente de los Espías, Wall-E, Buscando a Nemo) volverá a colaborar para la ocasión encargándose de la música que acompañará el retorno de los peces más queridos del universo Pixar.

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Entrevista a Regina Pessoa

Regina Pessoa es una de las creadoras de cine de animación de autor más conocidas de Portugal. Poseedora de un estilo muy personal a caballo entre el dibujo y el grabado que desarrolló a partir de sus inicios en el estudio Filmógrafo de Abi Feijóo, sus historias - caracterizadas por los claroscuros y los personajes solitarios - le han granjeado el reconocimiento internacional. La autora fue invitada especial en Annecy el año pasado y en Animac durante la edición del año presente, donde presentó los tres cortometrajes que ha realizado hasta el momento: "A Noite" (1999), que fue creado con la técnica de animación grabada en yeso inspirándose en el ejemplo del realizador polaco Piotr Dumala; "Tragic Story with Happy Ending" (2005), grabado animado sobre papel; y "Kali the Little Vampire" (2012), realizado mediante animación digital.

Durante su visita al Festival de Animación de Lleida, donde dio una master class sobre sus trabajos, tuve el placer de contar con la autora para mantener una entrevista, que se reproduce a continuación:

Has sido invitada especial en dos festivales dedicados especialmente a la apreciación de la autoría femenina ¿Qué significa para ti este reconocimiento?
Es un honor, sobre todo teniendo en cuenta que lo que hago yo son cortos, y los cortos están siempre un poco marginados; la atención está en la industria, en los largos... Yo sigo haciendo cortos y siempre he estado habituada a que los cortos estén un poco ignorados, y el hecho de que se haya mostrado atención sobre mi trabajo ha resultado extraño pero también bueno.
El cortometraje es lo que yo elegí siempre como lo que me gusta hacer, y creo que es lo que da mejores resultados en animación. Tengo la convicción de que como la animación no es real, requiere desarrollar un tipo particular de atención cerebral, un esfuerzo mental para entrar en el lenguaje de la animación, y el lenguaje del corto se adapta bien a ese tipo de percepción; en un largo, yo a partir de cierto punto me desvinculo, porque requiere mucho tiempo haciendo ese esfuerzo mental y me satura. De otro lado, mi formación es de artista - nunca he estudiado animación - y lo que me gusta es invertir en la calidad artística de las imágenes, y eso se puede hacer en un corto, mientras que en un largo de animación es más difícil.

¿Cuál es tu punto de vista sobre la autoría femenina y el debate en torno a su reconocimiento?
Yo personalmente nunca he sentido ningún tipo de discriminación por ser mujer, tal vez por mi complicidad con Abi, con quien siempre hemos sido un equipo, un personaje compuesto de dos. Siento más discriminación por hacer cortos que por ser mujer, porque muchas veces la gente de la industria me pregunta con cierta condescendencia por qué me dedico a ello; y no es porque no tenga oportunidad de hacer otras cosas, sino verdaderamente porque me gusta.
Como mujer me veo ante todo como un ser humano y nunca pienso en los otros distinguiendo si se trata de un autor masculino o femenino. En cualquier caso, algunos de mis autores preferidos son mujeres.
En animación hay muchas mujeres autoras, sobre todo en cortometraje, donde existe una paridad casi del 50%. No pasa lo mismo en la industria: donde hay poder económico domina el hombre, como en todas las áreas, se trate de animación o no.

En relación a tus trabajos, tus cortos siempre han implicado un período de producción bastante largo..
Sí, no tengo la ambición de producir en cantidad sino en calidad artística, generando visuales elaborados, lo que me lleva tiempo. Pero es lo que me gusta. Y precisamente porque su producción lleva tanto tiempo, yo y mi compañero y productor intentamos siempre que el corto tenga vida, al menos durante un año más, después de su circuito de proyecciones, que a lo sumo suele durar dos años; para ello, normalmente hacemos siempre una exposición, publicaciones y productos asociados al corto.

Has mencionado a tu productor, que es Abi Feijóo, con quien has estado desde el inicio de tu carrera ¿Cómo recuerdas esa época?
Abi en Portugal es un poco como el pionero de la animación de autor; fue con él que la animación de autor en mi país empezó a tener expresión. También fue gracias a él que toda una generación de autores apareció, como fue mi caso: yo era estudiante de Bellas Artes y necesitaba un trabajo part-time para pagar mis estudios y conseguí un trabajo en su estudio en Porto. Con el tiempo Abi animaba a la gente a desarrollar sus ideas, y en mi caso fue una oportunidad fantástica que procuré aprovechar, pero enseguida surgieron las dificultades: me di cuenta de que mi formación era visual y no de escribir o crear historias, y durante un tiempo estuve un poco perdida intentando desarrollar ideas; y el consejo de Abi fue "no te preocupes en crear historias siguiendo la estructura clásica de principio-desarrollo-fin, puesto que eso te va a bloquear; piensa solamente en algo que sea fuerte para ti, porque sólo si es así vas a invertir en tus imágenes, vas a mostrar esa fuerza en tus imágenes, y de alguna forma la gente que vea esas imágenes la va a sentir también". Eso me tocó mucho y recordé que cuando era niña tenía miedo de la oscuridad que llegaba con la noche, y de ahí surgió mi primera película, y siempre he recordado en mis siguientes trabajos lo que Abi me dijo.
Después ocurrió que quien al inicio era solamente el director del estudio, finalmente se convirtió en  mi pareja y estamos juntos desde hace más de veinte años, trabajando juntos y creando una complicidad que ha permitido que yo pueda desarrollar mis propias historias.

Tus trabajos son muy personales, muy alejados de lo que puede considerarse mainstream en animación, y con una elaboración muy artesanal.
No es fácil vivir de eso pero es una opción personal. Por mi formación me gusta el lado estético de las imágenes, la textura y los juegos de luz y sombra, y siempre he desarrollado estos aspectos en mis películas; aunque utilizando técnicas distintas en todas ellas, hay siempre una estética que la gente reconoce como mía.

Hasta hoy has desarrollado historias en torno a personajes solitarios, enmarcados en ambientes oscuros, ¿qué es lo que te atrae de este tipo de historias?
Bueno, yo he crecido en un pueblecito y mi familia era lo que hoy llamamos disfuncional; cuando eso ocurre en una comunidad pequeña, la diferencia se convierte en algo muy evidente y eso lo pasaba con mi familia: mi madre sufría esquizofrenia y resultaba un poco rara en la pequeña comunidad donde yo vivía. Yo y mi hermana, como hijas de esa mujer que era considerada rara, fuimos también consideradas diferentes, y eso marca la infancia. Eso crea también la sensación de soledad, y de ahí han surgido las historias de mi trilogía. De hecho no tenía intención al principio de hacer una trilogía, pero después de hacer dos historias me di cuenta de que había elementos comunes y que convendría hacer un tercer episodio para cerrar esa temática de la infancia y la diferencia y encontrar la paz.

Ahora que has cerrado pues una trilogía, ¿cómo van a ser tus próximos trabajos?
He cerrado un capítulo dedicado a mí, centrado en mis emociones y recuerdos de cuando era niña, y ahora estoy empezando otro capítulo que se va a centrar en lo que había en los demás. En este sentido, mi próxima película va a ser un homenaje a mi tío, que es muy importante para mí porque con él empecé a dibujar: dibujábamos de una forma muy original, ya que estábamos con pocos recursos en un pequeño pueblo pero mi tío tenía mucha creatividad, y lo que hacíamos era dibujar en las paredes; ahora seríamos considerados street artists (risas), pero entonces no lo sabíamos. Como no teníamos ni papel ni lápices dibujábamos con el carbón de la chimenea, haciendo grandes dibujos en las paredes de la casa de mi abuela. Era algo primitivo.
Bueno, la casa ha sido totalmente reconstruida y sólo quedan algunas fotos... Pero la película será un homenaje a eso y hay una secuencia que me gustaría animar dibujando en la pared.


Probablemente habrá que esperar unos años para ver el resultado del nuevo trabajo de Regina, pero seguro que la espera habrá valido la pena.


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Lovecraft también se anima

Arcana Studio y Shout! Factory están produciendo una película de animación que pretende introducir al público de entre 8 y 12 años en el imaginativo mundo de H.P. Lovecraft a través de una aventura donde se mezclarán episodios de la vida del escritor, elementos icónicos de sus novelas y nuevas historias. Titulada "Howard Lovecraft and the Frozen Kingdom", la película se basará en las novelas gráficas de Bruce Brown publicadas por Arcana, y promete resultar muy atractiva tanto para los seguidores de los libros como para los fans de H.P. Lovecraft en general.

Con abundancia de humor pero también con un tono oscuro, pero no terrorífico, similar al de "Pesadilla antes de Navidad" de Tim Burton, la película presentará a Howard, un joven personaje sofisticado y con emociones complejas cuyas aventuras transcurrirán junto a variadas criaturas fantásticas.

El joven Howard Lovecraft iniciará sus aventuras acompañando a su madre al Manicomio Butler para visitar a su padre Winfield Lovecraft, que se encuentra en un estado de enajenación por algo que ha hecho. Bajo espasmos de paranoia y miedo le rogará a su hijo que destruya un libro que jamás debió haber escrito. El chico no se asusta durante el incidente, y vuelve a casa con un regalo - una estrella de papel realizada por su padre.
Una vez en casa, la curiosidad supera a Howard y empieza a leer el libro de su padre, que le introduce a un frío y oscuro mundo de magia y engaño. El libro habla de un lugar - R'lyeh -  descrito como un reino profano donde se unen los cuentos de hadas y las pesadillas.
Sin darse cuenta, el chico lee unas pocas palabras del libro escritas en un lenguaje extraño y es arrastrado a través de un agujero en el tejido del universo. Allí se encuentra un Profundo, Thu Thu Hmong, que parece querer comérselo, pero que va tras él para salvarle la vida. Incapaz de pronunciar bien su nombre, Howard le llamará Spot. A partir de entonces las cosas se pondrán interesantes para el joven Lovecraft a medida que se adentra en la historia y en la oscuridad de ese nuevo y extraño mundo.
Acompañado de Spot, Howard conocerá a los niños Felch, Davik, Tw'i e Innes, que le enseñarán lo necesario para empezar su viaje a través del reino de R'lyeh, y también al conde Algid Bunk, que sirve al Rey Alzhared en el Castillo Helado. Bajo la guía de Algid, Howard y Spot deberán desvelar los oscuros secretos de R'lyeh para que Howard pueda volver a casa con su familia.

Escrita, dirigida y producida por Sean Patrick O'Reilly, la producción cuenta con el director de arte Gary Yuen, el editor Brendan Hansell y el supervisor de CGI Haqui Gbadamosi, y se ha confirmado ya a algunos de los intérpretes, como el actor Ron Perlman (Fantastic Beasts and Where to Find Them, Hellboy), que va a dar la voz a Shoggoth, y Christopher Plummer (Beginners, Up), que interpretará el papel del Dr. Herbert West. La película se estrenará en otoño de este año.
Hace unos días, en Cartoon Movie coincidían Raúl García presentando la película que reúne algunos de los relatos de E.A. Poe -  "Extraordinary Tales" - y Sergio Laguarda presentando el proyecto de su película "Lone", protagonizada en parte por Jack el Destripador. La nueva producción en torno a H.P. Lovecraft es pues un signo más de que los tiempos están cambiando, y por fin los grandes relatos clásicos de terror se acercan a la animación.

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Carlitos y Snoopy en DVD y Blu-Ray

Tras haber recaudado más de 4 millones de euros en los cines españoles, espectadores de todas las edades podrán volver a disfrutar como niños con la llegada de CARLITOS Y SNOOPY: LA PELÍCULA DE PEANUTS en alquiler y venta digital el 15 de abril y en DVD, Blu-ray y Blu-ray 3D el 27 de abril, de la mano de Twentieth Century Fox Home Entertainment.

En CARLITOS Y SNOOPY: LA PELÍCULA DE PEANUTS, el bueno de Carlitos Brown, Snoopy, Lucy, Linus y el resto de la adorada banda de los Peanuts debutan en la gran pantalla como nunca antes los habíamos visto, en una nueva película de la imaginación de Charles M. Schulz y los creadores de "Ice Age". El optimista favorito de todos, Carlitos Brown, se embarca en un reto épico y heroico para atraer la atención de la niña nueva de clase, mientras que su amigo del alma, el adorable sabueso Snoopy, se eleva hasta los cielos para enfrentarse a su archienemigo, el Barón Rojo en una divertida y conmovedora aventura.
CARLITOS Y SNOOPY: LA PELÍCULA DE PEANUTS está dirigida por Steve Martino (Horton), producida y escrita por Bryan Schulz, Craig Schulz y Cornelius Uliano, con Paul Feig (Espías, Cuerpos Especiales) y Michael Travers también como productores. Podéis leer nuestra crítica de la película en el enlace.
A lo largo de los años, muchos estudios cinematográficos habían pretendido hacer una versión para la gran pantalla de la tira cómica PEANUTS, pero la familia Schulz se resistía. La opinión de la familia empezó a cambiar cuando el director Steve Martino expresó su pasión y sus ideas en relación al proyecto. Además, Craig Schulz era un gran admirador del trabajo de Martino, que incluye su película Horton, en la que el realizador fue escrupulosamente fiel al estilo de los libros infantiles ‘Dr. Seuss’.
En 2012, Craig Schulz, hijo de Charles M. Schulz, se había puesto en contacto con Ralph Millero, directivo de Fox Animation Studios, para comunicarle que tenía un guión, escrito por él mismo junto con su hijo, Bryan Schulz, y Cornelius Uliano, el socio más joven en esta labor de escritura conjunta (los tres guionistas ejercen también de productores). Millero llevó el guión a la presidenta de Fox Animation Studios, Vanessa Morrison, quien inmediatamente puso las cosas en marcha. Blue Sky y Fox habían logrado lo que todos los grandes estudios habían intentado: obtener los derechos cinematográficos de uno de los productos más codiciados del mundo.
El enfoque y el cuidado que Martino mostró hacia el proyecto, impresionó gratamente a la familia Schulz. “Nos sentimos muy afortunados de poder contar con Steve”, recuerda Craig Schulz. “A lo largo de los años, habíamos tratado con muchas personas que nos llegaban diciendo que habían crecido con los Peanuts y que tenían una gran historia. Pero no es fácil meterse en el mundo que mi padre había creado y entender su forma de dibujar. Steve Martino lo comprendió perfectamente”.
Para dar inicio a la producción, Craig Schulz llevó a Blue Sky Studios al aclamado artista Tom Everhart, para que se reuniera con realizadores y artistas. Everhart es famoso por sus particulares y míticas interpretaciones de Snoopy, Carlitos y el resto de la banda Peanuts, que se han exhibido en galerías de todo el mundo, incluyendo el Museo del Louvre de París, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el Museo de Bellas Artes de Tokio y, por supuesto, el Museo y Centro de Investigación Charles M. Schulz de Santa Rosa, California, un museo dedicado a la obra y legado del legendario humorista gráfico. Durante un debate sobre su concienzudo estudio del trabajo de Charles M. Schulz, Everhart proyectó imágenes de la tira cómica en pantalla de cine para mostrar los detalles de las líneas de tinta negra dibujadas por Schulz; según el director artístico Nash Dunnigan: “Supimos entonces que ahí teníamos un punto de partida para la estética y estilo de los personajes así como el diseño de producción”.
Para capturar las excepcionales características de los personajes, Martino y el productor Michael J. Travers sumergieron al equipo en el universo de los Peanuts. Y empezaron dicho viaje con una visita al Museo y Centro de Investigación Charles M. Schulz. El museo alberga miles de originales de las tiras cómicas PEANUTS, lo que la convierte en la colección individual de humor gráfico más grande del mundo. También contiene cientos de bocetos de Schulz, ilustraciones de libros, material gráfico privado y dibujos de su etapa inicial. Y el centro de investigación adyacente incluye una impresionante biblioteca, además de cartas, fotografías, entrevistas, así como singulares y efímeros artículos relativos a los Peanuts.
Para una mejor comprensión de las sutilezas de la obra de Schulz, los artistas, animadores y el equipo responsable del guión gráfico recurrieron a Paige Braddock, de la compañía Charles M. Schulz Creative Associates. Como directora creativa, Braddock es responsable de la imagen y desarrollo creativo de todos los productos relacionados con los Peanuts en todo el mundo, así como de la dirección editorial de las iniciativas de publicación. Braddock aseguró a los artistas que no eran los únicos en sentirse un poco abrumados por el desafío que suponía controlar el dibujo de los personajes, especialmente la cabeza de Carlitos. “Es prácticamente imposible hacerlo bien cuando empiezas a trabajar con el personaje, y si te vas lo más mínimo, es realmente muy evidente”, afirmaba Braddock.
Todo el equipo de Blue Sky era consciente de que necesitaba sobrepasar todos los límites para lograr dar vida al guión escrito por Craig Schulz, Bryan Schulz y Cornelius Uliano. Inicialmente, los guionistas pensaron en centrar la historia en Snoopy, con Carlitos relegado a una trama secundaria; pero rápidamente se decantaron en sentido contrario, pues eran conscientes de que un exceso de Snoopy podría apropiarse de la estructura narrativa del filme. Para equilibrar la historia, se decidió incluir a la totalidad de personajes de la tira PEANUTS, incluyendo algunos de sus miembros menos conocidos. Afortunadamente para los realizadores, contaban con un conjunto de personajes muy consolidados y con una voz muy potente, gracias a la imaginación de Charles M. Schulz. Según Martino: “Vemos un poco de nosotros mismos en cada uno de los personajes, y eso es lo que hace que nos identifiquemos tanto con ellos. Más que interiorizar las emociones de los personajes, Schulz les permitía expresarse sin tapujos, y nosotros nos hemos mantenido fieles a ese esquema narrativo.Uno de los retos de la animación es la creación de personajes interesantes y con profundidad, de manera que, al juntarlos, sea posible crear situaciones interesantes y una estimulante historia” (...) Schulz “escribió sobre temas universales que nos afectan a todos pero que provienen de voces de niños. Realmente son adultos atrapados en cuerpos infantiles”.
Para la abrumadora tarea de dirigir el equipo de animadores responsable de dar vida a los personajes, Martino recurrió a tres experimentados artistas de Blue Sky: los supervisores de animación Nick Bruno y Scott Carroll, y el animador principal Jeff Gabor. Conjuntamente, Bruno, Carroll y Gabor fueron los responsables de la formación, supervisión y, lo que es más importante, la concordancia de un mismo modelo operativo dentro de un equipo compuesto por cien animadores. Insistiendo en la claridad, la concentración y la simplicidad, Bruno, Carroll y Gabor tuvieron que introducir un estilo de animación que era nuevo para prácticamente todos los implicados en el filme. Cada animador que se incorporaba al equipo debía asistir a la “Van Pelt University”, para realizar un curso intensivo sobre el estilo y la obra de Charles M. Schulz, y también se recurrió a los más de 40 programas especiales de dibujos animados que durante años Bill Melendez y Lee Mendelson produjeron para la televisión y el increíble trabajo que desarrolló en aquéllos el legendario animador Bill Littlejohn, cuya habilidad para convertir en historia las travesuras y pantomimas de Snoopy ha sido alabada y estudiada por aspirantes a animadores de todo el mundo.
La creación y diseño del aspecto general del filme fue un reto igualmente para el departamento artístico, dirigido por Nash Dunnigan. Era importante para Dunnigan mantener consistencia en el diseño y evitar un exceso de estilización; Dunnigan aconsejó al equipo que en todo lo que diseñaran tomaran como referencia los trazos de línea dibujados por Schulz a lo largo de toda su obra.
Martino sabía que en el diseño de producción quería crear una clara distinción entre la acción que tiene lugar en las secuencias de fantasía de Snoopy, donde la imaginación del beagle le lleva a los cielos como as de la aviación de la I Guerra Mundial, y las escenas que se desarrollan en el “mundo real”. El fondo de las secuencias que se desarrollan en la casa, en la escuela y en el barrio de Carlitos tiene colores desaturados, con el fin de no apartar la atención de los principales personajes, que se identifican con colores saturados y vibrantes. Siendo Snoopy y su homólogo en la tira cómica fundamentalmente de color blanco, un espectro de colores más oscuros enfatizaba las acciones llevadas a cabo por el personaje.
Uno de los aspectos más encantadores de la historieta es que los personajes parecen siempre jóvenes. “Intentamos conseguir un estilo atemporal para evitar situar la película cronológicamente; con unas pocas excepciones”, explica Dunnigan. Los realizadores efectivamente hicieron una excepción, incluyendo el icónico teléfono de disco que hemos visto en tantas historietas y cómics de Schulz. La estética de CARLITOS Y SNOOPY, LA PELÍCULA DE PEANUTS es un claro testimonio del legado de Charles M. Schulz.

Con las ediciones en DVD, Blu-ray y Blu-ray 3D, los fans podrán adentrarse aún más en el mundo de CARLITOS Y SNOOPY: LA PELÍCULA DE PEANUTS, gracias a los extensos contenidos adicionales, como los nuevos fragmentos de Snoopy, la lista de canciones y mucho más.

	CONTENIDOS ADICIONALES EN BLU-RAY Y BLU-RAY 3D: Fragmentos de Snoopy Nunca crecerás Carlitos Lista de canciones de Snoopy Galería de imágenes Tráiler de cine Adelanto "Ice Age: El Gran Cataclismo"
	CONTENIDOS ADICIONALES EN DVD: Fragmentos de Snoopy Lista de canciones de Snoopy Galería de imágenes Tráiler de cine Adelanto "Ice Age: El Gran Cataclismo"

Ficha técnica:
Título Original: The Peanuts Movie
Año: 2015
País: EEUU
Director: Steve Martino
Guión: Bryan Schulz, Craig Schulz y Cornelius Uliano
Música: Christophe Beck
Productora: 20th Century Fox Animation / Blue Sky Studios / Feigco Entertainment
Presupuesto: 99 millones de dólares

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Carlitos y Snoopy: La Película de los Peanuts (21 de diciembre 2015) 

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"Inside Out" triunfa doblemente en los Blogos de Oro 2016

Ayer domingo a las 17.00h se celebró por tercer año la ceremonia de entrega de los Blogos de Oro que, bajo la organización de Cine de Patio, se deciden en base a las votaciones efectuadas por numerosos bloggers cinéfilos llamados a elegir entre los títulos estrenados en España desde el 21 de marzo de 2014 o cualquier película cuyo año de producción fuera 2015. Fueron 14 las categorías de premios que se entregaban en la edición de este año tras la creación de la nueva categoría de Mejor Baratometraje, destinada a dar a conocer, seleccionar y premiar películas de bajo coste creadas por realizadores independientes; aparte de la categoría de Mejor Baratometraje, se reconocieron también las categorías de Mejor Película, Mejor Película Española, Mejor Director, Mejor Actor Principal, Mejor Actriz Principal, Mejor Guión, Peor Película, Mejor Actriz Secundaria, Mejor Actor Secundario, Mejor Película de Animación, Mejores Efectos Especiales, Mejor Banda Sonora y Mejor Cortometraje.
Uno de los aspectos más sobresalientes de los Blogos de Oro reside precisamente en su carácter plural e independiente, que da lugar a que muchas veces se pronuncien con un espíritu reivindicativo frente al carácter más académico de los Oscar o de los Goya, premiando películas que fueron tratadas de otro modo en la entrega de las estatuillas de Hollywood o de los cabezones de la Academia de Cine española. En este sentido, mientras los Blogos han reafirmado a "Truman" como Mejor Película española o a Leo Di Caprio como Mejor Actor Principal y también han coincidido respecto a la Mejor Película de Animación, por otro lado han querido alzar la voz por películas como "Mad Max: Furia en la Carretera", de George Miller, que ha conseguido los Blogos a Mejor Película y Mejor Director, así como "Mejores Efectos Especiales", o por la banda sonora y la excelente interpretación de Jennifer Jason Leigh como actriz de reparto de "Los Odiosos Ocho" de Quentin Tarantino, y también por Inma Cuesta, coronada como Mejor Actriz Principal del cine nacional e internacional por su trabajo en "La Novia". Podéis consultar aquí el palmarés completo.

En nuestro blog nos interesa obviamente centrarnos en el papel jugado en los Blogos de Oro por el cine de animación, que precisamente este año ha tenido posibilidades en más de una categoría por los méritos de la película "Del Revés" (Inside Out) de Pixar Animation Studios y Disney. En efecto, la película dirigida por Peter Docter y Ronnie del Carmen, no sólo quedó nominada como Mejor Película de Animación, sino también como Mejor Guión y como Mejor Película, y ayer vio hacerse efectivo el reconocimiento en dos de las tres categorías: la de Mejor Película de Animación y la de Mejor Guión. Que una película de animación alcance tal magnitud de galardones sólo es posible en los Blogos de Oro, que están libres de los prejuicios que pesan sobre las películas animadas en los ámbitos más académicos de los premios cinematográficos.
En la categoría de Mejor Película de Animación, estas fueron los largometrajes que optaban a premio:

• Anomalisa, de Starburns Industries y Paramount Pictures, dirigida por Charlie Kaufman y Duke Johnson

• Atrapa la Bandera, de Telecinco Cinema, S.A.U., Los Rockets La Película A.I.E., Telefónica Studios, S.L.U., 4 Cats Pictures, Ikiru Films, S.L., y Lightbox Animation Studios

• Del Revés (Inside Out), de Pixar Animation Studios y Walt Disney Studios

• El Viaje de Arlo (The Good Dinosaur) de Pixar Animation Studios y Walt Disney Studios

• La Oveja Shaun: La Película (Shaun the Sheep Movie), de Aardman y Lionsgate / Studiocanal, dirigida por Richard Starzak y Mark Burton

Como el año pasado, una película de animación nacional - "Atrapa la Bandera" - consiguió hacerse un sitio entre potentes competidoras de origen internacional, especialmente en un año en que la cosecha de largometrajes de animación ha sido especialmente buena; basta sólo ver la talla de películas que competían con Pixar como la sorprendente "Anomalisa" y la bien ejecutada "La Oveja Shaun: La Película". Finalmente fue "Del Revés" la que se alzó ayer con el galardón, obedeciendo a todos los pronósticos que situaban a esta genial película de Pixar como receptora del Blogo de Oro correspondiente.
Sin embargo, no se quedarían aquí los reconocimientos para la película de Pixar puesto que con toda justicia se llevó también el premio a Mejor Guión, enfrentada a títulos como "Ex Machina", "La Habitación", "Los Odiosos Ocho" y "Spotlight". No debería resultar sorprendente puesto que el guión es precisamente uno de los puntos más fuertes de "Del Revés" al imaginar un mundo completamente nuevo que trataría de explicar cómo funciona la mente humana y nuestras emociones de una forma que quedará marcada en la memoria colectiva.
Pero además "Del Revés" llegó a estar también nominada como Mejor Película, logrando aquello que la película merecía y que no se atrevieron a hacer en los Oscar. Aunque en este caso no lograra hacerse con el galardón, que se llevó "Mad Max: Furia en la Carretera" (oh, sorpresa!.. o no) de George Miller, el hecho de que estuviera ahí en liza junto a las películas de imagen real ya nos llena de satisfacción.

No queda más que felicitar a la organización de Los Blogos de Oro que, con su iniciativa logran siempre arrojar una lectura distinta de cuáles han sido los mejores trabajos del cine, y que cada vez se están rodeando con socios de más peso - de gran ayuda en este tipo de eventos - como Cinesa, Filmin y otros valiosos compañeros de camino.


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Hell and Back

Debo confesar que antes de ver "Hell and Back" acababa de ver dos maravillas de Studio Ghibli: "El Recuerdo de Marnie" de Hiromasa Yonebayashi,  y la excepcional "El Cuento de la Princesa Kaguya" de Isao Takahata. Es tal el abismo que separa las bondades de esas dos películas de la vacuidad que presenta "Hell and Back" que aventurarse a hacer una crítica de esta última en este momento no es lo más aconsejable; sin embargo, resulta también que estos días se ha hablado mucho del trailer de "Sausage Party", una película en 3D dirigida por Greg Tiernan y Conrad Vernon y producida por Sony Pictures Entertainment junto a Annapurna Pictures, Nitrogen Studios Canada y Point Grey Pictures, que ha trascendido por ser la primera película generada por ordenador con clasificación "R", o sea, para adultos. Es la misma clasificación que pesa sobre "Hell and Back", que viene al caso precisamente porque, si bien celebro que algunos se estén empezando a dar cuenta de que el cine de animación no es exclusivamente para el público infantil, no es precisamente el mejor ejemplo de lo que debería ser el cine de animación para adultos.

"Hell and Back", que ha estrenado este mes Netflix en su versión en español, es una comedia en stop motion dirigida por Tom Gianas y Ross Shuman (Robot Chicken, Moral Orel), a partir de un guión del primero junto a Zeb Wells y Hugh Sterbakov, que ha sido producida por ShadowMachine Films, el estudio de animación creador de "Robot Chicken" o "BoJack Horseman" entre otras. Con la dirección creativa de Kyle Arneson, responsable creativo de la casa y la supervisión de Andy Bialk (Cómo Entrenar a Tu Dragón, Megamind, Los Pingüinos de Madagascar, El Libro de la Vida..) en el diseño de personajes, la producción atrajo a animadores experimentados como Misha Klein (Los Mundos de Coraline, Anomalisa..) a la dirección de animación y Owen Klatte (Pesadilla Antes de Navidad, James y el Melocotón Gigante, Monkeybone, Anomalisa...) como lead animator, junto a Kim Blanchette, Adam Fisher, Angie Glocka o Rich Zim  (todos ellos con experiencia en películas como Pesadilla Antes de Navidad, Los Mundos de Coraline, El Alucinante Mundo de Norman, Anomalisa..) o Michael Parks (Bichos: Una Aventura en Miniatura, Toy Story 2, Monstruos S.A., Buscando a Nemo, Los Increíbles..), entre otros.. Y también atrajo a un interesante elenco para las voces, al que concurrieron Mila Kunis, Susan Sarandon, Bob Odenkirk, Danny McBride, Jennifer Coolidge o Nick Swardson... El caso es que a pesar de las esperanzas que todos estos datos podrían generar, la película no cumple con las expectativas.
"Hell and Back" cuenta las aventuras del descenso al infierno de tres amigos de la infancia, Remy, Augie y Curt, a partir del momento en que el último de ellos es arrastrado al averno por una promesa incumplida, lo que obliga a los otros dos a ir a su rescate a través de unas atracciones de una feria venida a menos; los protagonistas deben arriesgarlo todo para salvar a su amigo de ser sacrificado a manos de demonios en una aventura en la que se cruzarán con la mitología griega, ángeles sexys y el mismo Satanás. El problema es que poco espacio queda para un buen desarrollo de la historia o para la mínima complejidad de los personajes en una película donde la mayor parte del guión (como si hubiera estado escrito por alguien que de niño no pudo decir 'caca, pedo, culo, pis' suficientes veces) se desenvuelve simplemente al servicio de una retahíla imparable de expresiones soeces, chistes escatológicos y salidas de tono de carácter sexual caracterizados por un alto nivel de misoginia, homofobia y/o xenofobia, que a lo mucho igual agradarán a algún adolescente de risa fácil y poco exigente. No es que uno no se pueda reír con chistes verdes o 'adultos' en general si están contados con gracia o un mínimo de astucia y sirven para añadir picante a una buena historia, pero el problema es que no hay un ápice de ello en la mayor parte del metraje, atropellado por el chiste fácil, grueso y vacío, totalmente ajeno a la trama de fondo. Ahí queda reducido el esfuerzo del guión por hacerse atractivo para los adultos, con un resultado bastante cuestionable que roza en ocasiones lo ridículo: es el caso cuando hacen continuas referencias a sus genitales unos demonios que carecen de ellos, por ejemplo; y en todo caso, la fórmula utilizada para "Hell and Back" no es nada original; ya supieron explotarla con más inteligencia Trey Parker y Matt Stone en "Team America: World Police" o incluso Peter Jackson en "El Delirante Mundo de los Feebles".
Sí que resulta atractivo el desarrollo visual de la película, que lamentablemente se ve lastrado por el paupérrimo guión a pesar de la notable originalidad de los diseños de los personajes y la calidad de la animación. En efecto, la película bien valdría un visionado para apreciar los diseños nada habituales de las diabólicas criaturas que pueblan el infierno y de los mecanismos que giran y se mueven en ese mundo (como navíos voladores o telecabinas que se desplazan por los cables tirados por manos mecánicas..). El buen hacer de los experimentados animadores a los que se hacía referencia más arriba se hace patente igualmente en la actuación de los personajes, bien resuelta a pesar de lo limitado de sus expresiones faciales (claramente no nos encontramos con una película de Laika), si bien su encanto se pierde tristemente en cuanto abren la boca.

Y es aquí donde debemos retomar la referencia a "Sausage Party", para decir que si la clasificación "R" que la ha hecho tan célebre se debe a un parecido con "Hell and Back", no nos vamos a perder nada por no verla. Sería mucho más deseable que la clasificación la tuviera por ofrecer al público adulto una calidad como mínimo próxima a la perfección de "Anomalisa".

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Nueva serie RV de Brain Zoo

Si a principios de mes nos referíamos a la producción de una serie de animación para dispositivos de realidad virtual que estaba desarrollando Apelab (enlace aquí), hoy se ha sabido que no van a ser los únicos pioneros en crear series de animación para tan innovador soporte, puesto que la compañía con base en Los Angeles Brain Zoo (responsable de la premiada "Pepe & Lucas" y desarrolladora de contenidos para Disney, Marvel, Mattel, Hasbro, Lego o Amazon Studio, entre otros) está desarrollando también una nueva serie para ser vista en soportes de realidad virtual titulada "Console Marinez".
Creada por Mo Davudian, la nueva serie combinará la acción de los videojuegos con la comedia de las películas de animación, desarrollándose en torno a un grupo de diabólicos villanos que pretenderían traer a nuestro mundo los ejércitos de los malos malosos de los videojuegos y convertir la Tierra en un videojuego virtual al tiempo que su mundo se convierte en real. Lo único que se les opone es un grupo de jugones conocido como Console Marinez.
La serie se ha concebido de forma que los espectadores puedan sentirse sumergidos dentro de su mundo y sentirse parte de él. De este modo, el espectador se verá metido en medio de las batallas por salvar la Tierra y experimentará en primera persona la acción y el humor del show.
Podéis ver un avance de la serie haciendo clic en este enlace.

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El Recuerdo de Marnie

El tránsito de la infancia a la adolescencia no suele ser un camino fácil; bien al contrario, muy a menudo es un camino plagado de dudas y conflictos con uno mismo o con los demás en los que muchas veces subyacen las inseguridades propias de la edad. Por ello no es extraño encontrarse en este estadio de la vida con el sentimiento de que uno o una no encaja, que todo está mal y se acaba encerrado en un círculo totalmente ajeno a las demás personas, o lo que es lo mismo, alejado del círculo social. Contado de un modo encantador, esa es precisamente la tragedia que afecta a Anna, la joven de 12 años protagonista de "El Recuerdo de Marnie" - la última película de Studio Ghibli -, que además encierra un sentimiento de abandono mal resuelto por la pronta defunción de sus padres, lo que la lleva a evitar relacionarse con las chicas y chicos de su entorno o estrechar lazos con sus padres adoptivos por miedo a nuevas pérdidas o traiciones, generando situaciones de estrés y enfermedad que la llevarán a pasar un tiempo en una casa de campo. Como dice la letra de la canción principal "Fine on the Outside" (que aconsejo escuchar hasta el final) interpretada por Priscilla Ahn: I never had that many friends growing up / So I learned to be / Ok with Just me, just me, just me, just me / And I'll be fine on the outside... (Nunca tuve muchos amigos cuando crecía / así que aprendí a estar bien yo sola, yo sola, yo sola, yo sola / Y estaré bien afuera).
Cuando la tímida Anna se traslada a la orilla del mar a vivir con sus tíos, descubre una antigua mansión rodeada por pantanos, y allí se encuentra con la joven y misteriosa Marnie, una chica vital pero que también lleva su propia tristeza a cuestas. Las dos forman instantáneamente una conexión única y una amistad que viaja por los límites entre fantasía y realidad y, a medida que pasan los días, una atracción casi magnética conduce a Anna una y otra vez a la Casa Marsh. Así, comienza a reconstruir la historia que envuelve a su extraña nueva amiga.

"El Recuerdo de Marnie" es una producción de Studio Ghibli, Nippon Television Network, Dentsu, Hakuhodo DYMP, Walt Disney Japan, Mitsubishi, Toho y KDDI. Basada en la novela "Cuando Marnie estuvo allí" de Joan G. Robinson, desarrolla un guión de Keiko Niwa, Masashi Ando y el propio director: Hiromasa Yonebayashi, animador y director del estudio Ghibli (ya dirigió "Mei and the baby cat bus" del Museo Ghibli - 2002 - y "Arriety y el Mundo de los Diminutos", 2010), hasta que lo abandonó una vez finalizada la producción de "El Recuerdo de Marnie", a pesar de que era una de las opciones de futuro para suceder a Hayao Miyazaki en el estudio.

Yonebayashi recibió del productor Toshio Suzuki el encargo de convertir la novela de Joan G. Robinson en película, y nos ofrece esta joya maravillosamente ejecutada - que es la primera sin intervención de Hayao Miyazaki ni de Hisao Takahata - donde bajo el velo de los elementos sobrenaturales tan propios de la filmografía del maestro Miyazaki se pone en escena, con un desarrollo emotivo y sensible, una gran historia de amor y amistad donde se invita a superar los traumas propios de la adolescencia y de la pérdida y a entender la necesidad de hablar y expresar los sentimientos como medio para conseguirlo.

No se tarda en sospechar de la verdadera naturaleza de la misteriosa amiga de Anna, ni es la pretensión de la película mantenerla oculta hasta el final, sino que el valor de la historia reside en las palabras y los gestos que ambas amigas intercambian en sus encuentros, y finalmente en conocer la relación que existe entre ambas, por cuanto que es todo ello lo que conduce a la protagonista a aceptar y a entender su pérdida y a superarla.

En cuanto al aspecto visual y la animación, la película - bajo el estilo propio de Hayao Miyazaki - mantiene con creces el altísimo nivel de los largometrajes del estudio Ghibli, donde la atención al detalle es permanente tanto en los preciosos fondos como en los elementos en movimiento (a pocos estudios se le ocurriría añadir la breve animación de un cangrejo en una escena en que un pie se sumerge en el agua, o preocuparse por animar los minúsculos reflejos del sol en el mar) y la animación - supervisada por Masashi Ando (La Princesa Mononoke, El Viaje de Chihiro) - rica y generosa: no hay plano en que un personaje no esté actuando por muy lejos del centro de interés que se encuentre o no se muevan las hojas de los árboles o los tallos de hierba. En suma, es una delicia para un animador (y también para quien no lo es) contemplar y saborear todas y cada una de las escenas, donde también el acting está maravillosamente conseguido, como en esa secuencia del baile, donde la patosa Anna trata de seguir a su amiga y se forja una fuerte amistad.

Si Hayao Miyazaki e Isao Takahata se despidieron con "El Viento se Levanta" y "El Cuento de la Princesa Kaguya" respectivamente, la última película de su estudio, realizada sin su intervención, demuestra que la continuidad de Ghibli aún es posible sin perder un ápice de la calidad de sus películas.
El largometraje ha conseguido alzarse con un premio a la Mejor Película de Animación en los Festivales de Seattle y Toronto y ha sido nominada a los Asia Pacific Screen Awards y a los Oscar.

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El Cuento de la Princesa Kaguya

Con notable retraso respecto a su fecha de estreno (2013), pero bajo la óptica de que "nunca es tarde si la dicha es buena", Vértigo Films nos regala por fin el estreno en cines de "El Cuento de la Princesa Kaguya" (Kaguya-Hime no Monogatari), la última película dirigida por Isao Takahata en Studio Ghibli - del que fue cofundador -, tras ocho años de planificación y producción, pero cuyo proyecto ya había surgido hace 55 años en la cabeza del director Tomu Uchida cuando Isao Takahata se encontraba en Toei Animation.

Basada en "El Cuento del Cortador de Bambú", una narración del siglo X considerada como el primer documento que se conserva de texto en prosa en japonés, "El Cuento de la Princesa Kaguya" narra la historia de una pequeña niña que, hallada dentro de un brillante tallo de bambú, es adoptada por un campesino y su esposa y se convierte rápidamente en una joven y hermosa dama que, desde el campo a la gran ciudad, cautivará a todos los que la conocen, entre ellos cinco nobles pretendientes y el emperador de Japón, pero cuyo destino está mucho más lejos de ser una princesa.
Combinando elementos trágicos y cómicos, la historia nos muestra a una niña que crece - algo más rápido de lo normal - en un entorno natural bellísimo y acompañada de los amigos que conviven con ella en el campo, ajena a su destino, hasta que su padre adoptivo decide que tiene el deber de convertirla en princesa y se la lleva a la capital, donde será educada como una noble para casarla con algún personaje de alta cuna; poco dispuesta a someterse al nuevo estilo de vida que se le propone, Kaguya nos recuerda en cierto modo a la Penélope de "La Odisea" cuando promete casarse sólo con aquél que consiga traerle una prueba de amor verdadero, lo que lleva a algunas de las secuencias más divertidas del largometraje. En ese tiempo, sin embargo, la princesa se verá confrontada a menudo a la cuestión de su identidad, o de quién quiere ser, en los tramos más emotivos y trágicos de la película. "El Cuento de la Princesa Kaguya" se convierte así en una reflexión sobre la temporalidad y la importancia de disfrutar del mundo en el que vivimos mientras decidimos quién queremos ser y qué queremos para los demás: no es una cuestión fácil, pues a menudo son otros los que quieren decirle uno quién debe ser, sean sus padres - que movidos por su amor quieren lo mejor, aunque a veces ello les impida ver lo que realmente desea el corazón de su hijo o hija -, o nuestros tutores - como la obstinada lady Sagami de la película, e incluso puede ser que si no nos damos cuenta a tiempo, sea el destino quien decida.
Visualmente la película de Takahata es una maravilla: los momentos más bellos de la animación son aquellos en que el arte se rinde al movimiento y da la impresión de verse obligado a seguirlo casi sin poder alcanzarlo, en preciosos planos donde la animación se muestra en bruto (como la escapada de la fiesta del nombre, o la danza bajo el cerezo en flor...); son estas secuencias momentos en los que uno puede paladear una sublimación de la verdadera magia de la animación.

Y en los momentos más calmados nos golpea la belleza de las acuarelas de los fondos, donde poesía y detalle se muestran a veces incluso de forma estática, como en las preciosas láminas en tinta y acuarela de la tradición pictórica japonesa. Por cierto, para "El Cuento de la Princesa Kaguya" Isao Takahata quería probar algo diferente, y en lugar de animar los personajes separadamente de los fondos como se suele hacer en la animación tradicional, sobre todo para cine, quiso que se animara con fondos y personajes unidos para producir la impresión de una imagen completa en movimiento. El resultado es simplemente magistral.

El estilo del diseño se aleja del de las primeras películas de Isao Takahata en Studio Ghibli y es más próximo al de "Mis Vecinos los Yamada" (1999) sin llegar a estar tan caricaturizado: el dibujo y los personajes tienen un diseño sencillo, a veces sin rostro, puesto al servicio de la historia y de la viveza de la animación y mostrando en todo momento el pálpito vivo del trazo.
No os la perdáis en cines, porque lamentablemente estas películas no suelen durar mucho en la gran pantalla, a pesar de su sobresaliente calidad.

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El Viaje de Arlo en DVD y Blu-Ray

Desde el próximo 30 de marzo estará disponible "EL VIAJE DE ARLO" en DVD, Blu-ray, Blu-ray 3D y Edición Caja Metálica.

De las ingeniosas mentes de Disney-Pixar llega una conmovedora aventura dirigida por Peter Sohn sobre el poder de enfrentarnos a nuestros miedos, superarlos y descubrir cuál es nuestro destino. "El Viaje De Arlo" se hace la vieja pregunta: ¿Qué hubiera pasado si nunca se hubieran extinguido los dinosaurios? En este épico viaje por el mundo de los dinosaurios un pequeño Apatosaurus llamado Arlo se hace amigo de un niño humano, Spot. Mientras viajan a través de duros y misteriosos paisajes, Arlo aprende lo importante que es enfrentarse a sus miedos y descubre de lo que es realmente capaz.
Todas las ediciones incluyen el corto “Sanjay’s Super Team”, dirigido por Sanjay Pattel, que cuenta una historia con un trasfondo autobiográfico: Sanjay únicamente piensa en los dibujos animados y los cómics, mientras que su padre intenta enseñarle la cultura hindú. El aburrimiento y la desgana, rápidamente se convierten en una impresionante aventura en la que Sanjay nunca imaginó embarcarse, consiguiendo una perspectiva en la que la cultura hindú y los cómics se abrazan.
Con la excepción del DVD, el resto de ediciones: Blu-ray, Blu-ray 3D y Edición Caja Metálica, incluyen otros clips con contenidos exclusivos:

• “Las verdades deformadas de los dinosaurios” (01 min 54 seg)  Sabemos que es descabellado pensar que un Apatosaurio habla castellano; por eso, se propone aprender más acerca de lo que separa a los dinosaurios reales de los de la ficción en “El Viaje de Arlo”.

• “Reciclosaurio” (06 min 39 seg) Pixar se toma la competición creativa muy en serio… Mira cómo el equipo de “El Viaje de Arlo” compite para ver qué departamento puede conseguir el mejor dinosaurio, utilizando los elementos desechados del estudio.

• “El viaje de los cineastas” (07 min 53 seg) Encontrar el camino desde una idea hasta la película final, requiere una investigación exhaustiva. El director, Peter Sohn, y sus compañeros, hablan de una experiencia desafiante, inspiradora e inesperadamente emocional.

• “Detalles del dinosaurio” (06 min 6 seg) Los realizadores hablan de los desafíos de “El Viaje de Arlo”, incluyendo el averiguar cómo animar un dinosaurio que en realidad es un niño y un niño que tiene el espíritu de un perro.

• “Siguiendo el rastro del Tiranosaurio Rex” (06 min 53 seg) Sigue a los realizadores a medida que viajan a conocer a los McKays, una familia muy unida cuya ética de trabajo, la generosidad e historias, inspiraron para la película.

• Escenas Eliminadas (10 min 36 seg) El director, Peter Sohn, presenta escenas que se desarrollaron para versiones anteriores de “El Viaje de Arlo”:
1. Introducción General (TRT: 0:37)
2. El Ataque (TRT: 2:28 / Intro: 0:24 / DS: 2:04)
3. Construyendo El Silo (TRT: 4:30 / Intro: 0:38 / DS: 3:52)
4. Esperando a Papá (TRT: 3:07 / Intro: 0:47 / DS: 2:20)

• Comentarios del Director (01 min 34 seg)

• “Mordedura de Dinosaurio” (04 min 15 seg) Montaje de piezas de animación originales para promocionar “El Viaje de Arlo”.

• “El Escondite” (53 seg) Un corto animado para promocionar “El Viaje de Arlo”.  

El lanzamiento del DVD/Blu-Ray de "El Viaje de Arlo" estuvo en lo alto de los top ten de películas más vendidas en los EEUU durante mucho tiempo, con lo que se hacía justicia a una película muy notable de Pixar, innovadora en su enfoque de la historia y sorprendente a nivel de desarrollo visual. Podéis leer la crítica que se hizo con ocasión de su estreno en cines en este enlace.

Ficha técnica:
Título Original: The Good Dinosaur
Año: 2015
País: EEUU
Director: Peter Sohn
Guión: Bob Peterson, Peter Sohn, Erik Benson, Meg LeFauve y Kelsey Mann
Música: Jeff y Mychael Danna
Productora: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures
Presupuesto: 200 millones de dólares

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La nueva autoría estuvo convocada en el Mecal

Durante la primera semana del Festival Mecal que se está celebrando estos días en Barcelona se desarrollaron dos acontecimientos  - realizados ambos en colaboración con el Mercado 3DWire - con especial interés para la nueva autoría de los dibujos animados. Por una parte, la Mesa Redonda sobre Proyectos Formativos Innovadores de Animación y Videojuegos en Europa que tuvo lugar el jueves 10 de marzo; y por otra, la primera edición de la competición de cortometrajes de animación 'Plançó' abierta a los estudiantes de las escuelas de Cataluña, cuyos ganadores se conocieron el sábado 12 de marzo.
Por lo que respecta a la cita del jueves, dos aspectos en general me parecieron destacables: uno, que a diferencia de lo que ocurría hace unos años (y sigue ocurriendo en algunas escuelas) nos encontramos con inciativas de formación cuyo objetivo principal no es hacerse con los escasos recursos económicos del aspirante a animador, sino - bien al contrario - apoyarle con todo lo que necesite para llevar adelante su proyecto; y otro, que se trata de iniciativas abiertas a cualquier animador (o diseñador de videojuegos) sin importar su país de origen.
Entrando al detalle, tres fueron las iniciativas de formación que se presentaron en la mesa redonda:

• Jana Karlikova habló de Stugan, una organización sueca sin ánimo de lucro creada por veteranos desarrolladores de videojuegos con el objetivo de ofrecer a los nuevos talentos una plataforma de apoyo desde donde llevar a cabo sus proyectos. Stugan ofrece ofrece un programa de verano (estrenado el año pasado) consistente en dar a los desarrolladores individuales o pequeños equipos de hasta 3 personas que son seleccionados la oportunidad de pasar ocho semanas con los gastos cubiertos en una cabaña ubicada en un bucólico lugar en los bosques y alejada del mundanal ruido, para centrarse en el desarrollo de sus ideas para videojuegos con el apoyo de veteranos desarrolladores escandinavos o internacionales (Jens Bergensten, desarrollador jefe de Minecraft; Oskar Burman, director general de Rovio Stockholm; o Alexander Ekvall, que fue supervisor de producción de Candy Crush Saga; entre otros). Para postularse por el programa, basta con enviar un pitch en video junto a un resumen escrito presentándose y exponiendo los objetivos a conseguir en Stugan, y... esperar a ser seleccionado/a. Entre los seleccionados del año pasado estuvo el proyecto " "Cerulean Moon" del madrileño Nachobeard. Podéis conocer más sobre el proyecto en su website.

• Guadalupe Arensburg presentó el programa Bridging The Gap - Animation Lab, que abre también su segundo año. El programa fue una iniciativa de la propia Guadalupe Arensburg, que tras una veintena de años como directora del departamento de adquisición de cortometrajes de CANAL + España (hoy Movistar+) y habiendo adquirido una amplia formación en cuanto a la producción de contenidos animados y el propio funcionamiento de la industria de la animación, quiso asumir la responsabilidad de transmitir todo ese conocimiento a los aspirantes a animadores; para ello encontró la complicidad de José Luis Farias, director del Mercado 3DWire y co-director del proyecto Bridging the Gap, y el apoyo de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo y la colaboración de varias entidades. Con el propósito de generar conocimiento y crear redes internacionales y de ser un puente entre el proceso de formación y la industria, el programa se dirige a jóvenes profesionales o estudiantes con conocimientos avanzados de animación que tengan algún proyecto de serie, cortometraje o largometraje de animación en desarrollo, y les ofrece un taller intensivo de cinco días - en muchos casos cubierto con becas - en la Escuela Barreira Animación de Valencia, donde varios expertos (como Shamik Majumdar de Disney, Guillermo García Carsí, Manuel Cristóbal...) dan seminarios sobre creación de personajes, producción ejecutiva, mercados internacionales, distribución, etc. junto con sesiones de tutoría individual, de forma que al final puedan hacer un pitch profesional de su proyecto. El año pasado participaron diez proyectos internacionales y ya está abierta la convocatoria para la edición de este año, cuyos detalles podéis consultar en su website.

• Por último, Morten Thorning , director de The Animation Workshop, describió el trabajo de su escuela, el más veterano de los proyectos presentados. The Animation Workshop se describe como un centro internacional para el conocimiento y el desarrollo de las profesiones e industrias ligadas a la animación, en cuyo seno se ofrecen múltiples grados (Animación de Personajes, Artes Gráficas por Ordenador y Narración Gráfica) y cursos especializados. Asimismo The Animation Workshop alberga un centro de desarrollo de talento y producción de animación, videojuegos y proyectos transmedia llamado "Open Workshop", que cuenta con el apoyo del Danish Film Institute y el municipio de Viborg; el centro facilita el entorno, las instalaciones y los materiales y equipo necesarios, e incluso parte de la financiación, para desarrollar los proyectos, funcionando como una residencia artística donde profesionales y nuevos talentos de Dinamarca (y en algunos casos del extranjero) pueden pasar un tiempo trabajando en sus creaciones, teniendo además acceso a la asesoría por parte de profesionales experimentados, talleres, master classes, y preparación para preparar pitchings. Podéis consultar todos los detalles en su extenso website.

En cuanto a la competición de cortos 'Plançó', se trata de la primera convocatoria de estas características dirigida a los estudiantes de animación de Cataluña, en una iniciativa organizada junto con el Mercado 3DWire, que premió a los ganadores con la cobertura de los gastos de viaje, alojamiento, manutención y acreditación para una persona para la próxima edición del 3D Wire. Un total de 9 trabajos resultaron finalistas y se proyectaron ante el público asistente, que eligió a los ganadores con sus votaciones. Los trabajos finalistas fueron:

• La Semilla de lo Posible, de Olga Delhi (BAU). Un precioso corto en stop motion con puppets y arcilla que apela al surgimiento de la vida, en una danza final ejecutada de forma muy competente.

• Lost Life, de Arnau Gallén Millán (EASD Pau Gargallo). Un trabajo en animación tradicional realizado a lo largo de 3 meses que se desarrolla en torno a una historia trágica.

• Azul, de Lula Gómez y Jordi Piulachs (La Academia de Animación). Dirigido por los directores de la escuela y animado por los alumnos, es una historia en stop motion sobre el derecho a la diferencia.

• La mujer que saltaba de planeta en planeta, de Dariana Alvarado González y Joan Pol Climent (BAU). Otro corto en stop motion protagonizado por una saltarina dama.

• Tales of the Black Eon - CAOS, de Toni García, Iván Rubio y Xavi Cuadrado (EASD Serra i Abella). Se trata de un fake teaser en 3D para un videojuego de violencia ambientado en una era apocalíptica.

• Dublin Bits, de Suzie Bergeron (ECIB). Una secuenciación en 2D de los paisajes de Dublín mostrados como fondos animados.

• Touched, de Cristina Guisado y Ludwig Camarillo (BAU). Nuevamente un corto en stop motion con arcilla donde los protagonistas se quedan pegados por contacto.

• Maisha, de Lula Gómez y Jordi Piulachs (La Academia de Animación). Se trata de un corto en stop motion de bella factura realizado por los alumnos de Lula Gómez del año pasado, en que una mujer se despierta con sorprendentes poderes sobre la naturaleza.

• Corto Milenio, de Jonatan Arroyo, Daniel Pérez, Anna-V Teixidó, Alba Borrell, Laura Rodríguez, José Manuel Castell, Albert López, Irene Pizarro, Mary Grace Llagan, Cristian Navarro y Nil Ferrándiz (EASD Serra i Abella). Este grupo nos presenta una parodia en stop motion del famoso programa Cuarto Milenio, en un episodio protagonizado por extraterrestres y toques de humor ligero.

El corto que resultó ganador por votación del público fue "Tales of the Black Eon - CAOS" de Toni García, Iván Rubio y Xavi Cuadrado. Uno de ellos irá pues en representación de las escuelas catalanas a 3DWire como resultado de una excelente iniciativa de Mecal y 3DWire a la que deseamos continuidad.

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