Tras ocho meses de intenso trabajo, el pasado viernes 10 de octubre tenía lugar en la Comic Con de Nueva York el estreno del proyecto personal en que Juanjo Guarnido, uno de nuestros artistas más conocidos en el medio del cómic, había estado trabajando últimamente. Se trata del videoclip en animación 2D creado para la composición "Freak of the Week" del grupo Freak Kitchen, que esta semana empezamos a ver en la red.
Juanjo Guarnido es conocido por ser el artista responsable de la afamada serie de cómics "Blacksad" - triple ganadora de los premios Eisner, Harvey y de Angoulême, así como
de seis premios del Salón Internacional del Cómic de Barcelona - en cuyas viñetas refleja su indiscutible calidad artística, pero antes de llegar a esta fase había estado trabajando durante diez años como animador en los estudios Disney ("El Jorobado de Notre Dame", "Hércules", "Tarzan", "Atlantis"), acumulando una importante experiencia y talento que se vieron reflejados en sus cómics y que le han llevado a hacerse cargo del proyecto que nos ocupa.
El clip musical fue diseñado por el propio Guarnido, que era fan del grupo sueco Freak Kitchen desde hacía largo tiempo y les propuso la colaboración. Para realizarlo reunió a un gran equipo de animadores provenientes de grandes estudios como Dreamworks y Disney, y se asoció con el estudio parisino de producción 3D Fortiche Prod. ("Kung Fu Panda", Gorillaz). El proyecto se dio a conocer en una campaña en Kickstarter y logró recaudar bastante más de lo solicitado.
El video clip resultante es una combinación de imágenes reales con animación, en que los miembros del grupo musical (animados en 2D) tocan sobre un escenario generado en 3D muy bien integrado con la animación. Los personajes están dibujados con un trazado que parece querer resaltar su carácter artesanal, quizás por el background de ilustrador de Guarnido y la intención de mostrar que cada uno de los fotogramas ha sido dibujado a mano, y la animación es todo un ejemplo de buena full animation tradicional a disfrutar.
Quizás se anime Juanjo Guarnido a partir de este proyecto a incursionar nuevamente en proyectos de animación de igual calidad.
Como complemento del vídeo, Juanjo Guarnido y su equipo están trabajando en un artbook titulado "Freaky Project", que nos mostrará el proceso de realización del proyecto, con bocetos, storyboards y material de producción.
Tal día como hoy, un 28 de octubre de hace 122 años, el inventor Charles-Émile Reynaud (8/12/1844 – 9/1/1918), creador del Praxinoscopio en 1877 y de su evolución, el Teatro Óptico, en 1888, se servía de este mecanismo para proyectar por primera vez en público unos dibujos animados; se trataba del conjunto de películas "Pauvre Pierrot", "Un Bon Bock" y "Le Clown et Ses Chiens" estrenado en el Musée Prévin de París, y que iniciaba la serie "Pantomimes Lumineuses" que se proyectaría entre 1892 y 1900.
El mecanismo consistía en unas placas de cristal individualmente ilustradas por Reynaud mismo que se adherían a unas cintas flexibles, conectadas a su vez mediante unas perforaciones uniformemente distribuidas a un eje que hacía circular las imágenes a una velocidad de 15 imágenes por segundo y permitiría proyectarlas con una linterna. Cada película constaba de unas 500 o 600 placas que daban lugar a una duración de unos 15 minutos.
A Reynaud le duró poco el éxito, que fue muy grande en su momento, puesto que ya en 1895 los hermanos Lumière le robaron el protagonismo con el Cinematógrafo, lo que llevó a Reynaud a la bancarrota. Su final sería trágico cuando, arruinado, acabó arrojando todo su equipo y parte de su trabajo al río Sena, y acabó en un hospicio en el que acabó muriendo nueve meses después de su ingreso.
La efeméride fue tomada como referencia a partir de 2002 por ASIFA (Association Internationale du Film d'Animation) para celebrar el Día Internacional de la Animación mediante eventos en países de todo el mundo consistentes en talleres, exhibiciones, exposiciones y similares organizadas por las instituciones y medios afines, con el fin de promover el arte de la animación.
ASIFA también encarga anualmente la creación de un poster para tal conmemoración a un artista de referencia, y así se han encargado de ello personalidades como Iouri Tcherenkov, Paul Driessen, Abi Feijo, Eric Ledune, Noureddin
Zarrinkelk, Michel Ocelot, Nina Paley, Raoul Servais, Ihab Shaker y
Gianluigi Toccafondo. El encargado para este año ha sido Koji Yamamura, ilustrador y realizador de animación conocido estar nominado al Oscar y por llevarse el premio de Annecy por "Mount Head" en 2003, y el Gran Premio del festival de Ottawa por la adaptación del "A Country Doctor" de Kafka, en 2007, entre otros grandes premios. Su poster parece claramente inspirado en el festejo que tiene lugar sobre la cabeza calva del personaje de su célebre "Mt. Head".
Que paséis un gran día de celebración, amigos de lo animado!
El pasado viernes 24 de octubre, el actor catalán Marc Clotet estuvo todo el día doblando al personaje adulto de Nobita para la versión en catalán de la película "Stand by Me Doraemon", que se estrenará en las pantallas de cine españolas el día 19 de diciembre, veinte años después de su llegada a las televisiones de la península. Alaska y Mario Vaquerizo prestan sus voces a los personajes adultos de Nobita y Shizuka para la versión en castellano.
La película, que se mantuvo número uno durante cinco semanas en la lista de las más vistas en Japón, donde fue estrenada el 8 de agosto coincidiendo con el 80º aniversario de Hiroshi Fujimoto, uno de los creadores del personaje, ya ha empezado su recorrido internacional y se prevé estrenarla en 57 países de Asia y Europa. Dirigida por Takashi Yamazaki y Ryuichi Yagi, es la película número 36 de la
franquicia Doraemon (la serie en televisión ya rebasa los 600 capítulos desde 1973) pero será la primera en llegar a los cines en la
mayoría de los mercados internacionales.
Se comenzó a producir tres años antes de su estreno e incorpora un buen número de avances tecnológicos que han permitido, por una parte, dotar a los personajes de movimientos extremadamente realistas y gran riqueza en las expresiones, y de otra, permitirá ver la imagen en 3D sin el uso de las molestas gafas.
En cuanto a la historia, y a pesar de la larga trayectoria de la franquicia, se vuelve a presentar el encuentro de los dos protagonistas, Nobita y el gato Doraemon: Nobita Nobi es un niño bastante patoso que un día recibe la visita del que afirma ser su tataranieto del siglo XXII, el cual le explica que ha ido a verle porque su futuro va a ser un desastre que arruinará a toda su familia durante generaciones; para evitar tal destino le prestará a su robot Doraemon para que le ayude.
Coincidiendo con el 60º aniversario de la producción de "Animal Farm", se ha anunciado una nueva publicación de la película en edición de lujo en forma de DVD y Blu-Ray, que saldrán al mercado el día 27 de octubre con la cinta restaurada y gran cantidad de extras. La adaptación de la novela homónima de George Orwell, terminada en 1954 por parte de la productora Halas and Batchelor, constituye el primer largometraje comercial de dibujos animados realizado en el Reino Unido, por lo que el aniversario constituye una perfecta excusa para revisar o ver por primera vez la magnífica cinta, que en su momento se estrenó a la sombra de las películas de Disney.
Nos permitiremos tomar el mencionado aniversario como excusa para hacernos la correspondiente pregunta: ¿Cuál fue el primer largometraje comercial de dibujos animados en España?
A pesar de que, ya desde 1906, Segundo de Chomón empezó a experimentar con la animación en sus cortometrajes, y que el primer cortometraje de dibujos animados realizado en España del que se tiene noticia fuera "El Toro Fenómeno" (1917) de Fernando Franco, editada por "Mosquito Films", no sería hasta 1943 en que comenzaría el rodaje del primer largometraje de dibujos animados, "Garbancito de la Mancha": con su cortometraje "El Capitán Tormentoso" (1942) bajo el brazo, el realizador valenciano Arturo Moreno había iniciado un peregrinaje por las productoras de la época a fin de venderlo, y así se encontró en Barcelona con el productor también valenciano José Mª Blay, que sin estar interesado en el corto (por ser poco rentable), le propuso realizar un largometraje de dibujos animados en color. Tras unos momentos de dudas, puesto que en plena postguerra no estaban a punto en España los elementos técnicos ni humanos para tal empresa, Moreno aceptaría la responsabilidad y montó un estudio en un edificio de dos plantas de la barriada barcelonesa de Vallcarca, al que dotaría de los medios técnicos necesarios (una truca y unos tableros de dibujo giratorios diseñados por el mismo Moreno). Con un plantel de 80 chicos y chicas, la mayoría de ellos noveles, se formaron dos plantillas, una para los trabajos de animación (60) y otra para dar color a los celuloides (20).
El guión elegido para la película se basaría en un cuento del poeta Julián Pemartín, escritor del Movimiento, titulado "Garbancito de la Mancha". A partir de ello Arturo Moreno se pondría manos a la obra creando gráficamente a los personajes descritos en la obra de Pemartín (Garbancito, su cabrita Peregrina, el gigante Caramanca, la bruja "Tía Pelocha", etc) y desarrollando los trabajos de storyboard. La producción discurriría entre varios contratiempos derivados de la Segunda Guerra Mundial, como la pérdida temporal de los celuloides por un bombardeo alemán y los temores de que los rollos enviados a revelar al Reino Unido sufrieran también algún bombardeo, y finalmente la película se estrenaría en el cine Fémina de Barcelona el día 23 de noviembre de 1945 y en el Palacio de la Música de Madrid el 13 de mayo de 1946. La producción resultó más cara (3.809.618 pesetas de la época) que una película de imagen real de aquel momento, pero todos los gastos se amortizaron sobradamente y "Garbancito de la Mancha" fue declarada de interés nacional y recibió el Premio del Sindicato Español del Espectáculo.
La historia se situaba en un pequeño pueblo castellano a las afueras del cual el huérfano Garbancito cuidaba a sus animales y trabajaba la huerta en una granja. Ahí los días de Garbancito transcurrían felices, levemente alterados por las gamberradas de los rufianes Pelanas, Manazas y Pajarón, hasta que un día sus amigos Chirili y Kiriki son secuestrados por el gigante Caramanca, y Garbancito decide salir en su ayuda. Finalmente Garbancito rescata a sus amigos de la guarida del gigante y de la bruja Pelocha con la ayuda de una espada mágica y la habilidad (regalo de las hadas) de convertirse en un pequeño garbanzo cuando es necesario y vuelve al pueblo convertido en un héroe.
El autor de la música de "Garbancito de la Mancha" fue el maestro Jacinto Guerrero, a pesar de las dudas de Moreno, que consideraba que siendo un magnífico compositor, el tipo de música de zarzuela en que estaba especializado no era el mejor para la película. Aquél sería impuesto por la productora y Moreno obtuvo como concesión la posibilidad de insertar una canción de Joaquín Bisbe, la canción de los gusanos, que fue de las mejores de la película. La grabación sonora se hizo en los estudios "La Voz de España" de Barcelona, cuyo equipo se trasladaría a la granja Cordellas de Cerdanyola del Vallès (entonces Sardañola), para grabar en vivo los sonidos propios de un corral con aves y otros animales.
Los personajes se dibujaron a plumilla con tinta china negra sobre los celuloides y se pintaban. Algunos fondos se realizaron en distintos planos que se movían a distintas velocidades para dar la ilusión de profundidad, en una versión de la cámara multi-plano utilizada por Disney, aunque técnicamente no era para nada comparable con las producciones norteamericanas, básicamente por las dificultades de no contar con la experiencia y medios de los estudios americanos, que ya llevaban años produciendo, y los problemas de la postguerra.
La crítica, sumamente elogiosa, pretendió en ocasiones dotar a la película de las ideas políticas del momento (curiosamente, "Animal Farm" de la que hemos empezando hablando, tampoco estuvo lejos del ideario político, puesto que fue financiada por la C.I.A. estadounidense para combatir la causa del comunismo durante la guerra fría), y aunque en realidad no las encarnaba como espíritu de la película, tampoco escapaba a ellas por el mismo momento en que fue realizada y por ser quien fue quien escribió el guión.
Arturo Moreno reconoció la influencia de las películas norteamericanas y especialmente de Disney, cuya sombra acompaña sobre todo la primera secuencia, que recuerda a las Silly Symphonies. Igualmente algunos observadores han destacado el extraordinario parecido con el estilo de Fleischer, a lo que el propio Moreno ha dicho al respecto que si en algo se le pareció sería sin querer, al pretender apartarse en algunos aspectos de la influencia de Disney, que él consideró su maestro.
No estaría mal que, aprovechando que nos acercamos al 70º aniversario de su estreno, se hiciera un lanzamiento editorial parecido al que se ha hecho para "Animal Farm", pero seguramente eso es mucho pedir; como mínimo, podríamos esperar que se proyecte en alguna televisión o festival de animación.
Para la redacción de este artículo han sido de gran ayuda las aportaciones a la historia de la animación española de José Mª Candel y María Manzanera.
Según nos informa el periodista Miguel Ángel Uriondo, Ilion Animation, la productora responsable de la animación de la inminente "Mortadelo y Filemón Contra Jimmy El Cachondo" y de la exitosa "Planet 51", ha firmado un acuerdo con Paramount Animation para realizarles una película que se estrenará en 2016, de la que no podemos dar detalles de título o guión por restricciones derivadas de la confidencialidad. En cualquier caso se tratará de un gran proyecto, con un presupuesto de unos 100 millones de dólares, que generará el empleo directo de 300 personas y el indirecto de un millar más, y llevará a Ilion a ocupar un edificio más y a convertirse en uno de los estudios de animación más importantes de Europa, según el responsable del estudio, Ignacio Pérez-Dolset. En palabras del mismo, el futuro de estudio podrá pasar a partir de este acuerdo por mantener dos líneas de producción, una con productos globales como el de Paramount, y otra con películas más pequeñas y de autor, como Mortadelo y Filemón.
Warner Bros ha anunciado hoy la creación de una división propia encargada de desarrollar y producir series para las plataformas digitales; bajo el nombre de Blue Ribbon Content se crearán mayoritariamente series en imagen real, pero hay también sitio para series de animación que protagonizarán los personajes de DC Comics.
Concretamente se prevé que en 2015 haga su debut en la plataforma Machinima la serie "Justice League: Gods and Monsters Chronicles" bajo la dirección de Bruce Timm (Batman: The Animated Series) y Alan Burnett, y basada en la película animada "Justice League: Gods and Monsters" (igualmente co-producida por ambos) que se estrenará también en 2015. Chronicles explorará una nueva realidad del universo DC en que Batman, Superman y Wonder Woman tendrán versiones algo más oscuras.
Igualmente, Blue Ribbon, en colaboración con Bruce Timm, iniciará una nueva aventura en el campo del entretenimiento basada en la realidad virtual, que permitirá visitar desde dentro la Batcueva de Batman: The Animated Series mediante videos holográficos. Ello deberá permitir a los fans de Batman experimentar la Batcueva como nunca antes, permitiéndoles sentir que están dentro del show mediante la Samsung Galaxy Gear VR, Oculus Rift y dispositivos futuros.
Hasbro Studios ha anunciado la creación de una nueva serie animada para su franquicia "Los Transformers" que se estrenará a lo largo del 2015 en Cartoon Network. Bajo el título de "Transformers: Robots in Disguise" nos encontraremos una nueva serie que, en palabras del presidente de Hasbro Studios, Stephen Davis, "estará llena de humor, diversión y aventura, y animada en un estilo más fresco, más ligero y más brillante que a los chicos les va a encantar" porque, según él, han estado "escuchando durante largo tiempo lo que a los chicos les gusta de Transformers".
La historia empezará con Bumblebee a punto de convertirse en un líder tras ser convocado por Optimus Prime para salvar la Tierra frente a una nueva facción de los Decepticons, para lo que reunirá a un joven equipo de Autobots. En tal trance, Bumblebee deberá encontrar la manera de combatir eficazmente a los Decepticons y formar y entrenar a su nuevo grupo, dando lugar a situaciones llenas de comicidad, acción y aventura en cada uno de los episodios.
Por otra parte, Hasbro repesca otra de sus franquicias más conocidas, "My Little Pony" (con cuatro series animadas hasta el momento), y anuncia que ha dado luz verde a una película animada que se estrenará en 2017 bajo la producción de Allspark Pictures, una nueva división de la compañía; de tal modo, Hasbro recupera las riendas de "My Little Pony" para producir desde dentro. Joe Ballarini ("Atlantis 7", "Lockdown at Franklin High", "Cardboard") estará a cargo del guión, y Megan McCarthy ("My Little Pony: Friendship is Magic") será co-productora ejecutiva.
Asimismo, Stephen Davis ha declarado que continuarán haciendo nuevas películas con sus estudios asociados para "G.I.Joe" (Paramount), "Monopoly" y "Candy Land" (Sony), mientras que hay otras películas, como es el caso de "My Little Pony" para las que prefieren tener el control de todos los aspectos.
El año pasado en Angoulème se anunciaba que la productora francesa Normaal Animation ("Tangerine and Cow", "Gaston", "Hello World") se había asociado con Peanuts Worlwide y France Television para producir 500 cortos animados de 90 segundos de duración adaptando las tiras cómicas de Charles Schulz, en una estrategia para crear nuevo contenido en torno a las aventuras de Charlie Browne, Snoopy y compañía y dárselo a conocer a nuevas generaciones de fans.
En su día pudimos ver uno de los capítulos ya realizados de la serie, que se estrenará el 9 de noviembre en France 3 y posteriormente en la Rai italiana, prolongándose su emisión en el 2015, en el 65 aniversario de las tiras cómicas.
Por lo que se pudo ver, la productora ha optado por realizar los capítulos en técnica 2D animada por ordenador, técnica que si bien es muy utilizada en las series animadas de televisión, al permitir tiempos de producción razonables y con menores costes, carece en muchas ocasiones de la calidad de la animación tradicional, como es el caso. A pesar de que la serie tiene aciertos como el acabado del color simulando acuarelas, y el respeto a la estética de las tiras cómicas, por otra parte la animación resulta pobre de forma patente en detalles como el movimiento de las piernas de los personajes, los giros y en general los intercalados, que se ven atropellados, y se acusa cierta falta de dinamismo.
Tras meses de silencio después de haber pasado por varios replanteamientos y alteraciones, sobre todo a partir de haber apartado del proyecto como director a Bob Peterson, la película "The Good Dinosaur" que Pixar prevé estrenar en noviembre del 2015 (tras el estreno de "Inside Out" en junio del mismo año), vuelve a tener director: será el que hasta entonces era co-director del mismo, Peter Sohn. Este fiel servidor de Pixar durante una década ya, ha estado implicado en títulos como "Los Increíbles", "Buscando a Nemo" y "Wall-E", dirigió el corto "Partly Cloudy" e incluso inspiró el personaje de Russell en "Up"; y desde luego reúne el talento necesario para hacerse cargo del proyecto y realiza un paso de gigante al colocarse como director de su primer largometraje.
En el siguiente vídeo, el nuevo y flamante director nos presenta al protagonista de la película:
Si bien Pixar anunció que el guión iba a ser replanteado, no han surgido nuevas indicaciones sobre la historia. Originalmente la película iba a partir de cómo sería la Tierra si el meteorito que acabó con los dinosaurios no hubiera alcanzado finalmente a nuestro planeta, y los dinosaurios vivieran felizmente junto a los humanos. Es de esperar que se mantenga este punto de partida y que lo que finalmente haya cambiado sea el desarrollo del guión.
Ayer Disney hacía el siguiente anuncio oficial: "Estamos encantados de anunciar la que será nuestra 56ª película, "Moana" ! Los aclamados directores Ron Clements y John Musker ("La Sirenita", "Aladino") dirigirán esta película de aventuras y comedia animada por ordenador, que llegará a las pantallas a finales del 2016".
El estreno de la nueva película (que en principio se esperaba para el 2018) se situará pues hacia noviembre del 2016, después de "Zootopia" que se espera para marzo de ese mismo año, y desplazando a "Giants" al 2017.
Disney avanzó también cual sería la historia: "En el antiguo mundo de Oceanía en el Pacífico Sur, Moana, una navegante nata, se embarca en busca de una isla de fábula. Durante su increíble viaje, se alía con su héroe, el legendario semidios Maui, para atravesar el vasto océano en un viaje rebosante de acción, con encuentros con enormes criaturas del mar, increíbles submundos y folklore antiguo". Moana Wailaki, la princesa polinesia protagonista, nacida en una familia con seis hermanos, es descrita por John Musker como una heroína indomable, apasionada y soñadora, con una conexión única con el mismo océano; en suma, el tipo de personaje con el que el público se puede sentir identificado, que no duda en embarcarse hacia lo desconocido para ayudar a su familia.
Se espera que la nueva película sea un musical (con composiciones de Mark Mancina), al estilo de "Frozen", la reciente película con princesa como protagonista y escenas musicales que tanto éxito cosechó. Y de hecho se especula con que seguramente Disney ha avanzado la fecha de producción de "Moana" con la idea de aprovechar el éxito del formato que tan buena acogida tuvo con "Frozen".
En cuanto a la técnica de animación, se tratará de una película por ordenador con aspecto de dibujo tradicional, muy pictórico y colorista, siendo pues la primera película de este tipo que Clements y Musker dirigen para Disney. Sin embargo, aunque se ha rumoreado que se va a aplicar la misma técnica explorada en "Paperman" y ya utilizada definitivamente en "Feast", según Musker todavía es demasiado pronto para aplicar esa técnica híbrida, que todavía tiene puntos por perfeccionar, a un largometraje. En todo caso, por lo que hemos podido ver en el arte que se está anticipando, se va a parecer bastante.
Hace poco se dio a conocer cual sería el próximo corto de Disney, "Feast", que va a acompañar el estreno de la esperada "Big Hero 6", y ya suena como serio candidato a llevarse un Oscar.
En el corto vamos a conocer a Winston, un adorable terrier lleno de energía al que le encanta la comida, y bajo cuyo punto de vista seguiremos sus encuentros culinarios a lo largo de los años junto a su dueño James, con el que ha disfrutado de una gastronómicamente suntuosa vida hasta la aparición de su novia Kirby.
Por lo que hemos podido ver hasta ahora en el trailer, la historia está narrada desde el punto de vista del cachorro, lo cual condiciona la profundidad de campo de las escenas y la perspectiva, dotada de ángulos bajos, hasta el punto en que son incluso más evidentes las partículas en suspensión sobre el suelo.
El corto significa un gran paso adelante para su director Patrick Osborne, jefe de animación del oscarizado "Paperman" y de "Get a Horse!", y jefe de animación en "Big Hero 6" junto a Zach Parrish, que dirige para Disney su primer cortometraje, en lo que él define como una oportunidad y un privilegio. Realizado mediante una combinación de dibujo tradicional y animación por ordenador, incorpora una técnica creada por Osborne y Jeff Turley (director de arte en "Tiana y el Sapo", "Paperman") para aplicar un estilo de dibujo lineal a imágenes en movimiento generadas por ordenador, ya ensayada en "Paperman".
Junto a Patrick Osborne y Jeff Turley, han trabajado en el corto Josh Staub ("Rompe Ralph", "Paperman", "Frozen: El Reino del Hielo") como supervisor de Efectos Visuales, Brian Scott ("Lluvia de Albóndigas", "Frozen: El Reino del Hielo","Hotel Transylvania") como Jefe de animación de personajes, y Marlon West como Jefe de efectos de animación.
En el marco de las Jornadas Anima't que se están celebrando en Barcelona con el ánimo de reunir por segundo año consecutivo a todos los implicados en el sector de las producciones animadas, hoy hemos tenido el placer de contar con la presencia de Javier Fesser (director), Luis Manso (productor) y Víctor Monigote (director artístico), que se han acercado al foro para contarnos su experiencia en la realización del largometraje en 3D "Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo", a estrenar el día 28 de noviembre.
Siendo ésta la primera experiencia en el campo de la animación de los ponentes, todo parece indicar que la han pasado exitosamente. Según Javier Fesser, tras las dos películas anteriores sobre los personajes de Ibáñez, querían hacer una película de animación para estar más próximos al espíritu de los tebeos, aprovechando todo el bagaje de su creador, y para experimentar las posibilidades de este medio. Directamente se plantearon hacerla en 3D porque a pesar de estar haciendo animación, querían darle un toque realista, en el que pareciera que los personajes viven y se mueven en un entorno real y se pueden tocar.
Según Fesser "cuando te aproximas a la animación crees que todo se puede hacer, y la primera lección es que no siempre es así"; el director se quería referir a que en muchos casos, las ideas iniciales tuvieron que repensarse porque disparaban los costes en tiempo de render o se salían del presupuesto, con lo que había que dar con soluciones imaginativas. De hecho, la película ha presentado multitud de retos, como la dificultad de reinterpretar los dibujos en 2 dimensiones para plantearlos en 3D, en que van a verse desde todos los puntos de vista; tarea esta en la que Víctor Monigotes, el diseñador de personajes y atrezzo, storyboarder y director artístico de la película se empleó a fondo. También había que plantearse cómo andarían unos personajes a los que nunca se había visto andar fuera de sus páginas, o qué hacer con la enorme nariz de Mortadelo para que no se viera desproporcionadamente grande en los planos de gran angular que tanto le gustan a Javier.
Diseños preliminares de Filemón
También nos han explicado los retos a los que se ha tenido que enfrentar Miguel Pablos, director de fotografía, para iluminar correctamente las escenas. A veces eran tantas las luces en una escena que los tiempos de render que serían necesarios las hacían inviables, de forma que había que buscar soluciones menos costosas pero igual de efectivas con menos luces.
Igualmente, en el apartado de las voces, en los cástings se buscó especialmente que no sólo las voces de cada personaje individualmente funcionaran bien, sino que la química entre las voces de los personajes interactuando entre sí fuera perfecta.
"Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo" se basa en un guión original, pero es inevitable que éste esté empapado de la visión de Ibáñez y que beba de muchos de sus gags, siendo como es que el autor lleva muchísimos años poniendo al dúo en infinidad de situaciones (de hecho el equipo le pasó el guión a Ibáñez y éste respondió encantado devolviendo su propio álbum dibujado).
Hemos tenido el privilegio de ver un montaje con las animáticas y las pruebas de render e iluminación de algunas escenas, así como acabados finales, y se puede afirmar que el respeto por la obra de Ibáñez es incuestionable, y tendremos ocasión de ver en la película todos los detalles que pueblan las páginas del dúo de detectives y revisitar todos aquellos gags que son lugar común en las historietas (el cambiazo, los disfraces, los chichones, etc).
Los tres ponentes no se atreven a afirmar si habrá más películas de animación después de esta, sin antes ver cual será la acogida que tendrá entre el público, pero sí que afirman que les gustaría hacer una secuela y que en todo caso están muy contentos de su experiencia con la animación. Tanto es así que van a seguir utilizando las animáticas, herramienta propia de las producciones animadas, para plantear escenas en sus películas de imagen real, puesto que permiten ver rápidamente si una escena funciona.
Esperamos pues con ganas que llegue el día del estreno para visionar, y si hace falta, volver a ver, la genial película de nuestros queridos detectives.
BRB Internacional, compañía catalana con más de 40 años de experiencia en la producción y distribución de series de animación, con obras que han dado la vuelta al mundo como David el Gnomo, D'Artacan o Willy Fog, acaba de cerrar en MIPCOM un acuerdo con Vme Media, el canal de televisión que emite en EEUU exclusivamente en español, para hacer llegar sus series a la audiencia de habla hispana en territorio norteamericano. Concretamente, Vme Media emitirá las producciones Bernard, Mica, Zoobabu y Kambu, en el marco de un acuerdo a largo plazo que contempla ir incorporando más series.
En recientes artículos hablábamos de los proyectos "Firestorm" de Jamie Anderson, y "Hullabaloo" de James López, que habían encontrado la financiación que necesitaban mediante conocidas plataformas de crowfunding. Siendo Kickstarter e Indiegogo las principales, hoy se cuentan varias plataformas - entre las cuales Patreon, que se ha fijado en la posibilidad de financiar series, mediante pequeñas donaciones periódicas - que ofrecen un trampolín de inicio para toda serie de proyectos, entre ellos la realización de producciones animadas. Normalmente se busca la complicidad del posible benefactor mediante diferentes opciones de donación, de más pequeñas a más altas, a las que se corresponde con diferentes tipos de recompensa que van desde wallpapers, ilustraciones relacionadas con el proyecto, screenings o dvds, pasando por material de la producción, hasta la posibilidad de asistir al estreno, visitar el estudio o ser parte de la película. A través de estas plataformas, muchas producciones han conseguido la cantidad de dinero que necesitaban y en ocasiones incluso lo recaudado ha doblado o triplicado la cifra planteada; mientras que en otras ocasiones, el proyecto no ha llegado a obtener la cifra deseada.
Hace poco se ha dado a conocer que ya está bastante avanzada la producción del último proyecto de Ralph Bakshi (director de grandes y reconocidas producciones como "Fritz the Cat", "Coonskin", "El Señor de los Anillos", "Hielo y Fuego" o "Cool World", entre otras), que también estuvo sometido a una campaña de financiación a través de Kickstarter con la que obtuvo un poco más de lo solicitado: 174.195$ sobre 165.000$. "Last Days of Coney Island" será una película animada de horror sobre policías y mafia ambientada en la Coney Island de los 60, planteada como una serie de cortos, cada uno de ellos como una historia completa, en que un detective y la prostituta a la que ama se ven confrontados con todos los maleantes que asolan las calles de Nueva York. Hace pocos días, Bakshi anunciaba que ya está finalizada la primera fase de animaciones e intercalaciones de toda la película y que casi está completado el color, de modo que sólo falta trabajar los fondos, añadir animaciones extra y pulir los flecos.
Por otra parte, hablamos de un proyecto que quiere ser pero al que le quedan pocos días para finalizar la campaña sin que haya conseguido acercarse a la cifra planteada, lo cual es una pena porque parece un proyecto interesante al que no le faltan profesionales conocidos y con experiencia. Hablamos de "Pooch Proposal", un proyecto de animación stopmotion detrás del cual está Animation Toolkit, con Westley Wood como director; Wood lleva 15 años trabajando en torno a la industria de la animación, desde sus inicios como constructor de muñecos en Mackinnon and Saunders, hasta la fundación de la compañía Animation Toolkit, que produce y proporciona multitud de armaduras y materiales de animación para la industria y los estudiantes, y ahora se atreve con la producción de "Pooch Proposal".
La historia de la película se centra en Stephen, que buscará un modo de pedir la mano a su novia Jane a pesar de todos los tropiezos y sabotajes que le planta el perro de ésta, no contento con tener que compartir las atenciones de su ama. Detrás de este proyecto están grandes nombres de la industria procedentes de Aardman, Disney, Warner Brothers, Nickelodeon, CITV y CBBC, que vienen de trabajar en producciones como "La Novia Cadáver", "Frankenweenie", "Fantástico Mr. Fox", "El Conde Duckula", "Looney Tunes" y "Piratas del Caribe". Como jefe de animación cuentan con Tim Allen, el conocido animador especializado en stop motion.
Y sin embargo, el proyecto necesita 26.000 Libras y a 6 días de cerrarse la campaña tan solo ha obtenido 5.483 Libras. Entre las recompensas no faltan opciones atractivas, como la posibilidad de recibir una armadura para animar en stop motion, o incluso visitar el estudio y animar alguna escena bajo la supervisión de Tim Allen o conseguir aparecer en la película encarnado en uno de los personajes secundarios. Los que estéis interesados en hacerla posible aún estáis a tiempo de visitar el enlace y hacer vuestra aportación.
Aardman Animations anunciaba ayer que van a producir un especial en stop-motion, de media hora de duración, para su famoso personaje "Shaun The Sheep" que se estrenará en BBC One en Navidades de 2015 y después se emitirá en todos los canales asociados al estudio. Va a ser el primer especial de larga duración para televisión que se dedica al personaje, aunque éste ya va a contar con un largometraje ("Shaun The Sheep The Movie") cuya producción está llegando a su fin y que se va a estrenar en cines en Febrero próximo.
La serie de Shaun The Sheep nació como un spin-off de un episodio de Wallace and Gromit ("A Close Shave"). Centrada en las aventuras la oveja Shaun, que se erige en líder de su rebaño, con el permiso del perro guardián Blitzer, acumula ya 130 episodios y va por su quinta temporada.
Aunque vaya a lanzarse en Navidades, el especial no parece que vaya a ser especialmente navideño: titulado "Shaun The Sheep - The Farmers Llamas", relatará cómo el Granjero acaba comprando unas llamas por un lío en el que le ha metido Shaun, preocupado por añadir algún aliciente a la aburrida vida del rebaño. Sin embargo, lo que parecía que iba a ser divertido se complicará cuando las llamas empiecen a ponerse cómodas en su nuevo hogar e incluso pretendan instalarse en la casa del Granjero. Entonces Shaun deberá deshacer el entuerto.
Tendremos pues ocasión de disfrutar un poco más del slapstick y el buen humor que se hasta ahora se han hecho presentes en cada uno de los capítulos de siete minutos de nuestra querida oveja.
El célebre Bob el Constructor va a hacer fruncir el ceño a muchos niños y niñas con el nuevo aspecto que HIT Entertainment, la productora que realiza la serie para la BBC, tiene previsto otorgarle para adecuarlo a la era digital.
En efecto, al rechoncho paleta de Spring City se le verá en un futuro no muy lejano más joven, más alto y más esbelto, e incluso con un equipamiento acorde con los estándares de seguridad en la construcción. Incluso su voz va a cambiar en la serie original, puesto que esta vez quien va a hablar por él será Lee Ingleby ("Harry Potter").
En lo que Bob no va a cambiar va a ser en su carácter afable y amistoso, tal como promete el vicepresidente de HIT Entertainment, para quien en todo caso sí que encontraremos más humor.
El nuevo aspecto de Bob
También Wendy y en general todo el aspecto de la serie se van a actualizar. Veremos si los cambios gustan a nuestros pequeños...
DHX Media Ltd., una de las compañías punteras en la creación, producción, distribución y emisión de series de entretenimiento infantil, ha alcanzado muy recientemente un acuerdo con Sony Pictures Animation para llevar la franquicia "Lluvia de Albóndigas" a la televisión en forma de serie de 26 capítulos de 22 minutos de duración producidos mediante animación 2D tradicional.
La compañía DHX está detrás de la emisión de títulos tan conocidos como Caillou, Teletubbies, Inspector Gadget o Johnny Test, y es propietaria de los canales Family Channel, Disney Junior (Francia y Reino Unido) y Disney XD.
Tanto "Lluvia de Albóndigas" en el 2009, como su secuela "Lluvia de Albóndigas 2" en 2013 obtuvieron un gran éxito de crítica y público. La serie se va a situar en un punto cronológico anterior al de las dos películas, antes de que la lluvia de comida gigante transformara la ciudad de Swallow Falls, de modo que veremos a un Flint Lockwood preadolescente que está estudiando para ser un gran científico, y una Sam Sparks recién llegada a la ciudad pretendiendo ser una reportera famosa. Ambos coincidirán y afrontarán aventuras llenas de comicidad junto a otros personajes conocidos de las películas como el padre de Flint, Tim; el mono Steve; Manny, Brent, Earl y el alcalde Shelbourne.
Con ocasión de la próxima publicación el próximo 14 de octubre del Blu-Ray edición 3D de "Mr. Peabody & Sherman", uno de los éxitos del pasado invierno cuyos personajes empezaron siendo secundarios de Rocky y Bullwinkle desde su aparición en 1959, Dreamworks Animation recupera a la pareja de la ardilla y el alce para que acompañen esta vez a los personajes de la película en forma de cortometraje de 5 minutos que será un extra del Blu-Ray. Titulado "Another Fine Moose You've Gotten Me Into" o "The Man In The Iron Moose", ha sido escrito por Thomas Lennon y Robert Ben Garant ("Noche en el Museo") y dirigida por Gary Trousdale ("La Bella y la Bestia").
La historia se desarrollará en torno al enamoramiento fatal en el que Bullwinkle ha caído durante un crucero y las sospechas que este ligue levantará en Rocky, a quien extraña que la novia su amigo sea tan grave y rígida, casi robótica, así como que pueda disparar fuego por los ojos. Como no puede ser de otra manera, detrás de ello estarán el Amadísimo Líder y sus secuaces Natasha y Boris.
Dreamworks Animation ha lanzado un preview de dos minutos para que se nos vaya haciendo la boca agua.
Allá a finales de los años 50, Gerry Anderson (1929-2012) acuñó el término "Supermarionation" para referirse al proceso de animación de marionetas que estaba utilizando para la producción de la serie de aventuras "Four Feather Falls" para AP Films. El proceso consistía en controlar las marionetas mediante delgados cables unidos a sus cabezas que servían tanto para sujetarlas y controlar sus movimientos, como para enviar las señales a los solenoides que controlaban los ojos y los labios, dando lugar a una animación en tiempo real bastante realista. En cualquier caso, el debut oficial de la "Supermarionation" se produjo en la realización de la serie "Supercar".
"Supercar" (1960-1961)
El mismo proceso se utilizaría en "Fireball XL5" y en "Space Patrol" (producción ajena a Anderson realizada por ex-colaboradores suyos) y posteriormente en "Stingray" y en la famosa serie de culto "Thunderbirds" (estrenada en España en 1965 como "Guardianes del Espacio") que contaba las aventuras de la familia Tracy como miembros de Rescate Internacional, un equipo de rescate del futuro que operaba en todo el globo, e incluso en el espacio, a bordo de los Thunderbirds.
"Thunderbirds" (1965-1970)
Fue con ocasión de la producción de "Captain Scarlet and the Mysterons" (1967) que el proceso "Supermarionation" fue mejorado, al colocar los solenoides en el pecho de las marionetas en combinación con componentes miniaturizados, lo que permitía hacer cabezas más proporcionadas y dar por tanto a las marionetas una apariencia aún más realista.
En lo único en que no se conseguía dar realismo era en el movimiento de las piernas de las marionetas, por lo que éstas aparecían normalmente de pie o sentadas, o se mostraban planos de detalle en que sus manos realizaban alguna acción.
Gerry Anderson usaría de nuevo la "Supermarionation" en las películas "Thunderbirds Are GO" (1966) y "Thunderbird 6" (1967) y en las series "Joe 90" (1968) y "The Secret Service" (1969). Posteriormente otras producciones ajenas a Gerry Anderson utilizarían la Supermarionation: entre las más recientes, la serie "Super Adventure Team" (1998) de MTV y la película "Team America: World Police" (2004) de los responsables de "South Park" Trey Parker y Matt Stone.
Y este año, tras dos lustros desde el más reciente uso de la "Supermarionation" y dos años después de la muerte de su creador, su hijo pequeño, Jamie Anderson (responsable de mantener vivo el legado de su padre) ha lanzado el reto de recuperar un proyecto que Gerry Anderson había desarrollado bajo el título "Storm Force". El proyecto había sido comprado por la productora japonesa TransArts y desarrollado en forma de serie de animé bajo la dirección de Kenji Terada (Final Fantasy) con unos planteamientos alejados de la idea inicial de Anderson bajo el título de "Firestorm".
Manteniendo el título de "Firestorm" Jamie Anderson quiere recuperar el guión y la biblia inicial así como los elementos que eran esenciales en el proyecto de su padre: efectos reales, escenarios físicos, el uso de miniaturas y, por supuesto, las marionetas. Estas van a ser animadas mediante un proceso mejorado de "Supermarionation" que Jamie llama "Ultramarionation" al combinar los antiguos métodos con las tecnologías actuales.
La historia a desarrollar en "Firestorm" se situará en la Tierra en el año 2200, un momento en que las guerras y las crisis sociales o medioambientales han quedado superadas, pero donde la paz afronta la amenaza del grupo terrorista Orquídea Negra, frente al cual los gobiernos continentales opondrán la creación del grupo Storm Force.
Del diseño de los muñecos se ocupará el estudio Mackinnon&Saunders, de sobras conocido por su sobresaliente trayectoria en las producciones con muñecos (Postman Pat, La Novia Cadáver, Fantástico Mr. Fox, entre otros), aunque aquel se está realizando de acuerdo a la estética y las proporciones imaginadas por Gerry Anderson. Y precisamente mucha de la gente que trabajó con Gerry está ya en el equipo de producción, como Bill Pearson (diseñador de modelos), Mark Woollard y David Elliott (en la dirección), Andy Rolfe (decorados) y Nick Tate (voces), junto a otros grandes que aman el legado de Gerry Anderson.
El reto de Jamie era alcanzar los fondos para realizar un mini-episodio introductorio de 5-8 minutos, seguido de un episodio piloto de 22 minutos y una película inicial de 45 minutos, y ya los ha conseguido sobradamente, aunque aún se pueden aportar fondos al proyecto desde el siguiente enlace hasta el 2 de noviembre. Cuando todo esté hecho, Jamie cuenta con convencer a alguna de las grandes compañías para hacer una serie. ¡Seguro que lo consigue!
Al fin, aunque su estreno en España va a tener lugar a finales de octubre, hemos podido ver anticipadamente "Los Boxtrolls" en el Festival de Cine Fantástico de Cataluña. "Los Boxtrolls" se ofrecerá, como lamentablemente viene siendo habitual, en visionado 3D o plano, y digo lamentablemente porque opino que el sistema de visionado 3D aún no está suficientemente avanzado para disfrutar adecuadamente de todo lo que nos ofrece la película: las gafas 3D oscurecen los colores de tal forma que la belleza de los decorados no se ve en todo su esplendor, y aparte, el 3D no siempre es un recurso justificado. En todo caso, esto sería tema de discusión aparte y hoy vamos a hablar de la última película de Laika.
"Los Boxtrolls" es una adaptación al cine de animación stop-motion del cuento "Here Be Monsters" de Alan Snow. La película se emplaza en una ciudad post-victoriana, Puentequeso, en la que viven clases sociales bien diferenciadas, siendo la más privilegiada de ellas la de los sombreros blancos; y en el subsuelo de la ciudad viven los Boxtrolls, una especie de los trolls tímida y asustadiza que se viste con cajas de cartón y que por la noche suben a la ciudad para hacerse con todos los cachivaches de los que puedan apropiarse. Aparentemente es en una de esas salidas nocturnas que los Boxtrolls se llevan a un bebé humano a sus cavernas, lo que es motivo para que aumente el miedo y el desprecio que los humanos sienten hacia los Boxtrolls, y esos sentimientos serán aprovechados por una panda de sombreros rojos, de las clases sociales más bajas, para iniciar su cacería. El líder de ese grupo de sombreros rojos es Archibald Snatcher, que vive obsesionado con lograr un sombrero blanco y compartir los privilegios del grupo que los lleva, entre los cuales el acceso a los preciados quesos que comen con afán, y ve la extinción de los Boxtrolls como la oportunidad para lograr ese sombrero. Entretanto, el niño Eggs habrá crecido entre los Boxtrolls y vive felizmente con ellos, hasta el día en que su padre adoptivo Fish cae en las garras de los sombreros rojos. Será entonces cuando tenga que armarse de valor y subir a la superficie y pedir ayuda a los humanos, concretamente a la joven Winnie, hija del principal representante de los sombreros blancos, Lord Camembert. Los dos jóvenes sólo podrán triunfar cuando consigan operar el cambio en las anquilosadas mentes de los grupos en los que viven, venciendo el miedo que subyuga a los Boxtrolls y combatiendo los prejuicios que los humanos en general, y especialmente los sombreros blancos, tienen sobre los Boxtrolls.
"Los Boxtrolls" representa un cambio de registro del estudio Laika respecto de sus dos películas anteriores, "Coraline" y "Paranorman", que eran películas con cierto aire terrorífico que las hacia difíciles para el público infantil (aún recuerdo cómo lloraba una niña en el visionado de "Coraline" rogando a su madre que la sacara de la sala), y que además ofrecían segundas lecturas más adultas y personajes con un fondo psicológico importante: recordemos la frustración que sentía Coraline por no gozar de la atención de sus padres y sus dudas razonables sobre si sería más feliz con su otra "madre" o la incomprensión hacia sus facultades que soportaba Paranorman y el dolor que sufría la bruja responsable del despertar de los zombies y que sólo Paranorman es capaz de comprender. Era un registro que hizo que ambas películas resultaran bastante atractivas para un público más adulto. En cambio, el registro de "Los Boxtrolls" apunta hacia el público más joven, y en ese sentido es un cuento sencillo al que se le puede echar en falta cierto fondo y poco bagaje en la construcción de los personajes, pudiendo resultar más aburrido para el público adulto.
En lo que Laika se supera es en el trabajo artístico y de animación, con sus escenarios saturados de ricos detalles y descritos en su máxima expresión y que visualmente resultan impresionantes, y personajes animados con mucha expresividad: Laika llegó a elaborar hasta 1.400.000 expresiones sólo para la cara del protagonista principal, Eggs, mediante la impresión 3D.
Sin duda es muy recomendable para todo aquel que sepa disfrutar de la animación artesanal, a quienes aconsejo que no se pierdan los créditos finales, en que tras un tramo compuesto por bellas escenas animadas en 2D, se pasa a otra secuencia en que dos de los personajes más divagadores de los sombreros rojos se preguntan si sobre su universo hay alguien que les hace actúar y moverse, momento en el que vemos cómo uno de los animadores está trabajando la animación de los personajes manualmente fotograma a fotograma (con mucha ironía nuestros avispados personajes aseguran que si así fuera, seguramente sería gente que debería dedicarle mucho tiempo y que sin duda tienen otros trabajos porque no podrían vivir de ello).
El próximo 17 de octubre (ACTUALIZACIÓN: El 17 de abril de 2015) se estrenará en las pantallas españolas - tras siete años de producción - "La Mecánica del Corazón", película de animación 3D basada en el cuento del mismo título de Mathias Malzieu, cantante del grupo de rock Dionysos, y dirigida por él mismo con la ayuda de Stéphane Berla, para el cual es su opera prima en lo que a largometrajes se refiere. Sin embargo Stéphane Berla cuenta con una dilatada experiencia en la realización de animaciones para cortos, anuncios comerciales y videoclips, y de ahí viene su relación con Mathias Malzieu, puesto que está detrás de muchos de los videoclips animados de Dionysos.
La película se sitúa en Edimburgo a finales del siglo XIX y cuenta la historia de Jack, un niño que tiene la poca fortuna de nacer el día más frío del mundo, lo que provoca que nazca con un corazón congelado e inservible al que la curandera que lo trae al mundo, Madeleine, injertará un reloj de cuco que lo ayude a palpitar. Eso permitirá que Jack pueda vivir, pero tendrá que respetar tres condiciones: dar cuerda a su reloj cada día, no dejarse llevar por la cólera ni emociones fuertes y sobre todo, no enamorarse nunca. Así vivirá Jack felizmente con Madeleine hasta que al cumplir los 10 años conoce a una pequeña cantante andaluza, Miss Acacia, de la que se enamora perdidamente. Ese amor le llevará a iniciar una búsqueda, en ocasiones dulce y otras devastadora, que le llevará de Escocia, pasando por París, hasta los pies de la Alhambra en Granada, y durante la cual pondrá a prueba la resistencia de su corazón mecánico.
La banda sonora , uno de los aspectos más destacados de la película, cuenta con canciones procedentes del álbum con el mismo título del grupo Dionysos (de hecho Jack viste ropas muy parecidas a las de Mathias Malzieu en sus conciertos) y otras nuevas, y entre las voces se cuenta con la de Rossy de Palma.
Un largometraje lleno de poesía, aventura y humor que, salvando las distancias, nos recuerda al trágico enamoramiento del también parcialmente mecánico Eduardo Manostijeras de Tim Burton, y de hecho el diseño de los personajes y la ambientación gótica también recuerda a los de las películas animadas del realizador americano (del que Mathias se confiesa fan). En cualquier caso, nos encontramos con una historia que puede gustar igualmente a los adultos y a los niños, ya que aunque el desarrollo de la pieza parece más dedicado a los pequeños, ofrece un segundo nivel de lectura más orientado a los mayores.
La crítica la ha recibido de forma desigual, y entre los aspectos negativos se lamenta un tratamiento lineal y poco pulido, incluso superficial y a veces demasiado frío para contar una historia de amor, aunque no faltan momentos de gran creatividad como el viaje en tren. El público sabrá apreciar en todo caso sus bellas imágenes y la animación estilizada.
