Cuenta atrás para el Festival de Annecy

El pasado 28 de abril se presentó en rueda de prensa la programación del Festival Internacional de Animación de Annecy de 2015, el cual se ha alzado como uno de los festivales más prestigiosos y más esperados del cine animado y se celebrará entre los días 15 y 20 de junio juntamente con el mercado de animación MIFA, que en su presente edición cumple treinta años.

El festival ha decidido este año homenajear a las mujeres que se dedican al arte de la animación, tanto si lo han hecho como directoras o productoras como si han estado en la sombra. En este sentido es muy significativo que el jurado del festival de este año va a estar formado exclusivamente por mujeres (entre las cuales estará la española Isabel Herguera, ganadora de varios galardones por sus cintas Amar y Under the Pillow); además, se contemplan programas que van a estar enteramente dedicados a las películas realizadas por mujeres y se rendirá tributo a las que fueron pioneras en este campo, como Lotte Reiniger, Mary Blair, Alison de Vere, Evelyn Lambart y Claire Parker. Igualmente, se galardonará con el Premio Cristal Honorífico a otra mujer, Florence Miailhe, creadora de un estilo muy personal y reconocible mediante una inusual técnica que ella denomina "pintura sobre película" a partir de la cual ha creado un universo poético en el que se encuadran Au Premier Dimanche d'Août (premiado con el César en 2002) y Conte de Quartier entre otros. Del mismo modo se encargó a la portuguesa Regina Pessoa (ganadora del Cristal al mejor cortometraje en 2006 por Tragic Story with Happy Ending) la creación del póster del festival, y es patente que la realizadora ha cumplido con creces gestando una bella ilustración donde la protagonista es obviamente una mujer que, con las manos enfundadas en unos guantes blancos que retrotraen a los primeros cartoons, está proyectando sombras sobre el fondo, en claro homenaje a una de las primeras formas de animación; además la mujer luce un vistoso vestido rojo que contrasta sobre el fondo amarillo, los dos colores del país invitado de este año del festival, que no es otro que España.

En su homenaje a España el festival quiere poner de relieve la producción de un país que lleva en torno a un centenar de años produciendo animación, desde los mágicos filmes de Segundo de Chomón hasta las producciones en 3D del presente que ponen de relieve la vitalidad del cine de animación del país. En este sentido se contemplan varias secciones que permitirán hacer un repaso a las producciones animadas españolas: Doodles (Esbozos), Under the Yoke (Bajo el Yugo), Modern Times (Tiempos Modernos), Macián the Master (Macián, el Maestro), The Stamp of the Artist (La Huella del Artista), Humour and Massacre (Humor y Masacre), Destination Hollywood (Destino Hollywood) y The Next Generation (La Nueva Generación). Bajo el ciclo "Del Trazo al Píxel. Más de 100 años de Animación Española", producido por el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona y Acción Cultural Española, y presentado por la directora del Animac, Carolina Pérez, se ofrecerá en 50 títulos una antología de piezas históricas y de trabajos recientes representativos del cine de animación español (tras su estreno en Francia, el ciclo recorrerá museos y videotecas de varios países y se prevé que llegue a Barcelona y Madrid en otoño).

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En cuanto a las proyecciones de la Selección Oficial, el Festival ha seleccionado 215 producciones procedentes de 40 países (de un total de 2.606 candidatas procedentes de 95 países) que se distribuyen del siguiente modo: 8 largometrajes, 53 cortometrajes, 29 películas para TV, 35 películas de encargo y 49 cintas de graduación en la sección competitiva; y 9 largometrajes y 33 cortometrajes fuera de competición. El Festival se inaugurará con la proyección de "The Prophet", la adaptación de los poemas de Khalil Gibran producida por Salma Hayek de la que hablamos en este blog recientemente.
Los 8 largometrajes de la sección competitiva son los siguientes:

- ADAMA de Simon Rouby (Francia)

- AVRIL ET LE MONDE TRUQUÉ de Christian Desmares y Franck Ekinci (Francia)

- MUNE de Alexandre Heboyan y Benoît Philippon (Francia/Canadá)

- POS ESO, la divertida película de animación gore en clave ibérica realizada mediante animación stop motion en plastilina de Sam (España)

- SABOGAL de Juan José Lozano y Sergío Mejía Forero (Colombia). Un thriller judicial que mezcla la tecnología de animación 3D, la estética del comic y la novela negra para adentrarse junto al abogado pro derechos humanos Sabogal en los archivos periodísticos que han documentado los terribles hechos violentos que ha sufrido Colombia en los últimos años.

- MISS HOKUSAI de Keiichi Hara (Japón)

- THE CASE OF HANA & ALICE de Shunji Iwai (Japón). La historia de dos estudiantes que aman al mismo chico que constituye la precuela de la película en imagen real "Hana & Alice" (2004) de Shunji Iwai.

- TOUT EN HAUT DU MONDE de Rémi Chayé (Francia/Dinamarca). Cuenta la historia de Sasha, una joven aristócrata rusa de finales del siglo XIX convertida en científica y exploradora ártica, y su huida hacia el norte en busca de su abuelo y lejos del destino que quieren marcarle sus padres.

Fuera de competición se proyectarán los siguientes largometrajes:

- DESTERRADA de Diego Guerra (Colombia). Una película dramática que explora, desde diversas técnicas de animación, el dolor y la angustia de la guerra en Colombia.

- DRAGON NEST: WARRIORS' DAWN de Yuefeng Soong (China), donde un joven se une a la Liga de los Dragon Slayers para enfrentarse al Dragón Negro y salvar Altera.

- EDEN'S EDGE de Gerhard Treml y Leo Calice (Austria/EEUU). Una serie de cortos que exploran el desierto californiano.

- NARRACIONES EXTRAORDINARIAS de Raúl García (Bélgica, España, Francia y Luxemburgo). Compuesta por cinco episodios, adapta en 3D las historias de Edgar Allan Poe e introduce además al escritor americano como un personaje más que sirve de hilo conductor entre los cinco relatos.

- MORTADELO Y FILEMÓN CONTRA JIMMY EL CACHONDO (España) La genial película de Javier Fesser sobre los personajes de Ibáñez.

- PETITE DE LA POISSONNERIE de Jan Balej (República Checa). Largometraje de marionetas en stop motion que adapta el cuento de la sirenita de Andersen.

- ROCKS IN MY POCKETS de Signe Baumane (EEUU/Letonia).

- STAND BY ME DORAEMON de Yagi Ryuchi y Takashi Yamazaki (Japón)

- THE SNOW QUEEN 2 de Aleksey Tsitsilin (Rusia). Segunda parte de las aventuras de Gerda y sus amigos, que deberán enfrentarse a una maldición de la Reina del Hielo que hace que la gente vea lo peor de sí misma en su espejo.

Por otra parte habrá sesiones Work in Progress de Ma vie de courgette de Claude Barras, The Boy and the Beast de Mamoru Hosoda, The Red Turtle de Michaël Dudok de Wit, Atrapa la Bandera de Enrique Gato, Snoopy and the Peanuts de Steve Martino, The Bad Cat de Mehmet Kurtulus y Ayse Ünal, Loving Vincent de Dorota Kobiela y Ballerina de Eric Summer.

E igualmente habrá anticipos de The Good Dinosaur e Inside Out de Pixar; Zootopia de Disney; Minions de Universal;  Dofus - Livre 1 de Ankama; y la nueva Ghost in the Shell, entre otras.

Cerramos con el teaser del festival, que ha sido creado por el estudio francés Ankama, que presentará como hemos dicho un avance de Dofus - Livre 1.

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Cuando se juntan Miyazaki y Michael Dudok de Wit

Hace siete años, Hayao Miyazaki le confió a Vincent Maraval, director de la compañía productora y distribuidora parisina Wild Bunch (que co-produjo la película del estudio Ghibli "Arrietty y los Diminutos"), que si un día los Estudios Ghibli se decidieran por coproducir un largometraje de unos estudios extranjeros, lo harían para participar en una película de Michael Dudok de Wit, el realizador de cortometrajes tan reconocidos como Father and Daughter o The Monk and the Fish. De hecho, el mismo Miyazaki le encargó a Maraval que localizara al realizador holandés y le trasladara la propuesta de embarcarse en un largometraje, algo a lo que Michael Dudok de Wit era bastante reacio; pero cuando el responsable de Wild Bunch le dijo a Dudok de Wit en su estudio británico que quien le hacía el encargo era la leyenda viva de los estudios Ghibli, se le encendieron los ojos. De este modo,  ya en 2012 el realizador de cortometrajes supervisaba las primeras pruebas de animación de un largometraje de animación que, bajo el título "The Red Turtle" (La Tortuga Roja), está coproducido por los estudios Ghibli y Wild Bunch junto a Why Not Productions, Belvision, Arte France Cinema, CN4 Productions y el estudio Prima Linea, donde se desarrolla la animación, y tiene el estreno previsto para el primer semestre de 2016.
Co-escrita por el mismo Dudok de Wit junto a Pascale Ferran (Lady Chatterley, Bird People..), la historia se desarrolla sin diálogos en torno a un náufrago que habita una isla tropical donde sus únicos vecinos son tortugas, cangrejos y aves, y cuyos intentos de abandonar la isla en una balsa son frustrados por una enorme tortuga roja que provoca su hundimiento. Sobre esta historia, imbuida del mismo espíritu de respeto a la naturaleza que caracteriza a las películas de Ghibli, se atraviesan todas las etapas en la vida de un ser humano, y se quiere transmitir una sensación de paz y de admiración respecto a la inmensidad de la vida.
El célebre realizador se mantiene fiel a su técnica de dibujo al carbón y acuarela que ha caracterizado sus anteriores obras, como podemos ver ya en algunas de las imágenes que se han ido dando a conocer, a la espera del extracto que se presentará en el próximo festival de Cannes y en el festival de Annecy de junio.

Es pues una película significativa como mínimo por dos razones: por cuanto que va a ser el primer largometraje de Michael Dudok de Wit y porque va a ser también el primer largometraje no japonés que coproducen los estudios Ghibli. Sin duda va a ser algo digno de ver.

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Minúsculos: El Valle de las Hormigas Perdidas

Minúsculos nació como un cortometraje que posteriormente dio lugar a una serie de episodios cortos, de dos minutos de duración, desarrollados en los estudios Futurikon en 2004 y 2010 bajo la supervisión de Hélène Giraud, hija de Moebius, y Thomas Zsabo (director, guionista y storyboarder, que ganó un premio en 1997 por Space Goofs). La originalidad de la serie radicaba en que ponía en escena la vida cotidiana de los insectos a través de la comedia, con una mezcla de personajes en 3D sobre paisajes reales y sin diálogos. La serie triunfaría y llegó a emitirse en más de 100 países, por lo que Hélène Giraud y Thomas Zsabo no dudarían en escribir y dirigir un largometraje partiendo del mundo y los personajes creados en Minúsculos, embarcándose en una producción que duró cinco años y que logró estar entre las películas preseleccionadas a los Oscar.

Bajo el título "Minúsculos: El Valle de las Hormigas Perdidas", la protagonista de la película es en realidad una joven y audaz mariquita que, tras perder una ala en un enfrentamiento contra un grupo de moscas macarras, se ve atrapada en medio de la batalla por unos terrones de azúcar hallados entre los restos de un picnic abandonado entre dos especies de hormigas, negras y rojas. Habiéndose hecho amiga del grupo de hormigas negras, la mariquita no dudará en tomar partido por ellas en la refriega resultante del asalto al hormiguero por parte de las hormigas rojas. Persecuciones y batallas son narrados con mucho humor a la pequeña escala de los insectos.

Como en la serie de episodios sobre la que se basa, la película carece igualmente de diálogos, apoyándose tan sólo en una serie de pitidos y silbidos emitidos por los insectos y en la animación para hacer posible la narración de la historia, así como en la música original de Hervé Lavandier. Asimismo se afrontó de nuevo el reto técnico de combinar animación 3D con espacios reales, grabados en los parques nacionales de Mercantour y Les Écrins de la Alta Provenza y la campiña de la Riviera francesas.

Hace poco me referí a "La Oveja Shaun: La Película" de Aardman, como un ejemplo de largometraje que igualmente debía basarse enteramente en la animación para hacer funcionar la historia, por la ausencia de diálogos. Sin embargo no puede establecerse exactamente un paralelismo, puesto que la animación en Minúsculos es limitada, por la propia naturaleza de los personajes, dotados de alas o de pequeñas patitas que mover y poco más. También es inevitable la comparación con las películas "HormigaZ" de Dreamworks y "Bichos" de Pixar: allí los personajes tenían características antropomórficas, con lo que la animación era bastante más rica; sin embargo lo que pretenden Giraud y Szabo es precisamente retratar a los insectos de la forma más cercana posible a lo que son y a sus capacidades, manteniendo un perfil cómico, y a ello ayuda un efectivo diseño de personajes y esos ojos saltones bastante expresivos con que están dotados, con lo cual el planteamiento es sin duda original y totalmente diferente respecto a las referidas películas.

En cualquier caso, lo limitado y rudimentario de la animación no impide que Minúsculos funcione en general bien y tenga algunas escenas muy divertidas que narran con humor una historia de pequeños seres donde no faltan bien logradas referencias a clásicos del cine como La Guerra de las Galaxias, Indiana Jones, El Señor de los Anillos o la casa de Norman Bates en Psicosis. Destacando por su originalidad y una fotografía y sonido magníficos, Minúsculos no llega a ser una película perfecta, porque le sobra tiempo y le falta épica. Con 89 minutos de duración, los hechos que se suceden en la película hubieran podido contarse en 60, pero la película se estira y no logra mantener siempre el interés, abusando a menudo de los planos generales sobre los paisajes en que discurre para sumar tiempo sin aportar mucho a la historia; de hecho, la idea de mostrar la vida de los insectos en paisajes reales funcionaba magistralmente en las pequeñas cápsulas de dos minutos de los episodios originales, pero no logra funcionar con la misma perfección para un formato más largo. En cuanto a la épica es irregular, y así como en la escena de la persecución en el río alcanza cotas de verdadera intensidad, en la batalla frente al hormiguero se diluye y resulta interrumpida por un conjunto de escenas centradas exclusivamente en la mariquita que olvidan el fragor de la batalla y sus consecuencias.

Si deseáis ver los episodios en los que se basa la película, podéis verlos en este enlace.

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Un poco de aquí y de allá (VIII)

Warner Bros. tiene previsto para el 23 de septiembre de 2016 el estreno de una nueva película, titulada "Storks" (Cigüeñas), que pretende dar "una mirada fresca y divertida a la fábula tras las cigüeñas" (aquella según la cual son las encargadas de traer los bebés al mundo, debemos suponer). Basada en un guión de Nicholas Stoller (conocido por participar también en los guiones de las dos películas más recientes de los Teleñecos y en Turbo), estará dirigida por él mismo junto a Doug Sweetland (Presto).
Por otra parte, Warner ha anunciado también nuevas fechas de estreno para sus películas basadas en la franquicia LEGO, de modo que LEGO Batman se estrenará el 10 de febrero de 2017, seguida por Ninjago, que está prevista para el 22 de septiembre del año que viene (en lugar de este año como se había planteado hasta ahora), y por La LEGO Película 2, que no llegará a los cines hasta el 18 de mayo de 2018. No hay fecha de momento para la cuarta película basada en la franquicia, "The Billion Brick Race", de la que dábamos cuenta hace unos días.

Por su parte, Disney ha encargado a la escritora y co-directora de Frozen, Jennifer Lee, la adaptación de la novela de fantasía "Una arruga en el Tiempo" (A Wrinkle in Time) de Madeleine L'Engle. Resulta que fue la misma Jennifer Lee, una fan del libro, quien convenció a los ejecutivos de la compañía sobre la oportunidad de adaptar la novela, que sigue la historia de la joven Meg Murray al embarcarse en un viaje por el espacio y el tiempo para ir al rescate de su padre, y que forma parte de una serie de cuatro libros en total.
Parece pues que en Disney hay todavía lugar para la animación, a pesar de su insistente tendencia a reversionar todos sus clásicos animados en películas de imagen real; recordemos que los últimos títulos que se han añadido a esta tendencia son Winnie The Poo y recientemente Pinocho, del que se ha encargado el guión a Peter Hedges. En caso de realizarse, la versión en imagen real de Pinocho no sería la única en llegar a las pantallas, pues también Guillermo del Toro tiene escrito un guión para una versión del personaje, en su caso para una película en stop-motion y más oscura que el clásico de Disney, que co-dirigirá junto a Matthew Robbins.

Otro proyecto en marcha es el que tienen en preproducción los realizadores independientes Kirk Hendry (Junk) y Neil Boyle (The Last Belle), titulado "Kensuke's Kingdom", y basado en la novela del mismo nombre de Michael Morpurgo. Adaptada por Frank Cottrell Boyce (Millones, Un Largo Viaje, 24-Hour Party People), la historia nos presenta a un chaval de 10 años que va a parar a una isla tropical de Papúa Nueva Guinea que está tomada por un misterioso militar japonés llamado Kensuke, el cual le ayudará a sobrevivir.
Producida por Sarah Radclyffe y Barnaby Spurrier, será realizada mediante una combinación de animación 2D y 3D. El portal Cartoon Brew publicó en exclusiva algunas imágenes del diseño conceptual, desarrollado en colaboración con el estudio Framestore (Paddington, Gravity, War Horse), algunas de las cuales compartimos a continuación:

En Pixar, Josh Cooley (que va a co-dirigir Toy Story 4 junto a Lasseter) estaría dirigiendo un cortometraje relacionado con "Inside Out" que podría llamarse "Riley's First Date" (La Primera Cita de Riley), y que seguramente se incluiría como extra del lanzamiento en blu-ray de la película.
Por cierto, en virtud de un nuevo acuerdo que Disney cerró recientemente con IMAX Corporation, dos películas de Pixar se verán en IMAX 3D: concretamente Buscando a Dory y Toy Story 4.

Y en el terreno de la televisión, parece que MTV2 querría relanzar de nuevo la gore serie de animación en plastilina "Celebrity Deathmatch", donde los famosos se batían a muerte en el ring, 8 años después de su segundo - y breve - relanzamiento; en efecto, el canal anunció la semana pasada que ha encargado un piloto al creador de la serie, Eric Fogel, que dice que la reimaginará para un mundo de redes sociales y guerras en Twitter.

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Se estrenó La Mecánica del Corazón

Ninguneada por la prensa y con presencia en muy pocas salas se estrenó el pasado 17 de abril en España "La Mecánica del Corazón", un fabuloso cuento romántico en 3D poblado de personajes freak y escenas deliciosamente imaginativas, cuya riqueza visual se ve en cierta medida lastrada por un guión que no cuenta con la misma fuerza. La película se basa en la novela del mismo título de Mathias Malzieu, cantante del grupo de rock Dionysos, y está dirigida por él mismo con la ayuda de Stéphane Berla - el realizador de muchos de sus videoclips - para el cual es su opera prima en lo que a largometrajes se refiere.

La historia se inicia con el alumbramiento de Jack, un niño que tiene la poca fortuna de nacer en Edimburgo el día más frío del año, hacia finales del siglo XIX, lo que provoca que nazca con un corazón congelado e inservible al que la curandera que lo trae al mundo, Madeleine, injertará un reloj de cuco que lo ayude a palpitar. Abandonado por su madre, Jack vivirá con Madeleine gracias a su nuevo corazón, pero tendrá que respetar tres condiciones: dar cuerda a su reloj cada día, no dejarse llevar por la cólera ni emociones fuertes y sobre todo, no enamorarse nunca. Así vivirá Jack felizmente hasta que, al cumplir los 11 años, siente la necesidad de salir a conocer su ciudad y se encuentra con una pequeña cantante andaluza, Miss Acacia, de la que se enamora perdidamente. Ese amor le llevará tras unos años a huir de Escocia y a emprender la búsqueda de su amada, pasando por París - donde se le unirá Georges Mélies -, hasta una esperpéntica feria en Andalucía, y pondrá a prueba la resistencia de su corazón mecánico.

Con un estilo y un diseño de personajes muy burtoniano, como también lo son su gusto por lo macabro (de hecho, Malzieu se considera muy fan de Tim Burton), la película es también una amalgama de referencias que beben de Georges Mélies, Edward Gorey, los "Freaks" de Tod Browning, y la estética gótica y steampunk, dando lugar a un cóctel cuya mayor fuerza está en el apartado visual y en su galería de esperpénticos personajes, desde la troupe que acompaña a la bruja Madeleine, donde encontramos a un hombre cuya columna se sostiene gracias a un xilófono, hasta los grotescos feriantes de Andalucía. La omnipresente poesía del largometraje da lugar a metáforas y situaciones en que los personajes crecen cual gigantes, su sombra se alarga o les crecen espinas cuando se enfadan, y no faltan escenas enormemente creativas y visualmente estimulantes como el viaje en un tren que se estira como un acordeón, la travesía en monopatín entre los molinos de Castilla o la atracción fantasma.

La banda sonora es otro de los aspectos más destacados de la película, que cuenta con canciones procedentes del álbum con el mismo título del grupo Dionysos, y otras nuevas, que confieren al largometraje un tono enérgico basado en ritmos pop-rock e instrumentos retro.

La pata coja de "La Mecánica del Corazón" es la que corresponde al guión, que da un tratamiento muy superficial a los personajes y a sus motivaciones: así, nos encontraremos con que la madre de Jack le abandona sin saber muy bien porqué, con que el malo de la película no acaba de estar desarrollado, o con que Miss Acacia va de brazos del uno al otro sin razones de peso. Por otra parte los diálogos aportan poca profundidad, a menudo proclamando lo que ya resulta obvio.

En cualquier caso resulta muy recomendable darle una oportunidad a la cinta, básicamente por la creatividad y la imaginativa puesta en escena, que ponen de manifiesto la originalidad de sus realizadores y su potencial de cara a sorprendernos nuevamente si dan con un mejor guión. La película puede ser disfrutada igualmente por niños, que se verán atraídos por su atmósfera de cuento, como por adultos, que podrán apreciar su poesía y sus personajes y situaciones bizarros.

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La Oveja Shaun: La Película

La oveja Shaun empezó su existencia como un personaje secundario del cortometraje "A Close Shave"(1995) de Wallace&Gromit dirigido por Nick Park. Sin embargo, el personaje mostró el gancho suficiente como para merecer protagonismo y serie propia, que obtuvo en el 2007 con el spin-off "La Oveja Shaun"; en sus episodios, de unos 7 minutos de duración, se narraban las aventuras de la oveja en cuestión en la granja Mossy Bottom junto a su rebaño y todos los animales de la granja, incluyendo al perro Bitzer, y por supuesto al granjero. Con 140 episodios vendidos en más de 170 países la serie batió en popularidad incluso a Wallace&Gromit, por lo que lógicamente la popular oveja se ha ganado el paso a la gran pantalla en la sexta película de los estudios Aardman, realizada esta vez sin el apoyo de ninguna major de Hollywood.

Escrita y dirigida por Mark Burton (guionista de Madagascar, Chicken Run:Evasión en la Granja y Wallace&Gromit: La Maldición de las Verduras, entre otras muchas) y Richard Starzak (a.k.a. Richard Goleszowski, director de las series Rex the Runt, Creature Comforts y Shaun the Sheep entre otras), la película cuenta cómo tratando de tomarse un día libre que permita al rebaño de ovejas salir de su aburrida rutina diaria, Shaun consigue poner a dormir al granjero en una desvencijada roulotte que accidentalmente sale rodando y envía a su propietario a la ciudad, donde un golpe en la cabeza le envía al hospital afectado de amnesia. El perro Bitzer y el rebaño acuden en su busca a la ciudad, tratando a la vez de pasar desapercibidos y de encajar en el mundo de los humanos, y tropezando en su misión de rescate con un celoso encargado de recogida de animales sueltos que les pondrá difícil la realización de su objetivo.

Durante sus 85 minutos de duración, la película tiene el valor de mantener todos los aciertos de la serie de televisión, incluyendo su slapstick y su humor visual, y de encontrar una narrativa capaz de sostener todo el metraje. Y lo hace, y ahí radica uno de sus mayores méritos, manteniéndose fiel a la inexistencia de diálogo que ya caracteriza a la serie original; si bien la decisión de prescindir de diálogo se tomó en su momento en relación a la serie de televisión para ahorrarse los costosas partidas que el lip-sync supone para un show televisivo, el hecho de mantener esa decisión para hacer la película redunda en una mejor narración de la historia, que tiene que ser mínimamente buena y hacerse meridianamente comprensible sin palabras, y en un encumbramiento de la animación, que se muestra desnuda y en sí misma. Y no son precisamente los personajes de Shaun fáciles de animar, puesto que desprovistos la mayoría de ellos de cejas que fruncir o arquear o narices que arrugar, deben expresarse sólo con los ojos y con sus bocas ladeadas.. y lo consiguen brillantemente, consiguiendo transmitir toda la emoción que exige la historia. Para ello los estudios contaron con el trabajo de un pequeño grupo de 17 animadores que durante 9 meses completaban unos 2 segundos de animación stop motion al día trabajando artesanalmente con los clásicos modelos de plastilina de Aardman (es un verdadero placer observar las marcas de los dedos en algunos de los planos más cerrados). En cuanto a la historia, si bien es una trama sencilla, sin demasiadas complejidades, más bien abocada a brindar una sucesión de instantes cómicos muy bien logrados, hay que decir que está magníficamente narrada.

Acompañando a las cómicas escenas, llenas de trabajados detalles, el espectador encontrará reconocibles guiños a películas como El Silencio de los Corderos o El Cabo del Miedo, así como un número musical muy semejante a un recital de Les Luthiers, pero también los elementos más típicos de la filmografía de Aardman, como son todas esas alocadas invenciones que alcanzaron su máxima expresión en las Cracking Contraptions y que en la película dan lugar, entre otras rarezas, al divertido caballo con el que emprenden su huida de la gran ciudad. De hecho, Aardman vuelve en cierta medida a sus raíces, y lo hace sintiéndose más libre, sin las ataduras de Hollywood, y por tanto más fiel al tipo de películas que le gusta hacer; y eso es muy positivo.

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Animación desde Japón

Ávidos de ver todos los proyectos de animación interesantes que se producen en cualquier parte del mundo, ponemos hoy nuestra atención en tres largometrajes producidos en el país del Sol Naciente.
Uno de ellos es el largometraje "Miss Hokusai" (Sarusuberi), que dirige Keiichi Hara (Doraemon, Crayon Shin-Chan, El Verano de Coo, Colorful - premiada en Annecy en 2011) para Production IG. Se trata de una adaptación del manga "Sarusuberi" de Hinako Sugiura, guionizada por Miho Maruo (Colorful), que cuenta la vida de O-Ei, una mujer que vivió hacia el final del período Edo de Japón y que, a pesar de su increíble talento para la pintura, estuvo siempre bajo la sombra de su padre, el famoso Tetsuzo Hokusai (creador de "La Gran Ola de Kanagawa", que no pocos hemos visto colgar de alguna pared o vendida incluso en forma de poster), con quien realizó a cuatro manos algunas de las pinturas más célebres. La historia parte de 1814 en Edo (el actual Tokyo), donde el sarcástico Tetsuzo Hokusai, ya en sus cincuenta y ampliamente reconocido por su talento, recibe encargos procedentes de clientes de todo Japón y los ejecuta en su caóticio estudio-hogar; con él trabaja también su tercera hija (de cuatro) O-Ei, que entonces tiene 23 años y ha heredado de su padre su tozudez y su talento, y que en ocasiones realiza en lugar de su padre las obras, aunque sin recibir ningún crédito por ello. Mientras que el talento de Tetsuzo llegaría a ser reconocido décadas después en Europa (bajo el nombre de Katsushika Hokusai), situándose al nivel de otros reconocidos maestros del arte, todavía hoy pocos conocen la existencia de la mujer que le ayudó y que contribuyó enormemente en su obra.
A cargo del diseño de personajes y de la dirección de la animación se encuentra Yoshimi Itazu (Denno Coil, El Viento se Levanta) y a cargo del diseño de fondos se cuenta con Hiroshi Ono (Una Carta para Momo, Los Niños Lobo).
Se estrenará en Japón el 9 de mayo de este año, y tengo la esperanza de que tengamos la posibilidad de verla en nuestros cines.

Otra película de interés es "Taifu no Noruda", el nuevo largometraje de Studio Colorido (Fantastic Children, La Confesión de Fumiko) que se estrenará en Japón el 5 de junio, y cuya historia se desarrolla en una escuela de secundaria situada en una aislada isla durante la víspera del festival cultural: después de pelearse con su mejor amigo, un chico deja el béisbol tras haberse dedicado a él toda la vida y conoce a una misteriosa chica de ojos rojos llamada Noruda antes de que un potente tifón azote la isla.
El antiguo animador de Ghibli Yojiro Arai debuta como director con esta película, donde Hiroyasu Ishida (Rain Town, La Confesión de Fumiko) se encarga de la creación de personajes y la dirección de animación y Masashi Hamauzu compone la música.

Finalmente no quiero dejar de referirme a "The Boy and the Beast" (Bakemono no Ko), la nueva película escrita y dirigida por el que es considerado heredero de Miyazaki, Mamoru Hosoda (Los Niños Lobo, Summer Wars, La Chica que Saltaba a Través del Tiempo) y producida en su Studio Chizu.
Esta película, que se estrenará el 11 de julio en Japón, narra la historia de amistad entre un chico solitario llamado Kyuta y una criatura sobrenatural perteneciente al reino de las bestias, conocida como Kumatetsu, de la que se convierte en discípulo tras perderse en su reino, dando inicio a una serie de aventuras repletas de acción en las que aprenden el uno del otro y acaban estableciendo una conexión única.
El grupo francés Gaumont ya se ha hecho con los derechos para su distribución en Francia e internacionalmente, por lo que hay buenas posibilidades de llegar a verla en cines.

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