Tras arrasar entre la crítica y el público con 9 millones de euros recaudados en taquilla y más de un millón y medio de espectadores, llega a casa el último éxito de animación de Dreamworks, nacido de las mentes de los veteranos Mike Mitchell (Shrek, Felices para siempre) y Walt Dohrn (Shrek 2). "Trolls"continuará contagiando su característico “buen rollo” de la mano de 20th Century Fox Home Entertainment el próximo 24 de febrero en DVD, Blu-ray y en alquiler y venta digital.
Divertidos y amigables, a los trolls les encanta jugar, cantar y bailar. No obstante, no son solo unas criaturas alocadas y encantadoras, sino que también están muy sabrosas… o por lo menos eso es lo que piensan los cómicamente pesimistas Bergens, que invaden el pueblo de los trolls para restaurar este suculento manjar en su menú. Ante esta adversidad, Poppy, la troll más feliz que jamás ha existido, y Branch, el más paranoico, deberán unirse en un viaje épico lleno de contratiempos para rescatar a sus amigos, a la vez que aprenden a tolerarse para poder llevar a cabo su arriesgada misión. Podéis leer nuestra crítica de la película aquí.
Además de disfrutar nuevamente de las aventuras de estos seres mágicos, con la Edición Fiesta, exclusiva en formato Blu-ray, se podrá interactuar con la película con el mando a distancia, lanzando purpurina al aire o una ración de cupcakes en los momentos más escalofriantes, e incluso cantando y bailando a ritmo de los pegadizos temas de la cinta gracias al inédito SING ALONG.
CONTENIDOS ADICIONALES EN BLU-RAY:
Modo Fiesta: Canta, baila y ríe junto a los Trolls con el nuevo modo de interacción a través del mando a distancia.
Un viaje por la aldea Troll
Creando la magia de Trolls
Escenas eliminadas
Y mucho más...
CONTENIDOS ADICIONALES EN DVD:
Un viaje por la aldea Troll
Creando la magia de Trolls
Escenas eliminadas
Y mucho más...
Ficha técnica:
Título Original: Trolls
Año: 2016
País: EEUU
Director: Walt Dohrn y Mike Mitchell
Guión: Jonathan Aibel y Glenn Berger
Música: Christophe Beck
Productora: Dreamworks Animation
Presupuesto: 125 millones de dólares
Entradas relacionadas: Trolls (24 de octubre 2016)
"Vaiana", de Walt Disney Animation Studios, cuenta la historia de una adolescente aventurera que emprende una arriesgada misión navegando en el océano para salvar a su pueblo. La película fascinó tanto al público como a la crítica y ocupó el primer lugar de la taquilla en España en su fin de semana de estreno. Ahora, Vaiana toma un nuevo rumbo y llegará a los hogares en DVD, Blu-ray 2D y Edición Caja Metálica el próximo 29 de marzo, mientras que estará disponible en plataformas digitales desde el 24 de marzo.
Según los directores Ron Clements y John Musker, la historia de "Vaiana"
se inspiró en los grandes exploradores que navegaron el vasto Océano
Pacífico y descubrieron las numerosas islas de Oceanía. “La navegación
es una verdadera fuente de orgullo para muchos de los habitantes de las
Islas del Pacífico, forma parte de su identidad”, comenta Clements.
Muchos expertos creen que hace aproximadamente 3.000 años, esos viajes
de exploración en las aguas profundas se detuvieron durante un milenio
antes de volver a empezar. Este renacimiento de la exploración encendió
la imaginación de los realizadores y dio origen a la heroína que se
encuentra en el centro de la historia. “La idea de una joven adolescente
que soñaba con convertirse en navegante —teniendo en cuenta las
habilidades de sus antepasados— era un concepto muy atrayente”, explica
Musker. La búsqueda de Vaiana y su deseo de convertirse en exploradora,
también funciona como un viaje de autodescubrimiento y le brinda el
poder que necesita para encontrar su propia identidad.
Los espectadores podrán continuar el viaje en esta aventura repleta de
diversión con muchas horas de material adicional en las ediciones de
alta definición, entre las que figura una nueva mini-película
protagonizada por Vaiana y Maui; un vistazo en profundidad a la gente,
la cultura y el patrimonio de las Islas del Pacífico que dieron forma a
la historia de "Vaiana"; cuatro mini-documentales sobre los innovadores
efectos visuales de la película; escenas eliminadas; una canción
eliminada; el videoclip de la canción “How far I’ll go”; y también en
todas las ediciones (DVD y alta definición) “Inner Workings”, el
cortometraje que se proyectó en los cines, dirigido por Leo Matsuda, que
revela la lucha interior entre el cerebro y el corazón de un hombre.
Podéis leer la crítica que en su día hicimos de ambas películas aquí.
Contenido extra DVD y alta definición:
Corto cinematográfico: Inner workings
Contenido extra alta definición:
Corto de Maui: De pesca (2min 26seg)
Voces de las islas (31min 10seg)
COSAS QUE NO SABÍAS DE… Ron, John, Auli’i y Dwayne (
COSAS QUE NO SABÍAS DE… Mark, Opetaia & Lin-Manuel (1min 55seg)
Moda isleña (5min 10seg)
Los elementos de… Mini Maui (3min 31seg)
Los elementos de… Agua (4min 35seg)
Los elementos de… Lava (2min 53seg)
Los elementos de… Pelo (3min 02seg)
Su nuevo hogar: Creando la música de Vaiana (12min 51seg)
Canción eliminada: “Warrior Face” con introducción del compositor Lin-Manuel Miranda (3min 42seg)
Pescando los “Easter Eggs” (2min 49seg)
Escenas eliminadas (25min 52seg)
Videoclip de la canción “How Far I’ll Go” de Alessia Cara (3min 02seg)
Videoclip de la canción “How Far I’ll Go” alrededor del mundo (2min 48seg)
Comentarios en audio (1hora 47min)
Asimismo, el próximo 8 de febrero estará disponible "Ozzy" en DVD, una comedia de aventuras sobre la fuerza de la amistad protagonizada por un adorable Beagle, de la que también podéis leer nuestra crítica aquí.
Entradas relacionadas: Vaiana (29 de noviembre 2016) Ozzy (17 de octubre 2016)
Universal Pictures e Illumination Entertainment han anunciado sus planes de estrenar tres secuelas basadas en varios de sus títulos, no en vano las producciones afectadas - a punto de convertirse en franquicias - han reportado a las compañías millones de dólares que éstas no van a renunciar a incrementar, a pesar de que ello sea en aras de sacrificar la originalidad.
Concretamente, el 3 de julio de 2019 (un año más tarde de lo previsto inicialmente) llegará a las pantallas "Mascotas 2", como continuación de la película estrenada en verano del año pasado donde perros y otras mascotas manifiestan tener una vida alternativa cuando sus dueños no están en casa, una producción que representó un gran éxito de recaudación al lograr reunir una cifra alrededor de los 875 millones de dólares en todo el mundo.
El 3 de julio de 2020 se estrenará "Los Minions 2", secuela de aquella película que fue a su vez un spin-off de otra franquicia estrella de Illumination - "Gru Mi Villano Favorito" - pero llegó incluso a superarla en ingresos, alcanzando la cifra récord de más de un billón de dólares en todo el mundo. En la primera, se estableció el origen de los Minions y acabaron al servicio de una peculiar pareja de villanos británicos, y hacia el final apareció Gru... Veremos qué les ocurre en la próxima producción.
Finalmente, el 25 de diciembre de 2020 se estrenará "Canta 2", continuación de la película musical protagonizada por animales antropomórficos que sorprendió durante las pasadas Navidades, llegando a recaudar 429 millones de dólares internacionalmente.
Entradas relacionadas: ¡Canta! (20 de diciembre 2016) Mascotas (3 de agosto 2016) Los Minions (6 de julio 2015)
En un panorama cinematográfico en el que la animación en las salas de cine suele estar monopolizada por las producciones de los estudios norteamericanos representa siempre un soplo de aire fresco que sobresalgan películas como "Ballerina", el primer largometraje de animación de QUAD, animado en L'Atelier Animation, y dirigido por Eric Summer y Eric Warin, a partir de un guión de Carole Noble y Laurent Zeitoun. Llega a nuestras pantallas esta película que ya causó sensación en el Festival de Cine de Cannes y ha continuado cosechando éxitos en Francia, el Reino Unido, México o China. No es para menos, por cuanto que nos encontramos con un trabajo ambicioso, lleno de corazón y de alegría, que conseguirá además que las jóvenes espectadoras salgan danzando de la sala de cine... literalmente.
Ambientada en París en 1884, la época dorada de la Belle Epoque, la historia de la película gira en torno a Felicia, una chica huérfana con gran determinación y cuyo único sueño es convertirse en bailarina, que huye del orfanato en su Bretaña natal y se dirige a la capital con la intención de ingresar en la escuela de ballet de la Opera. Como no dispone de recursos, decide suplantar a una estudiante adinerada para poder acceder a la elitista escuela, pero la dura disciplina y la mezquindad de sus compañeras harán que el reto de su vida sea difícil de conseguir. Para ello contará con la ayuda de su amigo Víctor, un joven inventor junto al que compartirá muchas y divertidas aventuras en la mágica París.
La película, pues, se inspira en un tema de fondo muy trillado - la persecución de un sueño desde una posición de desventaja - pero lo hace con una ejecución muy bien realizada, donde el ritmo de desarrollo de la historia, sus toques de humor, los personajes, la ambientación y la animación, consiguen llevar a buen puerto esta historia que mezcla elementos de "Cenicienta", "Oliver Twist" e incluso "Karate Kid" en el mundo del ballet, un terreno poco común en animación.
De hecho, la villana de la película - la adinerada y ambiciosa a toda costa Régine Le Haut - recordará inevitablemente a la madrastra de Cenicienta, tanto en peinado como en frialdad, y si bien hacia el final su maldad resulte hasta un tanto exagerada, forma parte de un elenco de personajes creados y diseñados con perfiles bastante bien logrados y dotados de gran atractivo, entre los que destaca el dúo protagonista: Felicia es un personaje encantador que se hace querer desde el primer momento gracias a su alegría y simpatía, ganándose inmediatamente la complicidad del espectador a pesar de sus travesuras, un resultado muy semejante al que logra su fiel compañero Víctor, cuyas alas mecánicas procuran algunos de los mejores momentos de acción del metraje, también a nivel visual.
Y hablando del nivel visual, otro de los valores de la película es su buena ambientación, que logra recrear los paisajes y edificios de la Bretaña y París con un nivel de verosimilitud y detalle bastante elevados para una producción europea en 3D, sacando partido de la riqueza de texturas y de un avanzado uso de la iluminación para conseguir resultados sorprendentes. Por cierto, se sabrá disculpar la licencia que se han tomado los realizadores al hacer coincidir la construcción de la Estatua de la Libertad, que se terminó en julio de 1884, con el levantamiento de la Torre Eiffel, que se inició en 1887; todo sea para enriquecer las secuencias en que Víctor colabora en el taller de Gustave Eiffel, algunas de las cuales forman parte de las mejores de la película, al tiempo que se hace atractiva la película para el público internacional.
También la animación, supervisada por Theodore Ty (animador y supervisor de animación en grandes éxitos como “Cómo Entrenar a tu Dragón 2”, “Kung Fu Panda” y “Mulan” o “El Rey León”) se muestra bien ejecutada, y especialmente cuidada en el desarrollo de las coreografías y bailes que enfrentarán a la encantadora Felicia y a la vanidosa Camille, en cuya recreación se prescindió afortunadamente del motion capture en beneficio de las posibilidades expresivas de la animación. Tan solo se echa en falta, dado el nivel que parece alcanzar la película, que se animen los cabellos de algún personaje, limitación que en todo caso queda suficientemente disimulada al estar la mayoría de personajes con los cabellos recogidos, algo muy común en el caso de las bailarinas.
La música original de Klaus Badelt y una banda sonora en la que han participado Sia, interpretando la canción "Suitcase" y Carly Rae Jepsen cantando "Cut to the Feeling" y "Runaways", contribuyen a hacer de "Ballerina" una película ganadora al darle un toque de modernidad attractivo para el gran público, pero se hubiera agradecido también que en una película de ballet que transcurre durante la Belle Epoque hubieran sonado también piezas más clásicas.
Lo mejor: El nivel de calidad conseguido en "Ballerina", una película ganadora que gustará al público familiar en base a su irresistible encanto y a la alegría que contagia Felicia, trasladándonos eficazmente el mensaje de que podemos hacer lo que nos propongamos.
En contra: la música no acompaña fielmente a esta película que logra verosímiles niveles de ambientación a nivel visual y de reconstrucción histórica.
Acaban de hacerse públicas las nominaciones para la edición 2017 de los Oscar, confirmándose en lo que respecta a los largometrajes de animación que la competición va a ser difícil, puesto que la calidad de los trabajos que concurren en la selección es indiscutible. En la lista de nominados se encuentran los dos trabajos de la factoría Disney y la remarcable película de Laika, así como dos producciones independientes que proceden de Europa y Japón. La película de Pixar, "Buscando a Dory", ha quedado razonablemente fuera de la selección final, así como otras películas que han contribuido a elevar la calidad de las producciones animadas del año, como "El Principito" de Mark Osborne, "Miss Hokusai" de Keiichi Hara, "El Gran Viaje de Sasha al Polo Norte" de Rémi Chayé, "Phantom Boy", de Jean-Loup Felicioli y Alain Gagnol o "Avril et le Monde Truqué" de Christian Desmares y Franck Ekinci, así como películas que han recaudado tanto como "Mascotas" o "Canta" de Illumination, y la alegre "Trolls" de Dreamworks, que en todo caso ha conseguido colarse en la nominación a Mejor Canción Original por el tema "Can't Stop the Feeling".
De este modo, el listado final de largometrajes de animación nominados a los Oscar es el siguiente:
Kubo y las Dos Cuerdas Mágicas, de Travis Knight y Arianne Sutner (LAIKA). La película también ha obtenido nominación a los mejores VFX, mientras que finalmente no ha conseguido la nominación a Mejor Vestuario, para la que estuvo preseleccionada.
Vaiana, de John Musker, Ron Clements y Osnat Shurer (Walt Disney Animation Studios), que también ha conseguido nominación a mejor Canción Original por el tema "How Far I'll Go".
La Vida de Calabacín, de Claude Barras y Max Carli (Rita Productions, Blue Spirit Animation, Gébéka Films,KNM)
La Tortuga Roja, de Michael Dudok de Wit y Toshio Suzuki (Prima Linea Productions, Why Not Productions, Wild Bunch, Studio Ghibli)
Zootrópolis, de Byron Howard, Rich Moore y Clark Spencer (Walt Disney Animation)
En cuanto a las nominadas a Mejor Cortometraje de Animación, las seleccionadas han sido las siguientes:
Blind Vaysha, de Theodore Ushev (National Film Board of Canada)
Borrowed Time, de Andrew Coats y Lou Hamou-Lhadj (Quorum Films)
Pear Cider and Cigarettes, de Robert Valley y Cara Speller(Massive Swerve Studios y Passion Pictures Animation)
Pearl, de Patrick Osborne (Google Spotlight Stories/Evil Eye Pictures)
Piper, de de Alan Barillaro y Marc Sondheimer (Pixar Animation Studios)
Asimismo en la categoría de Mejor Documental ha resultado también nominado un trabajo relacionado con la animación titulado "Life, Animated", de Roger Ross Williams y Julie Goldman, que narra la historia de un niño autista que logró salir adelante con la ayuda de los dibujos animados.
Podéis consultar el listado completo de nominaciones aquí. Entradas relacionadas: La Tortuga Roja (12 de enero 2017) Vaiana (29 de noviembre 2016) Los cortometrajes de animación preseleccionados para los Oscar (24 de noviembre 2016) La Vida de Calabacín (14 de noviembre 2016) Kubo y las Dos Cuerdas Mágicas (26 de agosto 2016) Zootrópolis (13 de febrero 2016)
Este año se celebrará la primera ceremonia de entrega de los European Animation Émile Awards, que nacen con el objetivo de recompensar a la industria de la animación y convertirse en el evento de honor de la animación europea en 40 países, de forma similar a los famosos Annie Awards en los EE.UU. en los que están profundamente inspirados.
En efecto, durante la 42 edición de los Annie Awards organizados por la International Animated Film Society (ASIFA), Didier Brunner quedó impresionado por la vitalidad y el dinamismo de este evento que reúne a todas las profesiones que concurren en la industria de la animación, así como sus géneros y todo tipo de talentos.
"Esta noche es una noche para celebrar películas, espectáculos, a vuestros sus colegas de profesión y a este arte. ¡El evento de esta noche es para vosotros, enhorabuena a todos! ". Con estas palabras de bienvenida, el presidente de la ASIFA-Hollywood, Jerry Beck, saludó a la gran familia de profesionales de la animación estadounidense sin distinguir profesiones, notoriedad o talento, en el magnífico Teatro UCLA y es este mismo espíritu el que inspiró la creación de los EAA.
Así surgió la idea de que la vieja Europa, el otro continente de animación, podía organizar también su propio día del “orgullo de la animación”, al existir una riqueza de talentos europeos, surgidos de sus propias escuelas o de sus propios estudios, que contribuye a la creatividad y la reputación de la animación europea.
Los European Animation Émile Awards son un evento que busca celebrar una vez al año la existencia y el trabajo de todos aquellos que contribuyen a la creatividad, la vitalidad y el éxito de la industria cinematográfica en cada una de sus formas y estados. Se convertirán, así, en un acontecimiento donde todos los profesionales de la animación europea, artistas y técnicos, se encontrarán para celebrar con el mismo gran orgullo la excelencia de la industria de la animación en Europea.
Los premios serán votados por los miembros de la EAA, que estarán representando la gran visión de los profesionales europeos. José Luis Farias, director del Mercado internacional de animación, videojuegos y new media 3DWire, y Damián Perea, director, productor y capitán del Summit, Conference and International Film Festival of Animation, Visual Effects and Videogames Animayo, que se extiende entre Gran Canaria y otros países y ciudades del mundo, han sido elegidos como los dos embajadores de España para unos premios que se configuran como un momento cumbre del año en el sector.
José Luis Farias
Damián Perea
Como embajadores, José Luis Farias y Damián Perea son portavoces de la Asociación en España, en su calidad de profesionales con experiencia y expertos de la industria de la animación en el país, y serán representantes de la misma en contacto permanente con su Consejo y dando visibilidad a la Asociación y a sus acciones a nivel nacional.
Basada en un personaje muy popular en Australia, protagonista de los cuentos que Dorothy Wall empezó a ver publicados en 1930, "Blinky Bill el Koala" (2015) traslada al público infantil a los paisajes de las antípodas en una aventura con humor y acción que resulta más lograda en la primera mitad del metraje que en la segunda.
Tras la exitosa película de Yoram Gross que en 1992 llevó al mítico personaje a las pantallas de cine en una película de animación tradicional, el mismo estudio, rebautizado como Flying Bark Productions, recupera para la animación 3D las aventuras del pequeño koala en una película más aséptica y más infantil conducida por quien fue director artístico de la "Pesadilla antes de Navidad" de Tim Burton, Deane Taylor, junto a Noel Cleary, Alexs Stadermann y Alex Weight, partiendo de un guión de Fin Edquist.
En esta ocasión, Blinky Bill se nos presenta como un koala aventurero con una gran imaginación que sueña
con dejar la pequeña ciudad de Green Patch para seguir los pasos de su
padre, un gran explorador que se encuentra desaparecido un año después de emprender su último viaje. Cuando descubre una nueva pista
sobre el paradero de su padre, Blinky Bill decide embarcarse en una gran aventura
que le llevará más allá de las fronteras de Green Patch, donde trabará amistad con Nutsy, una koala de zoológico, y el lagarto Jacko.
La película tiene un buen arranque, tanto en el planteamiento de la historia, donde se echa en falta la figura del padre de Blinky Bill, en cuya ausencia un ambicioso saurio que ha tomado el puesto de alcalde quiere hacerse con las riendas de la comunidad para dirigirla bajo sus propios intereses, como en las escenas de acción llenas de comicidad y slapstick donde el protagonista se opondrá al aspirante a gobernador. Incluso cuando Blinky Bill deja los límites de Green Patch y se topa con quien podría perfilarse como el villano de la película, un gato vengativo, la historia ofrece secuencias interesantes, del mismo modo que cuando el joven protagonista se encuentra con una koala de zoológico se presenta un dúo cuya contraposición de puntos de vista da bastante juego. Sin embargo, en cuanto los héroes se adentran en el desierto la película pierde fuelle rápidamente, y al final no se profundiza en el desarrollo de los personajes ni en las potencialidades del conflicto, quedándose en una inocente película para niños con corazón y buenas intenciones pero sin el suficiente bagaje como para hacerla interesante para el público familiar.
Gráficamente la película muestra un nivel correcto de ejecución pero sin ningún aspecto que se pueda destacar especialmente, entre unos fondos coloridos y atractivos que sin embargo se hallan modelados e iluminados bajo el el mismo patrón de la mayoría de películas en 3D, y una animación que, si bien se desarrolla aceptablemente y está presente en todas las escenas (sin que debamos ver a los personajes inmóviles que hay que sufrir en muchas películas de presupuesto medio o bajo), muestra a unos personajes que se mueven pero no siempre actúan, y que en pocas ocasiones es reflejo de su personalidad.
Lo mejor: es una película entretenida para el público exclusivamente infantil que les trasladará a los paisajes y la fauna de un país tan lejano y peculiar como Australia.
En contra: "Blinky Bill el Koala" no aprovecha la potencialidad de los personajes y conflictos que traza a su inicio, y se queda en algo bastante aséptico.
The Line es un estudio de animación con sede en Londres y conocido por sus divertidos y arriesgados proyectos. Después de haber estado trabajando por separado durante cerca de diez años, los directores Bjorn-Erik Aschim, Wesley Louis, Sam Taylor, Tim McCourt, Max Taylor y James Duveen decidieron formar The Line en 2013. Una combinación perfecta de seis mentes creativas con algo en común: el amor que desde niños sienten por el cartoon y su empeño por crear historias, diseños, personajes y animaciones espectaculares dedicándose profesionalmente a lo que les apasiona.
Wesley Louis y Sam Taylor fueron dos de los invitados en la última edición del Mercado 3D Wire. Hemos tenido la oportunidad de charlar vía mail con ellos y, de su mano, saber más acerca de lo que es The Line y conocer algunos de sus proyectos a través de esta entrevista.
¿Cómo os conocísteís los miembros de The Line y cómo surgió la decisión de uniros para formar este estudio de animación? Siendo un colectivo, ¿es vuestra forma de trabajo muy diferente de lo que solía ser estando por separado? WL: El que nos llegásemos a reunir surgió de una forma orgánica. Habíamos tenido contacto a través de varios proyectos independientes y algunos de nosotros habíamos estudiamos juntos en diferentes universidades. La mayoría estábamos buscando un entorno en el que poder trabajar en proyectos independientes o personales, por lo que acordamos alquilar juntos un estudio en el este de Londres. En aquel momento Sam y Bjorn Erik-Aschim estaban desarrollando su película "Everything I can see from here" (Todo lo que puedo ver desde aquí), mientras que el resto trabajábamos como freelance o en proyectos personales. En enero de 2013, a Tim McCourt y a mi nos propusieron dirigir un video musical para Porter Robinson y Mat Zo, que más tarde se conocería como "Easy". Los demás en el estudio estaban disponibles en ese momento, así que los contratamos para trabajar en él. Aquella fue la primera vez que todos trabajamos juntos en un mismo proyecto y fue una experiencia increíble. Colaboramos muy bien. A partir de ese momento decidimos, para consolidar nuestro trabajo, convertirnos en un colectivo.
Personalmente, he encontrado ventajas y desventajas en formar parte de un grupo increíble. Estoy rodeado de gente con más talento que yo en las áreas que me resultan más peliagudas, así que cualquier proyecto en el que trabaje, pudiendo colaborar con personas con capacidades que a mi me falten, es un gran activo. El único inconveniente es que siento que tengo menos tendencia a experimentar. Max Taylor, por ejemplo, es un excelente compositor, y eso se traduce en que estoy menos inclinado a componer en mi propio trabajo.
ST: Sí, creo que Wesley lo ha expresado bien. Ser un estudio es una historia diferente a ser un animador independiente. Pero habiendo vivido las dos cosas, puedo decir que formar parte de un equipo me ha aportado infinitamente más. El viaje que hemos hecho ha sido interesante, creo que todos hemos descubierto mucho acerca de cómo hacer las cosas de forma colectiva, pero además siento que hemos ido mejorando mucho en eso a lo largo de los años.
Se podría decir que en general vuestro trabajo tiene un estilo desenfadado y atrevido. ¿Cuáles son vuestros principales planteamientos o directrices cuando os enfrentáis a un nuevo proyecto? WL: Tenemos algunas influencias comunes pero, a grandes rasgos, todos somos muy diferentes. Creo que esa es la principal razón por la que de proyecto a proyecto nuestro trabajo es tan diverso. Pienso que gran parte de nuestro éxito se debe a nuestros proyectos más personales o viscerales. Lo hacemos porque realmente lo sentimos y queremos verlo hecho. Una simple conversación tomando algo entre amigos puede convertirse en un proyecto emocionante. Es un poco impulsivo, improvisado y loco, pero creo que eso es lo que nos hace destacar.
ST: Me encantaría decir que tenemos un manifiesto o algo así, pero, como dice Wes, todos nuestros proyectos no comerciales provienen únicamente de la pasión de alguno de nosotros en una idea y de cómo esa chispa despierta la emoción en los demás.
"Everything I can see from here", vuestro primer cortometraje como The Line, fue nominado a los BAFTA en 2014, un gran debut. ¿Qué significó esta nominación para el estudio? ST: Definitivamente es algo que nos abrió algunas puertas. Cuando empezamos, éramos muy reacios a la idea de tener que pasar por entidades o instituciones que tuviesen que validar nuestro trabajo para que nos aceptasen. Creo que nos hemos relajado en este punto como el paso del tiempo. Hay tal riqueza de contenido ahí fuera en estos días que organizaciones como BAFTA cumplen una función destacando aquellos trabajos de gran calidad.
Respecto a "Super Turbo Atomic Ninja Rabbit", se trata de un proyecto con una historia entrañable detrás. Su origen es un cómic dibujado ti, Wesley, cuando sólo tenías 13 años y solías pasar las mañanas de sábado viendo dibujos animados del ninjas y super héroes. ¿Cómo recuperaste esa idea de la infancia y decidiste convertirla en algo nuevo? ¿Qué podemos encontrar en STANR de esa inspiración original y del cartoon de los 90? WL: Tim McCourt y yo acabamos de terminar de dirigir una película llamada "Drawing Inspiration" e hicimos una tormenta de ideas para una nueva película. Una de ellas fue la de hacer una intro de una serie de dibujos animados al estilo de las de los sábados por la mañana en los años 90. Recuperé mi colección de viejos dibujos y cómics que había hecho de niño, un día los llevé al estudio y los de STANR llamaron la atención de Tim. Se enamoró de aquello. Sinceramente, pensé que estaba loco. STANR era algo que nunca me había tomado en serio realmente, era una mezcolanza de cosas de mis programas favoritos de entonces que sólo había hecho por diversión. Yo en realidad quería basar la intro en otro cómic que había dibujado (todavía podría). Él argumentó que STANR era algo auténtico, ya que se hizo en los años 90 y tenía un de eco de la ingenuidad de esa época. Tenía sentido. Pasó casi un año hasta que me puse con ello. Rina May fue la cantante y compositora del proyecto y otro amigo se unió e hizo una primera versión de la canción. No tenía letra, a excepción de "Super Turbo Atomic Ninja Rabbit". Inmediatamente la canción nos contagió y realmente ayudó a formar las imágenes y la idea de lo que lo que el proyecto podría ser.
Me inspiré en tantas series de cartoon como las que había visto de niño, como "Thundercats" (todavía creo que la intro de aquella serie es la mejor que se ha hecho nunca). Estudié el estilo de animación de Kanada, que en aquella época se había hecho muy popular. Otras series en las que me fijé fueron "Galaxy Rangers", "TMNT" (específicamente el episodio con Usagi Yojimbo), "Samurai Pizza Cats", "Centurions", "Jayce and the Wheeled Warriors", "Inspector Gadget", "Sabre Riders", "Danger Mouse", "Voltron Flying Magical Hats Turbo Adventure" o "Dangaioh", entre muchas otras.
STANR es una especie de proyecto transmedia en torno a una serie ficticia de animación. De alguna manera queríais hacer que otros, e incluso vosotros mismos, creyeran que de verdad existió. ¿Por qué decidisteis abordar el proyecto de esta forma y cómo lo hicisteis?
WL: Para ser sincero, yo realmente sólo quería hacer algo que imitase los dibujos animados de los años 80 y 90. Puse mucho de mí mismo en ese proyecto, ya que era la primera vez desde que me convertí en un animador que tenía que hacer algo que realmente me inspiraba y tenía que ver conmigo. Sin embargo, la naturaleza del proyecto hizo que realmente se transformase en algo más grande, cosa que, mirando hacia atrás, no podría haberme imaginado. Mi idea original era hacer dos versiones: una en 4:3 y calidad VHS y otra en 16:9. En la primera el nombre sería "Super Turbo Atomic Mega Rabbit" y se eliminaría las escenas de artes marciales, haciendo un guiño a las leyes de censura en el Reino Unido que no permitían el uso de la palabra ninja o de ese tipo de lucha en la televisión infantil. Ese es el motivo por el que aquí teníamos a las "Teenage Mutant Hero Turtles" (en lugar de a las "Tortugas Ninja").
Tim y Max pensaron que podíamos llevar la idea más lejos y hacer que la gente creyera que era real. Nunca llegué a estar totalmente convencido de la idea pero tampoco pasaba nada por probarlo. Filtramos cosas en Internet seis meses antes de publicar la intro: vídeos falsos, hojas de modelo y cajas de almuerzo. Cuando finalmente colgamos la intro la reacción fue sorprendente. La gente creía que realmente la serie existía. Algunos incluso juraron haberla visto cuando eran pequeños. Creo que parte de ese éxito es que no se burlaba de los viejos dibujos animados de los años 90. En realidad era más una carta de amor. Quería hacerlo bien. También Max Taylor, que se encargó de la composición, fue muy meticuloso con todos los detalles para que aquello tuviese una apariencia de antiguo, incluyendo el pasarlo a VHS real.
Además del trailer de animación, el libro de arte y el merchandising falso, habéis creado una experiencia de realidad virtual en STANR. ¿Cómo llegasteis a esta idea? ¿Cómo funciona? WL: Muchas de las cosas que han ido pasando con STANR no estaban planificadas. Ha sido como un efecto bola de nieve. Estaba buscando a alguien que modelase el tanque para que me sirviese como una referencia para una escena que tenía que animar. Tenía que dibujarlo a mano, ya que no quería estropear la ilusión de que se trataba de un viejo cartoon. La animación de vehículos sin embargo puede ser bastante difícil sin referencia y, especialmente, siendo ésta la primera vez que lo hacía. Max Taylor me presentó a Tom Flavelle, un modelalor y rigger que ahora es parte del colectivo No GHost. Estaba muy entusiasmado con el proyecto y feliz de poder ayudar. Hizo genial el modelado del tanque e incluso mejoró en algunos aspectos mi diseño, por lo que le pregunté si podría modelar uno de los personajes para que pudiéramos imprimirlo en 3D. Se ofreció a hacerlos todos. Me emocionó la idea de ver aquellos personajes como modelos 3D, así que no podía rechazar su oferta. Nos divertimos mucho colaborando, trasladando los personajes a las tres dimensiones y aprendí mucho de él. Unas semanas más tarde me preguntó qué me parecería crear un juego de realidad virtual en el que uno pudiese sentarse en el tanque con los personajes y experimentar su mundo. No tenía ninguna referencia visual para hacerme una idea de lo que podría resultar a excepción de películas como "The Lawnmower Man" (El cortador de césped) y alguna experiencia de realidad virtual en los 80 y, de nuevo, no pude negarme.
Bjorn Erik-Aschim estaba realmente entusiasmado con la perspectiva de la VR y la nueva tecnología y aportó al proyecto su talento para la dirección artística. Rina May se hizo cargo de componer la música para la animación y de dar voz a la inteligencia artificial del tanque. Box Of Toys Audio, que fueron los responsables del diseño de sonido de la intro, se ofrecieron de nuevo a trabajar para hacer su magia y reorganizar la música para adaptarla a la experiencia.
No habíamos planeado nada de esto y fue un proyecto paralelo completamente inesperado. Todavía no he conocido a algunos de los animadores que han trabajado en él. Recuerdo cuando jugué la primera vez (una versión mucho más antigua). Me quedé sin palabras. Sentarme junto a los personajes que había creado era una experiencia surrealista. Creo que el niño de 13 años que hay en mi alcanzó todos sus sueños en ese momento (risas). Hicimos una exposición sobre STANR y el juego VR se convirtió en una de las principales atracciones. La gente hizo cola durante una hora y media y les encantó la experiencia.
También os habéis atrevido con los videojuegos. El primero que presentasteis, el divertido “Leo’s Red Carpet Rampage”, obtuvo un impacto impresionante en los usuarios y medios de comunicación. ¿Cómo surgió la idea de este proyecto? ¿Cómo valoráis el resultado? ST: Aquella fue otra idea loca que se nos fue de las manos. Bjorn-Erik Aschim lo propuso y como no teníamos mucho entre manos nos apuntamos. Fue una gran experiencia de aprendizaje, y resultó increíblemente gratificante el conseguir tanta repercusión siendo la primera vez que nos enfrentábamos a hacer un juego.
Otro de vuestros éxitos online es el video musical 'Easy' que hicisteis para Porter Robinson y Mat Zo. Hasta la fecha ha recibido más de seis millones de visitas en Youtube. ¿Por qué creéis que ha tenido tanto éxito? ¿Cómo vivís la cantidad de fan art y el seguimiento que ha generado? WL: Estoy bastante sorprendido de que haya tenido más de seis millones de visitas. ¡No sabía que fuesen tantas! Si soy sincero, creo que gran parte de su éxito tiene que ver con el seguimiento masivo que tiene Porter Robinson. Dicho esto, el video en sí ha tenido una respuesta muy positiva y estoy orgulloso de ello. Siempre es asombroso ver a gente vestida como personajes que hemos diseñado o incluso haciendo fan art. Sé que cuando hago fan art, significa que algo ha conectado conmigo, por lo que, humildemente, lo interpreto como que hemos creado algo capaz de hacer eso mismo en otros.
El Ciclope Festival pidió a The Line que hiciera la película de apertura para su edición de 2016, una de vuestras obras más recientes. ¿Cómo abordasteis este proyecto y cuál fue el mayor reto que os encontrasteis en él? ST: Este proyecto lo dirigió Bjorn-Erik Aschim, yo solamente hice una pequeña parte del trabajo al final, pero, de nuevo, fue un proyecto en el que todo el mundo estábamos fuera de nuestra zona de confort. Bjorn decidió desarrollarlo por completo en 3D , a pesar de que ninguno de nosotros realmente dominamos la técnica del 3D. La idea era hacer algo diferente de las típicas aperturas de festivales llamativas que se suelen ver. Queríamos algo tranquilo y meditativo y, a diferencia de la mayor parte de nuestro trabajo, menos centrado en los personajes. Y algo en lo que pudiésemos sacar partido del inmenso talento de Bjorn para el diseño del entornos.
También habéis trabajado en varios proyectos publicitarios, a veces pudiendo proponer ideas locas, como hicisteis para TBS. ¿Cuáles son los aspectos más satisfactorios de trabajar en publicidad? WL: En lo que se refiere a trabajos publicitarios, tratamos de atraer proyectos que vayan con nuestra sensibilidad, igual que en proyectos personales nos aseguramos de producir un trabajo que nos defina individualmente. En mi caso personal, supongo que tengo una estética de animación japonesa, por lo que tiendo a obtener ese tipo de trabajos. Tim es probablemente un poco más atrevido y tiene mucho sentido del humor, así que el proyecto de TBS encajaba de forma natural con él.
Supongo que lo más difícil de trabajar en publicidad es tener que comprometer tus ideas o tu visión. A veces el motivo es una diferencia de opinión, otras veces tiene que ver con aspectos legales. En algunas ocasiones un cliente o una agencia ha dicho algo (en contra de mi propio juicio) que en realidad ha terminado fortaleciendo el proyecto. En muchos sentidos me siento menos dueño del trabajo. En STANR sentía que era algo completamente mío. No es que todas las ideas fuesen mías, pero tuve la última palabra sobre todo. En un proyecto comercial la realidad es que no. Tienes que abordarlos con una mentalidad diferente, algo que todavía estoy aprendiendo a hacer.
Wesley, una parte importante de tu trabajo en The Line es el diseño de personajes. Al pensar en cómo va a ser un personaje, ¿qué tienes en cuenta? ¿Cuáles son tus referencias? Y de los personajes que has creado, ¿cuál dirías que es el más especial para ti? WL: Esa es una pregunta difícil. La verdad es que nunca me he considerado un diseñador de personajes, aunque otras personas lo hacen y supongo que es una fortaleza que tengo dentro del equipo (todos en el equipo han diseñado personajes en un momento u otro). Trato de tener en cuenta el estilo, cómo se mueve este personaje y, en general, lo que me atrae de él. Nunca he tenido que diseñar un personaje que realmente tuviera que actuar y transmitir emoción, infundirle una auténtica personalidad con la que uno pueda empatizar completamente. Espero hacerlo algún día. Me encantan los personajes de STANR y el de Maki en "Easy". Fue divertido diseñarlos y he recibido muy buena respuesta a todos ellos.
¿Habéis considerado la posibilidad de desarrollar algún largometraje en el futuro? Si ese es el caso, ¿cómo sería esta película? WL: Personalmente no. En este momento no tengo ideas para algo así y me parece una aventura demasiado grande. Quizás después de que STANR se convierta en una serie (algo en lo que estoy trabajando) lo vea de otra forma.
ST: Wes y yo empezamos nuestras carreras trabajando en un largometraje muy grande, "The Illusionist", de Sylvain Chomet. Fue una experiencia de aprendizaje increíble, pero también tres años de mi vida, y creo que dos de la de Wes. Como resultado creo que los dos comprendemos bien la inversión y el sacrificio que conlleva el involucrarse en un proyecto de animación de esa escala. A pesar de esto, el largometraje es el formato que más me gusta para un proyecto de animación. Me encantaría que alguno de nosotros abordara un proyecto de largo en algún momento. Tenemos algunos guiones e ideas que nos gustaría desarrollar. Puede que sea algo aún un poco lejano, pero nunca se sabe. ¡Estad atentos!
Habiendo pasado 13 años desde su aclamada "Mind Game", su director Masaaki Yuasa se encuentra trabajando en su estudio Science Saru no en una, sino en dos películas, que se van a estrenar este año distribuidas por TOHO.
Una de ellas, a estrenar el 7 de abril, se titula "Yoru wa Mijikashi Arukeyo Otome" (traducible en algo así como La Noche es Corta, Sigue Caminando Chica), y es una película romántica de corte fantástico basada en la novela homónima de Tomihiko Morimi. La historia se desarrolla en Kyoto y sigue a un estudiante a punto de diplomarse, llamado Sempai, que se enamora de una estudiante novata a su cargo y trata de ganarse su atención.
El mismo equipo que adaptó al animé otra de las novelas de Tomihiko Morimi, "The Tatami Galaxy" está trabajando en esta película: además de Masaaki Yuasa, Makoto Ueda se encarga del guión y Yusuke Nakamura está tras los diseños de personajes.
Por otra parte, el 19 de mayo se estrenará otra película en la que Masaaki Yuasa y su estudio están trabajando, titulada "Yoake Tsugeru Lu no Uta" (algo así como Lu Sobre la Pared, o "La Canción de Lu que Informa del Amanecer"). Se tratará de la primera película de Yuasa basada en un guión original, cuya historia se desarrolla en una ciudad portuaria donde un pesimista estudiante de grado medio llamado Kai conoce a una sirena llamada Lu.
Aparte de dirigir, Yuasa ha colaborado con Reiko Yoshida (Non Non Biyori, Tamako Market) sobre el guión, mientras que la mangaka Yōko Nemu (Gozen 3-ji no Muhōchitai) ha trabajado en los diseños originales de los personajes y Nobutake Ito (Kaiba, Ping Pong) los ha adaptado para la película, además de ejercer de director de animación. Hiroshi Ohno (Wolf Children, Strawberry Marshmallow) asume la responsabilidad de director de arte, mientras que Eriko Kimura (The Tatami Galaxy, Ponyo) estará como director de sonido, y Batisto Perón se incorpora como director de fotografía. Asimismo, Abel Góngora (Garo the Animation) y Juan Manuel Laguna (Garo the Animation) se encargan de la animación en Flash. Finalmente, Takatsugu Muramatsu (El Recuerdo de Marnie) compone la música, y el otro fundador del estudio, Eunyoung Choi (animador Kick-Heart y Ping Pong), estará en la producción.
Comprometida con la idea de incrementar sus producciones y continuar ofreciendo una distintiva mezcla de películas familiares, Sony Pictures Animation ha dado a conocer el listado de largometrajes de animación programados hasta 2018 junto a una mención a la futura película que en la que va a estar implicado el ganador de un Pulitzer Lin-Manuel Miranda. La presidenta de Sony Pictures Animation, Kristine Belson, afirmó que están orgullosos de las películas de autor que van a hacer llegar al mercado, cuya abundancia, variedad y calidad son testimonio de la riqueza de talentos creativos que consideran a Sony Pictures Animation su hogar.
Las previsiones son las siguientes:
LOS PITUFOS: LA ALDEA ESCONDIDA (Estreno el 7 de abril de 2017)
El nuevo casting de voces incluye a: Michelle Rodriguez (SmurfStorm), Ellie Kemper (SmurfBlossom), Ariel Winter (SmurfLily) y Julia Roberts (SmurfWillow), todas residentes de la Aldea Escondida del título. Asimismo habrá cameos especiales de: Gordon Ramsay (Panadero), Gabriel Iglesias (Bromista), Tituss Burgess (Vanidoso), Jeff Dunham (Granjero), Jake Johnson (Gruñón), y el director Kelly Asbury (Fisgón).
El casting ya anunciado de voces incluye a Demi Lovato (Pitufina), Rainn Wilson (Gargamel), Joe Manganiello (Forzudo), Jack McBrayer (Torpe), Danny Pudi (Sabiondo), y Mandy Patinkin (Papa Pitufo).
La película está dirigida por Kelly Asbury (SHREK 2), producida por Jordan Kerner (CHARLOTTE’S WEB) y Mary Ellen Bauder Andrews (HOTEL TRANSYLVANIA), y escrita por Stacey Harman y Pamela Ribon, a partir de los personajes y trabajos de Peyo. La animación digital corre a cargo de Sony Pictures Imageworks.
En esta nueva aproximación a los Pitufos, completamente animada, un mapa misterioso lleva a Pitufina y a sus mejores amigos Sabiondo, Torpe y Forzudo a una carrera emocionante y excitante a través del Bosque Prohibido, lleno de criaturas mágicas, para encontrar una misteriosa aldea escondida antes de que lo haga el malvado brujo Gargamel. Embarcándose en un trepidante viaje lleno de acción y peligro, los Pitufos están en un camino que les llevará a descubrir ¡el mayor secreto de la historia de los Pitufos!
A continuación podéis ver cuatro nuevas imágenes:
THE EMOJI MOVIE (Estreno el 4 de agosto de 2017)
Nuevo casting de voces: Jennifer Coolidge ( Mary Meh, la madre de Gene), Maya Rudolph (Sonrisa), Jake T. Austin (Alex), y Sir Patrick Stewart (Caca).
El casting de voces previamente anunciado incluye a T.J. Miller (Gene), James Corden (Hi-5), Ilana Glazer (Jailbreak) y Steven Wright ( Mel Meh, padre de Gene).
La película está dirigida por Tony Leondis, producida por Michelle Raimo Kouyate, y escrita por Tony Leondis & Eric Siegel y Mike White. Animación digital de Sony Pictures Imageworks.
THE EMOJI MOVIE desvela por primera vez el mundo secreto que existe dentro de tu smartphone. Escondida en el interior de la app de mensajería está Textopolis, una atestada ciudad donde viven todos tus emoticonos favoritos, esperando a ser seleccionados por el usuario del teléfono. En este mundo, cada emoticono tiene sólo una expresión facial – excepto Gene, un exuberante emoticono que nació sin filtro y alberga múltiples expresiones. Determinado a convertirse en “normal” como todos los demás emoticonos, Gene busca la ayuda de su talentudo mejor amigo Hi-5 y de la famosa emoticono decodificadora Jailbreak. Juntos, se embarcan en una épica “app-ventura” a través de las apps del teléfono, cada una con su propio mundo salvaje y divertido, para encontrar el código que arreglará a Gene. Pero cuando un gran peligro amenaza al teléfono, el destino de todos los emoticonos dependerá de estos tres improbables amigos que deberán salvar su mundo antes de que sea borrado para siempre.
THE STAR (Estreno el 10 de noviembre de 2017)
El casting de voces estará encabezado por Steven Yeun (el burro Bo), Kelly Clarkson (la yegua Leah), Aidy Bryant (la oveja Ruth), Keegan-Michael Key (el palomo Dave), Kristin Chenoweth (Ratón), Anthony Anderson (la cabra Zach), Gabriel Iglesias (el perro Rufus), Ving Rhames (el perro Thaddeus), Delilah Rene (Elizabeth), Kris Kristofferson (Viejo Burro), Gina Rodriguez (María), y Zachary Levi (José), con Oprah Winfrey (Deborah), Tyler Perry (Cyrus) y Tracy Morgan (Felix) como los tres camellos, y Christopher Plummer (Rey Herodes).
THE STAR está dirigida por el guionista/director nominado a los Academy Award® Timothy Reckart (HEAD OVER HEELS); con producción ejecutiva de DeVon Franklin (MIRACLES FROM HEAVEN), Lisa Henson y Brian Henson (The Jim Henson Company); producida por Jenni Magee Cook; a partir de una historia de Carlos Kotkin y Simon Moore; y guión de Carlos Kotkin. Animación digital a cargo de Cinesite Studios.
Un pequeño pero valiente burro llamado Bo aspira a una vida más allá de la piedra de moler en el molino del pueblo. Un día encuentra el coraje para escapar, y finalmente se embarca en la aventura de sus sueños. En su viaje, se junta con Ruth, una amable oveja que ha perdido su rebaño y Dave, un palomo con nobles aspiraciones. Junto a tres chistosos camellos y algunos animales de establo algo excéntricos, Bo y sus nuevos amigos siguen la Estrella y se convierten en héroes accidentales en la mayor historia jamás contada – la primera Navidad.
HOTEL TRANSYLVANIA 3 (Estreno el 21 de septiembre de 2018)
Mavis sorprende a Dracula con un viaje familiar en un Crucero de Lujo para Monstruos para que pueda tomar sus propias vacaciones de preocuparse por las vacaciones de todos los demás en el hotel. El resto de la Panda de Drac no puede resistirse a añadirse y una vez dejan el puerto, salta la chispa del romance en Drac cuando conoce a la misteriosa capitana del barco Ericka. Ahora le corresponde a Mavis hacer de padre sobreprotector, manteniendo apartados a su padre y a Ericka. Poco saben que su “demasiado bueno para ser cierto” interés amoroso es en realidad una descendiente de Van Helsing, ¡archienemigo de Dracula y de todos los monstruos!
El conjunto de voces ya célebres vuelve, incluyendo a Adam Sandler (Dracula), Selena Gomez (Mavis) y Andy Samberg (Johnny).
El director Genndy Tartakovsky (SAMURAI JACK, STAR WARS: CLONE WARS) vuelve a ocupar la silla de dirección, junto a Michelle Murdocca de nuevo en la producción y Adam Sandler en la producción ejecutiva, con un guión de Genndy Tartakovsky y Michael McCullers (AUSTIN POWERS: LA ESPÍA QUE ME ACHUCHÓ).
Además del largometraje, un nuevo corto de animación titulado PUPPY, dirigido por el director de HOTEL TRANSYLVANIA Genndy Tartakovsky, se estrenará en los cines junto a THE EMOJI MOVIE en agosto del 2017. En el corto, los residentes de Hotel Transylvania encuentran su mundo totalmente de patas arriba cuando el joven Dennis obtiene ¡una mascota sorpresa de un tamaño monstruoso!
PELÍCULA DE SPIDER-MAN SIN TÍTULO (21 de diciembre de 2018)
De Phil Lord & Christopher Miller, los genios tras THE LEGO MOVIE, llega un largometraje animado de SPIDER-MAN protagonizado por Miles Morales.
La película está dirigida por Bob Persichetti (guionista jefe de EL GATO CON BOTAS y EL PRINCIPITO) y Peter Ramsey (EL ORIGEN DE LOS GUARDIANES). La película está escrita por Phil Lord. Avi Arad (IRON MAN, SPIDER-MAN), Amy Pascal (SPIDER-MAN: HOMECOMING), Phil Lord & Christopher Miller (película sin título de HAN SOLO) están en la producción ejecutiva; y Christina Steinberg (TROLLHUNTERS) produce.
VIVO (Estreno el 18 de diciembre de 2020)
Lin-Manuel Miranda, el premiado (ganador del Emmy, Tony, Grammy, Olivier, Premio Pulitzer y MacArthur “Genius Grant”) genio creativo tras el revolucionario musical de Broadway HAMILTON, escribe nuevas canciones para este largometraje musical de animación. El director nominado a los Academy Award® Kirk De Micco (LOS CROODS) dirigirá a partir de un guión de la ganadora del Premio Pulitzer Quiara Alegría Hudes (IN THE HEIGHTS). El productor nominado a los Academy Award® Laurence Mark (DREAMGIRLS, JULIE & JULIA) servirá como productor ejecutivo, y Lisa Stewart (ALMOST FAMOUS) produce.
En "Tadeo Jones 2: El Secreto del Rey Midas", Tadeo viaja a España. El albañil con alma de arqueólogo más famoso mundo, emprende viaje, queriendo o por accidente, allá donde haya un misterio que resolver. Y en sus nuevas aventuras, en las que junto a Sarah, Jeff y Belzoni tratará de descubrir El secreto del Rey Midas, las pistas llevarán a Tadeo, entre otras localizaciones, nada menos que hasta nuestro país.
Concretamente a Granada, donde seguiremos a los personajes por la Cuesta del Chapiz, la Carrera del Darro o El Albaicín, descubriremos misterios hasta ahora ocultos de La Alhambra, con los Jardines del Partal o el Patio de los Leones como protagonistas, o veremos cómo luce la ciudad en un soleado día con Sierra Nevada de fondo. Otros lugares de la provincia como Motril o parte de la costa también estarán presentes en la película.
El paso de Tadeo Jones por Granada, clave en la trama de esta nueva entrega, dio lugar a casi un año de trabajo conjunto de los productores de la película y Mediaset España con el Ayuntamiento de Granada, el Patronato Provincial de Turismo, el Patronato de La Alhambra y Generalife y la Consejería de Turismo de la Junta de Andalucía. Como resultado, las espectaculares recreaciones que han conseguido los animadores de la cinta de tan conocidos y emblemáticos lugares.
Fruto también de este trabajo común, "Tadeo Jones 2. El secreto del Rey Midas" formará parte de las actividades de promoción de la región en su stand en Fitur, Feria Internacional de Turismo, que tiene lugar en Madrid desde hoy miércoles hasta el domingo 22. El vínculo entre nuestro querido aventurero y Granada se completará además con un pase muy especial en la ciudad previo al estreno en cines el próximo 25 de Agosto.
El hecho de que Las aventuras de Tadeo Jones alcanzara en 2012 niveles históricos de recaudación en España, siendo la película de animación más taquillera en nuestro país, y una enorme dimensión internacional tras estrenarse en más de 40 países convirtiéndose en un éxito desde China a Latinoamérica, pasando por Reino Unido, Francia, Alemania, Italia, Países Bajos, Turquía, Corea del Sur o Rusia, hacen de esta segunda parte de la saga una auténtica plataforma turística para sus localizaciones.
Es por ello que esta colaboración entre los productores y las instituciones granadinas se ha convertido en un aliciente más dentro del proceso de creación de la película y en un bonito impulso para la promoción exterior de nuestro cine y nuestros mejores destinos. Entradas relacionadas: Vuelve Tadeo Jones (30 de noviembre 2016)
Tras su paso por Mi Primer Festival y el Festival de Gijón y un recorrido por más de 40 festivales llega a nuestras pantallas esta colorida road movie infantil que se articula en torno a la aventura de tener nuevos hermanos o hermanas, embarcando al espectador en un extraordinario viaje a través de fantásticos mundos llenos de imaginación y personajes que rebosan alegría y buen humor.
"El Regalo de Molly Monster" (2015) es una co-producción alemana, sueca y suiza, basada en el universo creado hace casi dos décadas por Ted y Andrea Sieger con el libro "Die Kleine Monsterin schläft nicht in ihrem Bett", que dio lugar a un cortometraje y a la serie de TV "Ted Sieger's Molly Monster", así como a una colección de cuentos ilustrados. El mismo Ted Sieger, a partir de un guión de John Chambers basado en una idea desarrollada entre él y el primero, dirige la película junto a dos de sus viejos colaboradores, el sueco Michael Ekblad y el alemán Matthias Bruhn, los tres con experiencia en la realización de trabajos de animación y particularmente en la creación del mundo de Molly Monster, que con este título protagoniza su primer largometraje.
Molly Monster es la única y queridísima hija de Popo y Etna Monster y su vida suele transcurrir en el entorno familiar, jugando con su mejor amigo, Edison, un juguete de cuerda que tiene vida propia. Pero la familia Monster va a tener un nuevo miembro, y Molly se encuentra entusiasmada tejiendo un gorro para su hermanito, que todavía es solo un huevo que debe ser incubado en la fantástica Isla de los Huevos, a la que Molly no puede viajar por ser muy pequeña. Pero cuando descubre que a sus padres se les ha olvidado su regalo, decide ir a su encuentro, embarcándose en una gran aventura junto a Edison.
Bajo la envoltura de una amable y mágica historia de aventuras, la película trata de otro reto como es el de dejar de ser hijo/a único/a para pasar a ser hermano o hermana, y a través de sus personajes nos muestra diferentes situaciones o sentimientos a los que ese cambio suele dar lugar: Molly es una chiquilla alegre, simpática y decidida, que se encuentra muy ilusionada por la idea de tener un hermanito, y al mismo tiempo entiende que su nuevo estatus de hermana mayor le da cierto grado de adultez que sus padres no consiguen ver; Edison manifiesta el vértigo que le da pensar que dejará de ser el mejor amigo de Molly y pasará a segundo término una vez nazca su hermanito, un miedo que muchos niños experimentan respecto de sus padres cuando ha de llegar un nuevo hermano; los tíos de Molly, Alfredo y Santiago, demuestran que los hermanos siempre están allí para lo que se les necesite y que se puede siempre contar con ellos; y los imperdibles Hick y Hack son el ejemplo perfecto de que los hermanos a menudo se encuentran enzarzados en peleas y discusiones, pero en el fondo se quieren más que a nada en el mundo.
Todo ello le da el fondo a una historia sencilla como la de "El Regalo de Molly Monster", desarrollada de la mejor forma para ser seguida y entendida por los más pequeños, y donde son especialmente valiosos, además de su buen humor y su alegre banda musical, sus carismáticos y variopintos personajes y sus escenarios llenos de fantasía y color. Ted Sieger y su equipo han desplegado para el joven espectador un mundo con una personalidad muy propia donde los monstruos no dan miedo y cruzan paisajes de sueño en los que a cualquier niño le encantaría estar, como el abigarrado tren de los dragones o las Montañas Muy Muy Salvajes, donde siempre se encontrará a alguien dispuesto a ayudar.
Visualmente es una película muy atractiva para el público infantil, que se encontrará con agradables formas redondeadas en un mundo abigarrado pero no confuso como el de Molly Monster, cuyo hogar no tiene paredes, lleno de colorido y ofreciendo ingeniosos y sorprendentes artilugios como el vehículo en que se desplaza la familia Monster o el teleférico con pedales de los hermanos Hick y Hack, así como infinidad de criaturas originales, entre las cuales los narigudos y serpenteantes habitantes de las Montañas Muy Muy Salvajes o los mismos dragones montaña.
Además es una excelente oportunidad para acercar a los niños y niñas a las cada vez más escasas películas de animación tradicional en 2D, animadas dibujo a dibujo en una evidente demostración de trabajo artesanal donde la belleza de las ilustraciones adquiere toda su dimensionalidad y el trazo da a los personajes una vitalidad especial que el 3D no ha conseguido todavía igualar.
