Entrevista al equipo de "Just the Beginning"

Entre los cortometrajes seleccionados en la sección Animazine de la 19ª edición del Festival de Cine de Málaga, que este año no cuenta con largometrajes de animación, se encuentra el corto madrileño "Just the Beginning". Ganador de la categoría de ‘Proyecto de Corto’ SUMMA 3D 2015, está escrito (junto a Kenny Ruiz) y dirigido por Abraham López, nominado al Premio Goya 2014 por su corto de animación "Blue & Malone" y supervisor de animación en el largometraje de animación 3D "Deep" de The Thinklab.

La novedad de "Just the Beginning", producido por el estudio The Beat #7 de ESDIP con un equipo formado por alumnos de la escuela junto a reconocidos profesionales del sector (entre los cuales, Kenny Ruiz, storyboard artist y autor del famoso cómic "Dos Espadas", Mario Serrano, animador en "Chico y Rita" y "El Ilusionista" y director del cortometraje "300.000$", y Marcos Francos, VFX artist en "Juego de Tronos"), es haber conseguido unos resultados a la altura de las grandes producciones 3D. "JustTheBeginning" es una producción de estética colorista, llena de humor y acción, que narra una aventura galáctica con el protagonista más canalla de todo el universo. En palabras de su director: "Se trata de una comedia satírica y políticamente incorrecta protagonizada por Buck, un héroe de alquiler que ha perdido la ilusión porque, aunque  seas un héroe... ¿Quién va al trabajo con ganas todos los días?"; Buck tendrá que acudir a un conflicto en el planeta Cubi a pesar de que no es la misión que más le apetece, pero es la que necesitaba para recordarse a sí mismo que si no eres un héroe todos los días, puede que acabes siendo un villano para siempre.

Nuestra incansable colaboradora Marta Jiménez estuvo en la escuela ESDIP con Abraham López (director, guionista y director de animación en el corto) y parte del equipo de "Just the Beginning" para que compartieran con nosotros su experiencia en la producción del corto: entre ellos, Manuel Carbajo (Director de Producción, Render, Edición y Postproducción de Imagen), Sebastián Urcelay (Ayudante de Dirección, Layout, Shading/Texturas, Animación, VFX) y Jorge San Martín (Ayudante de Producción, Edición y Postproducción de Imagen).

Abraham, ¿Qué desafíos y diferencias ha supuesto estar trabajando en un corto como “Just the Beginning” al tiempo que estabas supervisando la animación de “Deep”?

 ABRAHAM LÓPEZ: He utilizado muchas de las cosas que he aprendido en "Just the Beginning" para "Deep", ya que justo cuando estaba terminando el corto me incorporé a la película. En mi trabajo en "Deep", muy orientado a la producción, trataba de que la película quedara lo mejor posible con las cuotas que había, dentro de los límites. Muchas de las medidas que apliqué para transmitir las ideas y motivar en "Just the Beginning" las usé en "Deep", como por ejemplo darle mucha importancia al acting y la interpretación. Comentaba con los animadores de manera creativa cómo iban a enfocar los planos; entonces, yo los analizaba y les proponía soluciones para ahorrar tiempo y ganar eficacia, y todo esto lo traje de "Just The Beginning", donde la animación la hicimos en dos meses y la mitad de los animadores eran profesionales y la otra mitad eran alumnos.
Cuando volví de "Deep", "Just The Beginning" no estaba terminado y volqué muchas de las cosas que había aprendido allí. Ha sido como un “ying-yang”, porque lo que aprendes en una producción grande, lo aplicas en una pequeña. "Just The Beginning" es un cruce de mares: no se puede decir que sea un corto completamente profesional, porque la mitad está hecha por alumnos. Por ejemplo, el modelado está creado íntegramente por ellos.

¿Qué supone dirigir a un grupo de estudiantes junto a profesionales experimentados como Mario Serrano, Kenny Ruiz o Marcos Francos?

ABRAHAM: Supone ser un director todoterreno. Te las tienes que ver con profesionales con mucha experiencia, como por ejemplo nuestro asesor creativo Mario Serrano, profesional con muchísima experiencia, que ha trabajado en dos proyectos nominados a los Oscar (Chico y Rita, El Ilusionista), y a su vez con alumnos en proceso de aprendizaje y sin experiencia en producciones.  Además, hemos contado con José Robledo, profesor de color de ESDIP, que ha conseguido en gran parte la belleza que hay detrás del corto gracias a sus color keys. El mérito de el color y la iluminación se lo debemos a José Robledo y a Esther Encabo, la directora técnica e iluminadora.
En cuanto a tiempos, hemos hecho 7 minutos de animación con un equipo semi profesional en 1 año y 8 meses, con el mínimo presupuesto posible. Hemos sido muy efectivos porque hemos conseguido dividir intereses. El centro era el guión, la idea y la animación.
Actualmente estamos con la segunda parte de "Blue y Malone", que ya es una coproducción. La escuela coproduce con dos productoras más: Virtual IT, una productora inglesa, y El Viaje Imposible.

MANUEL CARBAJO: A nivel de alumnado, varios estudiantes que pasaron por ESDIP y después han sido formados en esta productora durante algún tiempo han dado el salto al mundo laboral y no les ha parecido extraño, porque vienen fogueados de esta productora. Pueden enfrentarse a los retos que les surgen, conocen cómo funciona un pipeline de animación, el desarrollo de producción...
Aquí lo hacemos todo a la vista. En la productora, en un momento de máximo apogeo, trabajamos alumnos y profesores codo con codo. Evidentemente contamos con una mínima jerarquía, y tratamos de que sea lo más horizontal posible. Al ser un producto híbrido entre profesionales y alumnos, a nivel académico-pedagógico está funcionando muy bien, y en cuanto a producción, a pesar de todos los problemas con los que nos hemos encontrado, también.
Desde producción, sin duda la mayor dificultad fue la gestión de tiempos, porque nuestra obsesión era terminarlo. ¡ Y terminarlo en plazos !
"Just The beginning" es un corto de semi-escuela, en un universo que ya existía, donde quisimos que hubiese ciertas cosas como personajes, multitudes, naves espaciales...

El inicio de “Just the Beginning” huele a película de detectives, y el mismo desenfado y descaro con que Buck mira a la vida caracterizaba también a Mortando Malone ¿es un homenaje a “Blue & Malone” o es que te atraen este tipo de historias?

ABRAHAM: El universo original de "Just The Beginning" lo creó Kenny Ruiz. Me mostró un personaje y una animática de un par de minutos que funcionaba muy bien, pero no me vi reflejado en ella porque echaba de menos un toque de ironía. Para mi gusto, la ironía forma parte del cine. Si lo que vas a crear no tiene un diálogo paradójico entre lo que ves y lo que significa, le falta algo. Es más importante lo que se está sugiriendo antes de lo que se ve.
Sin niños, no hay amigos imaginarios. En "Blue & Malone" hay un poco de eso. ¡ Son héroes, y a la vez son trágicos ! Los niños les necesitan, pero ellos necesitan a los niños.
¡Tony, el tigre de los cereales, y el dragón Elliot fueron mis amigos imaginarios de pequeño ! Ahí queda reflejado que "Blue & Malone" sale de las tripas. A pesar de ser un corto industrial que busca levantar un proyecto, tiene su propia mirada de autor.
Entonces, el universo que creó Kenny era genial; técnicamente complejo, pero se sostenía muy bien. El problema era que yo no me veía ahí como director, así que cogí su universo y me coloqué dentro como creador, con mi propia mirada. Al principio, "Just The Beginning" trataba de un personaje inexperto, al que todo asustaba, y llegaba a un planeta desconocido hasta que conoce las reglas internas. Al final, conoce tan bien el planeta que, por ejemplo, utiliza al monstruo para partir un coco. Y yo dije, ¡vamos a empezar ahí ! En el final de esta historia vamos a comenzar nuestro corto. ¿Cuánto tiempo lleva Buck salvando la galaxia? Demasiado. Ese es el punto de arranque de "Just The Beginning".
Es cierto que me atraen las historias con detectives, aventureros galácticos, guerreros romanos... Personajes que se salgan un poco de lo común. Después nos preguntamos, ¿qué pasa con alguien que está cansado de salvar la galaxia? Pues que probablemente la pifie. En la primera reunión, cuando le propuse esta historia a Kenny, me dió el OK porque la historia se había convertido en nosotros.
Soy un director de equipo, y aunque "Just The Beginning" tenga mi huella personal, el resultado final es una creación de todos los que participamos en él. Juego en equipo, pero también selecciono las ideas de los componentes.

MANUEL: Nos atraía la idea de convertir algo que resulta espectacular en un trabajo rutinario. Además, nos parecía esencial que existiese la ironía y el giro de los acontecimientos.
Tras un segundo visionado de "Just The Beginning", mucha gente ha encontrado detalles que no había apreciado, han unido cabos a nivel narrativo y audiovisual, y es realmente satisfactorio porque cuando esto ocurre y hay una relectura significa que el trabajo previo es muy bueno. Había un primer "Just The Beginning" que descartamos por completo, del que ya teníamos una animática y estábamos a punto de empezar animación. El personaje principal estaba riggeado, y finalmente decidimos comenzarlo de nuevo. Y ganó, ganó mucho.

¿Qué significa para vosotros haber visto seleccionado vuestro corto para el Festival de Málaga? 

MANUEL: Una prueba de que hemos hecho un buen trabajo, precisamente por la naturaleza de "Just The Beginning", que es la de un proyecto híbrido.
Además del reconocimiento por nuestro trabajo, me encanta ver la ilusión de todos los alumnos que han participado en este proyecto. Hace un año y medio, ninguno de ellos imaginaba que nuestro corto podría llegar a estas alturas, y ver la recompensa tras todo este tiempo y esfuerzo.
Haber creado un corto entre profesionales y alumnos, y que nos hayan seleccionado en uno de los destivales de cine más importantes del país, sin haber discriminado si es un corto de escuela... ¡Es definitivamente genial!

¿Qué diríais que ha sido lo más complicado de “Just the Beginning”? 

JORGE SAN MARTÍN: Cerrar una historia que funcionase bien. Nos llevó bastante tiempo cerrar una buena animática y story porque queríamos conseguir un resultado excelente.
Además, la presión del equipo, las fechas de entrega... Hubo un momento algo complicado porque nos sentíamos un poco agotados, y entonces el equipo trabajó muy duro y conseguimos salir adelante.

SEBASTIÁN URCELAY: Nos demoramos bastante en la preproducción, con cambios en el diseño de personajes que nos atrasaron meses. Creo que lo más costoso ha sido, durante la producción, arreglar los errores que cometimos en la preproducción.
Fuera de eso, diría que congeniar un trabajo de alumnos con profesionales y la presión que ello conlleva, sabiendo que en cualquier momento alguien puede dejar el equipo.
Además, por supuesto trabajar con alumnos sin experiencia en un proyecto con una subvención y fechas cerradas. Trabajar con gente que no tenía fechas en algo que si las tenía.

¿Y de qué estáis más satisfechos?

JORGE: ¡De haberlo terminado con los medios que teníamos, sin duda! "Just The Beginning" poco a poco va pillando reconocimiento, no sólo por estar nominados en Málaga sino por la carrera que tiene por delante en corto.
Pero de lo que más satisfecho estoy es del trabajo en equipo, que hayamos sabido trabajar juntos alumnos, profesores y profesionales. Personalmente me parece alucinante poder sentirme parte de un proyecto, haber pasado por todas las fases y conocer los detalles. Además, aprendes un poco de todo, y le coges mucho cariño al proyecto.

SEBAS: Al principio no sabíamos muy bien a lo que nos enfrentábamos, pero finalmente el resultado es muy bueno y lo más importante es que todos hemos aprendido.
Los premios y nominaciones... Bueno, me parecen bien. Cuando nos seleccionaron en el festival de Málaga, pensé en lo feliz que iba a estar Abraham, y me alegré por ello. Pero yo, personalmente, ya me siento satisfecho con el resultado que hemos obtenido. Fue muy emocionante cuando pude ver el corto terminado desde casa.

Abraham, tras haber dirigido ya varios cortos y haber estado supervisando la animación de “Deep”, ¿cuándo veremos un largometraje dirigido por ti? ¿Está cerca de hacerse realidad el proyecto “El Viaje Imposible”?

 ABRAHAM: Tenemos productor ejecutivo y financiación para teaser (tanto de largo como de corto), y estamos en el camino. Aún no puedo decir nada sólido, y "El Viaje Imposible" está empezando a ocurrir, pero todavía no sé para cuando. Si todo sale bien y salimos hacia delante, me gustaría hacer ésta película en España, dónde hay una creatividad alucinante.
Por ahora, el problema está siendo que nosotros somos gente de estudio, de trabajar en producciones de animación, pero no somos agentes de ventas ni demasiado buenos en las relaciones públicas. Además, si conseguimos financiación, la utilizamos para producir. ¡ Estamos en ello!
Además, también hay gente interesada en "Blue & Malone" como corto intermedio hasta un largo. Entonces, los proyectos van hacia delante, aunque poco a poco.

¿Cómo véis el talento que se está formando actualmente en el país?

SEBAS: Tengo poca visión, ya que cuando yo llegué a España era el segundo año de la crisis gorda. Llegué a un país en el que todos los estudios estaban cerrando, pero ahora todo ha cambiado. Algo que no pasaba cuando yo empecé en esta productora es tener problemas a la hora de encontrar profesionales, gracias a la gran oferta que hay ahora mismo. Ésto está floreciendo.

JORGE: En teoría son ciclos, y ¡ahora viene el bueno! La animación está en ebullición, y los proyectos que vienen son muy interesantes.

Como jóvenes profesionales, ¿tenéis idea de trabajar en España o marcharos a trabajar fuera?

JORGE: Mi idea es quedarme aquí trabajando. Evidentemente nos tocará movernos, pero por cosas puntuales. Proyectos de seis o nueve meses, perfecto. Pero mi intención es poder trabajar en España.

SEBAS: Yo ya estoy fuera de casa,  mi familia ya está lejos! Ya me despedí de ellos. Entonces, por ahora estoy muy bien acá pero si me llaman del país de al lado y la oferta es buena, me marcharía sin dudarlo.


Agradecemos a todos los entrevistados su participación y les deseamos suerte en el recorrido de "Just the Beginning" y en sus proyectos profesionales. A continuación podéis ver una muestra del impresionante trabajo de preproducción y desarrollo del cortometraje, así como el teaser.

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The Thinklab nos sumergerá en Deep (16 de octubre 2015)

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Festival NonStop regresa a Barcelona con grandes novedades

Entre los días 18 y 22 del próximo mes de mayo regresará a Barcelona el Festival NonStop, que en su tercera edición adquiere mayor dimensión al albergar la organización, por primera vez en Europa y con el apoyo de la Escuela Joso, del Creative Juice Seminar, una serie de clases magistrales de 2 horas de duración para cada ponente llevadas a cabo por artistas internacionales del Concept Art de la industria del entretenimiento (televisión, cine y videojuegos) como Anthony Jones, Dan Luvisi, Kalen Chock, John Polidora, Gerald Parel y Maki Planas, cuyos proyectos y clientes comprenden empresas destacadas como Fox, Disney, Star Wars, Microsoft, ILM, Blizzard..., entre muchos otros.
El cartel de la edición 2016 ha sido diseñado por el ilustrador, animador y director israelí Avi Ofer, que cuenta en su filmografía con títulos como "Ella takes World cup", "Get the Picture" o el premiado "Behind the trees", y cuyas obras se han expuesto en muestras de arte y festivales de todo el mundo.

En el apartado de proyecciones, junto a la competición de cortos, el festival traerá dos largometrajes de animación que no se han estrenado todavía en nuestro país: por una parte, "Adama", del director francés Simon Rouby, y producida por Naïa Productions, Pipangaï, France 3 cinéma y OCS, que ha sido seleccionada en multitud de festivales internacionales; y por otra parte, "DOFUS Libro 1: Julith", producción francesa de Anthony Roux, fundador del estudio Ankama (que estará en el festival contando de primera mano la trayectoria del estudio y de sus marcas transmedia) y Jean Jackes Denis.
La historia de "Adama" gira en torno a un niño de doce años que osa adentrarse en los acantilados prohibidos que rodean el poblado del África occidental donde vive. Al desaparecer su hermano Samba, Adama cree que se ha debido a que ha ofendido a los malos espíritus, y parte en su busca, atravesando desiertos, ciudades y mares hasta llegar a Europa; allí se dará cuenta de que no han sido los malos espíritus los que se han llevado a Samba, sino humanos, que lo han introducido en el conflicto de la Primera Guerra Mundial. Producida con una mezcla de animación 2D para los fondos y 3D para los personajes, consigue que estos aparezcan como más reales, mientras que la luminosidad de los fondos en 2D de los paisajes africanos consigue crear un contraste brutal entre la belleza de ese mundo y las crueldades de la guerra.
Por su parte, "DOFUS Libro 1: Julith" es el primer largometraje de Ankama, y constituye la adaptación al cine de su célebre juego 'Dofus'. Es un largometraje cargado de humor, acción y aventura donde el joven Joris se encuentra viviendo felizmente sus días en la tienda de objetos mágicos de su padre adoptivo Kerubim, hasta que decide acercarse a su ídolo del Boufbowl y despierta a un mal que podría amenazar al pueblo entero: la bruja Julith. La película permite a los seguidores del juego reencontrarse con unos escenarios y personajes que conocen bien, a la vez que muestra nuevas revelaciones y amplía la experiencia más allá del juego.

También habrá lugar para la proyección de dos grandes películas de animación que ya se han estrenado en España: la película de animación 2D "Tout en Haut du Monde" de Rémi Chayé, y la producción de animación en stop motion "Anomalisa", de Charlie Kaufman y Duke Johnson.
Precisamente Sergio Lara, especializado en animación de personajes en stop motion que participó en el rodaje de "Anomalisa", hará la presentación del largometraje y ofrecerá una masterclass donde contará cómo fueron los procesos de producción, el trabajo con los directores y el desarrollo cotidiano con el equipo. Sergio también dará un taller de Stop Motion donde se trabajará el acting con personajes de materiales rígidos.
El festival también contará con la master class de Maxi Díaz, director de animación de  películas como "Atrapa la Bandera" (2015) y "Las Aventuras de Tadeo Jones" (2012), animador en "Planet 51" (2009) y supervisor de 3D en "El Cid La Leyenda" (2003), que orientará sobre la principal misión del animador: aprender a contar esa pequeña parte de una historia que contiene un plano.
Finalmente, el festival también se completará con un Elevator Pitch, un encuentro donde los nuevos creadores de cine de animación, series y videojuegos tendrán la oportunidad de presentar sus proyectos ante un grupo de reconocidos productores internacionales.
Se suman como nuevas sedes de esta edición: el CPAC (Colegio Profesional del Audiovisual de Cataluña), la Fundación SGAE Cataluña (Sociedad General de Autores y Editores) y la ECIB (Escuela de Cine de Barcelona). El resto de espacios donde se celebrará el NonStop Barcelona Animación son: la Filmoteca de Cataluña, los Cines Girona, el Instituto Francés de Barcelona, el Espai Jove la Fontana, Bibliotecas de Barcelona, la Escuela Joso y la tienda Fnac el Triangle.

Podéis ampliar la información sobre el evento en la web del festival.

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Ankama, de los videojuegos a la animación (8 de junio 2015)
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Animayo se prepara para su cita anual

El Festival Internacional ANIMAYO tiene lista ya su onceava edición en la isla de Gran Canaria, entre el 3 y el 7 de mayo, y acudirá al CICCA con invitados internacionales de primerísimo nivel y novedades como el Primer Foro de Coproducción de Animación, Efectos Visuales y Videojuegos Animayo y la ampliación de las Becas al Talento Animayo 2016.
En su undécima edición, el festival internacional Animayo ha conseguido posicionarse en todo el mundo como una de las grandes citas del cine de animación, los efectos visuales y el ámbito del videojuego, con reconocimiento y colaboraciones internacionales por parte de grandes estudios de animación, escuelas internacionales, numerosos espacios culturales y audiovisuales, artistas, directores, distribuidoras y productores.
ANIMAYO ha abierto sus puertas más allá de Gran Canaria y actualmente se desarrolla en 4 sedes oficiales: Gran Canaria, Madrid, Lanzarote y Los Ángeles (California).  Además de sus sedes oficiales ANIMAYO recorre el mundo con su versión ANIMAYO Itinerante en diferentes regiones como Sevilla, Huesca, Zaragoza, Barcelona, Tenerife y en países como Uruguay, Italia, Holanda, Alemania,  Portugal e India donde por su labor recibió un homenaje en Boollywood (Bombay), ciudad donde se concentra la industria cinematográfica de la India.
El diseño del diseñador gráfico e ilustrador cubano Yuset Sama Leal con el nombre "Animayo en casa" ha sido el elegido como cartel ganador del XI Festival Internacional de Cine de Animación, Efectos Visuales y Videojuegos Animayo 2016, sobre 462 obras inscritas al concurso procedentes de un total de 11 países, de los cuales se preseleccionaron inicialmente 25 trabajos.

La programación oficial a concurso está compuesta por una depurada selección de cortometrajes que dan lugar a los premios del Festival otorgados por el Jurado de Honor que cada año conforma la sección oficial y en ella participarán artistas internacionales independientes junto a alumnos de escuelas internacionales como: Ringling College of Art and Design (Estados Unidos), School of Visual Arts (Estados Unidos), ESMA (Francia), Sheridan College (Canadá), entre otros. Constará de cuatro Secciones Internacionales a Concurso y un especial de cinemática. Además se proyectará un especial de animación eslovaca hecha por mujeres. Por otro lado, gracias al acuerdo alcanzado con el grupo Visengrad, Animayo estrenará a nivel mundial en el Guiniguada la película checa Historias Mortales de Jan BubeníceK, y proyectará un especial de Platige, un recorrido por el cine de animación húngaro y lo mejor de la animación eslovaca desde mediados de los años 90 hasta la actualidad. También mantendrá su especial de proyecciones escolares dirigidos a centros concertados de primaria y secundaria, por la convivencia, la diversidad cultural y la integración. Y los cortos escolares que Animayo trabaja durante todo el año con los centros educativos de Gran Canaria a través del Curso al Profesorado para la formación audiovisual del alumnado también serán presentados durante el Festival.
Este año, el festival ANIMAYO cuenta con un jurado de lujo compuesto por diversas personalidades y profesionales del mundo de la animación, los efectos visuales y el ámbito del videojuego que  tendrán que decidir entre los 50 seleccionados finalmente a concurso de entre los más de 2.500 trabajos recibidos de todas las partes del mundo. El gran premio que otorga el Jurado Internacional del Festival Internacional de Cine de Animación, Efectos visuales y Videojuegos ANIMAYO tiene una dotación económica de 3.000 euros, pero además todos los seleccionados comenzarán a partir del mes de mayo un tour de presentación en todas las citas que el festival tiene alrededor del mundo (Los Angeles, Lisboa, Madrid, Barcelona, Lanzarote o la India, entre otros). El Jurado de la próxima edición estará compuesto por Bob Kurtz, Cinzia Angelini, Luis San Juan Pallares, Puneet Sharma y Manuel González.
Bob Kurtz, que impartirá dos master class, es un conocido director, productor, artista y diseñador que fue guionista del mítico “Show de la Pantera Rosa” y trabajó en el departamento de animación de la película “La Pantera Rosa” (2006) así como en el largometraje “Los supersónicos: La película” o en la animación de “Cowboys de ciudad”, “Parque Jurásico”, Cariño he agrandado al niño”, o “Un plan perfecto” por nombrar algunos de sus títulos; Cinzia Angelini, que también dará dos imprescindibles master class durante el festival, es una directora, storyboard artist y animadora, cuya aventura americana empezó trabajando en Dreamworks y que hoy en día trabaja en Illumination Entertainment, habiendo dejado su huella en películas como “El Principe de Egipto”, “Spirit; El corcel indomable”, “La ruta hacia el dorado”, "Simbad", "Spider-Man 2", "Bolt",.. y los especiales de los DVDs de "Cómo entrenar a tu dragón " o " Kung Fu Panda " entre otros muchos trabajos; Luis San Juan Pallares formó parte n 2005 del equipo que creó “Planet 51” de la mano de Ilion Studios y en 2012 llegó a Disney para trabajar en la película “Rompe Ralph”, donde sigue trabajando como Director Técnico de Personajes, formando parte del equipo que ha creado “Frozen”, “Big Hero 6” o en la reciente “Zootropolis”, en calidad de animador técnico y cuya tarea fundamental es dar movimiento a las telas y el pelo de los personajes;  Puneet Sharma ha sido un miembro clave del Grupo Asesor de la Academia de la Industria del Cine en Aptech - Arena de Animación desde enero de 2008 y sido también un miembro activo en el Comité de Gestión La Sociedad de Animación de la India (TASI) durante los últimos 5 años, y es asimismo parte del Comité Organizador del Festival de Animación más popular de Estudiantes Internacionales de la India - Orbit Live - formando parte de esta industria desde hace más de 19 años, tanto en Producción de Animación y como en Educación; y finalmente, Manuel González ha desarrollado una carrera ligada al mundo audiovisual y los contenidos digitales y tecnológicos que se inició creando diferentes formatos de televisión para canales como AXN, FOX, Canal Satélite Digital (Canal C:), Canal + o Telecinco, y le llevó a trabajar en TVE para el programa Miradas 2, y desde el 2006 a dirigir el programa Zoom Net (TVE), un formato semanal que acerca el mundo de la tecnología, la cultura y el arte digital a los espectadores.

Es ineludible que en su cita anual en Gran Canaria se vuelva a contar con masterclass, workshops, ponencias, talleres, presentaciones, mesas de debate además de proyecciones y su sección oficial a concurso. Estas actividades tienen en ANIMAYO un peso tan o más importante que las proyecciones tradicionales que suceden en un festival. Se trata de animar a los asistentes a conocer y saber, a participar de todas las posibles manifestaciones artísticas, entornos creativos multiplataforma, los últimos avances del sector audiovisual y a convertirse en el futuro de la animación.
En concreto, Bob Kurtz va a ofrecer dos master class: "La Pantera Rosa al Desnudo", un making of especial de las películas de la Pantera Rosa, donde se pasará una animación inédita de los títulos de crédito; y "Un Estudio sobre Storyboard y Otros", donde se ofrecerá un acercamiento desde el humor al storyboard y a los problemas que puede plantear. También Cinzia Angelini va a dar dos master class: "From Words to Images: The Art of Storyboarding" (De las Palabras a las Imágenes: El Arte del Storyboard) y la Presentación en Exclusiva en España de su nuevo Proyecto "Mila". Una master class y un taller ofrecerá el animador y experto en diseño de personajes Borja Montoro, que en sus más de 25 años de experiencia en la industria ha trabajado en películas como "Tarzán", "Hércules" y "El Emperador y sus Locuras", o más recientemente en "Zootrópolis", de Disney, o en "Río" de Blue Sky, entre otras; la master class de Borja Montoro consistirá en una demostración en directo de diseño de personajes para largometrajes de animación y en el taller "El Toque Maestro - Diseño de Personajes para Avanzados por el Sensei Borja Montoro. Cómo hacer de un buen diseñador un diseñador excelente", el maestro dará las claves fundamentales para realizar diseños de personajes con todos los matices necesarios para que sean luego utilizados en las demás fases del trabajo de animación. Luis San Juan Pallarés, Character Technical Director de Walt Disney Animation Studios (’Zootopia’, ‘Big Hero 6’, ‘Frozen: el reino del hielo’, ‘Get a Horse!', ‘Rompe Ralph’, "This Way Up" , "Honda Grrr") dará también dos master class: "3 Different Houses" y "The Art of a Character TD in Walt Disney Animation Studios", imprescindibles para saber cómo se trabaja en la Casa de las Ideas pero también para cualquier interesado en conocer cómo es dirigir el rigging y los movimientos de los personajes 3D. Igualmente, Juan Luis Sánchez, Character Fx Supervisor en Ilion Animation Studios ("Gravity", "Paddintong", ‘El Caballero Oscuro’, ‘Harry Potter y la Cámara de los Secretos’, ‘Harry Potter y la Orden del Fénix’, ‘Piratas del Caribe, la maldición de la Perla Negra’, ‘Piratas del Caribe, el cofre del hombre muerto’) hablará de su trayectoria en la charla "El viaje Fantástico de Juan Luis Sanchez : abordo de un barco de piratas con un cerdito valiente, un elfo doméstico y un Maestro Jedi" y desvelará los secretos de los efectos especiales de "Gravity" y "Paddington" en otra master class dedicada a ambas producciones. José Antonio Rodríguez, Director Académico del Área de Arte, Diseño Visual y Animación y Director del Centro de Alto Rendimiento de U-tad (Érase una vez … un cuento al revés”, “Defensor 5”, Happily Never After”, “Planet 51”, “Futbolín”, “The legend of Smurfy Hollow) orientará a quienes quieren iniciarse en la master class "¿Qué hago con mi vida? Claves para dedicarte a la industria de la animación, videojuegos y efectos visuales". Y Ana Sánchez Gijón, Productora y Directora de Producción de La Mirada Producciones/ La Casa Animada (Esposados, La Raya, Ruleta, Un matrimonio bien avenido, Hombres Felices, La Isla Interior, Seis puntos sobre Emma, El Club de Archi, Cleo) hablará de la producción de la serie "Cleo" en la master class "Cleo. Cómo producir una serie de dibujos animados desde Canarias para el mundo y no morir en el intento".
El hecho de que los países invitados del festival sean los cuatro de Visegrado (República Checa, Eslovaquia, Hungría y Polonia) se va a notar igualmente en la oferta formativa, de modo que se van a ofrecer dos master classes por parte del estudio checo Amanita Design, una compañía independiente de desarrollo de videojuegos, videos musicales, animación, websites, ilustraciones y diseño de producción, que es la responsable de los 3 videojuegos "Samorost", así como "Machinarium", "Botanicula", "Rocketman" o "Questionaut" entre otros; el estudio ofrecerá dos master class tituladas "Samorost 3: Art and Animation" y "Amanita Design: History of the Studio". También la directora y productora de animación eslovaca Ivana Zajacovà, jefa de edición del magazine de animación "Homo Felix", presentará la charla "La Animación Eslovaca desde Mediados de los 90 hasta la Actualidad" y ofrecerá un Taller de Pixilación, animando diferentes personas, objetos y partículas.
Además de los talleres de Borja Montoro e Ivana Zajacovà, Xés Vilà Roig, de FX ANIMATION BARCELONA 3D & FILM SCHOOL, ofrecerá dos sesiones en las que enseñará las técnicas mas actuales en la creación de Matte Painting para cine en un entorno de trabajo 2’5D, donde se aprenderá a generar un entorno con profundidad 3D utilizando imágenes en 2D, utilizando proyecciones desde cámara, planos de imágenes, simulaciones de movimiento de agua y volumetrías. Por otra parte, Marc Gorchs, Toni Solà y Dani Benavides, del grupo Morning Star, darán un taller de VFX Compositing con Black Magic Fusion, un programa que brinda la posibilidad de importar escenas y modelos tridimensionales desde otras aplicaciones, además de contar con un sinfín de herramientas, funciones y filtros para crear efectos especiales convincentes.

En la próxima edición ANIMAYO da un paso más hacia potenciación de la industria creando el Primer Foro Europeo de Coproducción de Animación, Efectos Visuales y Videojuegos de Gran Canaria.  A través de este foro, ANIMAYO pretende favorecer los encuentros entre creadores, productores, distribuidores y otras empresas relacionadas con este sector del audiovisual tanto para el cine como para la televisión y nuevas plataformas. En este marco, el festival también contará con la presencia de Carlos Biern, productor ejecutivo de BRB Internacional ("David el Gnomo", "Dartacán y los Tres Mosqueperros", "La Vuelta al Mundo de Willy Fog"...), que dará una ponencia sobre las claves actuales de la financiación de animación y efectos visuales en España. En el foro toma igualmente especial relevancia el apoyo institucional de Gran Canaria, que dedica un capítulo importante en la promoción de los incentivos fiscales para acoger en la isla producciones y rodajes. Con este foro ANIMAYO cierra el círculo que lleva desde el talento por descubrir a los profesionales en activo. Las sesiones de pitching del foro serán otro elemento fundamental dentro del programa, donde cada proyecto elegido dispondrá de 40 minutos para presentarse ante socios potenciales. La inscripción se hará a través de la web del festival quien seleccionará los 10 mejores proyectos cuyos criterios de elegibilidad serán: Proyectos de animación para ser difundidos principalmente para cine, televisión, pero también para nuevas plataformas; de una duración mínima de 26 minutos;  cuya producción sea 50% canaria y sin limitaciones técnicas.

Animayo fomenta la educación y la formación audiovisual mediante un amplio programa formativo impartido por ponentes e invitados internacionales de altísimo prestigio y mediante becas a talento en las que invierte más 25.000 € al año para apoyar el talento artístico canario, con el objeto de profesionalizar a un sector en auge. Y es que Animayo es un proyecto muy ligado al futuro profesional, bajo el convencimiento de que en Canarias surgirán grandes talentos y directores de las artes audiovisuales. Con su actividad enmarcada dentro del “Sistema Educativo Animayo”, ha creado un laboratorio creativo para la detección y desarrollo del talento audiovisual que desarrolla durante todo el año para profesores y alumnado de centros educativos de primaria, secundaria, bachillerato, grados medios y superiores. Durante diez años han pasado por ANIMAYO más de 40.000 estudiantes de primaria, secundaria y bachillerato, 30.000 estudiantes de ciclos formativos, escuelas de artes y universitarios, 18.000 adultos aficionados y profesionales de la industria.
Durante el festival, dos de las escuelas más punteras U-tad Centro Universitario de Tecnología y Arte Digital (Madrid) y FX ANIMATION Barcelona 3D & Film School, unen sus esfuerzos en la búsqueda y el apoyo de los talentos que destacan en la animación y los efectos visuales ofreciendo becas al estudio en sus centros. El pasado febrero durante Animayo Lanzarote ambas escuelas ofrecieron también becas a los alumnos más destacados. Este mes de mayo, en su cita anual más importante, ambas escuelas, además de apoyar el festival como patrocinadores ofrecerán sus Becas Animayo al Talento, valoradas en 18.500 euros. En Animayo Gran Canaria U-tad ofrece una beca que consiste una plaza para el curso de U-tad Summer Program de Animación 3D del verano de 2017, y FX ANIMATION Barcelona 3D & Film School ofrece tres becas al talento: La primera beca que se otorgará será del 100% sobre el valor de la formación, para el mejor trabajo que se presente y el ganador podrá optar a un curso intensivo de Efectos Visuales, Diseño y creación de Personajes o el curso de Zbrush. Para el segundo y el tercer mejor trabajo presentados se establecen becas del 50% de descuento sobre los precios de estos cursos. Los ganadores también podrán optar por cursar los Masters que ofrece la escuela (3D para VFX, 3D para arquitectura e interiorismo virtual, Concept art, Animación para personajes, Videojuegos, 3D para diseño gráfico y fotografía o Postproducción). En este caso, las becas conllevarán un descuento del 50% del valor total de la matrícula, para el primer puesto; y del 25% para el segundo y el tercer puesto. Este año además FX ANIMATION Barcelona 3D & Film School ofrece siete becas en el área de cine a aquellos candidatos que presenten su portfolio o demo-reel, pudiendo optar a una Beca Talento para las siguientes formaciones con inicio en Octubre 2016: 5 becas para Carreras de cine (una para cada especialización: dirección cinematográfica, dirección de fotografía, edición, montaje y postproducción, guion y producción) y 2 becas para los Masters en dirección de fotografía y en edición, montaje y postproducción. Además, para los candidatos que presenten un talento por encima de la media, se les ofrecerá un descuento según su situación económica.

Podéis encontrar más información sobre el festival y el programa en la web del evento: animayo.com

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Colegas en el Bosque: Una Aventura de Miedo

Casi diez años después de la primera "Colegas en el Bosque" (Open Season, 2006), Sony Pictures Animation vuelve a reunir a la pandilla de la franquicia en una cuarta entrega titulada originalmente "Open Season: Scared Silly" (2015) que se estrenó directamente en DVD/Blu-Ray y que llega en el mismo formato en la versión española de la mano de Fox. Dirigida por David Feiss (que ya había participado en la primera) a partir de un guión de Carlos Totkin, la nueva secuela embarca al oso Boog y al ciervo Elliot, junto a la pandilla del bosque, en otra aventura que empieza cuando Elliot cuenta a sus amigos una historia de terror nocturna sobre un hombre lobo aullador que habita en los alrededores, logrando que Boog - que no se caracteriza por ser precisamente valiente - quede muy asustado; cuando Elliot se da cuenta de que ello puede poner en peligro la acampada que tienen prevista, trazará un descabellado plan junto a sus compañeros para hacerle perder el miedo a su osuno amigo, pero con ello sólo conseguirán traer de vuelta al cazador Shaw y a sus esbirros, determinados a dar caza al monstruo y a llevarse por delante con sus rifles todo lo que se les cruce. Para terminar con la reabierta temporada de caza, Elliot, Boog, el Sr. Salchicha y todos sus amigos deberán salir en busca de la bestia, aventurándose en un cómico viaje donde el poder de la amistad hará que Boog pierda sus miedos.

Siguiendo la tónica de las anteriores entregas, "Colegas en el Bosque: Una Aventura de Miedo" vuelve a embarcar al grupo de animales en una historia ligera de tipo familiar basada en gran parte en el chiste absurdo y en el slapstick. Lamentablemente, se deja notar con exceso en esta nueva secuela la indeseable influencia de esa obstinada tendencia en muchas de las más recientes películas de animación americanas de situar la escatología y los traseros como leit motif de situaciones pretendidamente humorísticas que no lo son tanto, y en general, la comicidad de los gags es bastante floja; afortunadamente hay excepciones, como la bien planteada intro que parodia con gracia el inicio de una película de terror, el humillante trato que siguen sufriendo los conejos, y sobre todo la impagable secuencia en que el Sr. Salchicha afronta su posible licantropía con una ópera que parodia la "Pagliacci" de Ruggero Leoncavallo.
A nivel de grafismo y animación no nos vamos a encontrar con el nivel de las películas de Pixar o Disney, pero la película recupera el estilo de los viejos cartoon basados en el gag visual y la gesticulación, y cumple bastante bien y por encima de las expectativas de un largometraje que se estrena directamente en DVD. Lejos de pisar exclusivamente terreno ya conocido en cuanto al planteamiento visual, el Valle del Oso Muerto y las Minas de lava ofrecen nuevas posibilidades de desarrollo gráfico que se aprovechan con imaginación y estilo, dando como resultado una película visualmente atractiva.
En resumen pues, "Una Aventura de Miedo" presenta una historia con un buen planteamiento de fondo, aunque resuelta de forma demasiado ligera, sobre todo hacia el final, y basada en un humor que no termina de convencer, junto a una animación y un desarrollo visual suficientemente bien logrados.

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El Gigante de Hierro: Signature Edition

El sábado pasado no desaproveché la oportunidad única de asistir a la proyección en la sala Phenomena de Barcelona, en primicia en España, de la edición remasterizada y extendida de "El Gigante de Hierro" (1999), una de las mejores películas de animación en 2D de los últimos tiempos y que constituyó el debut en la dirección del gran Brad Bird, que se había formado en Cal Arts junto a John Lasseter y Tim Burton y hasta entonces había trabajado como animador en Disney y como consultor creativo de "Los Simpson" (uniéndose después de su debut directorial a John Lasseter en Pixar). Estrenada en EEUU entre septiembre y octubre del año pasado, la sala Phenomena obtuvo la copia de la edición especial del Reino Unido, donde se proyectó en cines en febrero de este año.

Producida principalmente con el ánimo de preparar y lanzar una edición en blu-ray de la película de 1999, la versión remasterizada es unos dos minutos más larga que la original al incluir un par de escenas que, aunque no eran esenciales para la historia, se habían incluido en el storyboard y hasta contaban con el registro de audio, pero no se habían llegado a animar para el largometraje original por las limitaciones presupuestarias y la falta de tiempo. Concretamente desarrollan una escena en el bar con una breve conversación entre Annie y Dean que sugeriría el feeling entre ambos, y otra escena en torno a un sueño del Gigante que permitiría vislumbrar sus orígenes y su potencial destructor. Ambas fueron animadas en Duncan Studio, que empleó a varios de los animadores que habían trabajado en la película original.
Realizada mediante una combinación de animación tradicional en 2D y CGI para animar al robot, junto a otros props y vehículos y efectos, la película dirigida por Brad Bird y producida por Warner Bros. se basaba en un guión de Tim McCanlines que partía de la novela "The Iron Man" (1968) de Ted Hughes. Ambientada en plena Guerra Fría en 1957, momento en el que la Unión Soviética había lanzado al espacio el satélite Sputnik, incrementando en EEUU la fobia anti-comunista y el temor exagerado a un ataque nuclear, la película se desarrollaba en torno a un joven niño de nombre Hogarth Hughes que traba amistad con un robot gigantesco caído del espacio y que, con la ayuda de un artista local llamado Dean, trataría de proteger al robot e impedir que lo descubriera un agente federal empeñado en darle caza y destruirlo, convencido de que se trataba de un arma del enemigo.
El hecho de que Brad Bird procediera de la industria de la animación y contara con experiencia en la creación y dirección de series de animación, junto al indiscutible talento del realizador, determinaron el buen papel que desarrolló en la dirección de "El Gigante de Hierro". Bird se implicó en el planeamiento de cada escena y en todas las etapas de la producción y fue determinante en crear una sensación de camaradería en todo el equipo al reunirlos habitualmente en la sala de proyección, consiguiendo motivarles para que cada uno se comprometiera personalmente a crear una buena película a pesar de las restricciones presupuestarias. Por cierto, Bird optó por asignar a los animadores la animación de secuencias enteras, en lugar de lo que constituía tendencia de asignarles la animación de un personaje, y recuperando el modo de hacer en Disney en los tiempos de Frank Thomas y Ollie Johnston, lo que les permitiría controlar mejor el tempo y la consistencia de cada secuencia; la única excepción fue la animación del robot, animado por ordenador.
A pesar de recibir unánimemente una crítica muy favorable y ganar hasta 9 premios Annie, entre otras distinciones, la película no recibió muy buena recaudación en salas, seguramente debido en buena parte a una mala gestión de su promoción. De hecho recuerdo haberla visto en su momento el día de su estreno en una sala ocupada únicamente por otra persona y por mí (y lamentablemente tampoco en la sesión especial del sábado pasado consiguió reunir a una muchedumbre, aunque sí estuve acompañado de más gente).
Brad Bird supo hacer de "El Gigante de Hierro" una gran historia con diferentes niveles de lectura que la hicieron atractiva tanto para niños como para adultos, contada con una medida emotividad, y basada en el equilibrio entre un sabio desarrollo de las relaciones entre los personajes y las escenas de acción. Se trata de una película construida con una cuidada artesanía y espléndidamente animada que además logró superar el reto de integrar la animación tradicional 2D con el 3D sin estridencias y consiguió exitosamente que el robot, a pesar de su dureza y simplicidad externas, destilara sentimientos por los cuatro costados: son magistrales la escena de la caza, o aquella secuencia en que se ve abrumado por la cantidad de opciones a degustar en la cacharrería de Dean.
Por otra parte, el fondo de la película, con su perfecto retrato del período de la Guerra Fría, en que todo era válido en una atmósfera de miedo y paranoia instigados incluso a nivel gubernamental, cobra todavía hoy plena vigencia: las frases del agente Kent Mansley cuando le dice a Hogarth que puede hacer todo lo que le dé la gana en beneficio de su seguridad, y más tarde añade "I'll be watching you" (Te estaré vigilando) tienen todavía hoy pleno sentido cuando observamos cómo perdemos privacidad y derechos con la excusa de la guerra global contra el terrorismo y cómo Edward Snowden debe vivir escondido por haber revelado un sistema organizado de espionaje sobre individuos, empresas y gobiernos por parte de EEUU. Todo ello basado en la creación de un miedo insano ante todo lo desconocido cuya irracionalidad queda expuesta en la película al contraponerse a la mirada inocente de un niño y al poder transformador de esa mirada.
Phenomena volverá a proyectar la película el sábado que viene, pero si no podéis ir, no os dejéis escapar el blu-ray. Por el momento, os dejo con su trailer:

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Primeras pistas de "Gru, Mi Villano Favorito 3"

El 30 de junio del año que viene está previsto que se estrene la tercera entrega de la franquicia "Gru, Mi Villano Favorito", que sin duda es una apuesta segura para Illumination Entertainment y Universal Pictures después de que las dos primeras recaudaran más de 1500 millones de dólares y su spin-off,  "Minions", las superara recaudando más de un billón de dólares. La CinemaCon de Las Vegas fue el lugar idóneo para presentar las primeras pistas de por dónde van a ir los tiros.
En esta ocasión, Gru va a coincidir con un hermano gemelo (al que dará voz también Steve Carell en la versión original) llamado Dru; ambos tienen el mismo aspecto, salvo que Dru lucirá una frondosa melena rubia y vestirá de blanco, en contraposición a las ropas oscuras de su hermano.

A los problemas de rivalidad entre hermanos se sumará la intervención de un nuevo villano que responderá al nombre de Balhtazar Bratt, al que dará voz Trey Parker (co-creador de South Park). Bratt es un personaje que llegó a ser una estrella infantil en los 80 (de ahí sus pintas con sus ropajes púrpura y las hombreras y los pantalones de campana) y que desde que alcanzó la pubertad y se canceló su show odia al mundo que le rodea. La estrella caída no soporta que nadie se burle de él, y para evitarlo planea hacerse con la dominación mundial, porque nadie se atreverá con él si el mundo está a su cargo.

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El Libro de la Selva

Basada en las historias intemporales de Rudyard Kipling e inspirada en el clásico animado de Disney, “El Libro de la Selva: The Jungle Book” es una nueva epopeya presentada como una película de acción real (aunque lo único real es el joven actor que da vida al protagonista) sobre Mowgli, un niño al que cría una manada de lobos en la selva. Pero con la llegada del peligroso Shere Khan, la selva deja de ser un hogar seguro para Mowgli puesto que el aterrador tigre, que lleva las cicatrices del Hombre, ha prometido acabar con cualquier amenaza humana en la selva. Así que a Mowgli no le queda más remedio que abandonar el único hogar que ha conocido en toda su vida y emprender un fascinante viaje de autodescubrimiento acompañado de la siempre fiel Bagheera convertida en su mentor, y el oso Baloo, un espíritu libre. Por el camino, Mowgli se cruza con criaturas de la selva que no son muy de fiar. Entre ellas está Kaa, una serpiente pitón cuya voz y mirada seductoras hipnotizan a Mowgli, y el embaucador Rey Louie, que coacciona al pequeño para que le enseñe el secreto de la mortal flor roja: el fuego.

El reparto incluye a Bill Murray (“Lost in Translation”) en la voz de Baloo, Ben Kingsley (“Aprendiendo a conducir”, “El desafío”) como Bagheera, Idris Elba (“Star Trek: Más allá”) como Shere Kahn, y Lupita Nyong’o (“12 años de esclavitud”, “Star Wars: El despertar de la fuerza”) como la voz de Raksha, la madre loba. Scarlett Johansson (“Vengadores: La era de Ultrón”) da vida a Kaa, Giancarlo Esposito (“Breaking Bad”) es la voz del lobo macho alfa Akela, y Christopher Walken (“El cazador”) presta su legendaria voz al Rey Louie. El debutante Neel Sethi, seleccionado entre miles de candidatos que se presentaron a las audiciones que se convocaron en todo el mundo, da vida a Mowgli, el único personaje humano de la película.
Jon Favreau (“Iron Man”, “Iron Man 2”, “Chef”) dirige “El Libro de la Selva” a partir de un guión de Justin Marks (“Top Gun 2”, serie de televisión “Rewind”) que se basó en los libros de Rudyard Kipling. En 1894, el escritor inglés nacido en Bombay Rudyard Kipling dejó patente su amor por la India en “El Libro de la Selva”, al que siguió "El Segundo Libro de la Selva” en 1895. Las historias de Kipling se han adaptado muchas veces en las 12 décadas posteriores a su publicación. Antes de Disney, Zoltan Korda dirigió la película "Jungle Book" (1942), inspirada en algunos de los elementos del libro. Dirigida por Wolfgang Reitherman, Walt Disney Animation Studios estrenó el 18 de octubre de 1967, un año después del fallecimiento de Disney, "El Libro de la Selva",  y se convirtió en un clásico entrañable con canciones emblemáticas como “Necesidades básicas” de Terry Gilkyson y "Quiero ser como tú" de los Hermanos Sherman, y evitando el tono más oscuro de los cuentos de Kipling. En el mismo año, hubo otra adaptación animada que se estrenó en la Unión Soviética, titulada "Mowgli", mucho más cercana al libro original, en forma de 5 cortos de 20 minutos que se combinaron en un solo largometraje en 1973. Y el mismo Disney produjo una película de imagen real basada en el primer libro en 1994, titulada "Rudyard Kipling's The Jungle Book".
La película de Favreau se inspira parcialmente en el clásico de animación de Disney, pero quiere asumir también las cualidades míticas de Kipling en los aspectos más intensos de la película, con la idea de encontrar el tono justo entre el clásico de Disney y una versión próxima a la profundidad y la mitología inherentes a las historias originales del libro. Así, se ha conservado la estructura narrativa básica de la película animada, pero de forma que la historia entrañe más riesgos y la sensación de peligro sea mucho mayor, y haciendo que la película sea al mismo tiempo también cálida y humana. La idea ha sido hacer una película que puedan ver los niños, pero que no esté expresamente dirigida a ellos.
En efecto, la nueva película introduce elementos que no se encontraban en la versión animada pero sí de alguna manera en el libro, como la estampida de búfalos o el destino de Akela. Asimismo, al introducir a Shere Khan ya desde casi el inicio del metraje se hace más patente el peligro que éste representa; y también se ha optado por dar más oscuridad y un tono más amenazante y menos cómico que en la película animada a algunos de los personajes, dotando a Kaa (que por cierto, en esta ocasión es una hembra) y al Rey Louie de un tamaño descomunal. Por otra parte, conserva dos temas musicales del clásico animado, "Lo más vital" del oso Baloo, y la canción de Rey Louie, en la banda sonora compuesta por el veterano John Debney, ganador del Emmy, y nominado al Oscar, al BAFTA y al Premio Annie (“Elf”, “Iron Man 2”), y poseedor de una notable historia como miembro de la familia Disney.

Sin ninguna duda, el aspecto más sorprendente y remarcable de “El Libro de la Selva” de Favreau, es que mezcla con enorme maestría la acción real con animales y entornos fotorrealistas generados por ordenador, utilizando las tecnologías y las técnicas narrativas más avanzadas. Los realizadores han utilizado tecnología de última generación para contar la historia de forma inmersiva, mezclando actuaciones de acción real con impresionantes entornos generados por ordenador y extraordinarios personajes animales fotorrealistas que en ocasiones los artistas han estilizado para potenciar la narración. Según el productor Brigham Taylor "Walt contó la historia sirviéndose del método tradicional de animación sobre acetatos y ahora disponemos de la tecnología que puede dar vida a estos personajes, hacerlos fotorrealistas y situar a un niño de verdad en un entorno de forma impecable y creíble”.
Los realizadores reunieron a un equipo de expertos con películas como "La vida de Pi", "Gravity", "Avatar" y "Guardianes de la Galaxia" en su haber. A los equipos de artistas encargados de dar vida a los animales y la selva de la India los dirigió el supervisor de efectos visuales Rob Legato (“Avatar”, “Hugo”, “Titanic”, “Apolo 13”), el supervisor de efectos visuales de Moving Picture Company Adam Valdez (“Maléfica”, “Guerra Mundial Z”, “Las crónicas de Narnia: La travesía del viajero del alba”) y el supervisor de efectos visuales de WETA, Dan Lemmon ("El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo”, “El Señor de los Anillos: El regreso del Rey), siendo el supervisor de animación de la película Andy Jones (“Avatar”, Guerra Mundial Z”, y “Yo, robot”).
Los realizadores decidieron construir una selva prácticamente digital. El resultado es musgo, corteza, rocas y agua que parecen auténticos, plantas hechas a mano una a una en todas las escenas, al igual que las hojas rotas esparcidas, y las plantas que crecen por los paisajes. Hay ríos fluyendo, deslizamientos de tierra y hierba que se mueve al soplar el viento, y todo ello ha sido generado digitalmente. Una de las técnicas que utilizaron para integrar a Mowgli en los escenarios digitales y que interactuara con ellos fue la captura en movimiento: los diseñadores construyeron platós físicos, creando sólo lo que era necesario para una toma en particular, que después se mezclaban con el entorno CG; en cada toma podían mirar el monitor y ver el plató virtual que ya habían construido antes y cómo encajaba perfectamente con ese entorno.
La película cuenta con un elenco de personajes donde todos menos uno están generados por ordenador. Los realizadores utilizaron tecnología CGI de última generación para crear las actuaciones de los animales, creando más de 70 especies animales con tecnología CG, incluyendo los emblemáticos personajes de Baloo, Bagheera, Kaa, Shere Khan y la familia de lobos de Mowgli, además de cientos de primates, junto al Rey Louie y el Bandar-Log, el ejército de monos que puebla la selva Seeonee. Se elaboraron nuevos programas para simular músculos, pie y pelaje y los artistas se esforzaron al máximo para reproducir los comportamientos más sutiles de animales reales para garantizar la verosimilitud.
Da casi vértigo pensar que la tecnología actual permite crear una película con apariencia de largometraje de imagen real prescindiendo totalmente de seres de carne y hueso, actores y actrices incluidos. Sin embargo, es exactamente ahí donde se encuentra también el pie del que la nueva "El Libro de la Selva" cojea, puesto que cuanto más reales se han querido hacer sus personajes, más han perdido la capacidad de transmitir el rango de emociones y el perfecto acting que mostraban en la película animada, algo que resulta cristalino sobre todo en los personajes secundarios, pero que también se nota en los animales protagonistas; quizás la única excepción se encuentre en el Giganthopitecus Rey Louie, que como primate, puede replicar muchas de las expresiones humanas; de hecho, como dice el mismo Favreau “no hay nada de lo que hace un ser humano con la cara que pueda trasplantarse a la anatomía de una serpiente o de un oso”... pero, a mi entender, sí que se pudo hacer con los dibujos animados del clásico original, y ahí estaba su magia y su gracia.
Por otra parte, cuanto más realistas los animales, más difícil se hace digerir para el espectador adulto que puedan estar hablando con un humano, aunque debo reconocer que a lo poco de avanzada la película ese aspecto ya se encuentra totalmente asumido; y del mismo modo, en el planteamiento más serio que ha querido dar Favreau a la película, más ridículo resulta que sin motivación alguna suficientemente aparente, uno de los malos se ponga a cantar.
En todo caso, la película bien merece verse en el cine por su acertada adaptación de los cuentos de Kipling, su épica y su espectacular planteamiento visual. Y aconsejo no perderse los títulos de crédito, como divertido guiño al espectador para mostrarle cómo la mayor parte de la película y de sus personajes son una creación digital, por si no lo habían advertido todavía.

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Como en "Rompe Ralph" pero con emoticonos

La película "Rompe Ralph" de Disney imaginó con bastante gracia cómo podría ser un universo habitado por los personajes de los juegos arcade que tantos conocimos antes de que las consolas los dejaran arrinconados; dentro de cada máquina había un mundo hecho a imagen y semejanza del juego que lo contenía, habitado por sus protagonistas y sus secundarios, y era posible pasar de un mundo a otro a través de los cables, de modo que los personajes de los diversos juegos podían encontrarse y conocerse. Pues bien, parece ser que algo parecido se ha pensado en Sony Pictures Animation para la película que están preparando en torno a los emoticonos de los móviles, que aún no tiene un título definitivo si bien se habla de ella como "The Emoji Movie", según se desprende de lo que ha avanzado la presidenta Kristine Belson en la presentación de la misma en la CinemaCon de Las Vegas. En efecto, Belson describió el proyecto como una poderosa película sobre la expresión de sí mismo basada en las emociones, que se desarrollará en el interior de un smartphone que esconde un mundo secreto donde los incansables emoticonos viven y trabajan desde un lugar llamado el Valle de los Emoticonos; en algún momento acabarán descubriendo la pantalla ("el mundo del fondo de pantalla") y eso hará que se embarquen en una serie de aventuras a través de distintos paisajes del móvil, donde coincidirán con aplicaciones de los smartphones que existen y son conocidas en el mundo real, cada una de las cuales contiene un enorme mundo por descubrir.
Entre las célebres aplicaciones que harían su aparición en la película, sobre las que todavía no se han dado demasiados detalles, estaría la aplicación de música en streaming Spotify, según reveló una persona procedente de Sony; en el mundo de Spotify, los personajes aparecerían navegando en barcas sobre una corriente que fluye, representando el streaming de música. Asimismo, en el arte conceptual que se presentó en la convención también aparecía Facebook, si bien nadie confirmó si aparecerá de algún modo en la película. Es de esperar pues que veamos los mundos de otras aplicaciones conocidas como podrían ser Whatsapp (que uno diría que es el mundo natural de los emoticonos), Twitter,Youtube, alguna aplicación de correo, o hasta Tinder..
El largometraje, a estrenar en EEUU el 11 de agosto de 2017, será dirigido por Tony Leondis (Igor, Lilo y Stitch 2: El efecto del defecto),  que está co-escribiendo el guión con Eric Siegel.

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Los nombres de "Buñuel en el Laberinto de las Tortugas"

Una prometedora producción española de cine de animación se ha dado a conocer en vistas a su estreno en primavera del 2018: se trata de "Buñuel en el Laberinto de las Tortugas", basada en el cómic homónimo (2008) de Fermín Solís publicado por la Junta de Extremadura y posteriormente por Astiberri Ediciones, que logró ser finalista en el Premio Nacional de Cómic de 2010. El productor de la película será Manuel Cristóbal, responsable de hacer realidad algunos de los grandes títulos de animación del panorama español, y estará dirigida por Salvador Simó sobre un guión de Eligio Montero.

La película, como el cómic, se desarrolla en torno a un momento crucial en la trayectoria de Luis Buñuel, como fue el rodaje del documental "Las Hurdes, Tierra sin Pan" (1932) cuando el realizador que había sorprendido al mundo con "El Perro Andaluz" se encontraba precisamente en un momento delicado de su carrera, al haber perdido el favor de su mecenas justo después de la prohibición de "La Edad de Oro", estrenada seis días antes en París, y ver en consecuencia cerradas muchas puertas en el cine. La sinopsis de la película reza así:

Diciembre de 1930, Studio 28, París. Luis Buñuel estrena su primer largometraje, ‘La Edad de Oro’, y consigue lo que se proponía: escandalizar… pero de más. De la noche a la mañana se convierte en un apestado al que nadie quiere apoyar.
Dos años después, sin haber logrado otra cosa y tras regresar fracasado de Estados Unidos, se agarra como un clavo ardiendo a un proyecto que ni siquiera es suyo: un documental sobre una de las zonas más pobres de España, las Hurdes. Pero ni siquiera para eso puede encontrar financiación hasta que, de forma casi milagrosa, su gran amigo Ramón Acín se la facilita cuando le toca la lotería.
El rodaje comienza bien y tanto Luis Buñuel como su pequeño equipo, encabezado por Ramón Acín, se entregan a lo que están haciendo. Lo que encuentran en el rodaje en La Alberca, en Las Batuecas, en Aceitunilla, en la escuela y con los niños –que son quienes más impactan a Luis Buñuel- marcan al equipo y empiezan las dificultades. En ese rodaje encuentran la esencia del surrealismo: cambiar el mundo mostrando el corazón de la realidad, para ello tienen que retratar lo que ven o forzar para que pase delante de su cámara y es que, a veces, la mentira es la única forma de alcanzar la verdad.

Desde aquí vamos a intentar profundizar un poco más en los nombres que se encuentran tras la película, para ampliar en lo posible lo que ya se conoce sobre esta futura producción:

• Luis Buñuel. Su cine, surreal y simbólico, abordó diversos géneros como farsas, sátiras, comedias negras, dramas neorrealistas y melodramas, críticos en general con el catolicismo y la burguesía. Considerado uno de los más importantes y peculiares directores del cine universal, y una de las figuras más representativas del surrealismo aplicado a la cinematografía, Luis Buñuel Portolés (Calanda, 22 de febrero de 1900 - Ciudad de Méjico, 29 de julio de 1983) sorprendió a todo el mundo ya desde su primer trabajo en el cine, el corto experimental "Un Perro Andaluz" (1928) - realizado junto a Salvador Dalí, con quien entabló amistad en la Residencia de Estudiantes de Madrid. A su primer corto le siguió el primer largometraje, "La Edad de Oro" (1930), una sátira surrealista recibida con entusiasmo por la crítica tras su estreno en París, pero que fue prohibida a los seis días por provocadora y le valió al realizador perder el favor de su mecenas y ser un apestado en la industria, lo que le impidió realizar ningún trabajo en EEUU a pesar de haber ido con una oferta de la Metro Goldwyn Mayer. A su regreso a España rodó el documental "Las Hurdes: Tierra sin Pan" (1932), en que el realizador quiso denunciar la situación de olvido de la región extremeña tras ver el estado de La Alberca, Las Batuecas, Aceitunilla, y especialmente la situación de los niños. Tras varios trabajos como productor, la Guerra Civil le impulsó a iniciar un exilio que le llevaría a Francia, EEUU y finalmente a instalarse en Méjico; allí estrenó su siguiente película, “Gran Casino” (1947), un encargo del productor Óscar Dacingers, y se nacionalizó mejicano dos años después, manteniendo la nacionalidad española.  En 1949 se encontraba de nuevo a punto de abandonar el cine cuando Dacingers le encargó la dirección de "El Gran Calavera", cuyo éxito le animó a plantear la realización de una película más acorde con sus inquietudes que resultó en "Los Olvidados" (1950), una película sobre los niños pobres mejicanos que guardaba fuertes vínculos con "Las Hurdes" y que le hizo ganar el Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes de 1951, suponiendo el reconocimiento internacional y el redescubrimiento de Luis Buñuel. En su etapa en Méjico llegó a dirigir 12 películas más y trabajó a partir de mediados de los años 50 también en el viejo continente, principalmente en Francia. Incluso, fue invitado por el gobierno español en 1961 a dirigir "Viridiana", una sátira religiosa que de nuevo se convirtió en escándalo y fue censurada, y que fue seguida por otras brillantes películas como "El Ángel Exterminador" (1962), "Diario de una Camarera" (1964), "Belle de Jour" (1967), "La Vía Láctea" (1969), "Tristana" (1970), "El Discreto Encanto de la Burguesía" (1972) o "Ese Oscuro Objeto del Deseo" (1977) entre otras.
• Ramón Acín (Huesca, 30 de agosto de 1888 - Huesca, 6 de agosto de 1936) fue un pintor, escultor y periodista de ideología anarquista que coincidió y trabó amistad con Luis Buñuel durante un período en París en 1926 donde acudió para contactar con las vanguardias artísticas. Más tarde, cuando Buñuel recibió el encargo de rodar "Las Hurdes" se encontraba sin blanca y sin posibilidad de iniciar la producción, y Acín le prometió que si ganaba la lotería le pagaría la película; quiso la fortuna que le tocara el premio y Acín cumplió su palabra, financiando el documental de Buñuel y encabezando el equipo de rodaje.
• Fermín Solís es el dibujante de cómics extremeño responsable de la novela grafica "Buñuel en el Laberinto de las Tortugas" (2008) en la que se inspira la película. Se trata de una de las obras que resultaron más complejas para su autor: al no existir apenas documentación sobre el período de rodaje de Buñuel en las Hurdes (aparte de los descartes del documental que se encontraban en la Filmoteca de Extremadura), Solís tuvo que imaginarse en gran parte cómo transcurriría la apasionante historia del rodaje en plena República.
  Con un estilo de dibujo que remite al de autores como Dupuy & Berberian, Seth o Andi Watson, y una obra de temática predominantemente costumbrista, su ya extensa obra comprende otros títulos como"Dando Tumbos", "Otra Vida", "No te Quiero pero te Amo un Poco", "Los Días más Largos", "Un Pie tras Otro", "De Ballenas y Pulgas", "El Hombre del Perrito", "Las Pelusas de mi Ombligo", "El Año que Vimos Nevar", "Dan Laxante, Detective Cotidiano" o "Lunas de Papel".

•  Manuel Cristóbal será el productor de la película de animación que adaptará el cómic de Solís. Su trayectoria incluye la producción de 8 largometrajes con los que ha ganado cuatro Goyas, cinco de los cuales son películas de animación que resultaron muy significativas en el momento en que se realizaron: en concreto, "El bosque animado" (2001) y "El sueño de una noche de San Juan" (2005), ambas dirigidas por Ángel de la Cruz y Manolo Gómez, para Dygra; así como "El Lince Perdido" (2012) junto a Antonio Banderas, dirigida por Manuel Sicilia y Raúl García Sanz; el documental "Encierros 3D" (2013); y la celebrada película "Arrugas" (2011), dirigida por Ignacio Ferreras y basada en la novela gráfica homónima de Paco Roca, que ganó los Goya a la Mejor Película de Animación y Mejor Guión Adaptado. De hecho, según el productor, "desde que produje Arrugas estaba buscando un cómic para adaptar y este (Buñuel en el Laberinto de las Tortugas) lo tiene todo para ser una gran película".
  Manuel Cristóbal es además Secretario del consejo en CARTOON, miembro de la Academia Española de Cine, de DIBOOS, miembro de la EFA y profesor de producción digital en U-TAD.
• Salvador Simó acumula una larga experiencia en animación tras series como "10 + 2" y "Las Trillizas" y películas como "Goofy e Hijo", "El Cid: La Leyenda", "El Sueño de una Noche de San Juan", o "Howl" (The Monk Studios). Para él "es la película que ni siquiera hubiera soñado hacer, Luis Buñuel es el director más famoso del cine español y un personaje fascinante".
•  Eligio Rodríguez Montero se hará cargo del guión; el gallego, que cuenta con una amplia carrera como guionista en series como "Desaparecida", "Gran Reserva", "Gran Hotel" o "Padre Casares" entre otras muchas, afirma que "una de las cosas que más sorprende es que Luis Buñuel era un tipo muy divertido; una película sobre él tiene que ser divertida y muy entretenida, así era la vida a su lado".
• Manolo Galiana se hará cargo de la dirección de animación del proyecto. El animador independiente, con una amplia experiencia profesional en conocidas producciones para cine, TV y publicidad, ha formado parte de multitud de producciones de animación españolas e internacionales, entre las que destacan títulos como "Anastasia", "Spirit", "Todos los perros van al cielo", o títulos nacionales recientes como "Los tres reyes magos", "La leyenda del Cid" o la dirección de animación de "Chico y Rita".
• La película será íntegramente producida en España principalmente en el estudio de animación Glow, una productora extremeña de servicios y producción propia, especializada en animación, grafismo y efectos visuales, para la que "Buñuel en el Laberinto de las Tortugas" va a ser el primer largometraje de animación, puesto que hasta el momento han desarrollado animación para publicidad comercial, imagen corporativa y series propias como "Mr. Guille", "Yukimura", o "The Funniest Fairy Tales", la mayoría de ellas en fase de desarrollo.

La película está producida por Sygnatia y Glow con la participación de RTVE y la colaboración del Centro de Documentación de Las Hurdes y el Centro Buñuel de Calanda. La producción empezará en septiembre de este año.

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Novedades sobre "Operación Cacahuete 2"

En enero del año pasado informábamos de que ToonBox Entertainment Ltd., Open Road Films, Redrover Co.,  Shanghai Hoongman Technology Co. Ltd. y Gulfstream Pictures estaban produciendo una secuela de la película "Operación Cacahuete" (2014), que conserva el mérito de haber sido la película independiente de animación con mayor recaudación en sus primeros días de estreno (25,7 millones de dólares en EEUU y 120 millones globalmente). En principio estaba previsto que la nueva película se estrenara en enero de este año, pero ahora se ha sabido que Open Road ha pospuesto su estreno para el año que viene, concretamente el 19 de mayo de 2017.

Dirigida por en esta ocasión por Cal Brunker ("Operación Escape") a partir de un guión de Scott Bindley, Bob Barlen y el mismo Cal Brunker, "Operación Cacahuete 2" trasladará a los espectadores de nuevo a Oakton City, donde un malvado alcalde quiere arrasar el Parque Liberty, hogar de la ardilla Surly y sus amigos, para construir un parque de atracciones en su lugar; lógicamente, Surly y sus vecinos se unirán de nuevo para enfrentarse a los planes del alcalde y recuperar el parque. Tras ellos estarán de vuelta todos los intérpretes que les dieron voz: Will Arnett (Surly), Katherine Heigl (Andy), Maya Rudolph (Precioso), Gabriel Iglesias (Jimmy) y Jeff Dunham (Topo).
La película se encuentra todavía en producción, con Harry Linden, Bob Barlen y Sunghwan Kim como productores y Hoe-Jin Ha, Hongjoo Ahn, Bill Bindley, Mike Karz, Hong Kim, Youngki Lee, Hyungkon Kim y Daniel Woo como productores ejecutivos.

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Tras la estela de "Operación Cacahuete" (30 de enero 2015)

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Entrevista a Sara Boix Grau

Sara Boix Grau se postula como una de las jóvenes promesas españolas del cine de animación en 2D. Formada durante dos años en la escuela de animación 9Zeros, supo aprovechar la posibilidad de beneficiarse de una beca parcial que obtuvo en la competición "My Year" para graduarse en el programa de Animación Clásica de la Vancouver Film School, donde ha tenido la oportunidad de ampliar conocimientos y práctica al lado de excelentes profesionales (Marv Newland,entre ellos) . Durante su tiempo en Vancouver llegó a realizar dos cortometrajes, uno de los cuales - "An Angel's Tale - resultó seleccionado en el festival Animac, junto a otros festivales internacionales.
"An Angel's Tale" es un corto en 2D y sin diálogos, caracterizado por un genial humor negro, hasta cierto punto violento y punk, que recuerda en otros aspectos al estilo de Cordell Barker; la historia es la de un ángel que es expulsado del cielo y debe encontrar la forma de volver allí.

Durante su estancia en el Festival de Lleida tuvimos oportunidad de entrevistarla y conocer su punto de vista como joven talento que ha podido formarse en España y también en el extranjero.
¿Cómo han sido tus inicios en animación?
Estuve estudiando en la Escuela 9Zeros de Barcelona durante dos años y luego me fui a Valencia a trabajar en el estudio Conflictivos Productions de Sam Orti, donde estuve trabajando durante un total de 8 meses como constructora de props y decorados para la película "Pos Eso", donde aprendí muchísimo. Fue poco tiempo después de trabajar con Sam que descubrí la escuela en Vancouver y decidí que iría allí, pero mientras buscaba la manera de hacerlo posible me fui a Madrid, donde estuve estudiando dibujo para mejorar mi nivel. Después di con el concurso de becas que me permitió ir a Vancouver.

¿Qué tal fue la experiencia de estudiar en Canadá?
Fue muy intenso; es un concepto completamente distinto de lo que tenemos aquí en España. Está mucho más centrado en la industria y la productividad, y me resultó muy útil un tipo de acercamiento así. Yo lo recomendaría por todo lo diferente a la hora de plantear un proyecto y entender cómo funciona la industria, lo que explica mucho a la hora de comprender por qué se exporta tanto su animación.

¿Cómo ves la situación en España para los nuevos talentos frente a las posibilidades de Canadá o EEUU?
En Canadá hay muchísima industria y muchísimas oportunidades, y no es extraño recibir en el mismo momento en que sales de la escuela ofertas para trabajar en estudios o en alguna producción, mientras que en España te tienes que buscar bastante más la vida. Pero claro, también la industria aquí en España es bastante más chiquita, y ello tiene de bueno que también te permite hacer cosas más personales. En Canadá casi todo es en plan industrial, y la mayor parte de lo poco que hay de independiente es lo que está financiado por el National Film Board. En todo caso, ahora mismo me apetece pasar una temporada en España.

¿Cuál es tu planteamiento de futuro a partir de ahora? ¿Vas a quedarte por España o prefieres volver a salir?
La verdad es que no tengo ni idea; de momento voy de un lado para otro. Ahora mismo estoy en un estudio en Francia (Studio Redfrog) trabajando en una serie de animación, y cuando termine allí me gustaría quizás hacer cosas mías o trabajar en algún estudio que hiciera cosas más experimentales, o algún sitio donde pueda desarrollar mis ideas. Tengo un par de ideas para cortos y me gustaría intentar desarrollar un pitch para una serie.

En tus cortos tienes un humor bastante directo, incluso un poco violento o punk, ¿es ese el tipo de historias que te gusta contar?
En su momento sí, ese era el tipo de planteamiento que les quería dar a mis cortos. Pero también me gustaría hacer algo distinto, siempre dentro del humor.

¿Qué tipo de influencias reconoces en tu trabajo?
En "An Angel's Tale" Cordell Barker es una influencia en estética sobre todo y también me quise rodear de su modo de tratar el timing y de su humor; espero haberlo conseguido... Bill Plympton también me gusta mucho, y desde luego Marv Newland, a quien tuve como profesor y que ganó un Oscar con "Bambi Meets Godzilla"

En cuanto a técnicas, has trabajado el stop motion y el 2D, ¿con cuál te quedas?
Por el momento va a ser el 2D. Por otra parte, el stop motion requiere un gran espacio físico y de momento no dispongo de ello, y también más equipo y más dinero. El 2D me gusta además porque lo puedes hacer tú solo en tu casa, de forma más independiente, y eso es lo que me apetece ahora.

Estamos muy agradecidos a Sara por su deferencia de atendernos y esperamos ver más trabajos suyos en próximos festivales. De momento os dejamos con el otro trabajo que realizó en Vancouver, titulado "Brainless"; una crítica sin piedad a la superficialidad:

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