Una vez más tenemos la oportunidad de conversar con un habitual en nuestro blogg y creador español de cine de animación 2D,
Khris Cembe. Su reciente proyecto
Soy una Tumba se presentó en el 3D Wire 2018 cerrando así un ciclo. Os adelantábamos sobre el proyecto en una anterior entrevista (
leer aquí).
También contamos con la presencia de la animadora principal María Carmen Cambrils formada en Bellas Artes y Animación por la UPV. Después de varios proyectos y trabajar en The Neverending Wall de Silvia Carpizo y Chelo Loureiro donde coincide con la otra animadora del corto María Pulido, asisten al 3D Wire y esto les supuso conocer a Khris y su vinculación al proyecto que hoy os traemos en profundidad.
Podríamos definir este cortometraje como un thriller dramático que explora sensaciones Ambientado en Galicia como telón de fondo, se reflexiona sobre temas profundos desde una perspectiva particular y subjetiva del autor que luego explicaremos.
El protagonista de la historia es un niño que ve rota su infancia de forma abrupta y violenta en el momento en que presencia una pelea protagonizada por su padre que acaba fortuitamente en un asesinato. Justo ese instante de la muerte congelada en la retina del niño es hilo conductor del drama y un fotograma difícil de olvidar.
El padre, por su parte, ignora por completo que su hijo ha presenciado el crimen que ha cometido. El niño nunca hablará con su padre de lo que ha visto. Un secreto que ambos se llevarán a la tumba.
Hacer un cortometraje supone una gran inversión de energía, tiempo y recursos para contar una historia. Más allá de esta sinopsis resumida para nuestros lectores ¿Qué has querido contar con ese cortometraje? ¿Cuál era tu motivación inicial y cómo evalúas este proceso artístico y vital?
Me motivó hacer este cortometraje la idea de hablar de infancia, la muerte y la soledad. Soy una Tumba no es un relato autobiográfico, pero sí que se basa en estos conceptos que siempre me han supuesto una controversia interna.
En ese sentido sí que ha supuesto un contacto directo con esos conceptos, una especie de desahogo y proceso terapéutico para afrontarlos. Es un corto que está hecho de esencias, de sensaciones, más que de una narrativa racional.
Nací en Madrid pero el cortometraje se enmarca en mi tierra Galicia que considero mi punto de referencia ya que es donde crecí y abandoné mi infancia. El cortometraje lo ambiente en Cangas, mi pueblo, en la época del contrabando.
Volviendo a la idea de la soledad, la historia habla de la soledad realmente y del sufrimiento en silencio de los niños ya que, a veces, a los niños les cuesta mucho expresar sus sentimientos al darse cuenta del abismo que hay entre su mundo y el mundo de los adultos. Eso les hace luchar muchas veces solos para enfrentarse a los problemas y derribar esta barrera para adentrarse en el mundo de los adultos. En este corto, el final, simboliza el abandono de la infancia y la entrada en el mundo adulto prematuramente y de una forma repentina y dramática.
Un proceso que se muestra desde una incomunicación con la familia, unos silencios que ahogan. Precisamente este cortometraje cuenta muchas cosas sin hablarlas y creo, que eso es lo bonito de esta historia.
Coméntanos cómo fue posible la puesta en marcha de este engranaje y el equipo con el que contaste.
Para empezar un proyecto como éste al principio le dedicas tú todo tu tiempo y en soledad hasta la fase de animática prácticamente. A partir de aquí ya lo puedes enseñar. Estuvimos en 3D Wire presentándolo en el Pitch de 2016 y tuvimos la suerte de ganar el premio de MOVIESTAR+. A ese apoyo se sumó las ayudas que gracias a Iván Miñambres y su productora UNIKO pudimos acceder que fueron básicamente, las del ICAA y las del gobierno vasco. También destacar el apoyo del coproductor francés Nicolás Schmerkin de AUTOUR DE MINUIT que se interesó mucho por el proyecto aportando presupuesto para poder pagar bien al equipo.
El equipo ha sido realmente pequeño en parte porque yo asumía mucha carga ya que me gusta participar de todos los procesos. El equipo principal fuimos: Diana Cano desde Bilbao liderando la parte ejecutiva y distribución nacional, Laura Aguado focalizada el en día a día de la producción desde Barcelona; Marí Carmen Cambrils, María Pulido y yo en animación.
Luego también hemos tenido colaboraciones de César Díaz el genio del stop motion que nos ayudó con las escenas introspectivas del niño animadas en arena. Y Héctor Zafra, Genis Rigol y Santi Riscos también animaron en 2D.
He tenido mucha ayuda con este cortometraje.
Hago inciso sobre César Díaz y te doy la razón sobre su genialidad después de haber podido ver su cortometraje MUEDRA dará mucho que hablar.
De hecho quisimos contar con su experiencia y la técnica de stop motion en arena porque nos llevaba a la tierra física del paisaje gallego. Era la técnica que mejor se adaptaba.
Hemos estado trabajando deslocalizados y aunque se echa en falta el contacto directo con el equipo al final, con las herramientas de comunicación actuales prima la libertad de trabajar desde donde estás. María Carmen desde Valencia, César desde Soria, María Pulido desde Teruel en aquel momento, Santi desde Madrid…
Al final el trabajar deslocalizados también tiene un valor añadido y el beneficio de trabajar sin importar la localización. ¿Habéis estado usando plataformas de producción y softwares de gestión?
Realmente, todo se trabajó de forma ágil sin plataformas específicas de producción. Todo con videos y notas de voz para correcciones. Mucha comunicación, control de producción, organización de carpetas y Dropbox con documentos compartidos.
Hicimos una reunión todos juntos para visualizar el corto en línea y ver cómo afrontar la fase de clean up. Laura Aguado hacían de puente con la productora Uniko para que todo siguiera su curso lógico. La parte francesa se focalizaba en distribución internacional.
Psiconautas realmente también fue un proceso similar y como nos funciona hemos encontrado una manera ágil de producir profesionalmente.
¿Marí Carmen cómo has vivido como animadora principal este proceso de trabajar deslocalizada?
Lógicamente los inicios resultaron complejos para todos hasta que poco a poco vas entendiendo lo que el director quiere y entonces ya todo va hilado. Ha sido fácil trabajar con este equipo con una dirección clara y una experiencia que te guía en momentos de atasco o complejidad.
Los animadores recibíamos los layout y unas pocas poses de referencias de los personajes que aparecían en la escena marcando la intención de trayectoria y la proporción. Además teníamos una descripción de loq ue pasaba en el plano o secuencia. Con esto sacabas una primera fase para recibir feedback y continuar delante en versiones o pasar a la siguiente fase.
Hablemos del arte del cortometraje. Ese look tan artesanal, las texturas y trazos conectadas con la materia del entorno y el sonido. ¿Qué tipo de softwares habéis usado para alcanzar este look?
Khris: Efectivamente, para mí lo más importante es el arte, el acabado final de un proyecto junto con el sonido formando una unidad.
Para nosotros Photoshop es la herramienta angular. Todos los proyectos que hago los termino en ese software que me da lo que preciso.
A los animadores se les da la libertad de usar el software con el que se sientan más cómodos ya que finalmente todo va a unificarse en Photoshop desde la fase del clean up. El color, sombreado e iluminación, sombras proyectadas también se hizo en Photoshop. Los fondos todos fueron también con este software.
Las escenas oníricas las hice con el procreate ® del Ipad pro que me dio la libertad de salir físicamente del estudio donde estaba siempre delante de la Cintic y vivir este proceso creativo de una forma más amena.
El peso de la parte de color e iluminación la realizó María Cambrils junto con apoyo del resto del equipo. Finalmente se compuso en After Effect, tocamos un poco cámaras y etalonaje.
María C: Sí ciertamente, tuvimos libertad de uso de software para la animación y fue un acierto. Cuando Khris se refiere a mí como Lead Animator es en parte porque yo estuve los 9 meses del proyecto lo cual implicó que gran parte del metraje recayera sobre mí de forma natural. Además, después de la animación donde también intervinieron varios animadores como María Pulido, yo también continué con el clean up, color y hasta el final junto con Khris. Él llevó la parte onírica de carboncillo y yo la de color más realista trabajada con cintiq con el apoyo de Héctor y del resto del equipo.
Así es que para mí esta colaboración ha supuesto un aprendizaje y profesionalización que me animan a perseguir mi objetivo presente de seguir creciendo como animadora.
Contenta con el resultado final. Ha sido toda una experiencia para repetir donde el equipo lo ha dado todo.
En cuanto a tiempos de producción, ¿podrías darnos unas pinceladas más?
Después del tráiler de UNICORN WARS llegó un momento en el que tomé la decisión de ir adelante con mi cortometraje. Aproximadamente la preproducción, es decir desde la idea hasta animática me supuso cerca de año y medio. La escritura del guión es una etapa especialmente compleja de cerrar y consumió gran parte de ese tiempo. A partir de la ayuda del ICAA en septiembre de 2017 vamos a full con el resto del equipo hasta fin de rodaje en la segunda mitad del año siguiente y presentación en 3D Wire.
Recorrido del cortometraje: Lo analizamos por su valor.
El corto realmente acaba de comenzar su andadura. Se estrenó en Octubre de 2018 en Segovia en el
3D Wire (el mejor encuentro de mercado en España) donde ganamos el
premio del público y del jurado lo cual fue muy emocionante. A nivel internacional se estrenó este mes en el festival francés
Clermont-Ferrand. Así es que, realmente, ha tenido una salida muy buena. Sigue viajando por Francia y España.
Actualmente se proyecta en el ANIMAC de Lleida que considero que es el mejor festival español para consumir cortometrajes internacionales.
También habéis estado nominados para los Goya este año, ¿Supone un impulso para la promoción?
Cierto, hemos estado nominados. Esto también ayuda a promocionar, pero he decir que estos premios no son nuestra meta, ni nuestro terreno. Tenemos ya experiencia con los Goyas y ayudan televisivamente a dar visualización pero no a conseguir facilidades de financiación para seguir produciendo. Nosotros estamos más orientados al reconocimiento de la animación en sí misma. Es justamente esto, la animación lo que la considero desde el máximo del respeto para los otros nominados lo que la Academia deberíamos poner en valor. Considero que este año se han caído de la lista animaciones muy buenas que deberían haber sido finalistas y eso, no favorece a la animación española, ni a lo que se proyecta de cara a fuera.
¿Focalizáis por tanto en algún otro festival?
Focalizamos sobre todo en Clermont-Ferrand donde ya hemos tenido presencia y, Annecy que es el festival de animación por excelencia. También veremos si conseguimos llegar a Otawa y llegar a Toronto.
Pero por encima de todo, olvidándonos de los premios que es algo secundario, destacar que estamos realmente contentos con el corto que hemos realizados. Queremos compartirlo con la gente en festivales y agradecemos la buena acogida que está teniendo.
Ahora os toca disfrutar del recorrido del cortometraje y del contacto con el público. Desde Los del Sótano queremos agradeceros vuestra disponibilidad siempre a colaborar y os deseamos lo mejor.
Conociendo tu perfil de autor, esa búsqueda de introspectiva y vivificación del niño que afortunadamente aún llevas dentro, estoy segura que ya estarás trabajando en nuevas ideas.
Me preguntaba por tus expectativas, futuro ¿Qué nos puedes adelantar sin entrar en desvelar nada?
Aunque ahora estamos con la distribución de
Soy una Tumba, ciertamente estoy ya trabajando en una idea con tintes de recuerdos y más sensaciones.
Quedamos a la espera de poder hablar en un futuro sobre ese proyecto llegado el momento.
Gracias y felicidades de nuevo a todo el equipo.
Gracias a vosotros, por supuesto!
