sábado, 28 de noviembre de 2015

El Viaje de Arlo

La segunda película del año de Pixar es el relato de una aventura de superación personal y amistad que parte de la hipótesis de qué hubiera podido ocurrir si el meteorito que supuestamente acabó con la existencia de los dinosaurios en nuestro planeta no hubiera impactado sino que hubiese pasado de largo. Ello da lugar a una historia que plantea al menos dos novedades respecto de las anteriores películas del estudio: por una parte, el oponente de los protagonistas no es un semejante al que puedan batir, sino una fuerza impersonal, la naturaleza misma, que se presenta a menudo dura y descarnada, provista de un realismo espeluznante, y que condiciona a todos los personajes del largometraje, forzados a convivir con ella de un modo u otro; si pudiera haber cierto paralelismo con la situación planteada en "Buscando a Nemo" no estaba planteado allá con tanta intensidad, pero además el segundo aspecto novedoso remarca la diferencia, puesto que nos encontramos posiblemente ante una de las películas más oscuras y angustiosas de Pixar, suavizada por muchos momentos de emotividad que la hacen al mismo tiempo muy tierna, pero casi desprovista del humor que había estado caracterizando todas las anteriores producciones y plagada de situaciones escalofriantes, lo que hace dudar incluso de que sea una película cómoda para los niños.


Dirigida por Peter Sohn, fiel servidor de Pixar que se estrena así como director de un largometraje, desarrolla un guión de Meg LeFauve a partir de la historia creada por la misma junto al director Peter Sohn y Eric Benson, Kelsey Mann y Bob Peterson, designado originalmente como director de la película.
Sobre la hipótesis planteada de que el meteorito pasara de largo sobre la Tierra, la historia comienza con una pareja de Apatosauros que, millones de años más tarde, establecen su hogar en una granja localizada cerca de un río en un paisaje muy probablemente situado en lo que es, o debería acabar siendo, el continente americano. Allí nace su prole a partir de tres huevos del último de los cuales surge Arlo, un enclenque dinosaurio que resulta ser muy asustadizo. Forzado a superar una prueba que le haga merecedor de dejar su huella estampada en una especie de árbol genealógico junto a las de sus padres y hermanos, Arlo debe vigilar el silo de maíz y destruir al "bicho" que se está comiendo furtivamente las mazorcas; la persecución del que resulta ser un niño humano acaba finalmente cuando el joven dinosaurio y el niño al que quiere detener acaban cayendo al río y son arrastrados muy lejos de su hogar. A partir de entonces Arlo debe reunir el valor suficiente para volver a casa con la única pista de que debe seguir el río, y para ello cuenta con la inesperada ayuda del niño salvaje Spot; en el viaje descubrirán cuánto tienen en común y acabarán convirtiéndose en unos improbables amigos que se ayudarán para enfrentarse a los innumerables peligros que les esperan, algo que obligará a Arlo a superar sus temores y descubrir de lo que es capaz.



Lo primero que llama la atención casi desde el inicio mismo del largometraje es el elevadísimo nivel de realismo aplicado al paisaje, hasta cotas de detalle impresionantes  (en las hojas de los árboles, en el agua...) que nunca se habían visto aún en Pixar. Peter Sohn señaló que quería hacer del paisaje el antagonista principal de la película, convertido prácticamente en un personaje, cuya belleza alternaría con su peligrosidad y su inabarcable enormidad. Frente a él, los dinosaurios aparecen contrastados con un aspecto más de dibujo animado, inocentes, como si aquél hubiera evolucionado de distinta manera y ellos fueran incapaces de dominarlo; de hecho, da la impresión de que cuanto más evolucionaron los dinosaurios, más temerosos se hicieron de la naturaleza y menos conocedores de la misma, mientras que los más salvajes, como Spot o el resto de animales, saben desenvolverse en ella con mucha más soltura. En todo caso, el realismo del paisaje y lo cartooniano de los personajes no desafinan en absoluto, puesto que la texturización y la iluminación hacen que paisaje y personajes estén perfectamente integrados.


En segundo lugar, es peculiar la relación entre Arlo y Spot: mientras la nueva película de Pixar no deja de ser otra buddy movie entre dos seres aparentemente incompatibles, lo novedoso es que los papeles se encuentran cambiados, de forma que el dinosaurio Arlo es el ser evolucionado y parlante, mientras que el niño humano Spot es un ser salvaje que se comporta y anda a cuatro patas como un perro, que no sabe hablar y gruñe y ruge y muerde, aunque también tiene sentimientos y mucho más en común con Arlo y, por extensión, con los evolucionados dinosaurios, de lo que es aparente al principio de la película. La animación de Spot es genial: hasta tal punto los animadores han sabido replicar y trasladar a un humano los instintos, movimientos y actitudes de un can que el salvajismo de los legendarios Mowgli y Tarzán está superado con creces.


En fin pues, ¿qué es lo que hubiera pasado si el meteorito que acabó con los dinosaurios hubiera pasado de largo? Peter Sohn nos muestra a unos dinosaurios que millones de años después han evolucionado superando a los humanos, hasta tal punto que saben hablar, labrar la tierra y ejercer la ganadería, pero que viven con miedo, puesto que el miedo forma parte de la vida y más cuando uno está solo, como se sintieron quizás lo primeros colonos de América. Y es que Peter Sohn alcanza a convertir la película en un western en el que los dinosaurios protagonistas parecen ser los primeros que están colonizando el continente americano - más propiamente el territorio que sería hoy el oeste de Norteamérica - y se encuentran muy solos, sin que existan grandes manadas de saurios, y expuestos a la crudeza de la naturaleza y a la ley de la selva de cada uno. Y en la superación de ese miedo entran en valor la familia y los amigos como único factor de seguridad (es significativo cómo el solitario Styracosaurio de los bosques se rodea de pequeños animales como amigos y protectores, aunque su ayuda sea claramente insuficiente frente a la valía de Spot, como revela el nervioso tic del cornudo saurio) y como el único motivo para sacrificarse, lo que convierte a Arlo en ese buen dinosaurio del título original, frente a tanto compañero de especie que va a la suya.
Por cierto, en ese western en el que se acaba convirtiendo en cierta medida la película no faltan homenajes a escenas clásicas del género como los robos de ganado, las persecuciones "a caballo", las buenas historias nocturnas contadas en torno a un fuego o los iluminados predicadores tocados por una revelación, o una "relevación".


Quizás "El Viaje de Arlo" no sea tan original y arriesgada como "Del Revés" al no haberse inventado un mundo de cero, pero logra partir de una hipótesis original y desarrollarla de una forma técnicamente impecable y argumentalmente con credibilidad, aventura y muchas dosis de ternura, además de aportar elementos nuevos a la filmografía del estudio.
Eso sí, tras tantas películas que provocan el lagrimeo incontenible, sería hora de que Pixar se fuera planteando hacer una película totalmente humorística.

En cuanto al cortometraje que precede a la película, "Sanjay's Super Team", también está dirigida por un animador de los estudios Pixar que se estrena como director: Sanjay Patel quiere reflejar su propia experiencia personal de cómo fue crecer en EEUU siendo hijo de inmigrantes procedentes de la India, tratando de equilibrar las tradiciones familiares con las referencias culturales totalmente distintas del país en que creció. El cortometraje comienza mostrando al joven Sanjay mientras desayuna sus cereales y viendo dibujos animados en una aburrida habitación, cuando su padre hace sonar una campana llamándole a acompañarle en la meditación; poco dispuesto a agregársele y más propenso a jugar con sus figuras de Los Vengadores, Sanjay se dejará llevar por la imaginación a una aventura en que los dioses hindús son como superhéroes, y a medida que ese sueño progresa Sanjay adquiere comprensión del mundo interior de su padre. A destacar el tratamiento cromático de las escenas, más gris y real en el aburrido mundo en que comienza la historia, y vibrante de translúcidos tonos de rojo, azul y verde que iluminan y dan una textura distinta - cercana a los dibujos en 2D - al mundo de la imaginación y los dioses.



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jueves, 26 de noviembre de 2015

Nuevo evento sobre creación digital en Valencia

Entre los días 10 y 13 de diciembre se celebrará en Kinépolis Valencia el que se ha dado en llamar el mayor evento de creación digital de España, DIGITALL, que convertirá a la ciudad en capital del sector durante cuatro jornadas. Innoarea Design Consulting organiza este macroevento sobre cultura digital promovido por ESAT, la Escuela Superior de Arte y Tecnología, con el objetivo de reivindicar el talento español en la cadena de valor de la cultura digital, y servir de fuente de inspiración y punto de encuentro para los profesionales y amantes de la cultura digital del país.
Serán cuatro jornadas con contenidos para profesionales y público general donde ver, aprender y jugar con lo último en tecnología y cultura digital, abarcando animación, efectos especiales, videojuegos, arte, tecnología y 3D.
Creadores digitales de estudios tan prestigiosos como Disney, ilustradores de MARVEL Comics, o especialistas españoles en animación y 3D cuyos trabajos son reconocidos internacionalmente aportarán su experiencia en la creación digital ante los asistentes con conferencias, charlas y talleres que conformarán la programación profesional del jueves y viernes. Mientras que durante el fin de semana el entretenimiento a través de proyecciones, talleres, una zona de videojuegos y sesiones divulgativas con expertos compondrán una oferta orientada al público general donde se podrá probar, entre otras novedades, lo último en realidad virtual o videojuegos que aún no han salido al mercado.


Los 4 pilares en los que se estructura la programación de las ponencias son: Animación y VFX, Arte y Diseño, Videojuegos y, por último, Tecnología.
Animación y VFX es una de las principales áreas temáticas, en ella especialistas de los más reputados estudios hablarán de sus trabajos y experiencia: así, Iker J. De los Mozos, responsable de la anatomía de los personajes de Frozen, Big Hero 6 o la inédita Zootopia entre otras producciones de Disney Animation Studios, se desplazará desde Los Ángeles para dar una clase magistral sobre animación; José Mª de la Puente, afamado coordinador de producción en MPC en materia de VFX, ilustrará al público sobre todos los procesos que requiere una película VFX bien sea pura animación 3D, o un "live action" en el que se integren personajes de carne y hueso rodeados de efectos especiales; Javier Tostado, director en Clay Animation, profundizará en el Stop Motion, una de las técnicas de animación más tradicionales, pero que ha sabido adaptarse a los tiempos para beneficiarse de la era digital, de modo que la charla tratará sobre las peculiaridades de este arte y de los desafíos a los que se debe enfrentar un proyecto de estas características desvelando detalles importantes sobre la serie Clay Kids a lo largo de los últimos cuatro años; Enrique Gato, director de “Atrapa la Bandera”, la película española más vista del año, y responsable también de “Las aventuras de Tadeo Jones” cinta ganadora de un Goya a la Mejor Película de Animación, ofrecerá una conferencia donde dará a conocer su trabajo como animador y los secretos del éxito en taquilla de sus dos primeras películas; los creadores de “Los Minions” estarán en el evento a través de las figuras de Albert Barba e Iván del Río, animadores 3D de Illumination McGuff, que revelarán su método de trabajo en el nuevo estreno de la compañía, “Mascotas”, que llegará a los cines en verano de 2016; y también se contará con la presencia de Eduardo Oliden, socio en Keytoon Animation Studio y Profesor en ESAT, animador especializado en cine y videojuegos y que ha trabajado en títulos como “Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo” y “Ice Age". Igualmente estarán como ponentes Gastón Ugarte, supervisor de sets en Pixar Animation Studios, que hablará de "El Viaje de Arlo"; Jaime Maestro, director creativo en Blue Dream Studios y Barreira Arte y Diseño; Borja Montoro, experimentado diseñador de personajes y animador; Christian Dan Bejarano, lead animator en Ilion Animation Studios; Manuel Robles, diseñador gráfico y experto en Studio Ghibli; José L.Arjona, director de Arjona In Frames; y Pablo Navarro, director de animación que ha trabajado en un sinfín de producciones nacionales e internacionales, entre ellas, "El Cid: the Legend", "Nocturna", "Asterix y los Vikingos", "Planet 51" o "Le jour des Corneilles".
En Arte y Diseño empresas como Wacom se encargarán de que artistas digitales, entre los que destaca Javier Garrón de MARVEL Comics, ilustren en directo mediante el mejor hardware para ello.
En Videojuegos el entretenimiento interactivo estará representado tanto por las grandes desarrolladoras multinacionales, como los pequeños y talentosos estudios independientes a nivel nacional.
Y por último, en Tecnología, la impresión 3D, computación y big data, realidad virtual y realidad aumentada serán los protagonistas.

El fin de semana del 12 y 13 de diciembre los amantes del animé y el manga que adquieran la entrada Otaku encontrarán una programación especial donde las proyecciones de grandes títulos de animé se completarán con talleres y encuentros con autores manga españoles.
Los asistentes a DIGITALL podrán disfrutar en la gran pantalla de la proyección el 13 de diciembre a las 12.00h de ‘Akira’, una película de culto para los amantes del animé dirigida por Katsuhiro Otomo, autor del manga, que se estrenó en 1988, convirtiéndose en un auténtico éxito de taquilla y una revolución en su género gracias al uso de novedosas técnicas de animación que la han convertido, años después, en uno de los máximos exponentes de la cultura de animación japonesa.
También se podrá disfrutar en la gran pantalla de grandes títulos del anime como ‘Rebuild of Evangelion’. La saga de cuatro películas basadas en la serie de anime ‘Neon Genesis Evangelion’ se proyectará durante el evento justo cuando se cumplen 20 años del estreno de la serie y coincidiendo con el año en el que transcurre la acción. En DIGITALL se proyectará ‘Evangelion:1.0 You Are (Not) Alone’estrenada en 2007, ‘Evangelion: 2.0 You Can (Not) Advance’, estrenada por 2009 y ‘Evangelion:3.0 You Can (Not) Redo’, estrenada en 2012. Todas bajo la factura de Hideaki Anno, director de la serie original.
También podrá verse ‘Dragon Ball Z: Battle of Gods’, la primera película del retorno de la saga Dragon Ball tras17 años de silencio y en la que Akira Toriyama, autor original de la serie, se involucró  en su producción desde la escritura del guión.
"El Profesor Layton y la Diva Eterna", "Colorful", "Summer Wars", "El Verano de Coo", "Una Carta para Momo", "Ghost in the Shell Arise", "Puella Magi Madoka Magica", "Saint Seiya: Leyenda del Santuario", y "La Tumba de las Luciérnagas" completarán el programa de proyecciones.
Talleres de animación para el público infantil y concursos sobre el conocimiento en videojuegos completarán las actividades programadas para el fin de semana y de las que todo el mundo podrá disfrutar con la Entrada General al evento.

Podéis encontrar información completa en el website del evento: http://digitallevent.com/

Dos maravillas de animación en papel

El pasado domingo, en la sesión 'Un Nadal d'Aventures' de El Meu Primer Festival, tuve oportunidad de ver dos mágicos cortometrajes de animación realizada mediante la técnica del cut-out, o animación en papel: "Neige" (2015) de Folimage, y "Le Père Frimas" (2013) de Les Films de l'Arlequin, dos películas orientadas al público infantil.
La historia de "Neige" (Nieve), realizada por Antoine Lanciaux y Sophie Roze, se inicia cuando una niña de nueve años llamada Prune se marcha de colonias con sus compañeros de clase, dejando atrás a sus padres y a su hermano Philemon; cuando éstos se dirigen a su casa en coche, una espesa tormenta de nieve que asola toda la región provoca que arrollen un trineo donde viajaban ¡unos esquimales! Ello dará pie a que la familia entre en contacto de manera casi mágica con una familia Inuit, cuyo joven integrante vivirá muchas aventuras con Philemon.
Es un cortometraje donde se ponen en valor la amistad y el respeto a la diferencia y su conocimiento a través del lenguaje y su cultura, a la vez que se sugieren las consecuencias del cambio climático. Los realizadores han optado por no traducir el lenguaje Inuit, y sorprendentemente se logra entender, a la vez que da a las conversaciones una curiosa musicalidad.
El diseño artístico y la animación constituyen una auténtica obra artesanal donde se juega con el uso de texturas naturales y papel recortado para crear una atmósfera única y salvaje, donde los animales del Ártico cobran un protagonismo especial. Asimismo se opta por utilizar a menudo planos generales que intensifican si cabe las singulares peculiaridades de la animación mediante papel, con perspectivas imposibles y puntos de vista que sólo en el cut-out adquieren su auténtico sentido y despliegan toda su belleza, a modo de postales.


En "Le Père Frimas", dirigida por Youri Tcherenkov (y en cuyo guión participa también Antoine Lanciaux), se nos cuenta una poética historia basada en las leyendas rusas, donde el padre Frimas, un ser mágico que vive en la cumbre de una montaña asegurando que los bosques queden cubiertos de nieve en invierno, ve alterada su rutina cuando el malhumorado espíritu del bosque ve interrumpido su sueño por culpa de un hombre que ha acudido allí en busca de leña para satisfacer los deseos de su caprichosa esposa.
Elaborado de nuevo con la precisión de un orfebre, el corto constituye otra fantástica pieza de animación en cut-out que en comparación con la anterior resulta quizás más colorista, gracias a sus trabajados diseños pintados con pastel. Por otra parte, el uso del ordenador es también más evidente por cuanto se ha integrado la animación con elementos y texturas 3D.


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miércoles, 25 de noviembre de 2015

The Nine Old Men de Andreas Deja

Despues de meses de espera por fin recibí este gran libro escrito por Andreas Deja. Para quien no lo conozca Deja es una de las 'Disney Legends'. Ha dado vida a los más famosos villanos como Gastón, Jafar y Scar, entre otros. El libro salió a la venta el pasado mes de Septiembre, después de meses de retrasos pero ya sabeis el dicho...lo bueno se hace esperar!.

En este libro Andreas disecciona uno por uno a los 'Nine Old Men'. Cada capítulo se centra en un animador y analiza al detalle su técnica, que incluye: figura, acting, estructura y ejecución. El análisis en profundidad del trabajo de cada animador te hará refinar tu acercamiento a la animación de personajes.

Desde mi punto de vista, este es uno de los mejores libros de animación que existen, solamente superado por 'The Illusion of Life' de Frank & Ollie.


El libro lo podeis encontrar en Amazon.

martes, 24 de noviembre de 2015

Animac 2016 calienta motores

Animac, la Mostra Internacional de Cinema d’Animació de Catalunya, organizada por el Ayuntamiento de Lleida, volverá a la ciudad entre el 25 y el 28 de febrero de 2016 con el mejor cine de animación.
Para anunciar su 20ª edición, Animac presenta el cartel creado como cada año desde sus inicios por Carles Porta, ilustrador, diseñador gráfico y animador leridano. En esta ocasión, la imagen gira en torno a la figura de la mujer en relación al universo artístico, bajo el lema Futurs femenins.


Con su lema, Futurs femenins, Animac pone de relieve la notoria participación de las creadoras en un momento clave. Por un lado se celebra la extraordinaria incorporación de las mujeres realizadoras, nuevos temas y sensibilidades en el panorama independiente, pero se pone de manifiesto que esta relevancia – presente también en el entorno académico - está todavía lejos de encontrar una correspondencia en la participación en largometrajes, series de televisión o videojuegos, es decir en la industria.

Un año más, Lleida se convertirá en la capital mundial de la animación. La última semana del febrero se podrá disfrutar de cuatro jornadas repletas de proyecciones, conferencias, talleres, espectáculos, presentaciones y también actividades gratuitas para todos los públicos como Animacrea, Openscreen, Espai Kids y Animac de Nit. Animac mantendrá sus secciones habituales de Largometrajes, Cortos, Futur Talent, Monogràfic, Convidat Especial, Animac Cartoon y Petit Animac. También se mantienen las actividades destinadas al sector más profesional como Incubator, Market Pitch, Portfolio y Vermut Networking, que tienen convocatoria abierta hasta el 18 de enero.
La Mostra se supera con cada edición y para la presente ha recibido un total de 700 películas de procedencia nacional e internacional de 66 países diferentes, un centenar más que en su anterior edición, y un incremento de participación de proyectos profesionales en relación a las mismas fechas del año pasado.

La sección Petit Animac, destinada al público infantil y familiar, contará también con su propia imagen evocando un mundo infinito de imaginación.


Animac continúa apostando por la vertiente educativa, con el ánimo de contribuir en la formación de los niños y jóvenes como futuros espectadores y creadores. Este año la Mostra ha sumado un millar de alumnos respecto a la pasada edición con la ampliación de los días de las sesiones escolares, que se iniciarán el lunes 22 de febrero. Más de 8.500 alumnos de 52 centros educativos de Lleida y comarca se han inscrito en las sesiones escolares.
Además, Animac consolida también su vocación pedagógica hacia el conocimiento de la industria audiovisual y la creación de animación gracias a los talleres y cursos especializados que se realizan durante todo el año con la colaboración de l’Escola d’Art Municipal Leandre Cristòfol, el centro de formación Ilerna, la Regidoria de Joventut, Universitat de Lleida y el Centre d’Art la Panera. Por primera vez Animac ofrece un taller en colaboración con l’Aula Hospitalària Arnau de Vilanova que se suma al resto de iniciativas anteriores.

El viernes 5 de febrero la Mostra ofrecerá en Barcelona en colaboración con el  CCCB, un acto singular que dará a conocer una pequeña cata de la programación de Animac 2016.

70 años de Garbancito de la Mancha

Ayer se cumplieron 70 años justos del estreno en los cines Fémina de Barcelona de la película animada "Garbancito de la Mancha", que constituye no sólo el primer largometraje de animación producido en España, sino también el primer largometraje animado en color que se realizó en Europa. Una productora y distribuidora catalana, Balet y Blay, y un dibujante e ilustrador de origen valenciano, Arturo Moreno, llevaron adelante la producción de esta ambiciosa y costosa película de animación en plena posguerra y en medio de dificultades y penurias de todo tipo, construyéndose para su realización unos estudios en el barrio barcelonés de Vallcarca, donde trabajaron cerca de 90 profesionales.
En la película, Garbancito es un joven huérfano que tiene una granja cerca de un pequeño pueblo. Sus amigos son Chirili, Kiriki y la cabrita Peregrina, pero también están los típicos gamberros que no paran de molestarle: Pelanas, Manazas y Pajarón. Un día, el pueblo donde vive Garbancito es amenazado por la bruja Pelocha y el gigante Caramanca, que rapta a sus amigos Chirili y Kiriki. Gracias a la ayuda de un hada, que le da poderes y una espada mágica, Garbancito libera a sus amigos de las garras de los malvados y es recibido como un héroe por los lugareños.
Ya tuvimos ocasión el año pasado de elaborar una entrada sobre esta película (enlace aquí), que esta vez vuelve a relucir no sólo por su aniversario, sino porque el Museu del Cinema de Girona ofrece una interesante exposición en torno a la película y el pasado sábado proyectó la cinta ante un nutrido grupo de espectadores entre los que se encontraba un servidor y también familiares de algunos de los artistas que trabajaron en la producción, como la hija de Rosa Galcerán.


La exposición está dividida en tres ámbitos: El primero pretende sintetizar el desarrollo de la industria del cine de animación en Cataluña, destacando sus principales producciones desde los inicios hasta el momento actual. El segundo ámbito se centra en Garbancito de la Mancha y en los hechos históricos que propiciaron que se pudiera hacer la película, así como su proceso de producción, los profesionales que participaron, las acciones de promoción y todas las circunstancias que la rodearon. Finalmente, se analiza la carrera de su realizador, Arturo Moreno (1909-1993), conocido durante muchos años con el apodo de "el Walt Disney español", que fue un ilustrador, animador y caricaturista de referencia que disfrutó de una larga y fructífera trayectoria profesional mucho más allá de la realización de la película de animación.
Ramon Balet se asoció con José María Blay para fundar la empresa de distribución y producción cinematográfica Balet y Blay en 1938. "Garbancito de la Mancha" se pudo llevar a cabo en un contexto de posguerra, de penurias y miseria, por la conjunción de varios factores: Lo más importante fue que la distribuidora Balet y Blay necesitaba conseguir permisos de importación de filmes europeos y norteamericanos, permisos que sólo se obtenían a cambio de hacer producciones propias, y Blay decidió entrar en el mundo del cine de animación pensando que conseguiría más permisos de importación de filmes extranjeros haciendo este tipo de producción. Cuando Arturo Moreno (entonces un joven profesional de 34 años con una larga experiencia como dibujante) les presentó un corto de animación, "El capitán Tormentoso", por si lo querían distribuir, José María Blay le propuso la idea de hacer el largometraje y Moreno aceptó el reto lanzándose a la aventura de crear unos estudios profesionales de dibujos animados partiendo de cero, a pesar de que en una Europa en guerra no sería nada fácil encontrar materias primas básicas como los acetatos, o un laboratorio para el revelado de la película en color.

Blay y Moreno (centro y 2º a la derecha)
Por otra parte, el guión elegido tenía unas ventajas claras en una época de represión de todas las libertades: la película se basaba en el libro infantil homónimo escrito por Julián Pemartín, un falangista que en esos momentos ejercía de director del Instituto Nacional del Libro Español y cuyos cargos políticos dentro del régimen franquista aseguraban la no intromisión de los censores en la realización de la película.
La productora Balet y Blay contrató cerca de un centenar de dibujantes e ilustradores, animadores y guionistas, muchos de los cuales participaron por primera vez en la realización de un film animado (de hecho la inexperiencia en animación se nota en detalles como algunos fallos de integración con el fondo, desviaciones de modelo, cierta animación sincopada o algunos bucles de animación toscos, y a pesar de ello se obtuvo un resultado muy ambicioso teniendo en cuenta la falta de experiencia en animación de la mayoría de los artistas). Una vez contratados todos los profesionales, Arturo Moreno creó varios grupos de trabajo: 30 dibujantes animadores dirigidos por Armand Tosquellas - colaborador de Moreno en la realización del corto "El Capitán Tormentoso" -  y José M. Carnicero, con responsables como Rosa Galcerán, que también fue colaboradora en el corto de Arturo Moreno; 20 encargados del coloreado dirigidos por Anna M. Melero; además de dibujantes de los fondos, entre los cuales Valentí Castanys hijo (Tinet), y los técnicos encargados de la truca multiplano dirigidos por Josep M. Arola. En total, este equipo creó unos 350.000 dibujos en 427 días de trabajo entre los años 1943 y 1945.

Bosquejo original a lápiz

Original a tinta de Caramanca, Garbancito y Pelanas

Acetato de Garbancito

La película tuvo un gran éxito de crítica y público y obtuvo unas ganancias económicas de entre dos y tres millones de pesetas. Varios fabricantes de productos para niños consiguieron la licencia y el mercado se llenó de merchandising: muñecos, álbumes de cromos (en varias ediciones), fotogramas montados en cartulina, películas de cine NIC, juguetes ...

Album de cromos de Garbancito

Películas para el proyector de cine NIC

El éxito de Garbancito de la Mancha animó a los productores a hacer una segunda parte, "Alegres vacaciones" (1948), que tuvo un escaso eco entre el público. Con el fracaso de taquilla y de la crítica de "Los sueños de Tay-Pi" (1951), el tercer largometraje de la empresa, Balet y Blay dejó de producir películas de animación, pero su actividad marcó un hito importante en la historia de las producciones del cine de animación, no sólo catalán y español, sino también europeo.

La mayor parte del material original que se muestra en la exposición, cuya visita recomendamos, es la primera vez que se expone públicamente y proviene en buena parte de la Colección Antoni Furnó y de la Colección privada Isabel Moreno. Antoni Furnó estuvo relacionado con varias productoras cinematográficas catalanas; entre ellas trabajó para Balet y Blay y participó como jefe de personal en la producción de "Garbancito de la Mancha", junto a su hermano Trino Furnó, que participó como dibujante. La Colección Isabel Moreno, hija de Arturo Moreno, contiene el material que conservó el director de "Garbancito de la Mancha" de la realización de este film y otros materiales relacionados con su trayectoria profesional desde los años 30 hasta los 80. La exposición contiene otro material original procedente de las colecciones de Jordi Riera Pujal, Antoni Guiral, Pepita Pardell, Jordi Artigas, etc.
Todo este material estará expuesto hasta el día 24 de enero de 2016.

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viernes, 20 de noviembre de 2015

Un poco de aquí y de allá (XVIII)

Empieza esta relación de flashes y noticias cortas haciendo referencia a Edgar Wright (Shaun of the Dead, Scott Pilgrim vs. the World), que ha llegado a un acuerdo con Dreamworks para co-escribir (junto a David Walliams) y dirigir la que va a ser su primera película realizada exclusivamente mediante animación, un largometraje en torno al concepto de las sombras que aún no tiene título ni fecha de estreno, aunque Wright afirma tener ya en mente el poster, el título y casi la película entera desde el momento en que se le propuso la idea. Recordemos que Dreamworks aparcó indefinidamente en un cajón un proyecto de película que se iba a titular "Me and My Shadow" (del que se habló aquí); pues bien, a pesar de que la nueva película va a tratar sobre un concepto similar, todo apunta a que no va a ser una reimaginación de aquel proyecto, sino una idea original. Recordemos que Edgar Wright va a dirigir también la adaptación de la novela "Fortunately the Milk" de Neil Gaiman para Fox, en una película que mezclará animación e imagen real y que estará protagonizada por Johnny Depp, como se relató en este enlace.

Edgar Wright

También hay novedades respecto a la película "My Little Pony the Movie" que Hasbro Studios y Lionsgate están preparando en torno a la franquicia, como ya se dijo aquí. Se ha dado a conocer concretamente la fecha de estreno, que se sitúa en el 3 de noviembre de 2017, y se sabe ahora también que el largometraje va a estar dirigido por Jayson Thiessen (My Little Pony: La Magia de la Amistad, My Little Pony: Equestria Girls) a partir de un guión de Megan McCarthy (My Little Pony: La Magia de la Amistad), que sucede en esa responsabilidad a Joe Ballarini, y cuya historia se centra en el viaje que deben emprender Twilight Sparkle, Applejack, Rainbow Dash, Pinkie Pie, Fluttershy y Raritye para salvar su hogar. Kristin Chenoweth, Tara Strong, Cathy Weseluck, Andrea Libman, Tabitha St. Germain y Ashleigh Ball son las actrices que darán su voz a los personajes principales.


La siguiente noticia se refiere a la prometedora película en 2D que bajo el título "Klaus" se está preparando desde The SPA Studios (enlace aquí): la compañía de software de animación 2D Toon Boom Animation anunció ayer que ha firmado un acuerdo de colaboración tecnológica con el estudio de Sergio Pablos, en virtud del cual ambas compañías trabajarán para integrar el producto estrella de la primera, Toon Boom Harmony, en el flujo de producción de la película, seguros de que Harmony dará a "Klaus" las imágenes visualmente bellas que necesita. En consecuencia, Toon Boom trabajará estrechamente con los equipos creativos y técnicos de The SPA Studios para llevar la línea de producción a las cotas más altas de calidad en imagen y animación, mediante el diseño de herramientas innovadoras que les permitan ejecutar su visión de la historia hasta el final de la producción y Harmony se convertirá en el principal software de animación utilizado por el estudio (el trailer original se realizó principalmente con TVPaint y herramientas propias desarrolladas por el equipo técnico de Sergio Pablos). The SPA Studios está creando una tecnología híbrida para crear imágenes con texturas e iluminación avanzadas, que sobrepasa el exclusivo desarrollo de animación en 2D, buscando soluciones que permitan superar las limitaciones técnicas de la animación tradicional pero que al mismo tiempo permitan mostrar en pantalla unas imágenes que dejen entrever un toque artesanal. La película se estrenará en 2019.


También Studio 100 Media está preparando una nueva película, que en su caso será una segunda entrega de las películas basadas en la abeja más querida por todos, con el título "Maya the Bee 2 - The Honey Games" (algo así como La Abeja Maya 2 - Los Juegos de la Miel), a estrenar entre el 2017 y el 2018. La secuela será una co-producción con el australiano Studio B Animation en asociación con Flying Bark Productions, donde Maya se aventurará más allá de la colmena junto a Willy, las hormigas Arnie y Barney y el saltamontes Flip y conocerá a nuevos amigos y adversarios a la altura de la curiosa y carismática abejita.


En lo que a series de animación se refiere, RTVE ha seleccionado cuatro proyectos de animación preescolar originales e innovadores en los que entrará a formar parte en régimen de coproducción. Se trata de  'Mya Go', 'My preschool monster', 'Tutú' y 'Cleo'. 'Mya Go', de Motion Pictures, conjuga personajes encantadores, metodología educativa y estética inconfundible en un proyecto que lleva a los niños a un mundo muy especial, el pueblo de Cadadía, junto a sus amigos Emily Comparte, Sussie Juegos y Tommy Stop; 'My preschool monster', de BigBangBox/KD Producciones, es una obra transmedia en la que dos simpáticos monstruitos (Haha y Hoho) descubren cómo cocinar un saludable plato o construir un castillo de bloques de madera con mucho humor y un importante trasfondo educativo; 'Tutú', de Ficció Producciones, cuenta las aventuras de un pequeño canguro motorizado y optimista, llamado Tutú, y sus amigos, bajo una visión integradora, positiva y natural, y usando la música bajo el método pedagógico ORFF; y con 'Cleo', de La Casa Animada, se parte de la experiencia de la primera temporada de esta serie serie cargada de valores, con una estética muy distintiva y cercana al imaginario de los pequeños - todo un éxito en Clan - presentando situaciones cotidianas desde la perspectiva de una pequeña perrita, un personaje que piensa como los niños y los ayuda a enfrentarse a las realidades del mundo de los mayores.


Además, RTVE ha llegado a un acuerdo con ZTF Enterprises para obtener los derechos de emisión de la serie de MondoTV 'Marcus Level', que permitirán hacer llegar esta serie de 52 episodios de 13 minutos a ClanTV. Dirigida a niños de 6 a 12 años, esta serie creada por el animador Ahmed Guerrouache se centra en un joven fanático de los videojuegos que accidentalmente se ve metido en su juego favorito y se verá obligado a completar sus diferentes niveles. El show se completa con un juego online que muestra cuatro mundos diferentes y 20 niveles.


Por su parte, Amazon Studios dio luz verde a principios de mes a tres nuevas series originales (dos de animación y otra, 'The Kicks', en imagen real) destinadas también a niños entre 6 y 11 años y al especial de Aardman "Shaun the Sheep: The Farmer's Llamas", del que se habló aquí, que se estrenó en Prime Video el pasado día 13, mientras que las series estarán disponibles en 2016. Las series animadas son 'Dino Dana', producida por Sinking Ship Entertainment y creada y dirigida por J.J.Johnson como continuación de la serie ganadora de un Emmy 'Dino Dan', que mezcla imagen real y cgi y que en esta nueva entrega presenta nuevas criaturas prehistóricas; y 'Lost in Oz', una comedia de animación en 3D en clave de acción y aventura que se desarrolla en la moderna y metropolitana Emerald City, donde está perdida la niña de 12 años Dorothy Gale junto a su perro Toto, desarrollada y producida por Darin Mark, Jared Mark, Abram Makowka y Mark Warshaw de Bureau of Magic (East Los High, Smallville).




Igualmente el canal Adult Swim ha dado luz verde a una nueva serie de animación en clave de comedia titulada "Dream Corp LLC". Producida por Artbelly Productions y creada por Daniel Stessen (The Gold Sparrow), es una comedia de situación realizada mediante rotoscopia que se desarrolla en unas instalaciones de terapia mediante el sueño, donde una sucesión de pacientes se dejan grabar y analizar sus sueños por el Dr. Roberts y su equipo de científicos. La sinopsis es la siguiente: "DREAM CORP LLC” es un centro de terapia experimental que crea una realidad virtual para que los pacientes se enfrenten a los problemas de su vigilia estimulando sus sueños más salvajes. Guiados por el excéntrico Dr. Roberts (Jon Gries) un equipo único de científicos documenta y guía esta investigación que cuenta sin fondos desde 1992. Como una atracción de feria pobremente conservada, el programa ha desarrollado algunos vicios cuestionables a lo largo de los años. Los pacientes cambian de semana a semana, pero a pesar de los consejos de sus seres queridos y de sus propios instintos, siempre regresan".


También se ha dado cuenta estos días de "Any Malu", una creación de los brasileños Combo Studios que se ha presentado como la primera Youtuber animada y que con 4 videos ya ha conseguido más de 63.000 suscriptores. Any Malu no destaca por ser especial: no cocina, no sirve para recomendar productos de belleza y no es muy buena en los deportes; pero como el 90% de la humanidad que tampoco destaca en los medios se identifica con algunos de sus gustos y es muy divertida. Sin embargo, ella no es el primer Youtuber animado que ha existido puesto que ya en 2010 hacía su aparición en el canal de videos Milo el actor, creado por Aniboom Animation. A continuación podéis ver a ambos youtubers ¿cuál os gusta más?:



En cuanto a próximos estrenos, el 4 de diciembre Barton Films estrenará en cines "El Secreto de Amila"(Olentzero eta Amilaren sekretua), una película de animación 3D dirigida por Gorka Vázquez, con guión de Xegundo Altolaguirre, el propio Gorka Vázquez y Roberto Alfaro, producida por Baleuko, Talape y Draftoon. La protagonista, Amila, es una niña de 9 años que por problemas de salud debe pasar varias semanas ingresada en un hospital, donde conoce a sus amigos Mai y su hermano mayor Fede, que sufre la enfermedad de los huesos de cristal, y Pelos, que espera un transplante de médula por tener leucemia; los amigos tratan de divertirse en el hospital con la complicidad de Lorentzo, el responsable de mantenimiento, hasta que en el mundo de los seres mitológicos Tasuri, un ser maligno, quiere arrebatarle el poder a Mari, la diosa de todos los seres, y para ello debe hacerse con el peine dorado de la última lamia: Amila, dando comienzo a una aventura que transcurrirá por los dos mundos. A continuación podéis ver el trailer:


Dentro de un apartado más institucional no nos faltará dar cuenta de la constitución hace diez días de la asociación "European Animation Pride Awards" (E.A.P.A.), en la que están presentes o representados más de 10 países europeos y unos 30 participantes provenientes del mundo profesional de la animación. El propósito de la asociación será organizar una ceremonia anual de entrega de premios, votados en una asamblea de profesionales de la animación europeos, que valoren la experiencia, la calidad y la diversidad de las producciones animadas, en el formato que sea, provenientes de Europa. El co-fundador de Aardman Peter Lord fue nombrado presidente de la institución, encabezando una junta en la que también se integran Jean-Paul Commin (co-fundador de la E.A.P.A., consultor y antiguo productor/distribuidor, Francia) como Secretario General, Marie Bro (Dansk Tegnefilm, Dinamarca), Didier Brunner (co-fundador de la E.A.P.A., productor en Folivari, Vice Presidente de la SPFA, Francia) y Paul Young (Cartoon Saloon, Irlanda) como Vocales, y Ton Crone (director de la Asociación de Productores Holandeses de Animación) como Tesorero, así como Olivier Catherin (director de Noranim, Francia), Doris Cloven (director de Anima Festival, Bélgica), Juan Carlos Concha (Apeman Studio, España), Fabrice Fouquet (director/storyboarder y Presidente de Agraf, Francia), Odile Perrin (Gobelins School of the Image, Francia), Stephan Roelants (Melusine productions, Luxemburgo), Michael Rose (Magic Light Pictures, Reino Unido), Luc Toutounghi (Se-Ma-For, Polonia) y Denis Walgenwitz (director y Presidente de la AFCA, Francia).

Peter Lord

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Preseleccionados 10 cortometrajes animados para los Oscar

La Academy of Motion Picture Arts and Sciences ha anunciado ya cuales son los 10 cortometrajes de animación que han sido preseleccionados, de entre 60 producciones, para entrar en la carrera de las nominaciones para los Oscar correspondientes a 2015. Son los siguientes:
  • Bear Story (Historia De Un Oso) de Gabriel Osorio (Punkrobot Animation Studio)
  • Escrito por Daniel Castro y producido por Patricio Escala, todos miembros del estudio PunkRobot creado por Osorio, es un delicado trabajo que busca combinar la emoción de su historia con una deslumbrante dirección de arte, mostrando cómo un viejo y melancólico oso cuenta su dura vida como un animal de circo. El cortometraje está hecho en 3D, si bien apela a la artesanía del stopmotion, utilizándose gran cantidad de texturas para simular figuras y objetos como si fueran reales. Ha obtenido una cuarentena de galardones en diferentes festivales de animación por todo el mundo.

  • Carface (Autos Portraits) de Claude Cloutier (National Film Board of Canada)
  • Claude Cloutier (Sleeping Betty) realiza en su séptimo cortometraje una sátira sobre la sostenibilidad de la industria petrolera a través de un musical en que los coches cantan y danzan al ritmo del "Que Sera, Sera" mientras bombean petróleo sin cesar de un desesperado planeta Tierra. Realizado de forma tradicional mediante dibujo sobre papel posteriormente coloreado en ordenador.

  • If I Was God… de Cordell Barker (National Film Board of Canada)
  • El realizador de "The Cat Came Back" (1988), "Strange Invaders" (2001) y "Runaway" (2009) deja en parte el 2D para contar por primera vez una historia mediante la técnica del stop-motion, y además mediante varias técnicas desde la animación de puppets hasta la animación con plastilina pasando por la animación con cartón y otros materiales... En el cortometraje, un joven estudiante de 12 años que se dispone a diseccionar a una rana tiene un leve accidente que le lleva a preguntarse qué haría si a partir de ese momento se le hubieran concedido poderes similares a los de un dios: ¿los usaría para el bien o para el mal? Pudiendo jugar con la vida y la muerte ¿podría crear monstruos que castigaran a aquellos compañeros que le hacen la vida imposible? ¿o crearía un día perfecto para su adorada Lily?.. Con esta premisa la película explora el paso de la infancia a la adolescencia, en que la proximidad de la edad adulta se confunde a menudo con un sentimiento de omnipotencia.

  • Love in the Time of March Madness, de Melissa Johnson y Robertino Zambrano (High Hip Productions y KAPWA Studioworks)
  • Cuenta las hilarantes y extrañas desventuras de la propia Melissa Johnson cuando en octavo grado era una joven muy alta que siendo la estrella de la cancha de baloncesto debía luchar para encontrar a su verdadero amor, en una serie de citas con hombres más bajitos que ella que provocaban las risas y las chanzas de quienes les rodeaban. Contada con honestidad y humor negro, se trata finalmente de una historia sobre la aceptación de la diferencia que convence y encandila.

  • My Home (Chez Moi), de Phuong Mai Nguyen (Papy3D Productions)
  • Es el primer cortometraje profesional de la vietnamita, establecida en París, Phuong Mai Nguyen, y lleva ya ganados unos ocho galardones. Cuenta la historia de Hugo, que se encuentra con que al siguiente día de la vuelta de su madre, toda la casa está llena de plumas negras. Realizado mediante dibujo sobre papel y coloreado digital.

  • An Object at Rest, de Seth Boyden (CalArts)
  • Este cortometraje, ganador entre otros de los Student Awards 2015 de la Academia de Hollywood, cuenta en 2D la historia de una roca a través de milenios de historia hasta que se enfrenta con el mayor obstáculo de la naturaleza: el hombre. A continuación podéis disfrutarlo completo:


  • Prologue, de Richard Williams (Animation Masterclass)
  • Realizada por el maestro responsable de "¿Quién engañó a Roger Rabbit?" y "The Thief and The Cobbler", el cortometraje es una maravilla de la animación tradicional dibujada exclusivamente a mano, esta vez con dibujos mucho más realistas. Es prácticamente un ejercicio de dibujo al natural animado, donde el animador muestra que mientras que el hombre puede hacer cosas magníficas como crear vida con su arte, también es capaz de destruir toda vida con su violencia irracional, que es presentada en el cortometraje con toda su crudeza. Y todo ello lo hace Williams con un despliegue de animación full, llena de cambios de perspectiva y variados puntos de vista, manteniendo la perfección de sus ilustraciones y del movimiento en todo momento.


  • Sanjay's Super Team, de Sanjay Patel (Pixar Animation Studios)
  • Cortometraje inspirado en la propia experiencia del realizador que comienza mostrando al joven Sanjay mientras desayuna sus cereales y viendo dibujos animados, cuando su padre hace sonar una campana llamándole a acompañarle en la meditación; poco dispuesto a agregársele, Sanjay se dejará llevar por la imaginación pensando en una antigua versión hindú de Los Vengadores, en que los dioses son como superhéroes, y a medida que ese sueño progresa Sanjay adquiere comprensión del mundo interior de su padre.

  • We Can’t Live without Cosmos, de Konstantin Bronzit (Melnitsa Animation Studio)
  • Premiado con el Cristal al Mejor Cortometraje en el Festival de Annecy de este año después de ganar el Gran Premio del Animafest de Zagreb, el último corto de Konstantin Bronzit (At the Ends of the Earth, Lavatory Lovestory) es una emotiva historia de amistad contada con ciertas dosis de humor donde dos astronautas se entrenan juntos durante mucho tiempo para lograr su objetivo común de lanzarse al espacio compartiendo la misma misión, pero las cosas no saldrán como se esperaba.

  • World of Tomorrow, de Don Hertzfeldt (Bitter Films)
  • Contado con el reconocible y sencillo estilo gráfico y el incontestable humor de Don Hertzfeldt, que obtuvo el Premio del Jurado en el Festival de Sundance y otros 36 galardones, presenta la historia de una niña que es abducida por su propio clon del futuro, la cual le muestra cómo la humanidad tratará de vencer a la muerte mediante todo tipo de avances, como clonaciones sucesivas, la posibilidad de traspasar la conciencia individual a una caja negra, viajes temporales, etc.. sólo para constatar que la muerte es inevitable y que el hecho de demorarla hasta extremos inconcebibles tan solo logra hacer la vida más insoportable y más falta de sentido. Más que preocuparse por el futuro, hay que disfrutar el ahora.

Las nominaciones se anunciarán el 14 de enero del año que viene.

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martes, 17 de noviembre de 2015

"Somos Osos" en Boing

El canal Boing ofrecerá a partir del 28 de noviembre la serie de animación "Somos Osos", la exitosa producción estadounidense creada por Daniel Chong para Cartoon Network, que la estrenó en julio de este año. El piloto de la serie hizo su premiere en el KLIK! Amsterdam Animation Festival, donde recibió el premio en la categoría "Audiencia Joven de Amsterdam".


Basada en el webcomic del mismo Daniel Chong, la serie sigue en clave de comedia a tres osos hermanos - Pardo, Panda y Polar - y a sus intentos de integrarse en el mundo humano en el área de la Bahía de San Francisco, asumiendo que para vencer las dificultades se tienen los unos a los otros para apoyarse. Pardo es el hermano mayor, un líder simpático, carismático y muy motivado para estar al cargo y proponer planes, cuyas ideas no siempre son las más brillantes, pero cuya falta de sentido común se compensa con su energía, entusiasmo y confianza en sí mismo; Panda vive muy intensamente pero siempre pegado a Internet o a su teléfono móvil, y sus estados de ánimo son tan extremos que si algo le hace feliz es muuuuuuuy feliz, pero si está triste ve el mundo como el lugar más gris e inhóspito del Universo; y Polar es un oso de pocas palabras y algo impredecible que normalmente sigue a sus hermanos sin más, pero suele encontrar soluciones prácticas muy eficaces y tiene muchos talentos ocultos en montones de disciplinas: desde la cocina hasta las artes marciales, pasando por las tareas domésticas. En sus andanzas los osos coincidirán regularmente con Chloe, una niña prodigio que con 12 años ya está en la universidad y cuyas asignaturas preferidas son biología y zoología, por lo que disfruta estando con los osos; así como con Nom-Nom, un koala que es toda una celebridad en Youtube, y Charlie el Big Foot, un ser del bosque que ningún humano prácticamente ha visto pero que para los osos es sólo un vecino algo molesto y charlatán que aparece sin avisar, se bebe sus refrescos y asalta la nevera.
Daniel Chong describe la serie como una historia sobre la aspiración que todos tenemos por encajar y por encontrar un lugar en el mundo. Lo cómico es que los osos tratarán de encajar en la sociedad humana sin pertenecer a ella; no podrán ocultar que no son humanos, tienen instintos animales y todavía desean lo que desean los osos, pero aún así quieren encajar. Otro obstáculo que se van a encontrar será la tecnología: esta va a formar parte de la vida de los osos, pero al igual que sirve para acercarnos también provoca aislamiento y distancia entre unos y otros en muchos aspectos.


lunes, 16 de noviembre de 2015

A la animación le toca el Gordo

El anuncio de la Lotería de Navidad 2015 por primera vez no va a estar protagonizado por actores de carne y hueso, sino por personajes animados en 3D. Así es en la campaña creada por la agencia de publicidad Leo Burnett, que está protagonizada por Justino, un guardia nocturno de seguridad en una fábrica de maniquíes. Al trabajar en el turno de noche nunca coincide con sus colegas de trabajo, pero irónicamente pasa sus noches rodeado de figuras humanas. Su soledad y sus ganas de compartir le llevan primero a interactuar con los propios maniquíes, y más tarde a comunicarse a través de ellos con sus compañeros del turno de mañana. Llega la Navidad y en su afán por hacer cosas por los demás, Justino se llegará a olvidar de sí mismo pero el destino querrá que sus compañeros no se olviden de él. A continuación podéis ver el anuncio:


Como el año pasado, la solidaridad y el compañerismo están detrás del mensaje principal de la campaña, que de nuevo tiene como protagonista a alguien que no pudo comprar el décimo de Navidad, pero que al final ve en los compañeros la recompensa de compartir. Según Juan García-Escudero, creador del anuncio, "quisimos buscar una historia que fuera muy especial, y la clave para eso es tener un buen personaje. En narrativo es muy importante que los personajes tengan un anhelo, y por eso buscamos a un personaje que por alguna razón no pudiera compartir con los demás".
La música del anuncio también es un elemento clave ya que carece de diálogos. La canción, titulada 'Nuvole Bianche', está compuesta por Ludvico Einaudi y arreglada por Joan Martorell.
Según Loterías y Apuestas del Estado, la agencia de publicidad Leo Burnett ha elegido a la productora española Blur, la británica Passion Pictures y la estadounidense Against All Odds para crear el primer anuncio de animación de la Lotería; Blur Producciones habría intervenido para crear la parte audiovisual de la campaña, y la productora española ha elegido a Passion Pictures y Against All Odds para el proyecto de animación. En todo caso, según se desprendería de algunas imágenes del making of de la campaña donde aparecen mensajes de correo y nodos de 3D con la firma del estudio sueco Milford, parecería que no podría excluirse la participación en el desarrollo de la animación de este estudio creativo con base en Estocolmo especializado en CGI y animación que ha trabajado en otras conocidas campañas de publicidad. El making of  lo podéis ver a continuación:


Por otra parte, la campaña no ha olvidado la importancia de las Redes Sociales. De este modo, la fábrica de maniquíes 'El Pilar' tiene su propio perfil en Facebook; Justino tiene su propia cuenta en Instagram; y se puede seguir el día a día de la fábrica en su website.

ACTUALIZACIÓN: Milford Film & Animation confirmó ayer en su página de Facebook que les corresponde la autoría de la animación tras la campaña de la lotería de Navidad: "Ved nuestra última producción para la Lotería española.A lo largo de los años hemos hecho cientos de trabajos de animación de personajes pero tenemos que decir que este es un proyecto único. No es habitual tener la oportunidad de hacer un anuncio comercial de más de 3 minutos completamente en cg. Estamos muy orgullosos de nuestro fantástico equipo que ha hecho una gran película en sólo 3 meses". También la agencia de publicidad Leo Burnett acabó aclarando en una nota que trabajaron con el estudio de animación sueco Milford; la razón: "Nos decantamos por el equipo que consideramos más idóneo por toda una serie de motivos: timing, compromiso de cumplimiento de fechas, operatividad, aspectos técnicos, especialización en animación publicitaria, excelencia, etc."


domingo, 15 de noviembre de 2015

Phantom Boy

Jacques-Rémy Girerd fundó en 1981 el estudio Folimage como un centro de creación donde casi todo fuera posible, logrando crear una verdadera fábrica de la imagen animada basada en el talento y la imaginación de una centena de artistas y técnicos. El estudio devino así un centro especializado en la animación cuyo valor principal es la creación de autor, lo que viene reforzado por la preocupación del estudio por la formación de jóvenes talentos. El resultado es que las producciones de Folimage pueden ofrecer múltiples estilos narrativos y gráficos que responden al sello personal de su realizador, mostrando una riqueza de expresiones artísticas que no estamos tan acostumbrados a ver en la uniformidad de estilo de las producciones de Hollywood. Es en este marco en el que se ha desarrollado la poética y tierna  "Phantom Boy", un proyecto de Alain Gagnol y Jean Loup Felicioli, que ya sorprendieron gratamente en 2010 con "Une Vie de Chat", coproducido entre Francia y Bélgica, por Folimage, Lunanime y France 3 Cinéma.


Dirigida por el dúo Gagnol-Felicioli a partir de un guión del mismo Alain Gagnol y bajo los diseños de Jean Loup Felicioli, la historia narrada en "Phantom Boy" empieza cuando un misterioso gángster con la cara desfigurada hiere de gravedad al inspector de policía que le sigue, Álex, que es ingresado en el hospital; allí, donde no tiene libertad de movimientos por tener la pierna inmovilizada, el inspector conoce a Léo, un paciente de once años con vocación de detective que tiene el poder de salir de su cuerpo en forma de un fantasma, invisible a todos, capaz de volar y atravesar paredes. Con la ayuda de Leo y de la intrépida periodista Marie, Álex buscará frustrar los planes del gángster que le atacó y que amenaza a la ciudad con un virus informático capaz de provocar un fallo en todos sus sistemas.
En 1954 Alfred Hitchcock ofrecía en una de sus mejores películas, "La Ventana Indiscreta", el relato de un fotógrafo con alma detectivesca que estaba convencido de poder destapar un crimen que sospechaba que se había producido en el edificio de enfrente, pero al estar postrado en una silla de ruedas por estar convaleciente con una pierna rota, no podía hacer mucho más que comunicarse por teléfono y contar con sus amigos a partir de lo que veía desde su ventana. La película de Gagnol y Felicioli revisita en cierta medida esa premisa, aunque en este caso se introduce un original elemento mágico que permite al inspector franquear los límites de las paredes donde se encuentra inmovilizado y ver más allá de lo que le ofrecen las ventanas: el joven Leo, a pesar de estar también físicamente encerrado en el hospital por una grave enfermedad que le obliga a estar sometido a un tratamiento químico, es capaz de proyectarse y salir como un fantasma fuera de su cuerpo, aunque es invisible y no puede tocar nada ni hacer nada, salvo hablar a través de la boca de su cuerpo físico y observar todo lo que pasa fuera del hospital; Léo se convierte así en la ventana de Álex, que a través del teléfono y con la ayuda de su joven amigo y de la periodista Marie, podrá afrontar la amenaza del villano.


Alain Gagnol se inspiró para su guión en los cómics de superhéroes de la editorial Marvel creados por Stan Lee en la década de los 60, de los que admira la creación de héroes muy cercanos y muy humanos. Es así que el heroísmo del joven Léo no está en realidad tanto en sus superpoderes, como en el hecho muy humano de tener que hacer frente a una grave enfermedad y a pesar de ello enfrentarse a la adversidad ayudando a los demás, tanto a los pacientes del hospital como al detective y a su intrépida periodista. En todo caso la enfermedad de Léo no se convierte en una circunstancia de la que Gagnol abuse para introducir un exagerado dramatismo en la historia, sino que el realizador prefiere decantarse, en favor del agradecido espectador, por la aventura y ciertas dosis de buen humor.
La producción de Gagnol y Felicioli se basa en la animación, impecable y delicada, de personajes y fondos dibujados a lápiz sobre papel y coloreados a mano con ceras a un régimen de 12 dibujos por segundo, dibujos que aunque posteriormente fueran retocados por ordenador, conservan el trazo de los lápices y de los colores. Por ello la producción se dilató durante cinco años, pero el resultado es de una belleza incontestable. A destacar los planos de la ciudad de Nueva York, reproducida bajo un prisma colorista y cálido y a la vez muy personal.
"Phantom Boy" se estrenará en los cines españoles el 22 de junio del 2016, si bien el que escribe ha podido disfrutar de su preestreno en el marco de El Meu Primer Festival, y sólo queda decir que es altamente recomendable.

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sábado, 14 de noviembre de 2015

La animación Alternativa llega a Barcelona

La 22ª edición del Festival de Cinema Independent de Barcelona, L'Alternativa, da su inicio en Barcelona a partir del lunes 16 de noviembre ofreciendo a los espectadores la oportunidad seguramente única de conocer producciones que de otra manera suelen quedar ocultas o que no acceden fácilmente a las salas de proyecciones del cine más comercial, pero que son un buen ejemplo de la creatividad, la diversidad y el compromiso mostrados a través del cine.
L'Alternativa tiene dos secciones competitivas, Largometrajes y Cortometrajes, y si bien no parece llegada la hora de que el cine de animación pueda competir en su sección de Largometrajes, a pesar de que no faltan producciones independientes que podrían llenar ese hueco, sí que vamos a tener la oportunidad de disfrutar de proyectos animados peculiares en su sección oficial de Cortometrajes, aunque la animación tiene en realidad reservada una mayor presencia en las demás secciones paralelas del festival.
En la sección oficial Cortometrajes podremos encontrar las siguientes producciones relacionadas con la animación:
  • Quimtai, de Camilo Colmenares
  • Quimtai es el film de graduación de Camilo Colmenares (Bogotá, 1976), formado en la Escuela de Cine de la Universidad Nacional de Colombia y en la Academia de Artes Digitales de Colonia. El realizador propone un juego de formas abstractas, patrones, ritmos y sonidos basados en patrones precolombinos de las culturas indígenas tairona y quimbaya de Colombia, ahora extinguidas.

  • Immer Müder (Siempre Cansado), de Jochen Kuhn
  • Jochen Kuhn (Wiesbaden, 1954) es un pintor, realizador, guionista y fotógrafo formado en la Academia de Bellas Artes de Hamburgo y actualmente es profesor en la Academia de Cine de Baden-Württemberg. Considerado uno de los nombres de la animación alemana, ha creado un lenguaje cinematográfico personal fuertemente influenciado por el arte de la pintura y a menudo y a menudo acompañado por comentarios entre lo lacónico y lo humorístico. "Immer müder" se abre con imágenes muy cotidianas, y va progresando hacia situaciones cada vez más grotescas, y finalmente ensoñadoramente surreales, sobre el cansancio de un hombre de avanzada edad, llegando a la conclusión de que realmente todos estamos horriblemente cansados.
https://vimeo.com/124914516
  • Dark Mixer, de Irotoshi Iwasaki 
  • Hirotoshi Iwasaki (Ibaraki, 1981) se graduó en la Universidad de las Artes de Tokio con un máster en artes contemporáneas. Dark Mixer plantea una mezcla oscura de partes animales y humanas que nos puede llevar a ver la vida cotidiana de un modo distinto. Basándose en el concepto de la transmigración, definida como la encarnación después de la muerte, el realizador asimila el fenómeno a la mezcla de varios materiales en una oscura batidora, en un proceso que contiene a la vez la muerte y el renacimiento, el bautismo y la recurrencia a condiciones sin forma, que se disuelven y coagulan.

  • The Women and Earth Series, de Rosanna Wan
  • Rosanna Wan (Middlesex) hizo un máster en Animación en el Royal College of Art de Londres y se graduó con este film que contiene tres cuentos acerca de la relación entre una mujer y la tierra de la que depende, su anhelo terrenal y su pertenencia.

En las secciones paralelas l'Alternativa une también este año fuerzas con la organización de El Meu Primer Festival (enlace aquí) para proponer conjuntamente dos sesiones de cine de animación para el público más pequeño y dos talleres familiares.
En cuanto a las sesiones de cine infantil se trata específicamente de la sesión 'Abracadabra!', que ofrece una selección de cortometrajes cuyo nexo de unión es la utilización de trucos de magia, juegos visuales y altas dosis de creatividad como herramienta para dejar volar la imaginación, con clásicos como Segundo de Chomón y Dave Fleischer y producciones más contemporáneas; y en segundo lugar la sesión 'Poesía Animada', construida sobre una colección de 13 cortometrajes de tres minutos de duración que dan libertad creativa a una serie de jóvenes realizadores franceses para que adapten gráficamente una elección de poemas de Jacques Prévert y Robert Desnos.
Por lo que respecta a los talleres, se ofrece la posibilidad de realizar una película con Rodolfo Pastor, el célebre realizador de animaciones en plastilina, de origen argentino pero con base en Barcelona, cuyo personaje más conocido y querido es el champiñón Capelito; y en segundo lugar un taller poético de animación que, bajo el nombre 'El Taller de los Flipbooks', e impartido por el ilustrador Rafa Castañer del colectivo A Home in Progress Film, propone una iniciación a la realización de cine de animación donde cada participante dibuja su propio flipbook, mediante una particular técnica que consiste en dejar que los rotuladores manchen el papel.

Finalmente, también en el espacio de proyecciones gratuitas de l'Alternativa Hall la animación va a tener una presencia notable. De una parte, en las sesiones 'Hall Invita' se van a proyectar ocho cortometrajes de Isabel Herguera e Izibene Oñederra, dos referentes internacionales del cine de animación experimental cuyos trabajos son emblemáticos de lo que podría llamarse el “espíritu Arteleku”, tanto en su vertiente colaborativa como en sus estéticas autorales.


De otra parte, en las sesiones 'Hall Selecciona' se ofrece un total de 66 films reunidos siguiendo hilos conductores temáticos y estéticos o puras intuiciones, donde la animación tiene una presencia discreta. Se podrán ver 11 cortometrajes animados: "Bon Voyage" de Fabio Friedli, sobre el drama de los emigrantes; "The Right Way" de Emilio Yebra; "Worm" de Becky James; "L'Arca de Noé" de Laura Ginès; "Opowieść o lesie"(De un bosque) de Katarzyna Melnyk; "Eclipse" de Jacky De Groen; "Shut Up Moon", de Gudrun Krebitz; "Refoulement", de Carol-Ann Belzil-Normand; "SimGyeong"(Espejo en mente) de SeungHee Kim; "Chulyen, Histoire de Corbeau" de Cerise Lopez y Agnès Patron; y "Sonámbulo" de Theodore Ushev.

Podéis encontrar información completa sobre el festival en este enlace.